Ingrid St-Pierre à l’Usine C

by Rédaction PAN M 360

Des chansons délicatement déshabillées, détricotées, qui se déploient dans leurs apparats originels. Vives, chargées d’histoires, et toutes pleines d’immenses. Dans ce spectacle solo, Ingrid St-Pierre est portée par l’envie d’exister sur scène librement, en laissant toute la place au cinéma des mots, aux silences, aux détails, aux histoires, aux paysages.

Songs delicately undressed, unravelled, unfurled in their original finery. Lively, full of stories, and all full of immensity. In this solo show, Ingrid St-Pierre is driven by the desire to exist freely on stage, leaving plenty of room for the cinema of words, silences, details, stories and landscapes.

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Electronic / Experimental / Contemporary

Festival Akousma : Soirée 1 – Bloc_1

by Rédaction PAN M 360

Mikael Meunier-Bisson (ca)

Mikael Meunier-Bisson est un compositeur de musique expérimentale et électroacoustique montréalais. Ce n’est qu’aux alentours de 2020 que son attention se pose sur la composition de musique ambiante et de texture. Cette pratique autodidacte s’est rapidement complexifiée grâce aux dernières années de flirt avec les techniques acousmatiques. Son travail récent cherche à se sortir de la “localité” de l’ambient en travaillant le “global”, à explorer la tonicité sur un mode abstrait, pour ultimement rejoindre les affects, le ressenti, par des combinaisons de méthodes qui nous sont encore peut-être inconnues. Il poursuit depuis 2023 des études au baccalauréat en Musiques Numériques à l’Université de Montréal. Sa pièce “musicfriend” fut composée sous la direction de Martin Bédard à l’hiver 2024.

Mikael Meunier-Bisson is a Montréal-based experimental and electroacoustic music composer. Around 2020, his compositional focus shifted to explore the realms of ambient and textural music. This self-taught practice quickly became more intricate in recent years as he flirted with acousmatic techniques. His current work aims to transcend the “locality” of ambient music by engaging with the “global,” to explore tonality in an abstract way, and ultimately reach emotional resonance through combinations of methods that may still be unfamiliar to us. Since 2023, he is pursuing a bachelor’s degree in Musiques Numériques at Université de Montréal. His work ‘musicfriend’ was composed under the teaching of Martin Bédard in the winter of 2024.

Programme

musicfriend (2024) 8’00”
Faisant l’objet de rencontres franches entre plusieurs tableaux, musicfriend est l’aboutissement de multiples réorganisations. Teintée d’une matériologie suggestive, à fort accent, la rhétorique de ce projet est parsemée de doutes, d’essais, d’erreurs, dans un va et vient continu entre le référentiel, l’onirique et le ludique.

Program

musicfriend (2024) 8’00”
Arising as the outcome of frank encounters between several frames, musicfriend is the culmination of many reorganizations. Infused with a suggestive and strongly accentuated materiality, the rhetoric of this project is strewn with doubts, trials and errors, in a continual vacillation between the referential, the dreamlike and the playful.

Vivian Li (cn/ca)

Vivian Li est une artiste interdisciplinaire basée à Tiohtià:ke/Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Animée par une fascination pour les propriétés thérapeutiques et temporelles du son, sa musique combine des mélodies hypnotiques, des ambiances synthétiques apaisantes, des enregistrements de terrain autobiographiques et des textures bruiteuses pour explorer des moments d’introspection et d’intimité.
Elle a joué et présenté son travail dans des lieux et festivals nationaux et internationaux, tels que MUTEK (Montréal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montréal), perte de signal (Montréal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montréal), Hectolitre (Bruxelles) et Karachi Biennale.
Depuis 2021, Vivian anime une émission de radio mensuelle – Lo Signal – sur la station de radio communautaire de Montréal CKUT 90.3fm. Ce créneau de deux heures sert de terrain de jeu sonore où elle partage ses fragments ambiants, enregistrements de terrain, drones, montages expérimentaux et journal audio.

Vivian Li is a Tiohtià:ke /Montreal based interdisciplinary artist working primarily in sound and music. Driven by a fascination with the therapeutic and time binding properties of sound, her music combines hypnotic melodies, soothing synth ambiences, autobiographical field-recordings and soft noises to explore moments of introspection and intimacy.
She has performed and presented work at venues and festivals nationally and internationally, such as MUTEK (Montreal), Pique (Ottawa), Sound Art Lab (Struer), Inkonst (Malmö), Eastern Bloc (Montreal), perte de signal (Montreal), Kwia (Berlin), Fondation Phi x Nuit Blanche (Montreal), Hectolitre (Brussels) and Karachi Biennale .
Since 2021, Vivian hosts a monthly radio show – Lo Signal – on Montreal’s community radio station CKUT 90.3fm. This two-hour slot serves as a sonic playground where she shares her ambient scraps, field recordings, drones, experimental edits, and audio diary.

Programme

Memory Playback (2024) 7’00”
Cette pièce explore le potentiel du son à préserver et ressusciter les souvenirs. Profondément autobiographiques, la plupart des enregistrements proviennent du parcours personnel de la compositrice. Dans ce paysage auditif, des fragments d’intimité et de souvenirs refont surface, de manière distordue, presque distante, oscillant à la limite de la désintégration totale. Alors que ces bribes du passé se superposent, elles créent de nouvelles images et sensations, transcendant en « hyper souvenirs » (Maria Chávez, 2020).

Program

Memory Playback (2024) 7’00”
This piece explores the potential of sound to preserve and resurrect memories. Profoundly autobiographical, most recordings originate from the composer’s personal journey. Within this auditory landscape, fragments of intimacy and souvenirs resurface, in a distorted, almost distant manner, teetering on the brink of utter disintegration. As these bits and pieces of the past overlap on each other, they create new imageries and feelings, transcending to “hyper memories” (Maria Chávez, 2020).

Byron Westbrook (us)

Byron Westbrook, arrivé sur la scène musicale expérimentale new-yorkaise au cours de la dernière décennie et désormais basé à Los Angeles, tisse des tapisseries sonores complexes qui relient les mondes de l’art sonore, de l’installation, de la musique électronique d’avant-garde et de la synthèse.
Westbrook crée des compositions sculpturales et immersives. Ses albums, très acclamés, ont été publiés sur des labels comme Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex et Ash International, et il a présenté son travail au Walker Art Center, à l’ICA de Londres, au MOCA de Los Angeles, au MoMA PS1, au MaerzMusik et aux festivals Rewire, entre autres. Son dernier album, Translucents, a été publié par Shelter Press en 2024.

