Avant-Garde / installation / japon / percussions

Festival FLUX : Nakatani Gong Orchestra, Tatusuya Nakatani solo et ARTS CARE

by Rédaction PAN M 360

Tatsuya Nakatani

Tatsuya Nakatani est un percussionniste d’avant-garde, un compositeur et un artiste sonore. Actif sur la scène internationale depuis les années 1990, Nakatani a publié plus de 80 enregistrements et effectué de nombreuses tournées, donnant plus de 150 concerts par an. Il se consacre principalement à son travail en solo et à son projet de grand ensemble, le Nakatani Gong Orchestra. Il donne des classes de maîtres et des conférences dans les universités et les conservatoires de musique du monde entier. Originaire du Japon, il vit dans la ville désertique de Truth or Consequences, au Nouveau-Mexique. Grâce à ses activités dans les domaines de la musique nouvelle, de l’improvisation et de la musique expérimentale, Nakatani multiplie les collaborations.
La musique de Nakatani est centrée sur un gong adapté pour être joué à l’archet, soutenu par un ensemble de tambours, de cymbales et de bols chantants. Avec ses archets Kobo qu’il sculpte à la main, il a consacré des décennies à affiner et développer son univers sonore, tel un agencement de formations vibratoires, enchâssées dans des strates scintillantes de silence et de texture. Au cœur de cette œuvre contemporaine, on perçoit encore le rythme dramatique, l’élégance formelle et l’espace (ma) caractéristiques de la musique traditionnelle japonaise.

Tatsuya Nakatani is an avant-garde percussionist, composer, and artist of sound. Active internationally since the 1990s, Nakatani has released over 80 recordings and tours extensively, performing over 150 concerts a year. His primary focus is his solo work and his large ensemble project, the Nakatani Gong Orchestra. He teaches master classes and lectures at universities and music conservatories around the world. Originally from Japan, he makes his home in the desert town of Truth or Consequences, New Mexico. With his activity in new music, improvisation, and experimental music, Nakatani has a long history of collaboration.
Nakatani’s distinctive music centered around his adapted bowed gong, supported by an array of drums, cymbals, and singing bowls. In consort with his personally hand-carved Kobo Bows, he has spent decades refining and developing his sound as an arrangement of formations of vibrations, incorporated in shimmering layers of silence and texture. Within this contemporary work, one can still recognize the dramatic pacing, formal elegance and space (ma) felt in traditional Japanese music.

Les musicien.ne.s de cette édition du Tatsuya Nakatani Gong Orchestra seront:

Geneviève Ackerman
Miel Azevedo
Annabelle Chouinard
Oscar Coyoli
Marilou Craft
Susanna Hood
Atsushi Ikeda
Chloe Jackson-Reynolds
Pablo Jimenez
Jean Néant aka Joni Void
Shota Nakamura
Roxanne Nesbitt
Fahmid Nibesh
Élise Paradis
Christelle Saint-Julien
Tahlia Stacey

The musicians for this edition of the Tatsuya Nakatani Gong Orchestra will be:

ARTS CARE

ARTS CARE est une installation sonore interactive de l’artiste interdisciplinaire Jesse Stewart qui sera exposée dans le hall de la Sala Rossa avant le concert du Nakatani Gong Orchestra. Des gongs-lettres en aluminium épelant les mots « ARTS » et « CARE » résonneront grâce à l’instrument de musique à usage adapté (AUMI), conçu à l’origine par la compositrice et improvisatrice américaine Pauline Oliveros. Les visiteur.rice.s sont invité.e.s à se mouvoir autour de l’œuvre en se déplaçant dans le champ de vision d’un iPad équipé de l’AUMI détectant les mouvements et les convertissant en impulsions électriques qui sont ensuite envoyées à des percuteurs mécaniques. Ces derniers font vibrer les gongs-lettres en réponse aux déplacements des visiteur.rice.s.

