Montréal

Indie / R&B / soft-rock

POP Montréal 2026 : Infinity Song et 110% au Théâtre Rialto – Salle Exclaim!

by Rédaction PAN M 360

Infinity Song

Quatre esprits, perspectives et âmes uniques donnent le tempo à Infinity Song. Le lien du sang qui unit les frères et sœurs Boyd — Abraham, Angel, Israel et Momo — alimente le cœur même du groupe, mais c’est l’harmonie entre leurs personnalités distinctes qui les élève avec brio au rang d’exception, hors des sentiers battus. Arborant ses lunettes emblématiques, l’aîné, Abraham, porte les mélodies avec assurance et charisme. Angel, non seulement peut tenir une note comme si sa vie en dépendait, mais elle est aussi la force créative derrière l’esprit du groupe. Momo passe avec dextérité de la guitare à la basse, et sa voix d’une vulnérabilité touchante dégage chaleur et émerveillement. Au-delà de sa voix puissante, Israel fait chanter sa Navigator Stratocaster avec toute la fougue d’un guitariste virtuose. Leur musique est le genre de musique que l’on pourrait dénicher sur un vinyle précieux chez son disquaire indépendant préféré, découvrir pour la première fois au coucher du soleil lors d’un festival, ou dont on pourrait s’extasier sur les réseaux sociaux. Après une longue ascension, ils signent chez Roc Nation et captivent les auditeurs avec Mad Love [2020], Metamorphosis [2023] et Infinity Song LIVE [2025]. Ils brillent partout, du Late Show avec Stephen Colbert à l’émission « Tiny Desk » de NPR. Acclamés par Interview, Complex, GRAMMY.com et bien d’autres ils sont la tête d’affiche d’une résidence populaire au Blue Note, jouent à guichets fermés dans le monde entier, assurent la première partie de Lake Street Dive au Madison Square Garden et se produisent dans des festivals tels que Bonnaroo et Lollapalooza. Devenus viraux à de nombreuses reprises, attirant des fans prestigieux et divers comme Doja Cat et Anne Hathaway, lauréate d’un Oscar®, et se produisant devant des salles combles partout, ces identités distinctes se rejoignent plus étroitement que jamais sur leur album éponyme de 2026, Infinity Song [Peace Industry Music Group et Roc Nation].

Four individual minds, perspectives, and souls set the tempo for Infinity Song. The blood bond shared by the Boyd siblings—Abraham, Angel, Israel, and Momo—fuels the band’s collective heartbeat, yet it’s the harmony between their separate personalities that expertly elevates them as a genre-agnostic anomaly. Sporting signature glasses, big brother Abraham carries melodies with confidence and charisma. Not only can Angel hold a note like her life depends on it, but she also acts as the creative force behind the group’s ethos. Momo deftly rotates between guitar and bass as she exudes warmth and wonder through uncanny vocal vulnerability. Beyond flaunting a dynamic voice, Israel makes his Navigator Stratocaster sing with all the feel of your favorite guitar hero. They make the kind of music you could find on a vinyl treasure at your local indie record store, experience for the first time on festival grounds at sunset, or obsess over on social media. Signing to Roc Nation after a long grind, they captivated listeners with Mad Love [2020], Metamorphosis [2023], and Infinity Song LIVE[2025]. They shined everywhere from The Late Show with Stephen Colbert to NPR’s “Tiny Desk.”Earning acclaim from Interview, Complex, GRAMMY.com, and more, they headlined a popular residency at the Blue Note, played sold-out shows worldwide, supported Lake Street Dive at Madison Square Garden, and appeared at festivals such as Bonnaroo and Lollapalooza. Going viral countless times, attracting high-profile fans as diverse as Doja Cat and Academy® Award winner Anne Hathaway, and performing to packed crowds everywhere, these distinct identities come together closer than ever on the group’s 2026 self-titled LP, Infinity Song [Peace Industry Music Group and Roc Nation].