First emerging from within New York’s experimental music scene over the last decade and a half and now based in Los Angeles, Byron Westbrook has woven intricate tapestries of sonority that bridge the worlds of sound art, installation, avant-garde electronic music and synthesis. Westbrook creates sculptural and immersive compositions, with highly acclaimed full-lengths on imprints like Root Strata, Hands In The Dark, Umor Rex, and Ash International, and presentations at the Walker Art Center, ICA London, MOCA Los Angeles, MoMA PS1, MaerzMusik and Rewire Festivals among others. His newest release Translucents was published by Shelter Press in 2024.

Programme

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspirée des panneaux de couleurs du peintre abstrait Blinky Palermo, Translucents explore le concept de «l’image sonore rémanente». L’œuvre présente une série de scènes sonores, avec l’intention de s’imprimer dans l’esprit de l’auditeur afin d’influencer la façon dont chaque scène consécutive apparaît. Elle expérimente une dynamique entre la perception de la présence dans l’espace où l’on écoute et la perception d’un espace ou d’un lieu extérieur. Il s’agit d’un jeu avec la mémoire, avec la présence et avec le temps. Translucents est présentée ici sous une forme « Remix » différente de sa version publiée, en exclusivité pour Akousma.

Program

Translucents (Remix) (2024) 20’00’’
Inspired by the color panels of abstract painter Blinky Palermo, Translucents explores the concept of “audio after-image”. The work presents a series of audio scenes, with the intention of imprinting on the listener’s mind in order to influence the way each consecutive scene appears. It is a play with memory, with presence, and with time. It experiments with a dynamic between perceiving presence in the space where one is listening vs the perception of an external space or place. Translucents is presented here in a “Remix” form that differs from its published release, exclusively for Akousma.

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Electronic / Experimental / Contemporary

Festival Akousma : Soirée 2 – Bloc_1

by Rédaction PAN M 360

Frédéric Janelle (ca)

Né à Sherbrooke en 1981, Frédéric déménage à Montréal en 1999 pour y étudier la composition musicale assistée par ordinateur. Il débute ensuite une carrière en sonorisation et, de 2006 à 2009, étudie la composition électroacoustique au Conservatoire de Musique de Montréal. Il puise son inspiration dans la technologie et sa vision du futur.

Frédéric was born in Sherbrooke in 1981. He moved to the Montreal area in 1999 to study computer-assisted musical composition. He then began a career as a sound engineer and studied electroacoustic composition at the Montreal Conservatory of Music from 2006 to 2009. Frédéric draws his inspiration from technology and his visions of the future.

Programme

L’Oracle (2024) 8’41”
Les visions de l’Oracle.

Program

L’Oracle (2024) 8’41”
The Visions of the Oracle.

Monique Jean (ca)

Je suis toujours à la recherche d’une matière sonore prégnante, rêche et énergétique, dans l’idée que la matérialité des sons donne accès à la sensation, et génère à la fois du sensible et du sensé.
Plus précisément, mes recherches impliquent la spatialisation sur dôme de haut-parleurs, les métamorphoses continues du flux sonore ainsi que l’imprévisibilité et l’imperfection dont le vivant a le secret et que je retrouve dans l’improvisation sur mon dispositif no-input du projet Miss Take.

Be it electroacoustic music, mixed music, sound installations or improvisations, the music of Monique Jean is engaging a present that happens now. She focuses on the tensions, fractures, and shocks of sound materials to transmute reality into poetry. She works on sound materials as if they were complex organisms animated by forces that keep them in constant evolution.
Since 2012, in search of a harsh, raw sound, she has been integrating analogue and no-input elements to her set-up as sources of instability and unpredictability.
Her works have been selected by several competitions and performed and broadcast in several national and international concerts and festivals, including Multiphonies (Paris, France), Akousma (Montréal), Sonorities (Belfast, Northern Ireland), NYCEMF (New York, USA), The San Francisco Tape Music Festival (USA), Ai-maako (Santiago, Chile), and Elektra (Montréal). In 2012, she was invited for a residency at Fondation Civitella Ranieri in Umbertide (Italy).

Programme

Tumultes 15’ (2024)
Malgré les barrages, murs, censures et autres verticalités qui découpent l’horizon du quotidien, persister à demeurer à l’écoute en tentant de se frayer un chemin jusqu’à toi – ici ou ailleurs, dans le près ou le lointain.
Inspirées des œuvres de d’Adania Shibli (Un détail mineur) et d’Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).
Réalisé avec le soutien du programme Recherche et exploration de PRIM et du CAC.

Program

Tumultes 15’ (2024)
Despite the barriers, walls, censorship and other verticalities that cut the horizon of everyday life, persist in remaining attentive by trying to find a way to you – here or elsewhere, near or far.
Inspired by the works of Adania Shibli (Un détail mineur) and Antoine Wauters (Mahmoud ou la montée des eaux).
Produced with the support of the Research and Exploration program of PRIM and the CAC.

Manja Ristić (hr)

Manja Ristić, née à Belgrade en 1979, est violoniste, artiste sonore, poète, commissaire d’exposition et chercheuse. Elle est diplômée de l’Académie de musique de Belgrade (2001), puis du Royal College of Music de Londres, où elle a obtenu le PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). En tant que soliste classique et chambriste, compositrice et musicienne d’improvisation, elle s’est produite dans toute l’Europe et aux États-Unis, en collaboration avec des chefs d’orchestre, des interprètes, des artistes multimédias, des poètes et des metteurs en scène de théâtre et de cinéma reconnus.
Les recherches de Ristić liées au son, outre la performance contemporaine dans le domaine de l’électroacoustique instrumentale, se concentrent sur les approches interdisciplinaires de l’enregistrement sonore et de terrain ainsi que sur les arts radiophoniques expérimentaux.
Lauréate de plusieurs prix prestigieux pour la musique classique soliste et de chambre, lauréate de l’Académie Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, elle détient une mention honorable des Phonurgia Nova Awards et un Golden Award pour les médias étendus de l’Association des Beaux-Arts de Serbie. Elle est membre fondatrice du CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.

