Montréal

Avant-Garde / Jazz Fusion

Suoni Per Il Popolo : Sun Ra Arkestra

by Rédaction PAN M 360

L’Arkestra continue à vivre avec Sun Ra via des plans alternatifs et va honorer la scène de l’Eglise St. Denis avec une nuit de magie intergalactique exubérante. Venez être bénis, guéris, captivés et transportés. Des chaussures de danse seront peut-être nécessaires.

Sun Ra, compositeur de jazz, chef d’orchestre et philosophe énigmatique, a laissé une marque indélébile sur le jazz d’avant-garde dans les années 1960, aux côtés d’autres sommités telles qu’Ornette Coleman, John Coltrane et Albert Ayler. Sa musique et son mode de vie non conventionnels ont fait de lui l’une des figures les plus controversées de son époque, puisqu’il prétendait appartenir à la “race des anges” de Saturne et développait un personnage complexe centré sur sa “philosophie cosmique” et sa poésie lyrique. Sun Ra, pionnier de l’afrofuturisme, prêchait la conscience et la paix par-dessus tout et s’est fermement imposé comme une icône du mouvement.

Après avoir abandonné son nom de naissance, Sun Ra a pris plusieurs autres noms tout au long de sa carrière, dont Le Sony’r Ra et Sonny Lee. Il a nié tout lien avec son nom de naissance, insistant sur le fait qu’il s’agissait d’une personne imaginaire qui n’a jamais existé. Du milieu des années 1950 jusqu’à sa mort en 1993, Sun Ra a dirigé l’Arkestra, un ensemble dont la composition et le nom changeaient constamment, reflétant la nature changeante de sa musique. L’Arkestra allait des solos de clavier aux big bands de plus de 30 musiciens et abordait pratiquement toute l’histoire du jazz, du ragtime à la musique swing, du bebop au free jazz. Sun Ra a également été un pionnier de la musique électronique, de la musique spatiale et de l’improvisation libre, et a été l’un des premiers musiciens, tous genres confondus, à utiliser massivement les claviers électroniques.

The Arkestra lives on with Sun Ra via alternate planes and is gonna grace the stage at Eglise St. Denis with a night of exuberant intergalactic magic. Come be blessed, healed, enthralled and transported. Dancing shoes might be needed.

Sun Ra, the enigmatic jazz composer, bandleader, and philosopher, left an indelible mark on avant-garde jazz in the 1960s alongside other luminaries such as Ornette Coleman, John Coltrane, and Albert Ayler. His unconventional music and unorthodox lifestyle made him one of the most controversial figures of his time, as he claimed to be of the “Angel Race” from Saturn and developed a complex persona centred around his “cosmic philosophy” and lyrical poetry. Sun Ra‘s pioneering of Afrofuturism preached awareness and peace above all else and firmly established him as an icon of the movement.

After abandoning his birth name, Sun Ra took on several other names throughout his career, including Le Sony’r Ra and Sonny Lee. He denied any connection with his birth name, insisting that it was an imaginary person who never existed. From the mid-1950s until he died in 1993, Sun Ra led The Arkestra, an ensemble with an ever-changing lineup and name that reflected the ever-changing nature of his music. The Arkestra ranged from keyboard solos to big bands of over 30 musicians and touched on virtually the entire history of jazz, from ragtime to swing music, from bebop to free jazz. Sun Ra was also a pioneer of electronic music, space music, and free improvisation and was one of the first musicians, regardless of genre, to use electronic keyboards extensively.

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classique

FMCM – Obsession : Tchaïkovsky et sa muse

by Rédaction PAN M 360

En guise d’apothéose de cette 28e édition du FMCM, nous avons créé un programme unique, qui montre le génie de Tchaïkovski et l’influence féminine sur ses créations.

Michèle Marchand, conceptrice de ce spectacle, a passé au peigne fin les quelque 700 lettres retrouvées de la correspondance intime échangée entre Tchaïkovski et madame von Meck. Il en résulte une collection d’échanges poignants qui mettent en lumière les pensées de Tchaïkovski et révèlent le message émotionnel qui se cache derrière la musique que vous entendrez.

Au programme, deux chefs-d’œuvre : son Trio op. 50 et son sextuor « Souvenir de Florence » dans une transcription pour ensemble à cordes créée par notre Directeur artistique Denis Brott spécialement pour l’occasion et réunissant dix-sept exceptionnels virtuoses.

