Rani grew up in Gdansk with her parents and surrounded by music and films. Initially inspired to study classical music, she was introduced to jazz and electronics at music school, widening her interests. Her inspirations include composers such as Max Richter, Esbjorn Svensson, Miles Davis, Nils Frahm, Murcof, Portico Quartet, Radiohead and even The Beatles.
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Ce contenu provient d’Hania Rani et du Festival International de Jazz et est adapté par PAN M 360.
NEA Jazz Master and three-time GRAMMY® award-winning drummer, producer, and educator, Terri Lyne Carrington started her professional career as a “kid wonder” while studying under a full scholarship at Berklee College of Music in Boston. In the mid ’80’s she worked as an in-demand drummer in New York before gaining national recognition on late night TV as the house drummer for both the Arsenio Hall Show and Quincy Jones’ VIBE TV show.
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Ce contenu provient de Terri Lyne Carrington et est adapté par PAN M 360.
Adjuah est connu pour avoir développé la convention harmonique connue sous le nom de « cellule de prévision » et pour son utilisation d’un ton sans voix dans son interprétation, mettant l’accent sur le souffle plutôt que sur la vibration à l’embouchure. Adjuah est également le géniteur de la « Stretch Music » , une forme musicale sans genre, enracinée dans le jazz, qui tente d’étirer les conventions rythmiques, mélodiques et harmoniques du jazz pour englober de multiples formes, langages et cultures musicales.
Adjuah is known for developing the harmonic convention known as the “forecasting cell” and for his use of an un-voiced tone in his playing, emphasizing breath over vibration at the mouthpiece. Adjuah is also the progenitor of “Stretch Music,” a jazz rooted, genre blind musical form that attempts to “stretch” jazz’s rhythmic, melodic and harmonic conventions to encompass multiple musical forms, languages and cultures.
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Ce contenu provient de Christian Scott aTunde Adjuah et est adapté par PAN M 360.
Busty and the Bass a passé une décennie à préparer la sortie de ‘Eddie’, leur deuxième album complet sorti en août 2020. Passant d’un groupe instrumental de fête sur le campus à des concerts dans des festivals internationaux et des salles pleines à travers l’Amérique du Nord, le groupe s’est rassemblé autour de l’amitié, de l’amour de la musique et de la volonté de faire bouger les choses pour créer un véritable album de référence.
Busty and the Bass have spent a decade building toward the release of ‘Eddie’, their sophomore full length released in August 2020. Transforming from an instrumental campus party band to playing at international festivals and selling out theatres across North America, the band rallied around friendship, a love for performing music, and a focus to uplift listeners to make a true statement album.
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Ocean Alley a captivé des spectateurs du monde entier avec leurs lignes mélodiques infectieuses et leur mélange mémorable de rock psychédélique-surf. Le groupe a consolidé sa position comme l’un des groupes de tournée les plus excitants d’Australie, laissant sa marque sur le circuit local et international grâce à son programme de tournée cohérent, qui a permis de vendre d’innombrables spectacles en Amérique du Nord, en Europe, au Royaume-Uni et en Nouvelle-Zélande.
Ocean Alley have captivated audiences around the world with their infectious melody lines and memorable blend of psychedelic-surf-rock. The band have solidified their position as one of Australia’s most exciting touring acts, making their mark on the local and international circuit with their consistent touring schedule, selling out countless shows across North America, Europe, UK and New Zealand.
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Ce contenu provient d’Ocean Alley et du Théâtre Corona et est adapté par PAN M 360.
Il s’agit d’un groupe né pendant la révolution du Mile End: Molander et Dylan Phillips, tous deux originaires de la Colombie-Britannique, s’y sont associés à Devon Portielje, expatrié d’Ottawa, quelques années après qu’Arcade Fire ait placé la métropole sur la carte internationale du « rock indie », et juste avant que le trio s’associe à la même étiquette que Grimes, qui inaugurerait un nouveau chapitre et changeait la tradition pour le « do it yourself » de Montréal. C’est donc pendant ce moment de transition que Half Moon Run a construit un son qui lui est singulier, qui trépasse le passé et de l’avenir de la musique de Montréal, vers un royaume intemporel. Leur genre est celui qui inspire toutes sortes de couleurs, de descriptions contradictoires – musique considérée « folk » pour une ère sombre moderne, « art-rock » pour les amateurs d’harmonies pop, « indie » rustiques pour les têtes néoclassiques – mais peu importe comment vous le définissez, les réactions physiques et émotionnelles des auditeurs sont toujours les mêmes: les battements de cœur s’accélèrent, la chair de poule monte, les orbites se redressent.