Manja Ristić, born in Belgrade in 1979, is a violinist, sound artist, published poet, curator, and researcher. She graduated from the Belgrade Academy of Music (2001), then awarded at the Royal College of Music, London, with PGDip Solo/Ensemble Recitalist (2004). As a classical solo and chamber musician, as well as a composer and an improv musician She has performed all across Europe and in the US, involving collaborations with established conductors, performers, multimedia artists, poets, and theatre/film directors. Ristić’s sound-related research besides contemporary performance in the field of instrumental electro–acoustics, is focused on interdisciplinary approaches to sound and field recording as well as experimental radio arts.
The winner of several distinctive awards for solo and chamber classical music, laureate of the Academy Charles Cros Sélection Musiques Expérimentales 2024, holds an honorable mention from the Phonurgia Nova Awards, and a Golden Award for the extended media from the Association of Fine Artists of Serbia. She is a founding member of CENSE – Central European Network for Sonic Ecologies.

Programme

ghosts (2024) 20’
Comment aborder le paysage d’une dévastation sévère et une longue histoire de guerre ?
Dans l’œuvre ghosts, j’utilise des instruments obsolètes – un synthétiseur modulaire EMS Synthi 100, une roue de fauteuil roulant abandonnée récupérée dans la mer Adriatique et le piano tombé en désuétude qui appartenait au conceptualiste, cinéaste, improvisateur, photographe, environnementaliste et écrivain autrichien – Karl Katzinger, alias John Tylo (octobre 1953 – avril 2021).
À côté de ces éléments du passé et de leurs voix redécouvertes, j’intègre le traitement en direct d’enregistrements d’hydrophones et de terrain, d’objets trouvés et de champs électromagnétiques, provenant de plusieurs endroits, en me les appropriant à travers le discours du tourisme critique et d’une culture de la mémoire – plus spécifiquement en écoutant les souvenirs inhérents à la dévastation environnementale et à la guerre – dans le sud de l’Adriatique, sur la côte atlantique et dans les régions frontalières tchéco-autrichiennes de l’ancienne ceinture du rideau de fer, y compris la région des anciens camps de travail de Mauthausen-Gusen.

Program

ghosts (2024) 20’
How do we approach the landscape of severe devastation and a dense history of warfare?
In the work ghosts I am using obsolete instruments – a modular synthesizer EMS Synthi 100, a discarded wheelchair wheel salvaged from the Adriatic Sea, and the piano fallen in disuse which belonged to the Austrian conceptualist, filmmaker, improviser, photographer, environmentalist, and writer – Karl Katzinger aka John Tylo (October 1953 – April 2021).
Next to these elements of the past and their voices rediscovered, I am incorporating live processing of hydrophone and field recordings, found objects, and electromagnetic fields, from several locations, appropriating them through the discourse of critical tourism and a culture of memory – more specifically through listening to the inherent memories of environmental devastation and warfare – in the South Adriatic, on the Atlantic coast, and the Czech-Austrian borderlands former Iron Curtain belt, including region of former Mauthausen–Gusen working camps.

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Electronic / Experimental / Contemporary

Festival Akousma : Soirée 1 – Bloc_2

by Rédaction PAN M 360

Pierce Warnecke (us/fr)

Pierce Warnecke travaille à la fois dans les domaines sonores et visuels. Ses projets, à la frontière entre la musique expérimentale, les arts numériques et la vidéo, sont influencés par les effets du temps sur la matière et les limites de l’expérience sensorielle. Il présente son travail sous forme de performances, de concerts et d’installations à Rewire, CTM, Elektra, Mutek, ZKM, etc. Il est co-commissaire du label et du festival Emitter Micro (Berlin) et du Signal Festival (Drome). Sa musique a été publiée sur Raster (DE), Room40 (AU) et Contour Editions (US), et il est représenté par l’agence DISK à Berlin.

Pierce Warnecke is a multidisciplinary digital artist at the intersection of experimental music, digital arts and video art. He has presented his work in the form of performances, concerts and installations at Rewire, GRM, ZKM, ManiFeste (IRCAM), Mutek, CTM, Elektra, KW Institut, Nemo, Sonic Acts, Martin Gropius Bau, MAC Montreal, Gray Area, LEV Festival, Semibreve, SXSW, etc.
Pierce collaborates often and has worked with Frank Bretschneider, Matthew Biederman, Myriam Bleau, Keith Fullerton Whitman and more. His music has been published on raster (DE), Room40 (AU) and Contour Editions (US). He is represented by Disk Agency in Berlin.

Programme

Sonopeutic Smooth Sailing (2024) 12’20”
Sonopeutic Smooth Sailing, sorti sur Raster, est une refléxion semi-sérieuse sur le développement personnel à travers des paysages sonores concrets, chaotiques et imprévisibles. Pour Akousma, une version multicanal condensée de l’album est proposée.
La musique ici est hautement traitée. Elle démarre avec une palette de sons électroniques simples et reconnaissables (808/909, synthétiseur modulaire simple et patchs max génératifs), mais qui est ensuite improvisée, éditée et découpée autant que possible, pour proposer une musique qui, avec un peu de chance, fausserait toute base de données sonore IA dans laquelle elle pourrait avoir le malheur de tomber.
Cet album devrait être écouté comme une sorte de programme de ‘self-help’ sonore raté qui aurait pu permettre à l’auditeur de s’entraîner à approfondir sa patience et son attention grâce au pouvoir du son extrême.

Program

Sonopeutic Smooth Sailing (2024) 12’20”
Sonopeutic Smooth Sailing, released on raster, is a meditation on semi-serious self-help through concrète dream/mare-scapes of chaotic and unpredictable sound experiments. For Akousma, a condensed multichannel reworking of the album is proposed here.
The music here is highly processed, with the intent of starting from simple well known electronic sounds (808/909 drums, simple modular synth and basic generative max patches), but performed, edited, cut-up and processed as much as possible to propose a music that would hopefully throw a wrench in any AI audio dataset that it might have the misfortune of falling into.
This album should be listened to as though it were part of a failed self-help program that could have allowed you, the listener, to train yourself on developing patience and attention through the power of extreme sound.