As the grand finale of the 28th MCMF, we create a unique program showing Tchaikovsky’s genius and the feminine influences behind it.

Michèle Marchand has combed through more than 700 letters of intimate communication between Tchaikovsky and Nadezhda von Meck. The chosen letters create an enticing script. The result is a collection of poignant exchanges which highlight Tchaikovsky’s thoughts and reveal the emotional message of the man behind the music.

On the program are two masterworks: Tchaikovsky Trio Op. 50 and his remarkable sextet Souvenir de Florence in a transcription created especially for this concert by our Artistic Director, Denis Brott for a string ensemble featuring 17 exceptional virtuosi.

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Folk

Suoni Per Il Popolo : Katie Moore et James Forest

by Rédaction PAN M 360

James Forest, auteur-compositeur-interprète, producteur et multi-instrumentiste polyvalent, n’est pas étranger à l’exploration. Né au Québec, il a parcouru le monde, cherchant l’inspiration dans des contrées lointaines comme l’Inde, le Pakistan et l’Europe. S’inspirant de ses expériences profondes, il tisse une tapisserie de sons, de mots et d’émotions qui vous transportent dans des lieux réels et éthérés. Avec son approche cinématographique distincte, les compositions de Forest résonnent profondément, s’adressant directement au cœur de votre être. Originaire de Montréal, au Québec, Katie Moore s’est imposée comme une figure de proue de la scène musicale canadienne. En tant qu’artiste solo et collaboratrice de groupes renommés tels que Socalled, Patrick Watson et Feist, sa voix éblouissante et son écriture sincère ont été largement acclamées. Sa musique tisse gracieusement des éléments de folk, d’alt-country, de bluegrass et d’Americana, créant une tapisserie de sons intemporels et évocateurs. Chaque chanson est un mélange exquis de simplicité et de profondeur, la voix de Moore guidant la lumière à travers des paysages émotionnels.

​​James Forest, a versatile singer-songwriter, producer, and multi-instrumentalist, is no stranger to exploration. Born in Quebec, he has traversed the globe, seeking inspiration in far-flung corners like India, Pakistan, and Europe. Drawing from his profound experiences, he weaves a tapestry of sounds, words, and emotions that transport you to real and ethereal places. With his distinct cinematic approach, Forest’s compositions resonate deeply, speaking directly to the core of your being. Hailing from Montreal, Quebec, Katie Moore has established herself as a prominent figure in the Canadian music scene. As a solo artist and collaborator with renowned acts such as Socalled, Patrick Watson, and Feist, Moore’s stunning voice and heartfelt songwriting have garnered widespread acclaim. Her music gracefully weaves together elements of folk, alt-country, bluegrass, and Americana, creating a tapestry of timeless and evocative sound. Each song is an exquisite blend of simplicity and depth, with Moore’s voice guiding light through emotional landscapes.

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Alt-Pop / Hip Hop

Suoni Per Il Popolo : Strange Froots, Fy0re et Ju!ce

by Rédaction PAN M 360

Strange Froots est un duo composé de Mags et Naïka Champaïgne, qui se sont rencontrées lors d’un atelier organisé par des femmes pour encourager les jeunes femmes à s’exprimer musicalement. Leur musique est une fusion de différentes influences musicales et de milieux issus de la même diaspora noire. Elles véhiculent l’idée que chacun doit s’approprier ce qu’il est, peu importe ses origines ou ce qu’il vit. La musique de Fyore peut être décrite comme un mélange de pop alternative et d’indie pop, avec des paroles qui reflètent ses expériences de découverte de la vie adulte à travers une lentille d’anxiété. Sur scène, elle respire la vulnérabilité et la douceur. JU!CE est un artiste polyvalent d’origine haïtienne qui crée une musique inspirée par l’espace et les jeux vidéo. Ce sont des beatmakers autodidactes, des artistes numériques, des chanteurs et des DJ de hip-hop, appelés à élever les vibrations de leurs auditeurs et à encourager la créativité. Leurs créations comprennent des collages numériques, des peintures et de la musique de jeu, créant une expérience d’un autre monde pour leur public.