ARTS CARE is an interactive sound installation by interdisciplinary artist Jesse Stewart that will be on display in the lobby of the Sala Rossa during this concert. Aluminum letter-gongs that spell the words “ARTS” and “CARE” are activated by the Adaptive Use Musical Instrument (AUMI), originally conceived by American composer, improviser, and humanitarian, Pauline Oliveros. Visitors are invited to engage with the work by moving within the field of view of an AUMI-equipped iPad that detects motion and converts it into electrical impulses that are sent to mechanical strikers that will play the letter-gongs in response to visitors’ movements.

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Experimental / Contemporary / Industrial / no-wave / Shoegaze

Festival FLUX : Phew et Celestial Cabbage Foundation

by Rédaction PAN M 360

Phew

Phew, également connu sous le nom de Hiromi Mortani, est une musicienne basée à Kanagawa, au Japon. Alors qu’elle était à la tête de Aunt Sally, l’un des premiers groupes punk d’Osaka, Phew a joué un rôle essentiel dans le développement de la scène musicale underground japonaise. L’œuvre de Phew couvre un large éventail de sons expérimentaux : des hymnes de synthétiseurs no-wave, des sons poétiques, shoegaze et industriels, ou encore des drones sinistres et incandescents. Depuis les années 1970, la voix dynamique et irrésistible de Phew, ainsi que son engagement en faveur d’une expérimentation sans entrave, ont contribué à définir les sonorités de la musique d’avant-garde, tant au Japon qu’à l’étranger.

Phew, otherwise known as Hiromi Mortani, is a musician based in Kanagawa, Japan. While fronting Aunt Sally, one of Osaka’s earliest punk groups, Phew played a critical role in developing Japan’s underground music scene. Phew’s oeuvre spans a vast array of experimental sounds: from no-wavey synth-hymns; to poppy, shoegazing, industrial undertones; to eerie incandescent drones. Since the 1970s, Phew’s dynamic, compelling voice, and her commitment to unfettered experimentation has been critical in shaping the sound of avant-garde music both in Japan and internationally.

Celestial Cabbage

Celestial Cabbage Foundation, composée de Maya Kuroki et Sarah Pagé, accompagnées de Joni Void, propose un mélange expérimental de voix avec des paysages sonores psychédéliques cultissimes à base de voix et d’éléments bruitistes.

Celestial Cabbage Foundation, consisting of Maya Kuroki and Sarah Pagé, accompanied by Joni Void, delivers an experimental blend of vocals featuring cultish psychedelic vocal-based soundscapes and noise elements.

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Électronique / scifi-turntablism

Festival FLUX : SlowPitchSound et Bana Haffar

by Rédaction PAN M 360

SlowPitchSound

SlowPitchSound est un compositeur primé, un mentor et un explorateur du son et de l’image basé à Toronto, avec plus de vingt ans d’expérience. Il a collaboré avec de brillant.e.s créateur.rice.s issu.e.s d’un large éventail de disciplines, dont l’opéra, le jazz, la musique classique, la musique électronique, le théâtre et la danse. Son style unique de production musicale, autoproclamé « scifi-turntablism », a été présenté sur les scènes du monde entier, notamment au Canada, en Australie, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Suède, en Allemagne et à Taïwan. Passionné par la profondeur et le détail dans son travail, SlowPitchSound est fortement inspiré par la nature, l’espace et la science-fiction dystopique. Son approche de la création et de la présentation de la musique comprend le turntablism, le sampling en direct et le field recording.

SlowPitchSound is an award winning Toronto-based composer, mentor, and explorer of sound & visuals with over two decades of experience. He has collaborated with brilliant creators from a wide range of disciplines including opera, jazz, classical, electronic music, theatre and dance. His unique style of music production, self proclaimed as “scifi-turntablism”, has been featured on stages around the world including Canada, Australia, USA, United Kingdom, France, Sweden, Germany and Taiwan. With a passion for depth and detail in his work, SlowPitchSound is heavily inspired by nature, outer space, and dystopian sci-fi. His approach to making and presenting music includes turntablism, live sampling and field recordings.