Ana Dall’Ara-Majek (fr/ca)

Ana Dall’Ara-Majek est une compositrice et artiste sonore vivant à Montréal. Elle s’intéresse à l’interaction des pensées instrumentale, électroacoustique et informatique dans la composition musicale. Ses thématiques préférées sont les micro-organismes et les paysages abstraits-concrets. Elle est active dans les domaines de la composition électroacoustique/mixte et la performance de musique électronique en temps réel. Elle joue régulièrement comme Théréministe dans l’ensemble ILÉA et le duo blablaTrains. Ses disques ont été publiés chez Kohlenstoff Records et Empreintes DIGITALes, et ses partitions chez Babel Scores et aux éditions Henri Lemoine.

Ana Dall’Ara-Majek is a composer and sound artist living in Montreal. She is interested to the study of how instrumental, electroacoustic and computational-thinking approaches interact in music. Her favourite themes are micro-organisms and abstract-concrete landscapes. She’s been active for composing electroacoustic/mixte pieces and performing live electronic music. She performs regularly with Ensemble ILÉA and the duo blablaTrains as a Theremin player.
Her recordings have been released by Kohlenstoff Records and Empreintes DIGITALes, and her scores by Babel Scores and Editions Henri Lemoine.

Programme

Mare Buchlae (2023) 11’53”
Entrée en matière du cycle ‘Radiolaria’, cette pièce propose une plongée où nous passons du monde des humains à celui des organismes sous-marins. Il s’agit d’une exposition qui fait entendre toutes les familles de sons représentant les espèces peuplant le plancton, et qui seront explorées tout au long du cycle. Le défi était de recréer un environnement sous-marin uniquement avec des sons de synthèse, en passant progressivement de prises de son de l’océan vers un paysage entièrement composé avec les sons du synthétiseur modulaire Buchla 200.

Program

Mare Buchlae (2023) 11’53”
The opening piece in the ‘Radiolaria’ cycle takes us from the human world to the world of underwater organisms. The piece features all the sound families that represent the plankton-inhabiting species that will be explored individually later on in the cycle. My objective was to recreate an underwater world using only sound synthesis, moving from ocean field recordings to a waterscape consisting entirely of sounds from the Buchla 200 modular synthesizer.

Estelle Schorpp (fr/ca)

Estelle Schorpp est une artiste sonore, compositrice et chercheuse française basée à Montréal, active dans le domaine de la musique expérimentale et de l’écologie sonore.
Elle utilise les outils et les méthodes de la recherche-création pour mettre en place des projets qui posent un regard critique et créatif sur notre relation avec l’environnement sonore. Intégrant des concepts issus de disciplines telles que l’écologie sonore, les sound studies, la théorie des médias, l’histoire des sciences, l’acoustique et la psychoacoustique, son approche polymorphe combine la performance, l’installation sonore et la composition algorithmique, ainsi que la communication académique et la rédaction d’articles scientifiques.
Ses paysages sonores immersifs et en constante évolution, caractérisés par leurs sonorités brillantes et l’utilisation d’enregistrements de terrain, offrent une expérience à la fois physique et intellectuelle où l’écoute est centrale.
Depuis 2022, elle enseigne à la Faculté de musique de l’Université de Montréal (CA).

Estelle Schorpp is a French-born and Montreal-based sound artist, composer and researcher active in the field of experimental music and sound ecology.
She uses the tools and methods of research-creation to set up projects that take a critical and creative look at our relationship with the sonic environment. Integrating concepts from disciplines such as sound ecology, sound studies, media theory, history of science, acoustics and psychoacoustics, her polymorphous approach combines performance, sound installation and algorithmic composition, as well as academic communication and the writing of articles.
Her ever-changing and immersive sonic landscapes, characterized by their ambiguous shimmering sounds and the use of field recordings, seek both a physical and intellectual experience where listening is central.
Since 2022, she teaches at the Music Faculty of Université de Montréal (CA).

Programme

A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine (2023) 20’00
Grâce à l’utilisation d’archives d’enregistrements d’oiseaux datant des années 1930, cette performance explore les relations historiques et sonores entre les oiseaux, les humains et les technologies de reproduction sonore. À la fin du XIXe siècle, Eldridge Johnson, directeur de Victor Records, disait du phonographe qu’il « sonnait comme un perroquet partiellement éduqué avec un mal de gorge et un rhume de tête » (Johnson, cité dans Recorded Music in American Life, de William Kenney). C’est ce même phonographe que Ludwig Koch a utilisé en 1889 pour réaliser le premier enregistrement d’un shama à croupion blanc dans un zoo de Francfort. De cette comparaison est née l’idée d’établir un dialogue créatif entre les technologies de reproduction du son (anciennes et nouvelles) et les chants d’oiseaux.
La performance recontextualise l’histoire des enregistrements de chants d’oiseaux en mêlant archives documentaires, disques shellac, gramophone et technologies algorithmiques interactives contemporaines. Le projet met l’accent sur un va-et-vient dynamique entre plusieurs types de discours (documentaires et fictifs), de technologies (ordinateur et gramophone), de gestes et de sons (chants d’oiseaux et artefacts technologiques). Ce faisant, A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine propose une expérience sonore immersive dans laquelle les oiseaux, les machines et les humains font de la musique ensemble.

Program

A Conversation Between a Partially Educated Parrot and a Machine (2023) 20’00
Through the use of both original and digitalized birds recordings archives from the 1930’s, this performance explores the historical and sonic relationships between birds, humans and sound reproduction technologies.
In the late 19th century, Eldridge Johnson, head of Victor Records, said about the phonograph that it « sounded much like a partially educated parrot with a sore throat and a cold in the head” (Johnson, quoted in William Kenney’s Recorded Music in American Life). This is the same phonograph that Ludwig Koch used in 1889 to make the first recording of a bird in a zoo in Frankfurt. My aim was to unfold this comparison between an ill behaved bird and a sound reproduction technology to tell a story where music is made together by historical and recent audio technologies, birds, and the humans that listen to them.
In A conversation between a partially educated parrot and a machine, I take turns interacting with iPads and a gramophone equipped with sensors. On the one hand, this emblematic historical audio technology reads the original shellac disks by Ludwig Koch in the 1930’s, on the other hand it becomes a physical interface sending data to live algorithmic processes. The performance emphasizes on a dynamic back and forth between several kind of discourses (documentary, fictional, musical), technologies (computer and gramophone), and sounds (sounds of birds’ songs and sound reproduction artefacts).