110%

Originaire d’un groupe d’amis d’enfance, 110% est un supergroupe basé à Montréal ancré dans la communauté et la collaboration créative. Ces dernières années, des collaborateurs de confiance et loyaux sont devenus de nouveaux membres, faisant du groupe le septuor qu’il est aujourd’hui; quatre chanteurs, un bassiste, un guitariste et une harpiste. Ensemble, n’ayant rien d’autre à perdre que leur perception par les autres, leur dernier EP Exposure Therapy a vu le jour. Si votre humilité était en liberté, la laisseriez-vous se libérer.

Originated by a group of childhood friends, 110% is a Montreal based supergroup rooted ion community and creative collaboration. In recent years, trusted and loyal affiliates were turned into new members making the band the septet that is is today; four vocalists, a bassist, guitarist and a harpist. Together with nothing else to lose but their perception from others, their latest EP Exposure Therapy came to be. If your humility was at large, would you let it run free?

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folklore / japon / Musiques du Monde

POP Montréal 2026 : Minyo Crusaders au Bar Le Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Minyo Crusaders retravaille des chansons folkloriques japonaises traditionnelles (min’yō) avec des rythmes latins, africains et caribéens pour créer une musique parmi les plus contagieuses entre l’Amérique du Sud et le Japon. Les arrangements percutants et inventifs de ce big band de dix musiciens donnent un nouveau souffle à ces chansons folkloriques traditionnelles de la classe ouvrière, et le groupe a reçu de nombreux éloges de la part de NPR, The Guardian, The Times et bien d’autres. Ils tournent également en Europe chaque année, attirant des fans à l’international, y compris des artistes de renom tels que Iggy Pop et Ry Cooder, qui les ont décrits comme « le meilleur groupe que j’ai entendu depuis de nombreuses années ».

Minyo Crusaders rework traditional Japanese folk songs (min’yō) with Latin, African and Caribbean rhythms to create some of the most infectious music between South America and Japan. The punchy and inventive arrangements of this ten-piece big band breathe new life into these traditional working-class folk songs, and the band have received high acclaims from NPR, The Guardian, The Times and many others. They also tour Europe every year, attracting fans internationally including renowned artists such as Iggy Pop and Ry Cooder, who described them as “the best band I have heard in many years.”

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Indie Rock / Pop-Rock / Punk Rock

POP Montréal 2026 : Think About Life, Pigeon Phat et Underpass au Rialto Hall

by Rédaction PAN M 360

Think About Life

Le milieu des années 2000 à Montréal fut une période d’effervescence sonore. Tandis que les projecteurs internationaux se braquaient sur le rock indépendant orchestral et grandiose du Plateau et du Mile End, une énergie punk bouillonnante s’emparait des salles alternatives de la périphérie. Think About Life était au cœur de ce mouvement, créant une atmosphère chaotique, romantique et inoubliable qui a bouleversé le paysage pop montréalais. Mêlant l’énergie brute du punk rock à des instruments électroniques chinés, Think About Life auto-enregistrait des singles pop bruyants, extatiques et déconstruits depuis son QG de Griffintown : une ancienne laiterie reconvertie, baptisée Friendship Cove.

The mid-to-late 2000s in Montreal was a period of wild sonic divergence. As the international spotlight lingered on the grand, orchestral indie-rock of the Plateau and Mile End, a restless punk energy was taking hold in the city’s peripheral DIY venues. Think About Life were at the centre of it — conjuring a chaotic, romantic, night-of-your-life atmosphere that shook up the city’s pop landscape. With a mash of punk-rock grit and thrift-store electronics, Think About Life self-recorded noisy, ecstatic, deconstructed pop singles from their Griffintown base: a converted milk bottling plant called Friendship Cove.

Pigeon Phat

S’agglutinant comme les pigeons sous les viaducs de Montréal, Pigeon Phat revient d’une pause de huit ans pour amener un vacarme de synthés tordus sur les plus petites scènes de la ville. Cette bande de parias délaisse le poli des stades pour une énergie décalée, façonnée sur mesure pour leur propre perchoir de chopped uncs.