Bana Haffar

Bana Haffar est une compositrice de musique électronique vivant à Montréal, au Canada. Elle travaille avec des motifs, du design sonore et du séquençage basé sur des échantillons, cherchant à relier les univers sonores et les motifs à divers systèmes non musicaux. En 2014, Bana a fondé, avec Eric Cheslak, Modular on the Spot à Los Angeles, et en 2021, elle a co-fondé le Beirut Synthesizer Center au Liban.

Bana Haffar is an electronic music composer living in Montreal, Canada. She works with patterns, sound design, and sample based sequencing, attempting to relate sound worlds and patterns to various non-musical systems. In 2014 Bana, together with Eric Cheslak, founded Modular on the Spot in Los Angeles and in 2021 she co-founded the Beirut Synthesizer Center in Lebanon.

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classique / Piano

OSM : L’impérial Concerto pour piano no 5 de Beethoven

by Rédaction PAN M 360

En y introduisant d’audacieuses innovations, Beethoven engage son ultime Concerto pour piano dans la voie du romantisme. Quant à la relation qui s’instaure entre le soliste et l’orchestre, elle reflète la position du compositeur dans la société du XIXe siècle, un artiste indépendant s’opposant parfois au monde qui l’entoure. L’énergie et la puissance présentes chez Beethoven animent également la Symphonie n^o5 de Sibelius, une œuvre lumineuse, au ton souvent conquérant.

Through its bold innovations, Beethoven’s last piano concerto opened a new path to musical Romanticism. The relationship he instilled between soloist and orchestra mirrors his social status in the 19th century: that of an independent artist sometimes at odds with the world around him. The drive and intensity of Beethoven’s Emperor Concerto also enliven Sibelius’ Symphony no. 5, a radiant work that is often triumphant in character.

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classique

Successful Start to The OSM Season

by Alexis Desrosiers-Michaud

The Orchestre symphonique de Montréal opened its 91st season this week with Arnold Schoenberg’s rare and impressive Gurrelieder, to mark the 150th anniversary of his death.

This is a rare and impressive work, due to the sheer number of performers required: a very large orchestra (on Friday, for example, there were 7 trombones and 14 double basses), 6 soloists and a huge choir; in other words, between 300 and 350 performers for a duration of around 1 hour 45 minutes.

The Gurrelieder (pronounced Gourrelider) is one of Schoenberg’s last compositions before his breakthrough three years later, and the reason for his worldwide fame. By way of background, in 1913 with Pierrot Lunaire, he broke away from the system on which all composers had written since Bach, to treat sounds separately rather than according to the notion of scale, or tonality. To situate the reader, the Gurrelieder are halfway between Richard Wagner’s aesthetic for melodies and themes and that of Richard Strauss for orchestration. The poems are written by Danish poet Jans Peter Jacobsen, and tell the story of King Waldemar, who falls in love with Tove. His jealous bride, Dove Waldemar, causes Tove’s death. Furious, the king rages against God, whom he blames for making the event happen. The king then raises an army of the dead who, for one night, sow terror and destruction.

The first thing you notice is Rafael Payare’s incredible accompaniment skills. Constantly attentive, he manages to ensure that the huge orchestra follows the melodic line sung by the soloists with great precision. With such a large orchestra, it’s only natural that the soloists should be buried here and there, but it’s during the purely instrumental moments that we see just how restrained and attentive the musicians were. Seeing this, we’re already looking forward to the concert versions of Mozart’s operas he’ll be conducting later this season.