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Electroacoustic

Akousma : Nicola Giannini, Bénédicte et Elias Merino

by Rédaction PAN M 360

Nicola Giannini

Nicola Giannini est un compositeur de musique électroacoustique qui vit et travaille à Montréal. Sa pratique est axée sur la musique immersive, à la fois acousmatique et en direct. Ses œuvres ont été présentées en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Il a reçu le premier prix au concours JTTP 2019 organisé par la Communauté électroacoustique canadienne et une mention honorable au XII° concours de la Fundación Destellos. Il a été aussi finaliste au concours Città di Udine 2018. Originaire d’Italie, il est étudiant au doctorat sous la direction de Robert Normandeau à l’Université de Montréal, où il est également auxiliaire de recherche au Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) et chargé du cours.

Nicola Giannini is an electroacoustic music composer based in Montreal. His practice focuses on immersive music, both acousmatic and live. His works have been presented in North America, South America and Europe. He received the first prize at the 2019 JTTP competition organized by the Canadian Electroacoustic Community and an honorable mention at the XII Fundación Destellos competition. He was also a finalist in the 2018 Città di Udine competition. Originally from Italy, he is a doctoral student under the supervision of Robert Normandeau at the Université de Montréal, where he is also a research assistant at the Groupe de recherche en immersion spatiale (GRIS) and a lecturer.

Bénédicte

Maxime Gordon est une artiste interdisciplinaire basée à Montréal, travaillant principalement dans le domaine du son et de la musique. Elle publie et compose de la musique électronique expérimentale sous le nom de Bénédicte depuis 2017. Sa musique mélange des synthétiseurs envoûtants, des paysages sonores déformés et des échantillons vocaux scintillants pour explorer des moments d’introspection et de sensation.

Maxime Gordon is a Montreal based interdisciplinary artist working primarily in sound and music. She has been releasing and writing experimental electronic music as Bénédicte since 2017. Her music combines soaring synths, distorted field-recordings and glittering vocal samples to explore moments of introspection and feeling.

Elias Merino

Elías Merino est un compositeur, artiste sonore et chercheur basé à Madrid. Sa pratique comprend l’installation, la composition et la performance live. Son travail dérive de la musique informatique abstraite algorithmique à l’électronique contemporaine inhabituelle et à la musique instrumentale et explore le changement de perspective temporelle, les récits fracturés, la contemplation immersive, l’altérité et l’étrangeté.

Elías Merino is a composer, sonic artist and researcher based in Madrid. His practice includes installation, composition, and live performance. His work drifts from algorithmic abstract computer music, to contemporary unusual electronics, and instrumental music; and explores time-perspective shifting, fractured narratives, immersive contemplation, states of bewilderment, otherness, and the uncanny.

Elías Merino · Synthesis of Unlocated Affections (SUPERPANG)

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Electroacoustic

Akousma : Evan Magoni, Olivia Block et Aho Ssan

by Rédaction PAN M 360

Evan Magoni / Gonima

Gonima est le pseudonyme d’Evan Magoni (il/lui), un artiste audiovisuel basé à Montréal qui explore l’esthétique glitch, les rythmes complexes, les mélodies lumineuses et les atmosphères ambiantes. Il utilise l’édition audio de manière pointilliste ainsi que des processus musicaux génératifs pour créer des textures numériques détaillées, une tonalité éthérée et des arrangements musicaux de type collage, le tout avec une dimension émotionnelle.

gonima is an alias of Evan Magoni (he/him), a Montreal-based audiovisual artist exploring glitch aesthetics, complex rhythms, bright melodies, and ambient atmospheres. He employs pointillist audio editing, live playing, and generative musical processes to create detailed digital textures, ethereal tonality, and collage-like musical arrangements with an emotive core.

Olivia Block

Olivia Block est une artiste médiatique et compositrice. Sa pratique comprend des performances live, des enregistrements, des installations audiovisuelles, de la conception sonore et elle compose aussi de la musique de chambre et des pices pour orchestre.

Olivia Block is a media artist and composer. Currently, her practice includes live performance, recordings, audio-visual installations, sound design, and scores for orchestra and chamber music concerts.

Aho Ssan

Aho Ssan est le nom d’artiste de Niamké Désiré, qui est basé à Paris. Après des études de graphisme et de cinéma, il commence à composer de la musique électronique et à créer ses propres instruments numériques.

Peu de temps après, il remporte le prix de la télévision de la Fondation France pour la bande originale du film Dissimulée d’Ingha Mago (2015) et travaille sur plusieurs projets liés à l’Ircam/GRM en France.

Son premier album, «Simulacrum», est sorti le 7 février 2020 via Subtext Recordings. Basé sur la pensée de Jean Baudrillard, il navigue à travers la présentation de l’inclusivité et de l’égalité dans la société par rapport à sa propre expérience de grandir noir en France. Aho Ssan a fait ses débuts avec «Simulacrum» à Berlin Atonal 2019.

Aho Ssan is the artist name of Paris based Niamké Désiré. After studying graphic design and cinema, he began to compose electronic music and create his own digital instruments. Shortly thereafter he went on to win the Foundation France television prize for his soundtrack to the film of Ingha Mago in 2015 and has worked on several projects related to IRCAM/GRM inFrance. His debut LP «Simulacrum» was released on the 7th of February 2020 via Subtext Recordings.Based on the concept of Jean Baudrillard, it navigates through society’s presentation of inclusivity and equality against my own experience of growing up black in France. Aho Ssan debuted “Simulacrum” at Berlin Atonal 2019.

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Electroacoustic

Akousma : Pierre-Luc Sénécal, Marja Ahti et Devon Hansen

by Rédaction PAN M 360

Pierre-Luc Senécal

Maître de Musique, Pierre-Luc Senécal s’est épanoui sur le terrain fertile de l’électroacoustique. Profondément inspiré par le rock, la pop et le métal, il insuffle dans ses pièces électroniques sa sensibilité, son lyrisme et son énergie débordante. Écoutez sa musique et vous découvrirez des ténèbres profondes et des halos de lumière sonore. Vous entendrez rugir chacune des facettes de son répertoire contrasté.

Master of Music (Université de Montréal, CA), Pierre-Luc Senécal built his artistic practice within the rich electroacoustic music field. Strongly inspired by rock, pop, and metal, he instills his electronic pieces with sensibility, lyricism and dashing passion. Listen to his music and you will discover dark depths and halos of luminous sounds. Hear the roar of its repertoire, complex and contrasted.

