Montréal

classique

Pro Musica : Cyrille Angers, Thomas Roy-Rochette et Bruce Gaulin à la salle Claude-Léveillée

by Rédaction PAN M 360

Cyrille Angers, flûtiste, devient, en 2019, médaillé d’or au Concours de musique de la Capitale et boursier de la Fondation du Conservatoire de musique remporte plusieurs prix lors de concours nationaux tels les premières places au Concours de musique du Canada (2022) et au Concours de musique OMNI (2021/2023).
Thomas Roy-Rochette, bassoniste, est nommé en 2023, par la CBC, parmi les 30 jeunes musiciens les plus prometteurs du Canada. Il est deuxième basson à l’Orchestre symphonique du Ballet National du Canada à Toronto et, depuis peu, basson solo de l’Orchestre symphonique de Windsor. Il a reçu plusieurs prix, dont, en 2022, le premier prix du concours Pentaèdre- Youkali et le prix de la Fondation de l’Orchestre symphonique de Québec.
Bruce Gaulin, pianiste, est récipiendaire de Premiers Prix dans plusieurs concours tels les Festivals du Royaume, Clermont- Pépin et de Saint-Pierre de Saurel, le Concours de Musique de la Capitale et le Concours de musique du Canada. Soliste et chambriste, il s’est produit notamment à la Chapelle historique du Bon-Pasteur, à Orford Musique, au Festival de Musique de Chambre de Sainte-Pétronille, aux Préludes de l’Orchestre Symphonique de Québec, à l’Opéra de Québec.

Cyrille Angers, flutist, became a gold medalist at the Concours de musique de la Capitale in 2019 and a scholarship recipient of the Fondation du Conservatoire de musique. He has won several awards at national competitions, including first prizes at the Canada Music Competition (2022) and the OMNI Music Competition (2021/2023).
Thomas Roy-Rochette, bassoonist, was named one of Canada’s 30 most promising young musicians by CBC in 2023. He is the second bassoonist with the National Ballet of Canada Orchestra in Toronto and recently became principal bassoon of the Windsor Symphony Orchestra. He has received several awards, including the first prize at the Pentaèdre-Youkali competition in 2022 and the Fondation de l’Orchestre symphonique de Québec prize.
Bruce Gaulin, pianist, is a recipient of First Prizes at various competitions, including the Festivals du Royaume, Clermont-Pépin, Saint-Pierre de Saurel, the Concours de musique de la Capitale, and the Canada Music Competition. As a soloist and chamber musician, he has performed at venues such as the Chapelle historique du Bon-Pasteur, Orford Musique, the Sainte-Pétronille Chamber Music Festival, the Préludes de l’Orchestre symphonique de Québec, and the Opéra de Québec.

Programme

Saison prodige – Cyrille Angers, flûte, Thomas Roy-Rochette, basson et Bruce Gaulin, piano
LUDWIG VAN BEETHOVEN, Trio pour flûte, basson et piano, W0037
I. Allegro
II. Adagio
III. Thema andante con Variazioni GAETANO DONIZETTI / ANTONIO TORRIANI,
Divertimento sur des thèmes de Lucie de
Lammermoor de G. Donizetti pour basson et pianoMIKHAIL GLINKA, Trio pour flûte, basson et piano en ré mineur,
« Pathétique »
I. Allegro moderato
II. Scherzo. Vivacissimo
III. Largo
IV Allegro con spirito

Program

Prodigy Season – Cyrille Angers, flute, Thomas Roy-Rochette, bassoon, and Bruce Gaulin, piano
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Trio for Flute, Bassoon, and Piano, WoO 37
I. Allegro
II. Adagio
III. Thema andante con variazioni
GAETANO DONIZETTI / ANTONIO TORRIANI
Divertimento on Themes from Lucia di Lammermoor by G. Donizetti for Bassoon and Piano
MIKHAIL GLINKA
Trio for Flute, Bassoon, and Piano in D Minor, “Pathétique”
I. Allegro moderato
II. Scherzo. Vivacissimo
III. Largo
IV. Allegro con spirito

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musique de film / soundtrack

Bear McCreary au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Compositeur américain innovant et lauréat d’un Emmy Award, Bear McCreary s’est illustré dans une grande variété de médias. Il est surtout connu pour son travail sur les séries télévisées Agents of S.H.I.E.L.D., Battlestar Galactica, Outlander, The Walking Dead et Foundation. Il a également signé les bandes originales de films tels que Colossal, Godzilla: King of the Monsters et Child’s Play, ainsi que la musique de nombreux jeux vidéo, dont Assassin’s Creed Syndicate, God of War et God of War Ragnarök. En 2024, il sort son premier album solo, un ambitieux album concept rock intitulé The Singularity.

