Montréal

Chaâbi / Gnawa / Rumba

Festival international Nuits d’Afrique : Labess au National

by Rédaction PAN M 360

La carrière internationale de Labess fait la fierté de Nuits d’Afrique, là même où tout a commencé pour lui dans les années 2000, alors qu’il enchaînait les prestations au Balattou et levait systématiquement la main pour assurer les premières parties de figures comme Salif Keita ou Idir. Authentique et résolument spontané, Labess est de ceux qui saisissent leur guitare sur le vif, prêts à faire vibrer quelques cordes au détour d’une allée, pour le simple plaisir de partager la musique. Bourlingueur invétéré, animé par l’esprit libre des gens du voyage, il parcourt le monde sur les traces des rythmes d’ascendance africaine. Infusée de chaâbi, de gnaoua, de rumba, de flamenco et de sonorités manouches, sa guitare — tour à tour mélancolique et euphorique —, sublimée par sa voix éraillée, donne naissance à une musique profondément métissée, où les mots oscillent « entre réalisme lucide et grand espoir » (RFI, 2025), et où la fête finit toujours par l’emporter. Il a marqué les esprits lors de sa dernière apparition au festival, l’an dernier, signant un retour retentissant à Montréal.

Labess’s international career is a source of pride for Nuits d’Afrique, where it all began for him in the 2000s when he performed regularly at the Club Balattou and was always ready to open for more established artists like Salif Keita and Idir. Authentic and resolutely spontaneous, he doesn’t hesitate to grab his guitar on a whim to strum a few chords by an alleyway, for the simple pleasure of sharing music. Driven by an innately nomadic spirit, this inveterate globetrotter travels the world seeking out music rooted in Africa to bring together a rich blend of musical traditions infused with Chaâbi, Gnawa, rumba, flamenco and Manouche rhythms. His guitar playing—at times melancholic or euphoric—accompanied by his gritty voice give rise to a style where lyrics oscillate “between lucid realism and great hope,” (RFI, 2025) but in which a festive atmosphere always prevails. He left a lasting impression at last year’s Festival, presaging a resounding return this summer.

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Ce contenu provient du Festival international Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360

Africa / Jazz Fusion / Kora

Festival international Nuits d’Afrique : Zal Sissokho et Laurent Perrault-Jolicoeur au Club Balattou

by Rédaction PAN M 360

Vibrations croisées entre les cordes de la kora et celles de la contrebasse, Racines est l’histoire intime d’une rencontre lumineuse entre le griot sénégalais Zal Sissokho et le jazzman montréalais Laurent Perreault-Jolicoeur. À fleur de peau et empreintes de complicité, leurs compositions forment « une conversation vivante entre l’Afrique de l’Ouest et l’Amérique du Nord » (RFI, 2025), un happening atmosphérique, captivant et hors du temps, où la mémoire mandingue et l’instantanéité du jazz se répondent avec poésie et élégance. Racines est un album de 11 morceaux, paru en 2025 sous l’étiquette Disques Nuits d’Afrique.

Resonating vibrations between the kora’s strings and those of the double bass, Racines is the sweet fruit of a magical encounter between griot Zal Sissokho and jazz musician Laurent Perreault-Jolicoeur. Intimate and imbued with a sense of complicity, their collaboration forms “a lively exchange between West Africa and North America,” (RFI, 2025), creating an evocative experience where Mandinka tradition and the spontaneity of jazz come together with poetry and elegance. Released in 2025 under the Nuits d’Afriques label, Racines contains 11 spellbinding and timeless tracks.