Marja Ahti

Marja Ahti est une artiste sonore et compositrice suédo-finlandaise. Travaillant avec des enregistrements de terrain et des sons acoustiques ou électroniques texturés, elle explore la frontière où ces derniers se croisent et communiquent. Elle crée des récits musicaux précis avec des textures acoustiques détaillées en mutation lente auxquelles s’ajoutent des formes et des tons calibrés intuitivement. Sa musique se déploie dans un univers poétique entre l’acousmatique et le documentaire, oscillant entre l’abstraction et le profondément familier.

Marja Ahti (b. 1981) is a Swedish-Finnish composer and sound artist based in Turku, Finland. Ahti works with field recordings and other acoustic sound material combined with synthesizers and electronic feedback in order to find the space where these sounds start to communicate. She makes music that rides on waves of slowly warping harmonies and mutating textures – rough edged, yet precise compositions, rich in detail.

Devon Hansen

Devon Hansen est un musicien et écrivain basé à Montréal.

Ayant produit de la musique électronique depuis l’âge de 12 ans et affiné ses compétences en composition grâce au programme d’études électroacoustiques de l’Université Concordia, son travail a pris un large éventail de formes: du hip-hop, de la techno et de la musique ambiante aux compositions pour podcasts, installations sonores et médias interactifs, ainsi que des pièces acousmatiques multicanales. Leur musique ont été publiés par un certain nombre de labels en Amérique du Nord, en Europe et au Japon, et ils ont joué dans de petits espaces indépendants comme dans des festivals plus importants.

Devon Hansen is a musician and writer based in Montreal.

Having produced electronic music since age 12 and sharpened their compositional skills through Concordia University’s Electroacoustic Studies program, Hansen’s work has taken a wide range of forms — from hip-hop, techno, and ambient music to compositions for podcasts, installations, and interactive media, as well as multichannel acousmatic pieces. Their music has been released by a number of labels in North America, Europe, and Japan, and they have performed in small independent spaces and at larger festivals alike.

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Electroacoustic

Akousma : Diego Bermudez Chamberland, Nicola Ratti et Tomoko Sauvage

by Rédaction PAN M 360

Diego Bermudez Chamberland

Diego Bermudez Chamberland est un artiste latino-québécois (Québécois/Costaricain) qui navigue dans plusieurs médiums liés à la création sonore et audiovisuelle tels que la composition, la performance musicale en direct, la performance audiovisuelle et la conception sonore.

Sa pratique s’inspire de son intérêt pour l’exploration de la mixité des matériaux sonores et visuels. La collaboration est un aspect essentiel de sa pratique artistique. Il la voit comme un moyen de transcender ses réflexes créatifs et d’amener ainsi ses oeuvres vers de nouveaux horizons.

Diego Bermudez Chamberland · Destin//Trouble

Nicola Ratti

Nicola Ratti est un musicien et designer sonore aux multiples facettes; il est actif depuis des années dans divers champs d’expérimentation. Sa production sonore crée des systèmes qui prennent forme à partir de la répétition et de l’expansion, et il porte une attention particulière à la construction d’environnements qui reflètent l’espace et l’architecture dans lesquels nous vivons et qui équilibrent les orientations émotionnelles et perceptuelles auxquelles nous sommes habitué.

Tomoko Sauvage

Tomoko Sauvage (JP/FR) est une musicienne et artiste sonore connue pour les expérimentations instrumentales qu’elle réalise depuis déjà longtemps en mêlant eau, céramique, amplification subaquatique et électronique. Ses recherches sont fondées sur des pratiques de performance en direct qui s’adaptent là a dynamique imprévisible des matériaux. Incorporant des gestes rituels, elle improvise de manière ludique avec l’environnement, utilisant le hasard comme méthode de composition.

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Electroacoustic

Akousma | Roxanne Lacasse, Rocío Cano Valiño et Sarah Belle Reid

by Rédaction PAN M 360

Roxanne Lacasse (ca)

Roxanne Melissa Guerra-Lacasse née un mercredi le 30 mars 1994, artiste multidisciplinaire, grandit au Québec près de la Métropole entre deux cultures : québécoise et mexicaine. Dans son cheminement, les arts sont au cœur de son parcours: elle étudie en théâtre à l’Université Laval et en composition électroacoustique au Conservatoire de musique de Montréal. La question de l’Amour l’inspire énormément et ce thème est un moteur à ses créations. Après ses études, elle se consacre à son OBNL: Angle Psy qu’elle a co-fondé pour la sensibilisation de la jeunesse sur les thèmes de la santé mentale et la culture du viol. Son OBNL lui vaut plusieurs prix et distinctions dans le monde de l’entrepreneuriat. Elle continue ses œuvres musicales en parallèle pour pouvoir améliorer l’ensemble de son travail artistique.

Roxanne Melissa Guerra-Lacasse, born on a Wednesday, March 30, 1994, is a multidisciplinary artist who grew up in Quebec, near the Metropolis, navigating between two cultures: Quebecois and Mexican. Throughout her journey, the arts have been at the core of her career. She pursued studies in theater at Laval University and electroacoustic composition at the Montreal Conservatory of Music. The theme of love has been a significant source of inspiration for her, serving as a driving force behind her creative endeavors.

Following her studies, she dedicated herself to her non-profit organization, Angle Psy, which she co-founded with the aim of raising awareness among young people on topics related to mental health and rape culture. Her non-profit organization has garnered numerous awards and distinctions in the realm of entrepreneurship.

Simultaneously, she continues to work on her musical projects, striving to enhance her overall artistic body of work.

Rocío Cano Valiño (ar)

Rocío Cano Valiño – née à Buenos Aires, Argentine – est compositrice et architecte d’intérieur. Sa production musicale est dédiée aux pièces instrumentales, mixtes et électroacoustiques. Elle est membre du comité artistique de l’Ensemble Orbis, qui est basé à Lyon et qu’elle a cofondé. Rocío a travaillé avec des ensembles tels que : Proxima Centauri, HANATSU miroir, Paramirabo, Ensemble Orbis, Ensemble Ars Nova, Duo PARCOURS, entre autres.

