afro-soul / Doom Metal / Experimental Rock

Festival International de Jazz de Montréal : The Budos Band/Secret Chiefs 3 au MTelus

by Rédaction PAN M 360

The Budos Band

The Budos Band est un big band américain qui décrit son style comme un mélange de doom rock, d’Afro-soul et de big band avec une touche des années 1970. Leur approche plurielle tisse des ponts entre des univers musicaux aussi variés que la psychédélie planante, l’Afro-funk, le hard rock des années 1970 et la soul des années 1960. Sur scène, leur prestation est chorégraphiée tout en restant intense, spontanée, humoristique et centrée sur l’interaction avec le public. Les Budos sont un jam band du 21e siècle : bien que leurs morceaux labyrinthiques et hypnotiques laissent place à l’improvisation, leurs arrangements sont toujours sophistiqués, précis, et fondés sur des grooves irrésistibles.
À leurs débuts, le groupe cherchait à fusionner les influences musicales de chacun de ses membres : l’éthio-jazz de Mulatu Astatke, l’afrobeat de Fela Kuti, la soul instrumentale des Bar-Kays, de Muscle Shoals, des Tower of Power Horns ou encore des J.B.’s. Entre 2005 et 2010, leurs trois premiers albums — Budos Band I, II et III — reflètent bien cet héritage. Avec Burnt Offering en 2014, le groupe opère un virage en incorporant des éléments de psychédélie des années 1970 et de Krautrock, ajoutant des textures plus sombres et hallucinatoires à leur palette sonore. Ils testeront ce nouveau son lors de tournées à travers les États-Unis, l’Europe et l’Asie.
En 2019, V mêle leur funk dansant habituel à des influences rock psychédélique teintées de métal. En 2020, ils célèbrent leurs 15 ans d’existence avec Long in the Tooth. L’EP Frontier’s Edge, composé de six titres, paraît en 2023 sur Diamond West Records. En 2025, les Budos reviennent avec VII, un album qui s’inscrit dans la continuité de Burnt Offering, mais qui pousse encore plus loin cette exploration sonore entamée une décennie plus tôt.

The Budos Band are an American big band who describe their sound as “doom rock Afro-soul big band with a ’70s touch.” Their multivalent approach bridges musical universes from trippy psychedelia and Afro-funk to ’70s hard rock and late-’60s soul. Their choreographed stage show is at once intense, spontaneous, humorous, and geared toward audience participation. Budos are a 21st century jam band. While there is room for improvisation inside their often-hypnotic, labyrinthine compositions, their arrangements are sophisticated, tight, and centered on infectious grooves.
The group’s early years focused on integrating the music they loved as individuals — from Mulatu Astatke’s Ethio-jazz and Fela Kuti’s Afrobeat to funky instrumental soul of the Bar-Kays, Muscle Shoals, Tower of Power Horns, and J.B.’s. Their recorded catalog, between 2005 and 2010 — Budos Band I, II, and III — appropriately reflected those influences. With 2014’s Burnt Offering, Budos shifted gears, blending elements of early-’70s psychedelia and Krautrock, adding darker, more hallucinatory textural elements to thier sound. They toured and road-tested their material across the U.S., Europe and Asia.
Budos Band integrated their tried-and-true, danceable funkiness with metal-tinged, psych rock on 2019’s V. They celebrated 15 years together woth 2020’s Long in the Tooth. Frontier’s Edge, a six track EP appeared on Diamond West Records in 2023. Budos returned in 2025 with VII, an album directly decended from Burnt Offering a decade earlier but much further up the road.

Secret Chiefs 3

Comme Mr. Bungle est bien connu pour prendre de longues pauses entre ses albums (il leur a fallu quatre ans pour faire suite à leur premier disque en 1991), ses membres se retrouvent souvent avec beaucoup de temps libre. Plutôt que de rester inactifs, les membres du groupe mettent ce temps à profit en écrivant, enregistrant et tournant avec d’autres groupes ou via divers projets parallèles.
Parmi ceux-ci, le plus notable est sans doute Secret Chiefs 3, un projet mené par trois membres de Mr. Bungle : Trey Spruance (guitare/voix), Trevor Dunn (basse/voix) et Danny Heifetz (batterie). Si quelqu’un doute encore que Mr. Bungle ne soit qu’un tremplin pour les prouesses vocales de Mike Patton, Secret Chiefs 3 est la preuve irréfutable du contraire. Trey Spruance y prend les commandes en tant que leader : il a écrit tous les morceaux du premier album First Grand Constitution and Bylaws (1996) et en a également assuré la production.
Avant la sortie de ce premier long format, le groupe avait déjà éveillé la curiosité des fans en glissant un single de Secret Chiefs 3 avec les copies vinyles du chef-d’œuvre Disco Volante de Mr. Bungle (1995). Ils avaient aussi enregistré une version décalée de « I Saw Mommy Kissing Santa Claus » pour une compilation de Noël japonaise. Leur participation à un album hommage japonais aux Beach Boys démontre aussi leur capacité à s’attaquer à pratiquement tous les styles musicaux.