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Electro-Pop / Pop

Ariana Grande au Centre Bell

by Rédaction PAN M 360

Avec plus de 115 milliards d’écoutes en ligne dans le monde et 30 milliards aux États-Unis, ainsi que 70 millions d’albums vendus à travers le monde, Ariana Grande est l’une des artistes les plus populaires de sa génération. Elle est l’artiste féminine dont les chansons ont été les plus écoutées sur Spotify, l’artiste ayant obtenu le plus grand nombre de numéros 1 au Billboard Hot 100 cette décennie (7, à égalité) et a remporté deux disques de diamant de la RIAA. Son dernier album, eternal sunshine, est devenu l’album numéro 1 le plus longtemps classé de sa carrière au Billboard 200, tout en produisant plusieurs titres classés en tête du Hot 100.
La tournée “The Eternal Sunshine” marque le retour d’Ariana sur scène après six ans d’absence, suite à sa tournée mondiale Sweetener  qui a battu tous les records en attirant plus de 1,3 million de fans lors de près de 100 concerts. Cette nouvelle tournée fait la promotion de son septième album studio, Eternal Sunshine, sorti le 8 mars 2024.

With over 115 billion global streams and 30 billion U.S. streams, along with 70 million albums sold worldwide, Ariana Grande stands as one of the most successful artists of her generation. She is the female artist with the most billion-streamed songs in Spotify history, the artist with the most No. 1 hits on the Billboard Hot 100 this decade (7, tie), and has earned two RIAA Diamond singles. Her latest release, eternal sunshine, became the longest-running No. 1 album of her career on the Billboard 200, while also producing multiple Hot 100 chart-toppers.
‘The Eternal Sunshine Tour’ marks Ariana’s first return to the stage in six years following her record-breaking Sweetener World Tour, which drew more than 1.3 million fans across nearly 100 shows. The new tour supports her seventh studio album, Eternal Sunshine, released on March 8, 2024.

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Baroque / classique / Opera

Violons du Roy : Didon et Énée à la Maison symphonique

by Rédaction PAN M 360

Le chef-d’œuvre absolu de Purcell
Composé vers 1689, Dido and Æneas de Henry Purcell demeure l’un des sommets du théâtre musical baroque. En moins d’une heure, le compositeur anglais déploie une tragédie d’une intensité déchirante, où chaque note porte le poids du destin. 
L’histoire d’un amour impossible 
Didon, reine de Carthage, accueille le prince troyen Énée après la chute de Troie. Leur amour naissant est brisé par l’intervention de forces maléfiques qui convainquent Énée de poursuivre sa destinée vers l’Italie. Abandonnée, Didon choisit la mort plutôt que de vivre sans son amour. 
Le lamento : un sommet d’émotion 
Le lamento final, « When I am laid in earth », compte parmi les pages les plus bouleversantes de toute l’histoire de la musique. Sur une basse obstinée descendante, Didon fait ses adieux à la vie avec une dignité tragique qui émeut depuis plus de trois siècles. Ema Nikolovska incarne cette reine déchue, soutenue par Tyler Duncan dans le rôle d’Énée et Magali Simard-Galdès en Belinda, la confidente.
Purcell et le monde mythologique 
Trois extraits de The Indian Queen forment un prologue qui situe l’action dans un monde mythologique. Bernard Labadie dirige La Chapelle de Québec et Les Violons du Roy dans cette production qui réunit les forces vocales et instrumentales pour donner vie à l’une des plus grandes tragédies lyriques du répertoire baroque. 

Purcell’s absolute masterpiece
Composed around 1689, Henry Purcell’s Dido and Aeneas remains one of the pinnacles of Baroque musical theater. In less than an hour, the English composer unfolds a tragedy of heartbreaking intensity, where every note carries the weight of destiny.
The story of an impossible love
Dido, Queen of Carthage, welcomes the Trojan prince Aeneas after the fall of Troy. Their budding love is shattered by the intervention of evil forces who convince Aeneas to pursue his destiny in Italy. Abandoned, Dido chooses death rather than life without her love.
The lament: a peak of emotion
The final lament, “When I am laid in earth,” is one of the most moving pieces in the entire history of music. Over a descending bass line, Dido bids farewell to life with a tragic dignity that has moved audiences for more than three centuries. Ema Nikolovska embodies the fallen queen, supported by Tyler Duncan as Aeneas and Magali Simard-Galdès as Belinda, her confidante.
Purcell and the mythological world
Three excerpts from The Indian Queen form a prologue that sets the action in a mythological world. Bernard Labadie conducts La Chapelle de Québec and Les Violons du Roy in this production, which brings together vocal and instrumental forces to bring to life one of the greatest lyrical tragedies in the Baroque repertoire.