Huddling like the pigeons beneath Montreal’s concrete underpasses, Pigeon Phat returns from an eight-year hiatus to bring a gritty, synth-warped racket to the city’s smallest stages. This flock of misfits trades stadium polish for an eerie energy crafted specifically for their roost of chopped uncs.

Underpass

Avec leurs voix nostalgiques et leur instrumentation colorée, Underpass est un groupe émergent d’indie pop/rock qui rappelle un été montréalais d’autrefois. Les paroles sombres et confessionnelles ainsi que les mélodies mélancoliques sont la marque de fabrique de l’autrice-compositrice principale, Johanna Seligman, et sont souvent accompagnées de paysages sonores luxuriants et d’une batterie rock entraînante. Le nom Underpass évoque les souvenirs du désormais disparu passage inférieur Van Horne, qui fut autrefois un pilier de la scène musicale underground de Montréal.

With their nostalgic vocals and colorful instrumentation, Underpass is an up-and-coming indie pop/rock band, reminiscent of a past Montreal summer. Dark, confessional lyrics and melancholic melodies are a staple of lead songwriter Johanna Seligman, and are often accompanied by lush soundscapes and upbeat rock drumming. The name Underpass evokes the memories of the now defunct Van Horne Underpass, which used to be a staple in Montreal’s underground music scene.

LES BILLETS POUR CET ÉVÉNEMENT SONT ÉPUISÉS!

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Amérique latine / Jazz

Faculté de Musique de l’UdeM : Une soirée jazz et musiques du monde à la salle Claude-Champagne

by Rédaction PAN M 360

Avec son riche éventail d’instruments et de traditions musicales, l’Ensemble de musiques du monde de l’UdeM vous convie à une soirée haute en couleur, où le jazz dialogue avec les rythmes d’inspiration latine. Aux confluents de l’improvisation, du groove et des percussions, ce concert mettra en lumière la diversité sonore et la créativité des étudiant(e)s de la Faculté de musique, guidé(e)s par leurs professeur(e)s. L’ambiance festive et chaleureuse de ces soirées pousse souvent le public à se lever et à danser, emporté par l’énergie contagieuse des interprètes. Un véritable voyage musical à la croisée des cultures et des styles, où la scène devient un espace de rencontre et de célébration.

With its rich array of instruments and musical traditions, the UdeM World Music Ensemble invites you to a vibrant evening where jazz meets Latin-inspired rhythms. Blending improvisation, groove, and percussion, this concert will showcase the sonic diversity and creativity of the students in the Faculty of Music, guided by their professors. The festive and warm atmosphere of these evenings often inspires the audience to get up and dance, swept away by the performers’ infectious energy. A true musical journey at the crossroads of cultures and styles, where the stage becomes a space for connection and celebration.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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chanson keb franco / Folk / Indie Rock

Coup de cœur francophone : Quédam et Sandra Contour au Verre Bouteille

by Rédaction PAN M 360

Quédam

Active depuis 2019, la formation sherbrookoise Quédam arrive enfin avec un premier album qui, fidèle à ses habitudes, sera présenté via un spectacle grandiose et conceptuel. Une peau neuve de chansons habituelles remaniées sous une trame plus planante et contemplative – et, surtout, de toutes fraîches : un vibrant aloi d’indie rock enthousiasmant, de folk englobant et de prog raffiné, qui n’attend plus que vous pour prendre son envol.

Active since 2019, the Sherbrooke-based band Quédam is finally releasing its debut album, which—true to form—will be unveiled through a spectacular, conceptual show. A fresh take on familiar songs, reworked with a more dreamy and contemplative vibe—and, above all, completely new: a vibrant blend of exhilarating indie rock, expansive folk, and refined prog, just waiting for you to help it take flight.