An innovative and Emmy Award-winning American composer who has found success in a wide array of mediums, Bear McCreary is best known for his work on the television series Agents of S.H.I.E.L.D., Battlestar Galactica, Outlander, The Walking Dead, and Foundation. His film scores include Colossal, Godzilla: King of Monsters, and Child’s Play, and he has provided the music for dozens of video games such as Assassin’s Creed Syndicate, God of War, and God of War Ragnarök. In 2024, he released his debut solo effort, an ambitious rock concept album titled The Singularity.

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Alternative / Emo / Indie Rock

Sunny Day Real Estate au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Malgré leur existence relativement brève, Sunny Day Real Estate ont connu suffisamment de rebondissements dramatiques pour rivaliser avec les plus grandes sagas du rock. Leurs membres clés ont traversé presque tous les clichés du genre : la conversion religieuse, le refus de collaborer avec les médias, la séparation, l’intégration à un groupe de renom, et même l’enregistrement d’un ambitieux album pop avec orchestre — tout cela avant de se reformer en 1997.

Considering their relatively brief existence, Sunny Day Real Estate racked up enough dramatic twists and turns to rank with some of the great rock soap operas. Their key members engaged in just about every rock cliché imaginable, including finding religion, refusing to work with the media, breaking up, joining a big-name group, and even recording an ambitious full-orchestra pop album — all before reuniting in 1997.

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Afro Rap / Hip Hop

3 Heures Prod au Club Soda

by Rédaction PAN M 360

3 Heures Prod a le plaisir de vous inviter à leur prochain concert au Club Soda où ils présenteront leur nouvel album, Nouvelle Ère. Attendez-vous à de nombreuses surprises, y compris des collaborations avec des artistes de renom.
3 Heures Prod est un collectif musical réunissant des artistes d’origine africaine tels que YA CETIDON, JEEKAY, KAZALITO, et DALLAS. Pionniers du mouvement afro au Québec dans le domaine du hip-hop, ils mettent en avant des sonorités inspirées de la musique africaine.
Ce concert a pour objectif de fusionner le hip-hop québécois avec une variété de musiques internationales, comme ils l’ont fait à travers des collaborations avec Loud, Shreez, Connaisseur Ticaso, Dee End, Rosalvo, Mikezup et bien d’autres. Préparez-vous à un voyage musical à travers plusieurs styles.
Depuis plusieurs années, 3 Heures Prod se distingue par sa capacité à offrir des performances scéniques exceptionnelles. Pour ce concert, ils vous réservent de nombreuses surprises, tant au niveau des invités présents sur scène que des performances, qui seront accompagnées de danses de diverses origines.
Ne manquez pas cette occasion unique de découvrir 3 Heures Prod en live et de vivre une expérience musicale inoubliable.

3 Heures Prod invites you to their upcoming concert at Club Soda, where they will present their new album, Nouvelle Ère. Expect plenty of surprises, including collaborations with renowned artists!
3 Heures Prod is a musical collective bringing together artists of African origin, such as YA CETIDON, JEEKAY, KAZALITO, and DALLAS. As pioneers of the Afro movement in Quebec’s hip-hop scene, they blend influences from African music into their sound.
This concert aims to fuse Quebec hip-hop with a variety of international music styles, just as they have done through collaborations with Loud, Shreez, Connaisseur Ticaso, Dee End, Rosalvo, Mikezup, and many others. Get ready for a musical journey across different genres!
For years, 3 Heures Prod has stood out for their electrifying live performances. This show will feature exciting surprises, from special guest appearances to dynamic performances enhanced by dance styles from diverse origins.
Don’t miss this unique opportunity to experience 3 Heures Prod live and immerse yourself in an unforgettable musical event!