Programme

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (En version concert, avec prologue reconstruit par T. Dart et M. Laurie)

Program

H. PURCELL
Dido and Æneas, Z. 626 (Concert version, with prologue reconstructed by T. Dart and M. Laurie)

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Africa / cirque / Kora

Nuits d’Afrique 2026 | Senny Camara and Yamoussa Bangoura Join their Strings

by Sandra Gasana

It has become a tradition over the years; the Night of the Kora is a must-see on my summer schedule. And this year was special because I knew I would be seeing Senny Camara again, who had performed at Club Balattou in February as part of a duo with the grand master of the kora, Zal Sissokho.

With an opening act featuring Yamoussa Bangoura—a multidisciplinary artist and founder of Productions Kalabanté—he set the stage perfectly for what was to come. Starting with an entirely instrumental piece, the following songs were accompanied by vocals—sometimes very soft, sometimes very rhythmic, and a mix of both.

Most of the pieces were taken from their two shows, “Afrique en cirque” and “Won’Ma Africa,” which they have performed in the United States and elsewhere. They are also preparing a show as part of the 40th edition of the Nuits d’Afrique International Festival with the entire troupe on July 14. Yamoussa also shared his very first original composition on the kora with us, before taking us on a journey to New Zealand, a country he is particularly fond of.

But it was during his song for Karim—one of his acrobat brothers who has been paralyzed for two years following a mosquito bite—that the audience got goosebumps. We were treated to an acrobatic performance by three members of the Kalabanté troupe before the intermission, which announced Senny Camara as the second-half act.

She took the stage wearing a colourful basin-print boubou, like a queen taking her seat on her throne. Although she had just landed in Montreal a few hours before the show, she treated us to a performance worthy of the name, playing several tracks from her 2024 album Yéné, as well as songs from Boolo—which means “Unity” in Wolof—released in 2020.

“Before going on stage, I broke a string on my kora. It’s being a bit temperamental today, so we’ll have to be patient with it,” she told us while tuning her instrument between songs.

Just as she did at her concert in February, the artist draws inspiration from humanity, wondering why we hurt one another if people are the cure for one another. This is the theme she explores in the song “Niit,” before inviting Zal Sissokho on stage for a song—the surprise of the evening.

“It’s thanks to him that I’m here tonight,” she tells us, referring to the man she considers her mentor and for whom she has great respect.

The concert concluded with Yamoussa and Senny on stage, taking us on a journey between Senegal and Guinea, with moments of improvisation and connection just the way we like them. Despite suffering from jet lag, Senny Camara rose to the challenge brilliantly: he treated us to a “Night of the Kora” filled with sensitivity and humility.

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Art Rock / Folk Rock / Indie Rock

POP Montréal 2026 : Charlotte Cornfield, Heaven 4 Real et Pony Girl à La Sotterenea

by Rédaction PAN M 360

Charlotte Cornfield

Hurts Like Hell, le premier album de Charlotte Cornfield chez Merge Records paru le 27 mars 2026, est l’album le plus ouvert et affirmé de sa carrière, ainsi que le premier qu’elle enregistre depuis la naissance de sa fille en 2023. Installée au studio Sugar Mountain de Philip Weinrobe à Brooklyn en janvier 2025, Cornfield est accompagnée de El Kempner de Palehound, Bridget Kearney de Lake Street Drive, Adam Brisbin et Sean Mullins. Elle et Weinrobe invitent ensuite Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson et Maia Friedman à participer aux voix. Ces dix chansons réaffirment la place de Cornfield parmi les grandes autrices-compositrices de sa génération tout en ouvrant une nouvelle étape de sa vie artistique.