Speaking of soloists, two stand out; Clay Hilley (tenor, Waldemar) and Karen Cargill (alto, Dove). The former excels with clear melodic lines and convincing stage presence, and the latter is downright terrifying in announcing Tove’s death at the end of the first part. Slowly but surely, her single intervention led brilliantly into a tragic B-flat minor chord in the trombones. Her deep voice was so touching that we couldn’t even measure the length of this lied, so carried away were we. Honorable mention to Ben Heppner (narrator); by far the most audible above the orchestra.

After more than an hour of music, the choir entered the stage, and despite the distance between us, we were surprised by the men’s first, powerful “Holà”. In crisp German and surgical accuracy, they offered us another sublime moment when accompanied by a few musicians (woodwinds and trombones). Symbolizing the army of the dead, the men’s chorus with low brass brought us a rare, long moment of calm. This kind of open passage is dangerous when the sound mass has been dense for a long time; it was mastered.

This concert would have been excellent without it, but we thought it would be interesting to add a lighting effect, the cherry on top of the sundae. This addition immersed the audience in the spirit of the story, helping them to follow its course. Depending on character and emotion, the background lighting changed subtly or drastically, without ever suddenly catching our eye. A perfectly justified exception was the end of the work, where at sunrise, the entire auditorium was illuminated in a majestic apotheosis.

Photo: Antoine Saito

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Arabic / Blues / Rock

Festival du monde arabe : Dendana, aux dunes de Paris

by Rédaction PAN M 360

À la croisée des influences blues, rock et de musique traditionnelle, le chanteur algérien DenDana retrace son exil en France, jalonné de rencontres décisives, tout en reprenant les chansons de son patrimoine saharien. Un périple musical aux émotions contagieuses et aux textes d’une rare poésie.

Blending blues, rock and traditional music, Algerian singer DenDana performs songs from his Saharan heritage while reflecting on his time in France and his major influences. Join us for a musical journey fuelled by passionate emotions and breathtaking lyrics.

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Arabic / immersion / Opera

Festival du monde arabe : Sainte Marine, opéra immersif

by Rédaction PAN M 360

À la fois opéra ultramoderne, réflexion spirituelle et lettre d’amour féministe, cette œuvre lyrique tridimensionnelle revisite avec une invention sans pareille la figure de Sainte-Marine, cette femme qui s’est travestie toute sa vie pour pouvoir être moine maronite au Liban. Présenté à la satosphère de la S.A.T, ce spectacle, fruit de la collaboration entre trois conceptrices avant-gardistes, Marie-Annick Béliveau, Katia Makdissi-Warren et Charlie Poirier-Bouthille, est une occasion rare de vivre, dans un univers immersif, une expérience sonore, visuelle et humaine des plus riches.

Part ultramodern opera, part spiritual reflection, part feminist love letter, this multifaceted work reimagines the story of Saint Marina, a fifth-century Lebanese woman who lived as a man among Maronite monks. Presented in the innovative S.A.T. Satosphère modular theatre, this show is the result of a collaboration between three renowned avant-garde artists: Marie‑Annick Béliveau, Katia Makdissi‑Warren and Charlie Poirier‑Bouthillette. Don’t miss this rare opportunity to engage in a richly immersive aural, visual and emotional experience.

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Arabic / Chaâbi / Jazz / Pop

Festival du monde arabe : Jazz à la Malika Zarra

by Rédaction PAN M 360

La pionnière enchanteresse du jazz moderne maghrébin est de retour au FMA pour un spectacle qui irradie de lumière! Avec sa voix mezzo-soprano, veloutée et sinueuse, elle réserve au public ses plus belles improvisations teintées d’influences chaâbi, berbère et gnawa. Forte d’une compréhension aiguë des mélodies, Malika Zarra s’est imposée comme une créatrice agile qui glisse entre les rythmes et jongle avec les spécificités de chaque langue. Un univers sonore unique nourri d’improvisations exquises et à la liberté musicale désinhibante.