Rocío CANO VALIÑO – born in Buenos Aires, Argentina – is a composer and interior designer. Rocío’s musical production is dedicated to instrumental, mixed and electroacoustic pieces. She is a member of the artistic committee of the Ensemble Orbis, which is based in Lyon and she co-founded. Rocío’s music was performed by ensembles such as: Proxima Centauri, HANATSU mirror, Paramirabo, Ensemble Orbis, Ensemble Ars Nova, Duo PARCOURS, among others…

Sarah Belle Reid (ca)

Sarah Belle Reid est une compositrice qui joue de la trompette, d’un synthétiseur modulaire et d’une collection toujours croissante d’instruments électroniques fabriqués à la main. Sa voix musicale unique explore les intersections entre la musique classique contemporaine, l’électronique expérimentale et interactive, les arts visuels, la musique noise et l’improvisation. Souvent louée pour sa capacité à transporter les membres du public à travers des aventures musicales saisissantes, la palette sonore de Reid a été décrite comme «gracieuse» et «dansante», ou provoquant un état d’apesanteur comme «de la soie tombant dans l’espace» (San Francisco Classical Voice). Son premier album pour trompette et électronique interactive, “Underneath and Sonder”, est sorti sur pfMENTUM en octobre 2019.

Sarah Belle Reid is a performer-composer who plays trumpet, modular synthesizer, and an ever-growing collection of handcrafted electronic instruments. Her unique musical voice explores the intersections between contemporary classical music, experimental and interactive electronics, visual arts, noise music, and improvisation. Often praised for her ability to transport audience members through vivid sonic adventures, Reid’s sonic palette has been described as ranging from “graceful” and “danceable” all the way to “silk-falling-through-space,” and “pit-full-of-centipedes” (San Francisco Classical Voice). Her debut album for trumpet and interactive electronics, “Underneath and Sonder,” was released on pfMENTUM in October, 2019.

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Electroacoustic

Akousma : Julie Delisle, Francis Dhomont et Mourad Bncr

by Rédaction PAN M 360

Julie Delisle (ca)

Julie Delisle est compositrice, chercheure multidisciplinaire spécialisée en technologies audio et flûtiste. Diplômée de la Hochschule für Musik Freiburg et du Conservatoire de musique de Montréal, titulaire d’un doctorat en musicologie (PhD) de l’Université de Montréal et ex-stagiaire postdoctorale au Music Perception et Cognition Laboratory (Université McGill). Sa musique est teintée par ses recherches sur le timbre instrumental et son intérêt pour le sound design, les arts martiaux chinois et les mathématiques.

Julie Delisle is a composer, multidisciplinary researcher specializing in audio technologies and a flautist. She graduated from the Hochschule für Musik Freiburg and the Conservatoire de musique de Montréal, holds a doctorate in musicology (PhD) from the University of Montreal and is a former postdoctoral fellow at the Music Perception and Cognition Laboratory (McGill University). Her music is colored by her research into instrumental timbre and her interest in sound design, Chinese martial arts and mathematics.

Francis Dhomont (fr)

Ardent exégète de la modalité acousmatique, son oeuvre est, depuis 1963, exclusivement constituée de pièces sur support qui témoignent d’un intérêt constant pour une écriture morphologique et pour les ambiguïtés entre le son et l’image qu’il peut susciter.

Grand Prix Mega-Hertz 2013 (Allemagne), Docteur Honoris causa de l’Université de Montréal. Prix SACEM 2007 de la meilleure création contemporaine électroacoustique. Bourse de carrière du Conseil des arts et des lettres du Québec (2000).

De 1978 à 2004, il a partagé ses activités entre la France et le Québec, où il a enseigné à l’Université de Montréal de 1980 à 1996. Il vit aujourd’hui à Avignon (France) et se consacre à la composition et à la réflexion théorique.

An ardent exegete of the acousmatic modality, his work has, since 1963, consisted exclusively of pieces on support which testify to a constant interest in morphological writing and for the ambiguities between sound and the image that it can arouse.

Mega-Hertz Grand Prix 2013 (Germany), Doctor Honoris causa from the University of Montreal. SACEM 2007 Prize for best contemporary electroacoustic creation. Career scholarship from the Conseil des arts et des lettres du Québec (2000).

He has received numerous distinctions for his works, including, in 1999, five first international prizes for four of his works. Recipient in 1997 of the Lynch-Staunton Prize from the Canada Council for the Arts, 1st Prize (1981) and “Magisterium” Prize (1988) at the Bourges International Electroacoustic Music Competition (France), Ars Electronica Prize 1992 (Austria), etc. .

From 1978 to 2004, he shared his activities between France and Quebec, where he taught at the University of Montreal from 1980 to 1996. He now lives in Avignon (France) and devotes himself to composition and theoretical reflection.

Mourad Bncr (ca)

Artiste multimédia basé à Tiohtiá:ke/Mooniyang (Montréal). Le travail sonore et visuel de Mourad Bncr s’inspire du concept de mémoire éphémère. Ses créations imprégnées de beat-music laissent une grande place à la texture et au détail, établissant des liens entre son héritage culturel nord-africain, des univers empreints de science-fiction et une fascination pour l’obsolescence technologique.

Au fil des années, il a mené une carrière professionnelle prolifique en tant que formateur et concepteur sonore spécialisé dans la création d’environnements immersifs, l’audio spatialisé et la réalité mixte. Mêlant prise de son réelle, instrumentation, synthèse sonore et techniques de microsampling, son langage musical s’approprie la notion d’espace de façon singulière et se rapproche de la composition cinématographique.

Son EP UNREST, sorti chez Unlog en 2021, se veut une synthèse de ce parcours, une transition assumée vers une nouvelle couleur musicale.

Multimedia artist based in Tiohtiá:ke/Mooniyang (Montreal). Mourad Bncr’s sound and visual work is inspired by the concept of ephemeral memory. His creations infused with beat music leave a lot of room for texture and detail, establishing links between his North African cultural heritage, universes imbued with science fiction and a fascination with technological obsolescence. Over the years, he has led a prolific professional career as a trainer and sound designer specializing in the creation of immersive environments, spatialized audio and mixed reality, with recurring collaborators such as French artist Pierre Friquet or again the Nature Graphique and Iregular studios. Combining real sound recording, instrumentation, sound synthesis and microsampling techniques, his musical language appropriates the notion of space in a unique way and comes close to cinematic composition. He wrote the music for several films, collaborating on the work of directors such as Nicolas Lachapelle, Ariel St-Louis Lamoureux, Florian Delafournière and Kibwe Tavares. After several musical releases under the alias Famelik, a project between electronica and abstract-hip hop which has occupied him since 2007, his musical project assumes several different trajectories, giving rise to different aliases including [indistinct voices over PA], a project encapsulating the most abstract aspects of his creations. His EP UNREST, released by Unlog in 2021, is intended to be a synthesis of this journey, an assumed transition towards a new musical color.