Hurts Like Hell, Toronto songwriter Charlotte Cornfield’s March 27, 2026 Merge Records debut, is the most open-hearted, full-voiced album of her career and the first she’s recorded since the birth of her daughter in 2023. Decamping to Philip Weinrobe’s Sugar Mountain studio in Brooklyn, New York in January 2025, Cornfield was joined by Palehound’s El Kempner (guitar/vocals), Lake Street Drive’s Bridget Kearney (bass/vocals), Adam Brisbin (guitar/pedal steel), and Sean Mullins (drums). She and Weinrobe then recruited Feist, Buck Meek, Christian Lee Hutson and Maia Friedman to sing on the album. “Every musician involved was a dream collaborator,” Cornfield says. These ten songs are at once a reaffirmation of Cornfield standing among the great singer-songwriters of her generation and the first articulation of her future, whatever uncertainty and love it may bring.

Heaven 4 Real

Le projet Heaven For Real, basé entre Montréal et Toronto (orignée Halifax), existe depuis longtemps sous différentes formes, en tordant le pop rock pour le transformer en quelque trucs de nouveau, un peu déroutant et vraiment poétique. Mené par les jumeaux iconoclastes Mark Grundy et J. Scott Grundy, leur album 2025 Who Died & Made You The Dream? (Mint Records) a été décrit comme étant « rempli à craquer de mélodies accrocheuses et hyper travaillées qui restent dans la tête », avec « une approche surréaliste du indie rock » et « joyeusement étrange ».

This Montreal/Toronto (by way of Halifax) project has taken on many shapes over the last decade, twisting pop rock structures into new and perplexingly poetic configurations. Helmed by iconoclastic songwriter twins Mark & J. Scott Grundy, their 2025 LP “Who Died & Made You The Dream?” (Mint Records) is described as “filled to the brim with infectiously intricate earworm melodies”, a “surrealist approach to indie rock” and “gleefully strange”.

Pony Girl

Pony Girl est un groupe d’art rock à géométrie variable : « pure magic to see live » (Ottawa Showbox) et « astonishing to experience in person » (Exclaim!). Leurs concerts sont imprévisibles et immersifs, alliant une virtuosité musicale à une dimension conceptuelle toujours surprenante. Le groupe est récipiendaire du Prix du Festival d’Été de Québec. Pony Girl a bénéficié d’une diffusion soutenue sur ICI Musique (L’Effet Pogonat), CBC Music (Q, Drive, Afterdark, no. 1 sur CBC Radio 3), ainsi que sur KEXP, KCRW, et de nombreuses radios universitaires et communautaires à travers l’Amérique du Nord (atteignant la 4e position du !earshot National Top 50). En 2026–2027, le groupe se concentre sur la réinvention : tester de nouvelles compositions en concert, affiner une direction artistique renouvelée, et créer des liens avec des diffuseurs et d’autres artistes — en particulier au Québec et à l’international — en vue de la sortie d’un nouvel album prévue pour 2027.

Pony Girl is a shape-shifting art rock band described as “pure magic to see live” (Ottawa Showbox) and “astonishing to experience in person” (Exclaim!). They are recipients of Le Prix du Festival d’Été du Québec. Their live shows feel unpredictable, combining next-level musicianship with conceptual flair. Blending artful pop, rock guitar, jazz drumming and electronic textures, Pony Girl crafts an immersive sound that transforms the familiar into something surreal. After self-releasing two albums, the band signed with Paper Bag Records (Austra, Stars, Broken Social Scene) to unveil two more acclaimed records. Their music has charted across North America (#1 on CBC Radio 3) with features on KEXP, KCRW, CBC Radio Q, and more. Pony Girl made its international debut at SXSW in 2024; and UK debut at FOCUS Wales in 2026. The Canadian band is preparing to release its fifth studio album, “FIRE!”, produced by longtime collaborator Austin Tufts (BRAIDS).