Sandra Contour

Comme un de ces conseils dont on ne connaît pas trop la source, Paraît qu’le jaune ça fait du bien voit Sandra Contour chanter les ouï-dire et les non-dits des 5 à 7, les amours qui laissent des divans derrière et les profondeurs de son Lac-Saint-Jean natal. Appuyée par une mise en scène de l’humoriste PB Rivard, elle tente de se rapprocher de son public avec des mots comme « bonjour » ou en laissant les malaises finir ses phrases à sa place. Paraît qu’le jaune ça fait du bien, comme un conseil qui ne coûte rien à essayer – sauf, peut-être, le prix d’un billet de spectacle. L’album du même nom sortira en mars 2027.

Like one of those pieces of advice whose source is unclear, Paraît qu’le jaune ça fait du bien features Sandra Contour singing about the rumors and unspoken truths of after-work gatherings, the romances that leave sofas behind, and the depths of her native Lac-Saint-Jean. Supported by staging by comedian PB Rivard, she tries to connect with her audience using words like “hello” or by letting awkward silences finish her sentences for her. Paraît qu’le jaune ça fait du bien, like a piece of advice that costs nothing to try—except, perhaps, the price of a show ticket. The album of the same name will be released in March 2027.

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Arabic / Classical Singing / Tarab

Festival du monde Arabe : Walaa Al Jundi à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Certaines voix n’ont pas besoin d’être comprises pour bouleverser. Celle de Walaa Al Jundi possède ce pouvoir singulier. Le chant arabe retrouve, sous ses inflexions, toute sa profondeur, dans un dialogue sensible entre la richesse des grands répertoires et une interprétation empreinte de modernité.
Al Jundi, chanteuse d’exception venue du Liban, incarne la rencontre lumineuse entre la rigueur des grands maîtres du tarab et la liberté d’un chant viscéral. Sa voix, à la fois ample et intimiste, déploie un registre d’une puissance poignante où chaque inflexion devient le réceptacle d’une émotion pure, comme si l’émotion elle-même cherchait refuge dans le timbre avant de se donner au public. Maîtrisant l’art subtil de la poésie chantée, elle ne se limite jamais à restituer l’essence des grandes œuvres classiques, elle les réinvente, y insuffle une passion neuve et fait dialoguer le souvenir des heures dorées avec la sensibilité d’aujourd’hui.
Dans un entrelacement de mélodies envoûtantes, l’artiste sculpte l’espace sonore aussi bien avec les vocalises qu’avec les silences habités, révélant la beauté nue d’une tradition qui refuse de s’éteindre. De quoi laisser couler en soi le vertige d’un tarab d’aujourd’hui, là où la nostalgie cesse d’être un regret pour devenir une éternelle renaissance.

Some voices need not be understood to move us. Walaa Al Jundi’s possesses that singular power. Under her inflections, Arab song regains its full depth, in a sensitive dialogue between the richness of the great repertoires and an interpretation imbued with modernity.
Al Jundi, an exceptional singer from Lebanon, embodies the luminous encounter between the rigour of the great masters of tarab and the freedom of a visceral song. Her voice, at once ample and intimate, unfolds a register of poignant power in which every inflection becomes the vessel of a pure emotion, as though emotion itself sought refuge in timbre before giving itself to the audience. Mastering the subtle art of sung poetry, she never merely restores the essence of great classical works; she reinvents them, breathes new passion into them, and brings the memory of golden hours into dialogue with today’s sensibility.
In an interlacing of entrancing melodies, the artist sculpts sonic space as much through vocalise as through inhabited silence, revealing the bare beauty of a tradition that refuses to be extinguished. Enough to let the vertigo of a present-day tarab course through you, where nostalgia ceases to be regret and becomes instead an eternal renewal.