The pioneer of modern Maghreb jazz returns to the FMA for an enchanting show that radiates light! With her velvety, sinuous mezzo-soprano voice, Malika Zarra masterfully blends inspired jazz techniques with chaabi, Berber and Gnawa influences. A virtuoso of musical phrasing, Zarra is a shapeshifting artist who glides effortlessly between styles and languages, creating a unique sonic world filled with freewheeling rhythms and exquisite improvisations.

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Electronic / Experimental / Contemporary

Festival Akousma : Soirée 2 – Bloc_1

by Rédaction PAN M 360

Frédéric Janelle (ca)

Né à Sherbrooke en 1981, Frédéric déménage à Montréal en 1999 pour y étudier la composition musicale assistée par ordinateur. Il débute ensuite une carrière en sonorisation et, de 2006 à 2009, étudie la composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal. Il puise son inspiration dans la technologie et sa vision du futur.

Frédéric was born in Sherbrooke in 1981. He moved to the Montreal area in 1999 to study computer-assisted musical composition. He then began a career as a sound engineer and studied electroacoustic composition at the Montreal Conservatory of Music from 2006 to 2009. Frédéric draws his inspiration from technology and his visions of the future.

Programme

L’Oracle (2024) 8’41”
Les visions de l’Oracle.

Program

L’Oracle (2024) 8’41”
The Visions of the Oracle.

Monique Jean (ca)

Je suis toujours à la recherche d’une matière sonore prégnante, rêche et énergétique, dans l’idée que la matérialité des sons donne accès à la sensation, et génère à la fois du sensible et du sensé.
Plus précisément, mes recherches impliquent la spatialisation sur dôme de haut-parleurs, les métamorphoses continues du flux sonore ainsi que l’imprévisibilité et l’imperfection dont le vivant a le secret et que je retrouve dans l’improvisation sur mon dispositif no-input du projet Miss Take.

Be it electroacoustic music, mixed music, sound installations or improvisations, the music of Monique Jean is engaging a present that happens now. She focuses on the tensions, fractures, and shocks of sound materials to transmute reality into poetry. She works on sound materials as if they were complex organisms animated by forces that keep them in constant evolution.
Since 2012, in search of a harsh, raw sound, she has been integrating analogue and no-input elements to her set-up as sources of instability and unpredictability.
Her works have been selected by several competitions and performed and broadcast in several national and international concerts and festivals, including Multiphonies (Paris, France), Akousma (Montréal), Sonorities (Belfast, Northern Ireland), NYCEMF (New York, USA), The San Francisco Tape Music Festival (USA), Ai-maako (Santiago, Chile), and Elektra (Montréal). In 2012, she was invited for a residency at Fondation Civitella Ranieri in Umbertide (Italy).

Programme

Tumultes 15’ (2024)
Malgré les barrages, murs, censures et autres verticalités qui découpent l’horizon du quotidien, persister à demeurer à l’écoute en tentant de se frayer un chemin jusqu’à toi – ici ou ailleurs, dans le près ou le lointain.
Inspirées des œuvres de d’Adania Shibli (Un détail mineur) et d’Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).
Réalisé avec le soutien du programme Recherche et exploration de PRIM et du CAC.

Program

Tumultes 15’ (2024)
Despite the barriers, walls, censorship and other verticalities that cut the horizon of everyday life, persist in remaining attentive by trying to find a way to you – here or elsewhere, near or far.
Inspired by the works of Adania Shibli (Un détail mineur) and Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).
Produced with the support of the Research and Exploration program of PRIM and the CAC.