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DJ set / Electronic

Pré-Piknic : Tali Rose et Andrea de Tour au Casino de Montréal

by Rédaction PAN M 360

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Country / Indigenous peoples / spoken words

Présence autochtone : Leonard Sumner à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

Leonard Sumner, maître de cérémonie, chanteur et auteur-compositeur anishinaabe, puise son art du récit sur les rives de la Première Nation de Little Saskatchewan, au cœur de la région de l’Interlake, au Manitoba. Son univers musical, qu’il façonne en toute liberté, témoigne de sa capacité à naviguer entre plusieurs genres à la fois : le hip-hop, le spoken word, la country ainsi que le rhythm and blues. À chaque vibration des cordes de sa guitare, Leonard fait remonter à la surface des vérités enfouies depuis bien trop longtemps. Sur scène, il éveille avec poésie la conscience de son public, invitant chacun à sortir de sa torpeur. À une époque marquée par une histoire bouleversante et par le processus de guérison des blessures du passé, la musique de Leonard Sumner agit comme un remède, trouvant un équilibre entre force et vulnérabilité.

Anishinaabe MC, singer, and songwriter Leonard Sumner draws his storytelling from the shores of Little Saskatchewan First Nation, in the heart of Manitoba’s Interlake region. His self-defined musical style reflects his ability to move effortlessly across multiple genres, including hip-hop, spoken word, country, and rhythm and blues. With every strum of his guitar, Leonard brings long-buried truths to the surface. On stage, his poetic performances awaken audiences, inviting them to reflect, connect, and see the world through a new lens. In an era shaped by the need to confront history and heal from the wounds of the past, Leonard Sumner’s music serves as a form of medicine, balancing strength with vulnerability.

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Electro-Pop / Indigenous peoples / R&B

Présence autochtone : Anyma Ora’ à la Place des Festivals

by Rédaction PAN M 360

ANYMA ORA’ transporte son public dans un univers électro-pop envoûtant, où musique et danse s’entrelacent pour créer un spectacle hors du commun et d’une qualité exceptionnelle. Originaire de Wendake, elle fusionne son héritage autochtone avec des sonorités modernes, offrant un spectacle à la fois mystique et électrisant. Une véritable célébration de la connexion entre le passé et le futur. Sur scène, rythmes électroniques et percussions traditionnelles se mêlent à des tableaux chorégraphiques saisissants, portés par la présence magnétique d’ANYMA ORA’. Avec un premier EP, Humans (2021), acclamé par la critique et plusieurs distinctions marquantes en 2025 (Prix Stingray, ROSEQ et LOJIQ), ANYMA ORA’ s’impose comme une artiste incontournable, à la croisée des mondes et des cultures. À ne pas manquer!

ANYMA ORA’ transports her audience into an enchanting electro-pop universe, where music and dance intertwine to create an extraordinary, high-quality performance. Originally from Wendake, she blends her Indigenous heritage with modern sounds, delivering a show that is both mystical and electrifying—a true celebration of the connection between past and future. On stage, electronic rhythms and traditional percussion merge with striking choreographic tableaux, carried by ANYMA ORA’s magnetic presence. With her debut EP, Humans (2021), acclaimed by critics, and several notable distinctions in 2025 (Stingray Award, ROSEQ and LOJIQ), ANYMA ORA’ is establishing herself as a must-see artist at the crossroads of worlds and cultures. A performance you don’t want to miss!

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Alt-punk / Grunge / Indie Rock

POP Montréal 2026 : Cherry Pick, Poolgirl, Mad Iris et Cistern au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

Cherry Pick

Cherry Pick est un projet grunge-gaze basé à Vancouver, en Colombie-Britannique, construit sur une dynamique fort-faible-fort. Mêlant une distorsion vaporeuse à un chant intime et vulnérable, la musique navigue entre des couplets doux et empreints d’émotion et des refrains explosifs et cathartiques, canalisant une émotion brute à travers des guitares texturées et une atmosphère immersive.

Cherry Pick is a Vancouver, BC–based grunge-gaze project built on a loud-quiet-loud dynamic. Blending hazy distortion with intimate, vulnerable vocals, the music moves between soft, emotional verses and explosive, cathartic choruses, channeling raw feeling through textured guitars and immersive atmosphere.