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Arabic / Classical Singing / Musique traditionnelle

Festival du monde Arabe : Caravanes du son – Omar Bashir & Jahida Wehbé à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Voici une Odyssée qui célèbre l’héritage musical d’une terre fondatrice, berceau des civilisations. Entre le Tigre et l’Euphrate, lyres, harpes, flûtes, percussions, chants, rites et récits ont façonné un imaginaire mésopotamien sonore dont les échos traversent les siècles.
Cette soirée d’exception fait vibrer la symbiose parfaite entre les doigts magiques d’Omar Bashir, digne porteur de l’héritage magistral de la Mésopotamie, et le souffle habité de Jahida Wehbe, incarnation pure du chant poétique arabe, aussi bien classique que contemporain.
Les deux artistes tissent un pont entre patrimoine ancestral et sensibilité contemporaine et invitent le public à suivre les routes des peuples, des langues et des instruments. Des caravanes anciennes aux diasporas modernes, des modes orientaux aux ornementations du chant, des pulsations nomades aux élans du flamenco.. à chaque étape, la Mésopotamie apparaît non comme un souvenir figé, mais comme une source vive, généreuse et ruisselante de présent.
Caravanes du son rend hommage à cette Mésopotamie qui, à travers l’histoire, n’a cessé d’offrir à l’humanité ses plus belles mélodies, ses chants sacrés aux musiques populaires et ses cordes anciennes aux voix d’aujourd’hui. Un voyage musical aux sources des mélodies du monde !

Here is an Odyssey that celebrates the musical heritage of a founding land, cradle of civilizations. Between the Tigris and the Euphrates, lyres, harps, flutes, percussion, songs, rites, and stories have shaped a Mesopotamian sonic imagination whose echoes travel across centuries.
This exceptional evening brings to life the perfect symbiosis between the magic fingers of Omar Bashir, a worthy bearer of Mesopotamia’s masterful heritage, and the inhabited breath of Jahida Wehbe, the pure embodiment of Arab poetic song, both classical and contemporary. The two artists weave a bridge between ancestral heritage and contemporary sensibility, inviting the audience to follow the roads travelled by peoples, languages, and instruments. From ancient caravans to modern diasporas, from Eastern modes to vocal ornamentation, from nomadic pulses to flamenco’s surges… at every step, Mesopotamia appears not as a frozen memory, but as a living source, generous and overflowing with the present.
Caravanes du son pays tribute to this Mesopotamia which, throughout history, has never ceased to offer humanity its most beautiful melodies, from sacred chants to popular music, from ancient strings to the voices of today. A musical journey to the very sources of the world’s melodies!

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Arabic / Persian Classical

Festival du monde Arabe : Narrators of Peace – Navāk Ensemble à la Cinquième Salle

by Rédaction PAN M 360

Une corde qui vibre, un silence qui répond, c’est ainsi que naissent les récits les plus anciens. Narrators of Peace (Les Narrateurs de la paix), porté par Navāk Ensemble, s’inscrit dans cette lignée où la musique devient langage commun, capable de réunir ce que les frontières séparent.
Héritiers du radif, ce vaste répertoire classique persan transmis de maître à disciple comme un secret précieux, les musiciens de Navāk Ensemble font de chaque note une méditation, un dialogue suspendu entre l’éternité des modes anciens et le vertige de l’instant présent. Leur art dépasse la simple restitution du passé, il en libère la force vive, la fait vibrer au contact d’influences mélodiques, de rythmes et d’idées puisés aux quatre coins du monde.
Au cœur de cet univers sonore, les instruments iraniens semblent porter l’âme et les mélancolies d’un Orient immémorial. Entre virtuosité fulgurante et liberté de l’improvisation, ils modulent la douleur et la joie avec une grâce presque vocale, s’imposant comme la voix poétique d’une mémoire partagée. Ensemble, les musiciens nouent un dialogue organique où la transmission devient un acte de création pure, où mélodies traditionnelles, arrangements contemporains et improvisation se rejoignent pour bâtir, note après note, un langage musical commun.
Né dans un temps de conflits et de fractures à l’échelle du monde, Narrators of Peace prolonge la démarche amorcée par Navāk Ensemble avec Call of Peace (L’Appel de la paix), offrant la musique comme un espace d’écoute, d’empathie et de dialogue. Cette expérience immersive rappelle qu’au-delà des frontières et des différences, la musique peut ouvrir un espace sûr et apaisé où les êtres se rejoignent, partagent leurs récits et redécouvrent, ensemble, leur humanité commune.
Le temps d’un soir, ce spectacle convie le public à une expérience sensorielle rare, un espace de grâce où le souffle musical abolit les distances et relie les âmes.