Manja Ristić (hr)

Manja Ristić, née à Belgrade en 1979, est violoniste, artiste sonore, poète, commissaire d’exposition et chercheuse. Elle est diplômée de l’Académie de musique de Belgrade (2001), puis du Royal College of Music de Londres, où elle a obtenu le PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). En tant que soliste classique et chambriste, compositrice et musicienne d’improvisation, elle s’est produite dans toute l’Europe et aux États-Unis, en collaboration avec des chefs d’orchestre, des interprètes, des artistes multimédias, des poètes et des metteurs en scène de théâtre et de cinéma reconnus.
Les recherches de Ristić liées au son, outre la performance contemporaine dans le domaine de l’électroacoustique instrumentale, se concentrent sur les approches interdisciplinaires de l’enregistrement sonore et de terrain ainsi que sur les arts radiophoniques expérimentaux.
Lauréate de plusieurs prix prestigieux pour la musique classique soliste et de chambre, lauréate de l’Académie Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, elle détient une mention honorable des Phonurgia Nova Awards et un Golden Award pour les médias étendus de l’Association des Beaux-Arts de Serbie. Elle est membre fondatrice du CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.

Manja Ristić, born in Belgrade in 1979, is a violinist, sound artist, published poet, curator, and researcher. She graduated from the Belgrade Academy of Music (2001), then awarded at the Royal College of Music, London, with PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). As a classical solo and chamber musician, as well as a composer and an improv musician She has performed all across Europe and in the US, involving collaborations with established conductors, performers, multimedia artists, poets, and theatre/film directors. Ristić’s sound-related research besides contemporary performance in the field of instrumental electro–acoustics, is focused on interdisciplinary approaches to sound and field recording as well as experimental radio arts.
The winner of several distinctive awards for solo and chamber classical music, laureate of the Academy Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, holds an honorable mention from the Phonurgia Nova Awards, and a Golden Award for the extended media from the Association of Fine Artists of Serbia. She is a founding member of CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.

Programme

ghosts (2024) 20’
Comment aborder le paysage d’une dévastation sévère et une longue histoire de guerre ?
Dans l’œuvre ghosts, j’utilise des instruments obsolètes – un synthétiseur modulaire EMS Synthi 100, une roue de fauteuil roulant abandonnée récupérée dans la mer Adriatique et le piano tombé en désuétude qui appartenait au conceptualiste, cinéaste, improvisateur, photographe, environnementaliste et écrivain autrichien – Karl Katzinger, alias John Tylo (octobre 1953 – avril 2021).
À côté de ces éléments du passé et de leurs voix redécouvertes, j’intègre le traitement en direct d’enregistrements d’hydrophones et de terrain, d’objets trouvés et de champs électromagnétiques, provenant de plusieurs endroits, en me les appropriant à travers le discours du tourisme critique et d’une culture de la mémoire – plus spécifiquement en écoutant les souvenirs inhérents à la dévastation environnementale et à la guerre – dans le sud de l’Adriatique, sur la côte atlantique et dans les régions frontalières tchéco-autrichiennes de l’ancienne ceinture du rideau de fer, y compris la région des anciens camps de travail de Mauthausen-Gusen.

Program

ghosts (2024) 20’
How do we approach the landscape of severe devastation and a dense history of warfare?
In the work ghosts I am using obsolete instruments – a modular synthesizer EMS Synthi 100, a discarded wheelchair wheel salvaged from the Adriatic Sea, and the piano fallen in disuse which belonged to the Austrian conceptualist, filmmaker, improviser, photographer, environmentalist, and writer – Karl Katzinger aka John Tylo (October 1953 – April 2021).
Next to these elements of the past and their voices rediscovered, I am incorporating live processing of hydrophone and field recordings, found objects, and electromagnetic fields, from several locations, appropriating them through the discourse of critical tourism and a culture of memory – more specifically through listening to the inherent memories of environmental devastation and warfare – in the South Adriatic, on the Atlantic coast, and the Czech-Austrian borderlands former Iron Curtain belt, including region of former Mauthausen–Gusen working camps.