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Folk Pop / Indie

James Bay au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Le chanteur et auteur-compositeur anglais James Bay, au style bluesy, crée un folk-pop émouvant et évocateur, porté par une voix chaude et éraillée. Grâce au succès du single Hold Back the River, certifié platine, son premier album, Chaos and the Calm (2015), est un véritable tournant : il atteint la première place des charts au Royaume-Uni et se classe dans le Top 10 à travers l’Europe et l’Australasie. Apportant une touche de fraîcheur à son son, il sort son deuxième album, Electric Light, en 2018, qui atteint la deuxième place des classements. En 2019, il publie l’EP Oh My Messy Mind, comprenant le titre Peer Pressure en duo avec Julia Michaels. Son troisième album, Leap (2022), le maintient dans le Top 5 britannique, et au cours des deux années suivantes, il dévoile plusieurs singles, dont l’émouvant Goodbye Never Felt So Bad et Up All Night en 2024, en collaboration avec Noah Kahan et The Lumineers. Ce dernier titre figure sur son quatrième album, Changes All the Time.

Bluesy English singer/songwriter James Bay crafts moving and evocative folk-pop delivered with a warm, raspy voice. Riding the success of the platinum single “Hold Back the River,” his 2015 debut album, Chaos and the Calm, was a breakthrough, soaring to number one in the U.K. and landing in the Top Ten across Europe and Australasia. Incorporating fresh flair, he issued his sophomore effort, Electric Light, in 2018, which peaked at number two. An EP, Oh My Messy Mind, arrived in 2019 featuring “Peer Pressure” with Julia Michaels. Bay’s third long-player, 2022’s Leap, kept him in the U.K. Top Five, and over the next two years, he delivered singles like the heartbroken “Goodbye Never Felt So Bad” and 2024’s Noah Kahan and Lumineers collaboration “Up All Night,” the latter of which appeared on his fourth long-player, Changes All the Time.

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Alternative / Indie Rock

The Kooks au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Arrivant une bonne décennie après l’apogée de la Britpop, The Kooks ont ravivé ce fracas accrocheur et plein de malice pour une génération légèrement plus tardive. Leur premier album, Inside In/Inside Out, est sorti en 2006, la même année que le premier album des Arctic Monkeys. Les deux groupes étaient peut-être de légers rivaux, mais leurs débuts quasi simultanés ont marqué la naissance d’une nouvelle génération de groupes britanniques à guitares, aussi redevables aux Strokes qu’au rock classique. Inside In/Inside Out a été un immense succès au Royaume-Uni, atteignant la deuxième place des charts avant d’obtenir le statut de quadruple disque de platine. Leur deuxième album, Konk, sorti en 2008, est entré directement à la première place des classements britanniques, mais est rapidement redescendu. Junk of the Heart, paru en 2011, n’a pas relancé leur succès, mais le quatuor a persévéré et fait son retour en 2014 avec Listen, un album élargissant leur palette sonore pour intégrer des influences soul, dance et new wave, tout en conservant leur amour pour la pop/rock britannique classique qui avait toujours été leur fondement. The Kooks ont continué à associer des grooves aérés à une production soignée sur leurs albums suivants, Let’s Go Sunshine (2017) et 10 Tracks to Echo in the Dark (2022).

Arriving a good decade after the peak of Brit-pop, the Kooks revived that knowing, catchy clatter for a slightly later generation. Their debut, Inside In/Inside Out, appeared in 2006, the same year as the Arctic Monkeys’ debut. The two bands may have been mild rivals, but their near-simultaneous debuts represented the birth of a new generation of British guitar bands, one as indebted to the Strokes as to classic rock. Inside In/Inside Out was a major hit in the U.K., peaking at number two on its way to quadruple-platinum status. Konk, their 2008 sophomore album, entered the U.K. charts at number one but slid down rather quickly. 2011’s Junk of the Heart didn’t revive their fortunes, but the quartet stuck to it, re-emerging in 2014 with Listen, a record that broadened their sound to encompass soul, dance, and new wave while retaining their love of the classic British pop/rock that had always been at their foundation. The Kooks continued to pair spacious grooves with lush production on subsequent efforts Let’s Go Sunshine (2017) and 10 Tracks to Echo in the Dark (2022).