Strange Froots is a duo consisting of Mags and Naïka Champaïgne, who came together during a women-run workshop to encourage young women to express themselves musically. Their music is a fusion of different musical influences and backgrounds from the same Black diaspora. They convey that everyone should embrace who they are, no matter where they come from or what they’re going through. Fyore’s music can be described as a mix of alternative pop and indie pop, with lyrics that reflect her experiences of discovering adult life through an anxiety-driven lens. On stage, she exudes vulnerability and sweetness. JU!CE is a multi-talented artist of Haitian descent who creates music inspired by space and video games. They are self-taught beatmakers, digital artists, singers, and hip-hop DJs, called to raise the vibrations of their listeners and encourage creativity. Their creations include digital collages, paintings, and gaming music, creating an otherworldly experience for their audience.

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Chaâbi

Nesraf au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Le « Nesraf » est un mouvement rythmique et mélodique dans la musique chaâbi et andalouse. Ce terme signifie le départ et fait référence aux personnes qui ont immigré au fil des ans. C’est grâce à elles que ce patrimoine a pu être chanté, partagé et perpétué dans les quatre coins du monde.

Le groupe Nesraf, composé de plusieurs musiciens et de chanteurs, est la concrétisation d’une dizaine d’année d’amitié et de collaborations artistiques. Ensemble, ils partagent une grande passion, celle de «la musique Chaâbi». Le groupe a eu l’occasion de se concrétiser lors de sa participation à la 24 ème édition du festival de musique du Maghreb (Nuits d’Afrique).

Ce style de musique dont le précurseur n’est autre que l’illustre El Hadj Mohamed El Anka qui l’avait popularisé au début des années 30 est la musique populaire algéroise par excellence. C’est la musique des rues, des cafés et des cérémonies.

Que ce soit en arabe algérien ou en kabyle, le groupe Nesraf revisite des classiques de la musique chaâbi, auxquels il rajoute des arrangements et des sonorités diverses, il nous propose ainsi, à chacune de leur prestation, une promenade musicale riche en rythmes et en mélodies.


“Nesraf” is a rhythmic and melodic movement in chaâbi and Andalusian music. The term means departure and refers to the people who have immigrated over the years. It is thanks to them that this heritage has been sung, shared and perpetuated in the four corners of the world.

The Nesraf group, made up of several musicians and singers, is the culmination of a decade of friendship and artistic collaboration. Together, they share a passion for Chaâbi music. The group had the opportunity to make its mark when it took part in the 24th edition of the Maghreb music festival (Nuits d’Afrique).

This style of music, whose precursor was none other than the illustrious El Hadj Mohamed El Anka, who popularized it in the early 30s, is the popular music of Algeria par excellence. It’s the music of the streets, cafés and ceremonies.

Whether in Algerian Arabic or Kabyle, the Nesraf group revisits chaâbi classics, adding a variety of arrangements and sonorities to each of their performances, offering us a musical promenade rich in rhythms and melodies.

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classique

FMCM : Le Quatuor Isidore avec Philip Chiu

by Rédaction PAN M 360

Le FMCM s’est donné pour mission d’encourager les meilleurs talents au monde. Tout récent récipiendaire du Premier Prix du Concours international de quatuor à cordes de Banff en 2022, le Quatuor à cordes Isidore interprète la musique qui lui a valu une reconnaissance internationale. En plus de ce grand prix, l’ensemble a remporté le Prix Haydn et le Prix de la meilleure interprétation de l’œuvre commandée pour l’occasion. Lors de cet exceptionnel concert du 17 juin, il collaborera avec le gagnant d’un Prix Juno 2023, le pianiste virtuose canadien Phillip Chiu. 


Fresh from their 1st Prize win at the 2022 Banff International String Quartet Competition, the Isidore Quartet performs music that garnered them international recognition. In addition to their grand prize, they won the Haydn Prize and the prize for the best performance of the commissioned composition. For this exceptional concert, they will be collaborating with 2023 Juno Award winner, Canadian and virtuoso pianist Philip Chiu.