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Electroacoustic

Festival Akousma : Diego Bermudez Chamberland, Nicola Ratti et Tomoko Sauvage

by Rédaction PAN M 360

Diego Bermudez Chamberland (ca/cr)

Diego Bermudez Chamberland is a Latin-Quebec artist (Québécois/Costa Rican) who navigates several mediums related to sound and audiovisual creation such as composition, live musical performance, audiovisual performance and sound design.

His practice is inspired by his interest in exploring the mix of sound and visual materials. Collaboration is an essential aspect of his artistic practice. He sees it as a way to transcend his creative reflexes and thus take his works to new horizons.

Diego Bermudez Chamberland · Destin//Trouble

Nicola Ratti (it)

Né à Milan en 1978, il s’est produit en Europe, en Amérique du Nord, en Russie et au Japon et ses albums ont été publiés par différents labels internationaux depuis 2006. Il a longtemps collaboré avec Giuseppe Ielasi au sein du duo Bellows, formé en 2007.

Nicola Ratti is a multifaceted musician and sound designer who has been active for years in various experimental felds. His sound production creates systems that take shape from repetition and expansion, with particular attention to the construction of environments that gravitate in relation to the space and architecture we live in and balancing the emotional and perceptual orientations we are used to.

Born in Milano in 1978, he has performed in Europe, North America, Russia and Japan and his albums have been released by different international labels since 2006. His longest collaborative project the duo Bellows, formed with Giuseppe Ielasi in 2007. As composer and sound designer his works cross different felds from theatre to cinema passing through performing arts, radio works and sound art.

Tomoko Sauvage (jp)

Son troisième album solo, Fischgeist, a été enregistré dans un réservoir d’eau à Berlin et publié par bohemian drips en 2020. Elle vit et travaille à Paris depuis 2003.

Tomoko Sauvage (JP/FR) is a musician and sound artist who is best known for her long-time experimentation on instrument combining water, ceramics, sub-aquatic amplification and electronics. Her research is grounded in live-performance practices that embrace the unpredictable dynamics of materials. Incorporating ritualistic gestures, she playfully improvises with environments, using chance as a compositional method. Her performances and installations have been presented at RIBOCA, V&A Museum, Manifesta, Roskilde Festival, Sharjah Art Foundation, Centre Pompidou Metz and Nyege Nyege Festival, among others.

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Electroacoustic / Experimental / Contemporary

Le festival Akousma présente Antoine Lussier, Franck Vigroux et Myriam Boucher

by Rédaction PAN M 360

Antoine Lussier

Antoine Lussier se passionne pour l’onde sonore depuis toujours. Il a enchaîné durant plusieurs années des tournées internationales avec son groupe Ion Dissonance (guitariste, compositeur), mais aussi au sein de formations pop, rock, hip-hop, blues et tzigane. Actuellement ingénieur du son et producteur, allant de la réalisation à l’enseignement, il poursuit cette aventure musicale en œuvrant dans la composition acousmatique, ainsi que dans les différents secteurs de la musique à l’image (sonorisation de court métrage et création musicale et sonore pour le jeu vidéo).

Antoine Lussier has been passionate about the sound wave from an early age. He toured internationally for several years, performing with his group Ion Dissonance as a guitarist and composer, but also as a member of pop, rock, hip hop, blues and gypsy groups. Lussier is currently a sound engineer and producer, with activities that range from directing to teaching, as he seeks to broaden this musical adventure through acousmatic composition. He is also active in various sectors of music and image creation, notably sound design for short films and music and sound creation oriented for video games.

Antoine Lussier · Disjonction

Franck Vigroux

Il évolue dans un univers où se croisent musique, théâtre, danse et vidéo. Sans barrières de style il parcourt un temps les scènes des musiques expérimentales et improvisées puis son évolution musicale le mène vers les musiques électroniques. Parmi ses nombreuses collaborations musicales on peut citer Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper T. Toeplitz, Phill Niblock ou encore l’Ensemble Ars Nova. Après avoir réalisé des «albums concepts», des films expérimentaux, collaboré avec des auteurs de théâtre, poètes sonores et autres chorégraphes, il s’intéresse de plus en plus aux formes audiovisuelles live et à l’écriture de plateau, ce qui le mène peu à peu à mettre en scène sa musique à travers des spectacles pluridisciplinaires.

Franck Vigroux works at the intersection of music, theatre, dance, and video. Never one to limit himself in terms of style, he was active on the experimental and improvised music scene before his musical development took him into electronic music. He has collaborated widely, including with Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper T. Toeplitz, Phill Niblock, and the Ensemble Ars Nova. Following on from his concept albums, experimental films, and collaborations with playwrights, sound poets, and choreographers, Vigroux began to focus more deeply on live audiovisual work and stage writing. From there, he gradually moved into music creation for multidisciplinary performances.

Myriam Boucher

Compositrice sonore et visuelle, Myriam Boucher vit et travaille à Montréal, Canada. Son travail sensible et polymorphe porte sur la relation entre la musique, le son et l’image. Fascinée par la nature, elle crée de la musique visuelle inspirée du paysage et du rapport que l’être humain entretient avec celui-ci. Sa création est orientée vers des œuvres de musique visuelle, de performance audiovisuelle, de paysages sonores et de projets immersifs.

Myriam Boucher is a video and sound artist based in Montreal (Canada). Her sensitive and polymorphic work concerns the intimate dialogue between music, sound and image, through visual music, audiovisual performance, Vjing and immersive projects. Fascinated by the natural environment, she creates audiovisual compositions from the landscape and the relationship that human maintains with it. Her work, « evocative in its dynamism, brings its audience close to something akin to feeling multiple emotions all at once » (The Link). Boucher’s compositions range from works for orchestra, ensemble, collaborative and solo A/V performances.

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