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Classical / Modern Classical / South African Traditional

The OSM and Abel Selaocoe: Evenings When You’d Like to Stop Time

by Judith Hamel

The OSM sometimes gives us gifts. Moments of unexpected communion, as was the case on May 22. The concert program featured the closing piece Romeo and Juliet, but it was the journey to get there that was most meaningful.

The concert opened with Maurice Ravel’s Ma mère l’Oye, under the expressive and precise direction of conductor Xian Zhang. This suite of musical tales featured several musicians as soloists. In Les entretiens de la Belle et de la Bête, the famous contrabassoon solo, embodying the clumsy Beast, was brilliantly performed by Michael Sundell, before the disenchanting harp glissando transformed him into a prince.

Then Abel Selaocoe took to the stage to perform Four Spirits, a song about the Sebokeng community where he grew up, accompanied by the orchestra and multi-percussionist Bernhard Schimpelsberger. Selaocoe is a cellist and singer of South African origin, bringing with him an impressive musical baggage.

Through inventive use of extended playing techniques, he explores in depth the rhythmic, melodic and above all timbral potential of the instrument, placing it at the service of expressivity. With his cello, Selaocoe manages to conjure up a plurality of timbres and functions: the instrument becomes in turn the rhythmic echo of his voice, a vocal double, or comes close to a lute or guitar. It is sometimes an accompanist, sometimes the bearer of lyrical flights of fancy, and provides a sensitive extension of his body.

As for his voice, what can I say… First of all, the well-dosed amplification in the Maison Symphonique showcases the breadth of his vocal range and ensures the grandeur of his creativity and dynamic expressions. Here again, he blends several traditions, inserting sweet Southern Sotho and Zulu songs and guttural chants that acoustically fill the hall into a solid vocal control. Together, cello and voice express inspired lyrics with a doubled range of emotions.

From the fourth movement, celebrating the spirit of community, came a timid murmur and then a chorus from the audience. After a long ovation, Selaocoe returned to the stage to offer a final aria dedicated to the present moment. He reminds us that if we failed to do the right thing yesterday, there’s still time to do it today. And a final chorus formed…

In the second half, we return to the classics with excerpts from the first two suites of Prokofiev’s Romeo and Juliet. A work which, as you can imagine, has been played hundreds of times by the musicians, but which is not without its pleasures. The performance may not have been the most striking of the evening, but it was no less effective. Between Pierre Beaudry’s solid outbursts on bass trombone and Zhang’s dramatic flights of fancy, there was plenty for the audience to enjoy.

An evening where the new and the already familiar alternate, allowing the audience to feel genuine emotions. Here’s hoping Selaocoe comes back soon!

There are evenings like this one that we’d like to relive soon.

Photo Credit : Antoine Saito

classique / post-romantique

OSM : Le chant de la terre de Mahler par Payare

by Rédaction PAN M 360

La rencontre inédite entre la musique de Mahler et la création d’une œuvre pour voix et orchestre en langues autochtones promet une fin de saison mémorable! Face à fragilité de l’existence humaine, le renouvellement perpétuel de la nature alimente le rêve d’immortalité des humains. Traitée par Mahler dans Le chant de la terre, cette thématique trouvera un écho dans une œuvre composée et écrite par des artistes autochtones, allochtones et métis rendant hommage à la vie et à la Terre. Ce concert hors du commun clôturera une saison 2024-2025 prometteuse!

An unprecedented convergence between the music of Mahler and the premiere of a work for voices and orchestra sung in Indigenous languages will make for a memorable season finale! Faced with the fragility of human existence, the perpetual renewal of nature has nurtured the dream of immortality in humans. This theme, depicted by Mahler in Das Lied von der Erde, will be echoed by a work composed and written by Indigenous, non-Indigenous, and Métis artists paying homage to life and to the Earth. An extraordinary concert that will bring a promising 2024-2025 season to a close!

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période romantique

Reaching for the sky: Francis Choinière’s challenge to end his OPCM’s 10th season

by Frédéric Cardin

Last night’s finale and premiere at the Maison symphonique de Montréal were one and the same: the Orchestre Philharmonique et Choeur des Mélomanes (OPCM) ended its season (the tenth of its existence) with a first-ever performance of a Mahler symphony, in this case the Second, “Resurrection”. Conductor Francis Choinière had chosen it for its beauty and magnificence, allowing him to showcase his orchestra’s capabilities. Soprano Sarah Dufresne and mezzo Allyson McHardy joined the ensemble for the short but beautiful lyrical lines of the work’s fourth and fifth movements.