When you consider everything the Montreal band have accomplished and achieved and gained and lost in their lifespan, the past decade may as well have been a century. This was a group born between revolutions: B.C natives Molander and Dylan Phillips connected with Ottawa expat Devon Portielje in the Mile End a few years after Arcade Fire had put the city on the international indie-rock map, and just before the trio’s fellow jam-space tenant Grimes would usher in a new chapter of Montreal DIY lore. But in the midst of this transitional moment, Half Moon Run forged a singular sound that looked beyond Montreal’s past and future toward the realm of the timeless. Theirs is a sound that inspires all sorts of colorful, contradictory descriptors—folk music for the modern dark age, art rock for harmony-pop enthusiasts, rustic indie anthems for neoclassical heads—but no matter what you call it, the physical and emotional responses among listeners is always the same: heartbeats accelerate, goosebumps rise, eye sockets well up.
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Ce contenu provient de L’Olympia et d’Half Moon Run et est adapté par PAN M 360.
Célébrant 40 ans de carrière musicale, la batteuse, productrice et éducatrice Terri Lyne Carrington a commencé sa carrière professionnelle dans le Massachusetts à l’âge de 10 ans.
Son projet actuel, Terri Lyne Carrington and Social Science (formé avec Aaron Parks et Matthew Stevens), a sorti son premier album, Waiting Game, en novembre 2019 , inspiré par les changements sismiques dans le paysage social et politique en constante évolution. Le double album exprime une vision sans faille, inclusive et compatissante des ruptures et des liens de l’humanité à travers un programme éclectique mêlant jazz, R&B, rock indé, improvisation contemporaine et hip-hop.
Celebrating 40 years in music, drummer, producer, and educator, Terri Lyne Carrington started her professional career in Massachusetts at 10 years old.
Her current project, Terri Lyne Carrington and Social Science (formed with Aaron Parks and Matthew Stevens), released their debut album, Waiting Game, in November, 2019 , inspired by the seismic changes in the ever-evolving social and political landscape. The double album expresses an unflinching, inclusive, and compassionate view of humanity’s breaks and bonds through an eclectic program melding jazz, R&B, indie rock, contemporary improvisation, and hip-hop.
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Ce contenu provient de Terri Lyne Carrington et est adapté par PAN M 360.
Marianne Trudel est pianiste, compositrice, improvisatrice, et arrangeuse. Artiste généreuse et attachante, véritable dynamo sur la scène de musique instrumentale québécoise et canadienne, elle a démontré maintes fois ses talents et son sens aiguisé de la créativité. Sa musique, qui transporte et émeut, peut difficilement être cataloguée, ce qui en fait une de ses forces. À la fois sophistiquée et accrocheuse, authentique et unique, elle témoigne de son regard ouvert sur l’univers infini de la musique.
Marianne Trudel is a multi-talented pianist, composer, improvisor, and arranger. A generous and engaging artist, a veritable powerhouse in Quebec and Canada’s instrumental music scene, Marianne Trudel has presented multiple artistic projects that not only bring her considerable skills to the fore but also her keen sense of creativity. At once energetic and passionate, her music cross-cuts a wide swath of musical interests. Her moving, spellbinding music is not easily labelled, one of its many strengths. At once sophisticated and catchy, authentic and unique
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Makaya McCraven est un batteur, compositeur et producteur prolifique.
L’artiste, que l’on a qualifié à juste titre de “synthétiseur culturel”, possède un don unique pour faire éclater l’espace, détruire les frontières et mélanger le passé, le présent et le futur dans des arrangements poly-texturaux de musique folklorique du XXIe siècle, post-genre et ancrée dans le jazz.
Makaya McCraven is a prolific drummer, composer and producer.
The artist, who has been aptly called a “cultural synthesizer”, has a unique gift for collapsing space, destroying borders and blending past, present, and future into poly-textural arrangements of post-genre, jazz-rooted 21st century folk music.