A string that vibrates, a silence that answers: this is how the oldest stories are born. Narrators of Peace (The Narrators of Peace), carried by Navāk Ensemble, belongs to that lineage in which music becomes a common language, capable of reuniting what borders keep apart.
Heirs to the radif, that vast classical Persian repertoire passed from master to disciple like a precious secret, the musicians of Navāk Ensemble turn every note into a meditation, a dialogue suspended between the eternity of ancient modes and the vertigo of the present instant. Their art goes beyond mere restitution of the past: it releases its living force, setting it vibrating on contact with melodic influences, rhythms, and ideas drawn from every corner of the world.
At the heart of this sonic universe, the Iranian instruments seem to carry the soul and melancholies of an immemorial Orient. Between blazing virtuosity and the freedom of improvisation, they modulate sorrow and joy with an almost vocal grace, asserting themselves as the poetic voice of a shared memory. Together, the musicians forge an organic dialogue in which transmission becomes an act of pure creation, where traditional melodies, contemporary arrangements, and improvisation converge to build, note after note, a common musical language.
Born in a time of conflict and fracture on a global scale, Narrators of Peace extends the approach begun by Navāk Ensemble with Call of Peace (L’Appel de la paix), offering music as a space of listening, empathy, and dialogue. This immersive experience reminds us that, beyond borders and differences, music can open a safe and peaceful space where beings come together, share their stories, and rediscover, together, their common humanity.
For the span of an evening, this performance invites the audience into a rare sensory experience, a space of grace in which musical breath dissolves distance and binds souls together.

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Chanson francophone

Coup de cœur francophone : Edgar Bori – Bori 30 ans, ça suffit! au Théâtre Outremont

by Rédaction PAN M 360

Bori et CCF partagent une longue et fidèle complicité. Celle-ci remonte à l’édition 1996 du festival lors de laquelle l’artiste a offert sa toute première prestation montréalaise dans le cadre du spectacle « Vous attendez Bori », présenté à la Salle Fred-Barry du Théâtre Denise-Pelletier, suite de la parution de son tout premier album Vire et valse la vie. Avec ce spectacle, Bori revient au coup de coeur de ses débuts… 30 ans plus tard!
Ça fait trois décennies qu’Edgar Bori nous ravit de ses airs – et, bien que tirant tristement sa révérence, il nous fait l’honneur d’entamer son dernier tour de chant dans le cadre de notre 40e édition. Bori 30 ans, ça suffit! sera donc votre ultime chance d’entendre et de voir Edgar Bori sur scène comme chanteur, alors qu’il sera tour à tour accompagné par les 21 musicien·nes de la Fanfare Pourpour et par Jean-François Groulx, son musicien complice des 22 dernières années.

Bori and CCF share a long and loyal partnership. It dates back to the 1996 edition of the festival, when the artist gave his very first Montreal performance as part of the show “Vous attendez Bori,” presented at the Salle Fred-Barry at the Théâtre Denise-Pelletier, following the release of his debut album, Vire et valse la vie. With this show, Bori returns to the beloved roots of his early days… 30 years later!
For three decades, Edgar Bori has delighted us with his songs—and, although he is sadly bowing out, he does us the honor of kicking off his final tour as part of our 40th edition. “Bori: 30 Years Is Enough!” will therefore be your last chance to hear and see Edgar Bori on stage as a singer, as he’ll be accompanied in turn by the 21 musicians of the Fanfare Pourpour and by Jean-François Groulx, his musical partner of the past 22 years.