WATCH THE INTERVIEW WITH FRANCIS CHOINIÈRE ABOUT MAHLER’S RESURRECTION SYMPHONY.

Francis Choinière conducts in a poised manner, without the effluvia of his Montreal colleagues Rafael Payare and Yannick Nézet-Séguin, or the historic Bernstein, a model in his own right. This induces an attention to the almost crystalline clarity of the score’s numerous lines and contrasts. Where Bernstein creates a gripping viscerality, Francis draws precise, more thoughtful portraits. This does not prevent the achievement of impressive and effective tutti when necessary.

I particularly appreciated the characterization he gave to the strings, very beautiful and rich in temperament. Hats off to the orchestra’s first chair, violinist Mary-Elizabeth Brown, who played some vibrant, very lilting solos.

The second movement, andante moderato, was beautifully pastoral and debonair. The same was true of the Scherzo (third movement), with its dance-like “allant”.

Urlicht, that moment of grace (fourth movement), gave us the opportunity to appreciate mezzo McHardy’s sound projection, a tad dark for the needs of the score, but given in a very pleasant tonal and aesthetic refinement.

The final movement, with its many dynamic pauses, is a formidable piece to tie down, for it must be ensured that the fluidity of the “ascent” to the final light, which begins here and ends in the next movement, is not diminished and rendered less penetrating by these frequent pauses. These must appear as mere breaths in a spiritually continuous ascent, despite the changes in texture and affect. I must report that, listening furtively to a few comments from the audience after the concert, this aspect of the work was perhaps not fully understood by all. If I myself did not feel the irremediability of this ascent during the unfolding of the movement, the choral finale ended up reconciling the purpose with the objective. Indeed, Francis Choinière led his 200-odd musicians to an apotheosis that (again, comments gleaned from the audience) sent shivers down the spines of many present, yours truly included. It was well worth the trip, for this grand tutti had panache! Heaven was reached, even if it almost had to wait.

As a good critic who has to quibble over technical details, I would like to note the lack of technical and aesthetic finish of the trumpets and horns in several delicate passages. If you want to play Mahler again, you absolutely must polish up this aspect.

All in all, a fine incursion into Mahler’s repertoire by a very young orchestra showing its aptitude for this demanding repertoire. There will be plenty of time to fine-tune the details and offer more in the near future to audiences who are often new to this repertoire, a specialty of this orchestra. This audience, considering its reaction, appreciated the experience and will be back in the future.

Thank you Francis and the OCPM for building tomorrow’s classical public in such a wonderful way.

Alt-Pop / Electro-Pop

Group Project au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Group Project est un trio de Montréal, Canada qui fait de la musique alternative-pop. Les débuts du groupe remontent à 2015 quand Jeremy Harbec rencontre Jacob Brown et qu’ils commencent à expérimenter avec des beats EDM & Pop dans la chambre à coucher/studio de Jeremy. En 2016 le duo commence à sortir leurs chansons sur SoundCloud. C’est alors qu’Alex Remington se joint à Jeremy et Jacob pour former Group Project et qu’ils commencent à enregistrer leurs premières chansons ensemble. Les vocales étaient alors enregistrées de façon créative sous des couvertures et les guitares étaient enregistrées avec des micros tenus manuellement puisque le groupe ne possédait pas encore de stands à micros. Le gérant d’artiste, Stéphane McGarry, promenait un jour son chien quand la mère d’Alex (la fan #1 de Group Project!) lui suggéra d’écouter les chansons du groupe. La fille de Stéphane entendit les chansons qu’il écoutait et lui dit que tous les ados à son école écoutaient déjà ces chansons. Deux ans plus tard, Group Project établit un partenariat avec Spectra Musique et Evenko et le groupe a hâte de continuer à progresser en 2021. Le plus récent single du groupe ‘Settle Down’ est sorti le 28 mai dernier.