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Tash Sultana, multi-instrumentiste, autric-compositrice-interprète, productrice et ingénieure, a été surnommé l’un des plus grands artistes musicaux d’Australie. Tash a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 3 ans, après avoir reçu un cadeau de son grand-père. A partir de là, Tash a commencé à prendre d’autres instruments tels que le piano/clavier/synthé, la basse, la batterie/percussion, le beatmaking/échantillonnage, le beatboxing, la trompette, le saxophone, la flûte, la mandoline, l’oud, l’harmonica, la lap steel, la flûte de pan et les a arrangés dans des performances en boucle avec un jeu de guitare percutant coïncidant avec une gamme vocale s’étendant sur 5 octaves.
Tash Sultana, the gender fluid multi-instrumentalist, singer-songwriter, producer and engineer, has been dubbed one of the hardest working music exports in Australia. Tash began playing the guitar from the age of 3 after being gifted the instrument from their grandfather. From there Tash began to pick up other instruments such as piano/keyboard/synth, bass, drums/percussion, beatmaking/ sampling, beatboxing, trumpet, saxophone, flute, mandolin, oud, harmonica, lap steel, panpipes and arranged it into loop style performances along with percussive guitar playing coinciding with a vocal range stretching 5 octaves.
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Le guitariste primé Julian Lage a été largement acclamé comme l’un des guitaristes les plus prodigieux de sa génération. Il est spécialisé dans le jazz, la musique classique, la pop et le show tunes, et a passé plus d’une décennie à chercher dans les myriades d’histoires musicales américaines grâce à une technique impeccable et un don pour associer librement les styles, les tempos, les tonalités et les textures, ce qui ajoute à son esprit d’improvisation sans limites.
La stature de Scott Colley en tant que bassiste de premier plan dans le domaine de la musique improvisée est bien connue et facilement mesurable. Le New York Times l’a qualifié de “l’un des principaux bassistes de notre ère postbop, et de compositeur et leader d’une détermination calme et sérieuse”.
Award-winning guitarist Julian Lage has been widely acclaimed as one of the most prodigious guitarists of his generation. He is versed in jazz, classical, pop, and show tunes, and has spent more than a decade searching through the myriad strains of American musical history via an impeccable technique and a gift for freely associating between styles, tempos, keys, and textures that adds to his limitless improvisational spirit.
Scott Colley’s stature as a leading bassist in the field of improvised music is well known, and easily measured. He’s been called “one of the leading bassists of our postbop era, and a composer-bandleader of quietly serious resolve” by The New York Times.
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Ce contenu provient de Blue Note Records et de Scott Colley et est adapté par PAN M 360.
GoGo Penguin a été salué dans le monde entier comme un groupe d’artistes électrisants, de compositeurs de bandes sonores innovantes et un collectif qui canalise les atmosphères de la culture électronique et des clubs en les associant à des influences minimalistes, jazz et rock pour créer une musique qui pulse et coule du dancefloor à des mondes intérieurs méditatifs, nous transportant dans de tout nouveaux domaines.
Captivant, éthéré et majestueux, Mammal Hands (le saxophoniste Jordan Smart, le pianiste Nick Smart et le batteur et percussionniste Jesse Barrett) s’est forgé un son original et rafraîchissant à partir d’un éventail disparate d’influences. Puisant dans leur amour de la musique électronique, de la musique classique contemporaine, de la musique du monde, du folk et du jazz, Mammal Hands s’inspire d’influences telles que Pharoah Sanders, Gétachèw Mekurya, Terry Riley, Steve Reich et Sirishkumar Manji.
GoGo Penguin have been internationally hailed as electrifying live performers, innovative soundtrack composers, and as a collective who channel electronic and club culture atmospheres alongside minimalist, jazz and rock influences to create music that pulses and flows from the dancefloor to meditative inner-worlds, transporting us into brand new realms.
Captivating, ethereal and majestic, Mammal Hands (saxophonist Jordan Smart, pianist Nick Smart and drummer and percussionist Jesse Barrett) has carved out a refreshingly original sound from a disparate array of influences. Drawing on their love of electronic, contemporary classical, world, folk and jazz music, Mammal Hands take in influences including Pharoah Sanders, Gétachèw Mekurya, Terry Riley, Steve Reich and Sirishkumar Manji.
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