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Ce contenu provient du festival Akousma et est adapté par PAN M 360

classique

Quatuor Molinari : Événement-bénéfice annuel

by Rédaction PAN M 360

Le Quatuor Molinari est heureux d’annoncer la tenue de son événement-bénéfice annuel le mardi 5 novembre 2024 à 18h à la Fondation Molinari au 3290, rue Sainte-Catherine Est à Montréal. En participant à l’événement-bénéfice, non seulement vous soutenez les activités du Quatuor, mais cette soirée vous donnera le privilège d’entendre les musiciens du Quatuor en toute intimité, de participer à un tirage et à un encan silencieux tout en savourant les bouchées et les bons vins du cocktail dînatoire. Une soirée des plus agréables!
Réservez dès maintenant vos places en appelant au 514-527-5515 ou en écrivant au [email protected]
Concert surprise!

The Molinari Quartet is pleased to announce that it will be holding its annuel fundraiser event on Tuesday November 5 2024 at 6 pm at the Guido Molinari Foundation, 3290, Ste. Catherine street East, Montréal.
By participating in this event, you will not only support the activities of the Molinari Quartet but will also have the chance to hear an intimate concert, participate in a silent auction and a drawing, and enjoy delicious food and wine!
A great evening!
Reserve now your places by calling 514-527-5515 or writing to [email protected]
Surprise concert!

Ce contenu provient du Quatuor Molinari et est adapté par PAN M 360

latino / musique du monde / Traditional

Tarikuna au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Tarikuna est un groupe de musique basé à Montréal, composé de musiciens originaires de Bolivie, du Pérou et de l’Équateur. Certains membres sont nés au Canada, tandis que d’autres sont des immigrants. Le groupe explore et interprète des rythmes autochtones traditionnels tels que le Wayno (Bolivie, Équateur, Pérou), le San Juanito (Équateur), le Tinku (Bolivie) et les Raymis (Équateur). Il est diversifié, comprenant une chanteuse et des musiciens jouant des instruments andins tels que la Zampoña, la Quena, des percussions, une guitare, une basse, un bandolin (instrument équatorien), un violon et un charango. Le projet de Tarikuna vise à partager la riche culture autochtone de la Bolivie, du Pérou et de l’Équateur avec la société québécoise-canadienne. Ils souhaitent transmettre leurs sentiments et leur respect pour la nature, car leurs communautés ont intégré l’esprit des Andes bien avant la colonisation de l’Amérique du Sud.

Tarikuna is a Montreal-based music group featuring musicians from Bolivia, Peru and Ecuador. Some members were born in Canada, while others are immigrants. The group explores and interprets traditional native rhythms such as Wayno (Bolivia, Ecuador, Peru), San Juanito (Ecuador), Tinku (Bolivia) and Raymis (Ecuador). The group is diverse, comprising a singer and musicians playing Andean instruments such as the Zampoña, Quena, percussion, guitar, bass, bandolin (Ecuadorian instrument), violin and charango. Tarikuna’s project aims to share the rich indigenous culture of Bolivia, Peru and Ecuador with Quebec-Canadian society. They wish to pass on their feelings and respect for nature, as their communities integrated the spirit of the Andes long before the colonization of South America.

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classique / noël

OSM : Le temps des fêtes avec Nagano

by Rédaction PAN M 360

Œuvre emblématique du temps des fêtes, Casse-Noisette de Tchaïkovski séduit petits et grands grâce à son ambiance féérique et ses sonorités scintillantes. Profonde et chaleureuse, la voix de Marie-Nicole Lemieux illuminera ce concert dans la création mondiale d’une œuvre du compositeur canadien Matthew Ricketts. En cadeau, les célèbres Quatre saisons de Vivaldi données dans une orchestration tout à fait innovante!

That emblem of the holidays, Tchaikovsky’s The Nutcracker, delights all ages with its air of magic and its sparkling sounds. The rich, warm voice of Marie-Nicole Lemieux as she performs the world premiere of a work by Canadian composer Matthew Ricketts also lights up the concert. And yet another gift, Vivaldi’s beloved Four Seasons, will be played in a completely new orchestration!

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360