Group Project is an alternative-pop trio based out of Montreal, Canada. The band can trace its roots back to 2015 when Jeremy Harbec met Jacob Brown, to experiment with EDM & Pop beats in Jeremy’s bedroom studio. They began to release their songs on SoundCloud in 2016. Alex Remington soon joined the picture, and Group Project began recording its first few songs. Vocals were recorded creatively under blankets, and guitars were recorded by hand-held microphones since the trio did not have mic-stands. The band’s manager, Stephane McGarry, was walking his dog one day when Alex’s mom (Group Project’s biggest fan) convinced him to give the band’s music a listen. Stephane’s daughter heard the songs playing in the background and informed him that all the kids were listening to it at her school. Two years later, Group Project has partnered with Spectra Musique and Evenko and the band is looking forward to taking strides forward in 2021. The band’s single ‘Settle Down’ was released on May 28th.

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alt-rock / Indie Pop

The Wedding Present au Ritz PDB

by Rédaction PAN M 360

Porté par la voix insistante de David Gedge et ses paroles sincèrement éprises d’amour, The Wedding Present est l’un des groupes fondateurs et moteurs de l’indie rock au Royaume-Uni. Bien que la formation ait évolué autour de Gedge, son attachement aux guitares au jeu rapide, aux tempos vifs et aux mélodies accrocheuses est resté intact depuis leur premier single en 1985. Le groupe débute avec une énergie brute et maladroite sur ces premiers singles et l’album George Best (1987), avant que leur son ne gagne en richesse et en puissance avec le chef-d’œuvre bruyant Seamonsters (1991), une touche grunge assumée sur Watusi (1994), ou une légèreté pétillante avec l’EP Mini (1996). Après avoir dissous le groupe à la fin des années 90 pour fonder Cinerama, un projet plus influencé par la pop orchestrale, Gedge reforme The Wedding Present en 2004 et sort l’album percutant Take Fountain. Les années suivantes alternent entre tournées anniversaires célébrant leurs premiers albums et sorties discographiques, comme Going, Going… en 2016 ou 24 Songs en 2023, une compilation de singles publiés sur un an, poursuivant l’exploration des tribulations amoureuses de Gedge avec une énergie et une maîtrise intactes.

Built around David Gedge’s insistent voice and earnestly lovelorn lyrics, the Wedding Present are one of the founders and driving forces of indie rock in the U.K. Though the cast revolves around him, Gedge’s devotion to quickly strummed guitars, lively tempos, and sharp hooks has stayed the same since their first single in 1985. The band started off awkward and energetic on those initial singles and 1987’s George Best album, but as their confidence and instrumental prowess grew, their sound became richer and more powerful (1991’s noisy masterpiece Seamonsters), or happily grungy, (1994’s Watusi), or light and fizzy (1996’s Mini EP). After splitting up the band in the late ’90s to start the more orchestral pop-influenced Cinerama, Gedge re-formed the Wedding Present in 2004 and issued the bracing Take Fountain album. The years that followed saw the band alternating between anniversary tours to celebrate early albums and releasing records like 2016’s Going, Going… and 2023’s 24 Songs — the latter collected a year’s worth of singles, that continued to chart the course of Gedge’s romantic travails with undimmed energy and skill.

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Alternative / Indie Rock

Momma au Théâtre Fairmount

by Rédaction PAN M 360

Projet de rock indépendant aux riffs lourds, aux voix mélancoliques et aux textes introspectifs, Momma est un duo composé d’Etta Friedman et d’Allegra Weingarten, qui se partagent le chant, l’écriture et la guitare. Leur deuxième album, Two of Me (2020), leur a valu une certaine reconnaissance dans la presse musicale grand public. Deux ans plus tard, elles ont fait leurs débuts chez Polyvinyl avec Household Name, leur troisième album et leur premier en studio professionnel. Après une série de festivals et de tournées, elles ont sorti de nouveaux morceaux, dont Bang Bang (2023) et Ohio All the Time (2024).

An indie rock project with a penchant for heavy riffs, moody vocals, and rumination, Momma is the duo of Etta Friedman and Allegra Weingarten, who share singing, songwriting, and guitar duties. They had a minor breakthrough with their 2020 sophomore album Two of Me, winning acclaim in the mainstream music press. Two years later, they made their Polyvinyl debut with their third album, Household Name, which was also their professional studio debut. Amid the plethora of festival dates and tour opportunities that followed, they released new songs including “Bang Bang” (2023) and “Ohio All the Time” (2024).

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