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Pop / Rock

The Cure au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

De tous les groupes qui ont émergé dans le sillage immédiat du punk rock à la fin des années 70, peu ont été aussi durables et populaires que The Cure. Dirigé par le guitariste/chanteur Robert Smith, le groupe s’est d’abord fait connaître par ses chansons lentes et lugubres et par le look exagérément gothique de Smith, une image publique qui a souvent caché la diversité de la musique de The Cure. Au début, ils jouaient des chansons pop déchiquetées et nerveuses, avant d’évoluer lentement vers un groupe plus texturé. C’est l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, mais au moment où le gothique s’est imposé au milieu des années 80, les Cure avaient évolué vers un son plus soigné et plus réfléchi (même s’il était encore souvent déprimant). À la fin des années 80, le groupe est entré dans le courant dominant, non seulement dans son pays natal, l’Angleterre, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe. Après avoir embrassé la mélodie et la pop synthétisée sur The Head on the Door (1985), le groupe atteint un sommet artistique avec l’épopée Disintegration (1989), d’une beauté et d’une douleur stupéfiantes, et se classe pour la première fois dans les charts britanniques avec Wish (1992). La production de nouveaux albums s’est quelque peu ralentie, mais The Cure est resté une attraction populaire dans les années 2000 et au-delà, et son influence s’est clairement fait sentir sur de nombreux nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.

Out of all the bands that emerged in the immediate aftermath of punk rock in the late ’70s, few were as enduring and popular as the Cure. Led through numerous incarnations by guitarist/vocalist Robert Smith, the band initially became well-known for its slow, gloomy dirges and Smith’s exaggeratedly gothic look, a public image that often hid the diversity of the Cure’s music. At the outset, they played jagged, edgy pop songs before slowly evolving into a more textured outfit. They were one of the bands that built the foundations for goth rock, but by the time goth caught on in the mid-’80s, the Cure had moved toward a more polished and thoughtful (if still often depressing) sound. By the end of the ’80s, the band had crossed over into the mainstream not only in their native England, but also in the United States and in various parts of Europe. After embracing melody and synth pop on 1985’s The Head on the Door, the band hit an artistic high-water mark with their stunningly pained and beautiful 1989 epic Disintegration, and scored their first number one album on the U.K. charts with 1992’s Wish. New studio output slowed somewhat as the band soldiered on, but the Cure remained a popular concert draw into the 2000s and beyond, and their influence could be heard clearly on scores of new bands in the new millennium, including many that had little to do with goth.

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Jazz

Lancement d’album: Tevet Salsa Quartet au Upstairs

by Rédaction PAN M 360

Un concert de célébration pour la sortie du nouvel album de Tevet – ‘Live at the Rex’. Enregistré lors d’une résidence d’une semaine au club de jazz Rex (Toronto). L’album capture une performance authentique et de bon goût, pleine de sagesse, d’émotion et d’histoires.

A celebration concert for the release of Tevet’s new album – ‘Live at the Rex’. Recorded during a week-long residency at the Rex jazz club (Toronto). The album captures a tasteful and authentic performance, full of wisdom, emotion and storytelling.

RÉSERVATIONS PAR TÉLÉPHONE AU 514-931-6808

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Jazz

FMCM : Hommage à Oliver Jones

by Rédaction PAN M 360

Le nom d’Oliver Jones est synonyme des plus grands noms de la musique jazz. Comme celle de son ami et compatriote montréalais Oscar Peterson, l’empreinte d’Oliver Jones est indéniable. À 88 ans, il a joué avec les plus grands et inspiré des générations d’interprètes de jazz et de mélomanes. Ce concert lui rendra hommage d’une manière tout à fait particulière. Réunissant des membres de son ancien quatuor de jazz, la soirée sera une jam session unique en son genre ! 

The name of Montreal-born Oliver Jones is synonymous with the greatest in jazz music. Along with his Montreal compatriot and buddy Oscar Peterson, the stamp of Oliver Jones is undeniable. At 88, he has played with the greatest and inspired generations of jazz performers and music lovers. On this night he will be honoured in a totally unique way. With performances by former members of his jazz quartet, this evening will be a jam session like no other.

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musique de chambre

FMCM : Quatuor Isidore

by Rédaction PAN M 360

Lauréat d’une bourse de carrière Avery Fisher en 2023 et du 14e concours international de quatuor à cordes de Banff en 2022, le quatuor à cordes Isidore, basé à New York, a été formé en 2019 avec la vision de revisiter, redécouvrir et revigorer le répertoire. Le quatuor est fortement influencé par le Juilliard String Quartet et l’idée d'” aborder l’établi comme s’il était nouveau, et le nouveau comme s’il était fermement établi “.

Winners of a 2023 Avery Fisher Career Grant, and the 14th Banff International String Quartet Competition in 2022, the New York City-based Isidore String Quartet was formed in 2019 with a vision to revisit, rediscover, and reinvigorate the repertory. The quartet is heavily influenced by the Juilliard String Quartet and the idea of ‘approaching the established as if it were new, and the new as if it were firmly established.’