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Baroque / classique

Arion Orchestre Baroque : Le retour du Roi à l’église Saint-Viateur d’Outremont

by Rédaction PAN M 360

Après une dizaine d’années de révolution en quête de démocratie et près de quinze ans passés sous la poigne impériale de Napoléon, une France épuisée accueille de nouveau, dans une allégresse désabusée, les Bourbons sur le trône. Ce retour du roi Louis XVIII, frère du malheureux Louis XVI, devient prétexte à des célébrations dont la musique reste, de nos jours, à peu près inconnue. À la tête des Jacobins, un ensemble à vents historiques, Mathieu Lussier nous propose une incursion dans la vie musicale parisienne lors de cette époque fascinante.

After a decade or so of revolution in pursuit of democracy followed by nearly fifteen years under Napoleon’s imperial rule, an exhausted France welcomed the Bourbons back to the throne with a sense of disillusioned joy. The return of King Louis XVIII, brother of the ill-fated Louis XVI, served as a pretext for celebrations the music of which remains virtually unknown today. Leading the Jacobins, a historical wind ensemble, Mathieu Lussier offers us a glimpse into Parisian musical life during this fascinating era.

Programme

Œuvres de François-Adrien Boieldieu, François-Joseph Gossec, Louis-Ferdinand Hérold, Étienne-Nicolas Méhul, Hélène de Montgeroult et leurs contemporains

Program

Works by François-Adrien Boieldieu, François-Joseph Gossec, Louis-Ferdinand Hérold, Étienne-Nicolas Méhul, Hélène de Montgeroult and their contemporaries

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Kebamericana / Neo-soul / SLACKER

Coup de cœur francophone : Mon Doux Saigneur au Gesù

by Rédaction PAN M 360

Pour célébrer ses dix ans, Mon Doux Saigneur propose un spectacle-événement narratif revenant sur son œuvre et son parcours. Pour l’occasion, le groupe présente une manière novatrice d’entrer en contact avec son public : un hybride entre la rétrospective et l’immersion dans le quotidien et la sensibilité des musiciens. Un happening sans filet, pour aller au fond des choses, une toune à la fois. Le contraire de faire semblant : toujours plus fort dans le doux.

To celebrate its tenth anniversary, Mon Doux Saigneur is presenting a narrative show that looks back on its body of work and journey. For the occasion, the band is introducing an innovative way to connect with its audience: a hybrid of a retrospective and an immersion into the musicians’ daily lives and sensibilities. A no-safety-net happening, delving deep into the heart of things, one song at a time. The opposite of pretending: ever stronger in tenderness.

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Baroque / classique

Arion Orchestre Baroque : Actéon, Didon et Énée à la salle Bourgie

by Rédaction PAN M 360

Par la fenêtre de son palais de Carthage, Didon aperçoit les collines couvertes d’oliviers descendant vers le port où scintillent les proues des navires phéniciens. Abandonnée par Énée, elle entonne un déchirant lamento qui continue de faire frémir plus de 300 ans après la naissance de l’opéra de Purcell. Celui-ci est présenté dans une version concert aux côtés d’une autre tragédie, Actéon de Charpentier. Offrant un miroir fascinant entre la France et l’Angleterre baroques, ce programme réunit deux joyaux du théâtre musical du XVIIᵉ siècle sous la direction d’Andrew McAnerney.

From the window of her palace in Carthage, Dido sees the hills covered with olive trees sloping down to the harbour, where the prows of Phoenician ships glint in the sunlight. Abandoned by Aeneas, she sings a heartrending lament that continues to move audiences more than 300 years after Purcell’s opera was born. It is presented here in a concert version alongside another tragedy, Charpentier’s Actéon. Offering a fascinating reflection between Baroque France and England, this program brings together two jewels of 17th-century musical theatre under the direction of Andrew McAnerney.

Program/program

Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) Actéon, H. 481
Henry Purcell (1659-1695) Dido and Aeneas, Z. 626

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