Poolgirl

Poolgirl est un groupe alt-punk à cinq membres basé à Montréal, QC. Combinant des influences riot grrl et punk à un indie rock mélodique, le groupe apporte à sa musique une énergie à la fois antagoniste et festive, avec des harmonies chantantes entrecoupées de breakdowns distordus, de cris et de rires. Depuis la sortie de la démo « is this it??? » en janvier 2024, Poolgirl enchaîne les concerts sans relâche, des sous-sols et espaces extérieurs DIY jusqu’aux festivals et showcases. Les spectacles en direct se transforment en fêtes en sueur, où le groupe se donne carte blanche pour sauter, crier et tomber les uns sur les autres, sur scène comme en dehors. Avec un souci constant de maintenir des espaces de spectacle sécuritaires pour tout le monde, les concerts de Poolgirl attirent invariablement une foule d’ami·es prêts à danser, faire du mosh et crier en chœur.

Poolgirl is a five-piece alt-punk group based in Montreal, QC. Combining riot grrl and punk influences with melodic indie rock, the band brings an equally antagonistic and cheerful energy to playing music, with singsong harmonies interspersed with distorted breakdowns, screams and laughter. Since releasing the demo “is this it???” in January 2024, Poolgirl have been playing live nonstop, from DIY basement and outdoor venues to festivals and showcases. Live shows devolve into sweaty parties offering the band free reign to jump, scream and fall onto one another, both on and off stage. With an emphasis on maintaining live spaces that are safe for everyone, Poolgirl shows consistently bring out a crowd of friends to dance, mosh and scream along.

Mad Iris

Mad Iris, de Toronto, s’est formé en 2023 avec le look, le son et l’esprit d’un groupe garage du milieu des années 90. Leur musique navigue entre noise rock, punk, shoegaze et grunge, empruntant des sonorités à des groupes comme Sonic Youth et les Breeders.

Toronto’s Mad Iris formed in 2023 with the look, sound, and feel of a mid-90s garage band. Their music pivots between noise rock, punk, shoegaze, and grunge, plucking sounds from bands like Sonic Youth and the Breeders.

Cistern

Cistern est un groupe indie rock basé à Squamish, en Colombie-Britannique, reconnu pour son approche brute et DIY de l’écriture, de l’enregistrement et de la production visuelle. Puisant dans l’indie rock des années 2000, le slowcore des années 90 et le post-punk des années 80, le groupe mélange ces influences en un son atmosphérique et chargé d’émotion, façonné par les projets antérieurs de ses membres, dont Loam, Good Normal, Painted Fruit et N0V3L. Depuis leur album de 2024 Head Full of Questions et l’EP suivant New Standard, le groupe a continué d’évoluer avec son album 2025 Rhizome, explorant des thèmes comme le pouvoir sociétal, les relations et la crise sociale à travers des arrangements dynamiques et texturés. Leurs singles 2026 « The Start » et « Spiral » poursuivent cette trajectoire, alliant intensité et profondeur mélodique. Cistern s’est bâti une solide réputation sur scène grâce à des performances locales et des tournées européennes, et continue d’élargir son public à travers des sorties indépendantes et des tournées.

Cistern is a Squamish, British Columbia–based indie rock band known for their raw, DIY approach to songwriting, recording, and visual production. Drawing from 2000s indie rock, 90s slowcore, and 80s post-punk, they blend influences into an atmospheric and emotionally charged sound shaped by members’ previous projects including Loam, Good Normal, Painted Fruit, and N0V3L. Since their 2024 debut album Head Full of Questions and follow-up EP New Standard, the band has continued to evolve with their 2025 LP Rhizome, exploring themes of societal power, relationships, and social crisis through dynamic, textured arrangements. Their 2026 singles “The Start” and “Spiral” continue this trajectory, pairing intensity with melodic depth. Cistern has built a strong live reputation through local performances and European tours, and continues to expand their audience through independent releases and touring.

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