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Avant-Garde / Electronic

Suoni Per Il Popolo : No Hay Banda&Tomomi Adachi et Patrick Graham&Sarah Pagé

by Rédaction PAN M 360

NO HAY BANDA est un organisme montréalais qui se consacre à la production, à l’interprétation et à la présentation de musique ancrée dans des pratiques exploratoires et d’avant-garde. Grâce à des tournées et à une série de concerts annuels à Montréal, NO HAY BANDA offre un espace aux artistes qui travaillent en marge des genres établis pour réaliser des projets qui n’auraient pas vu le jour autrement. NO HAY BANDA collabore avec Tomomi Adachi pour la première de son nouvel opéra, Body without Organs (with Organ).


Le percussionniste Patrick Graham et la harpiste / interprète de koto Sarah Pagé ont une connexion musicale étonnante, voire étrange, dans laquelle leurs mondes sonores acoustiques et électroniques s’équilibrent tout en faisant preuve d’une multitude d’influences et d’approches compositionnelles. Les deux ont suivi une formation similaire en musique classique occidentale, sont diplômés des mêmes écoles – à dix ans d’intervalle – et partagent une passion pour la musique japonaise qu’ils ont tous deux étudié assidûment. Expérimentateurs infatigables, il et elle s’efforcent de réinventer leurs instruments à travers des traitements électroniques et des capteurs personnalisés, tout en explorant leur amour mutuel des textures acoustiques à travers des accordages et installations d’instruments innovants.

NO HAY BANDA is collaborating with Tomomi Adachi to premiere his new opera, Body without Organs (with Organ). Performed in a church, the grand acoustic atmosphere is considered part of the ensemble.

Percussionist Patrick Graham and harpist/ koto player Sarah Pagé have an unusually coincidental, even eerie, musical connection that balances the worlds of acoustic and electronically manipulated sounds while displaying multitudinous influences and compositional approaches. The pair share backgrounds in Western classical music, graduating from the same schools ten years apart, and a passion for Japanese music, which they have both studied extensively. They are vigorous experimenters, striving to re-imagine their instruments through electronic treatments and custom pick-ups while exploring their mutual love of acoustic textures with innovative tunings and instrument installations.

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Experimental / Contemporary / Folk / Free Jazz / Neoclassical

Suoni Per Il Popolo : Dolman/Rossy/Jobin et Terry Hron Solo et Duo avec Pamela Reimer

by Rédaction PAN M 360

Dolman/Rossy/Jobin est un trio expérimental basé à Montréal qui comprend Aaron Dolman (batterie, compositions et paroles), Sarah Rossy (voix) et Eugénie Jobin (voix et vibraphone). La motivation du groupe à explorer des sons et des formes singulières s’inspire de plusieurs traditions musicales, notamment le jazz, l’improvisation libre, la musique de chambre, le minimalisme, l’avant-garde et la musique folklorique nord-américaine. L’instrumentation minimaliste du groupe exploite les pouvoirs expressifs des percussions et de la voix humaine en tant que vecteurs primordiaux du rythme, de la mélodie, de la poésie et du chant. Le résultat est une qualité sonore à la fois intimement familière et rafraîchissante. Avec un accent pédagogique et performatif sur la pratique collaborative et la notation dans l’art de la performance multimédia, Terri Hron présentera un solo suivi d’un duo avec la pianiste Pamela Reimer ; un classique expérimental et conceptuel à son plus haut degré de raffinement.

Dolman/Rossy/Jobin is a Montreal-based experimental trio that includes Aaron Dolman (drums, compositions and lyrics), Sarah Rossy (voice) and Eugénie Jobin (voice and vibraphone). The group’s eagerness to explore unfamiliar sounds and forms is informed by several musical traditions, notably Jazz, free improvisation, chamber music, Minimalism, the avant-garde and North American folk music. Their distinctly minimalistic instrumentation harnesses the uniquely evocative qualities of percussion and the human voice as primordial conveyors of rhythm, melody, poetry and song. With a pedagogical and performative emphasis on collaborative practice and scoring in multimedia performance art, Terri Hron will be performing a solo set followed by a duo with pianist Pamela Reimer; experimental, conceptual classical at its most refined.

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