Since Mr. Bungle is notorious for taking substantial amounts of time between albums (it took them four years to follow up their 1991 debut), its bandmembers are left with a lot of time on their hands. Hence the members of Mr. Bungle use their off time wisely, by writing, recording, and touring with other bands or, often, side projects.
The best side project of the bunch, Secret Chiefs 3, features Mr. Bungle comrades Trey Spruance (guitar/vocals), Trevor Dunn (bass/vocals), and Danny Heifetz (drums). If there are any remaining who think that the musicians in Mr. Bungle are just a vehicle for vocalist Mike Patton’s singing talents, Secret Chiefs 3 is the ultimate proof that this is not the case. Trey Spruance gets a chance to be the leader, as he wrote every track on their 1996 debut First Grand Constitution and Bylaws, and was the record’s producer as well.
Before the full-length debut appeared, the group whet their fans’ appetites by including a Secret Chiefs 3 single with vinyl copies of Mr. Bungle’s 1995 magnum opus, Disco Volante, as well as recording a warped version of “I Saw Mommy Kissing Santa Claus” for a Japanese Christmas compilation. They were also signed on to contribute a Beach Boys track to a Japanese Beach Boys tribute album, showing that they can tackle just about any musical form put in front of them.

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Alternative Rock / Britpop / dream pop

Elbow au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Avec un son cinématographique et une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public avec son premier album acclamé, Asleep in the Back (2001), et n’a cessé depuis de produire des albums tout aussi populaires et finement arrangés. Si leurs trois premiers disques leur ont permis de s’imposer sur la scène musicale britannique, c’est leur ambitieux quatrième album, The Seldom Seen Kid, qui a véritablement consacré leur statut, remportant le Mercury Prize en 2008 et établissant un modèle d’autoproduction pour le groupe. Cette approche a influencé leurs albums suivants, comme Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier album à atteindre la tête des classements au Royaume-Uni. Au fil des ans, Elbow a également remporté des Brit Awards et des prix Ivor Novello, tandis que leur musique a été largement mise en avant lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où ils ont joué lors de la cérémonie de clôture. Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) ont eux aussi atteint la première place des charts britanniques. En 2021, ils ont sorti Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album dynamique et axé sur le groove.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since. While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production. It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony. Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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Alternative / Chanson francophone / humour

Francos de Montréal : Philippe Katerine au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Philippe Katerine, généralement connu sous le nom de Katerine, est un chanteur et auteur-compositeur français alternatif qui a émergé dans les années 90, obtenant d’abord un succès underground avant de connaître une ascension commerciale au fil des années. Né Philippe Blanchard le 8 décembre 1968 à Chantonnay, en Vendée, il fait ses débuts dans l’enregistrement commercial en 1991 avec Les Mariages Chinois sur le label Rosebud. Un album lo-fi auto-enregistré composé de chansons minimalistes d’une ou deux minutes, Les Mariages Chinois s’est révélé très influent et a été réédité avec du matériel supplémentaire en 1993 sous le titre Les Mariages Chinois et la Relecture. Les albums suivants, L’Éducation Anglaise (1994), Mes Mauvaises Fréquentations (1996), Les Créatures (1997) et L’Homme à Trois Mains (1999), ont consolidé la réputation de Katerine en tant que figure de proue de la scène pop indie française. Sa réputation a été renforcée par diverses collaborations, notamment l’écriture d’un album entier pour Anna Karina, Une Histoire d’Amour (2000). Au tournant du millénaire, le fan base de Katerine avait tellement grandi qu’il commençait à figurer régulièrement dans les classements des albums français, à commencer par 8ème Ciel (2002). Son succès commercial est véritablement arrivé en 2005 avec Robots Après Tout, qui a atteint le Top 30 des classements français et a engendré le single à succès “Louxor J’adore”. Grâce à la popularité de “Louxor J’adore” et du single suivant “100% V.I.P.”, Robots Après Tout est resté près de deux ans dans les classements français, y passant un total de 97 semaines. Suite à cette percée commerciale, l’album Studiolive (2007), essentiellement une réenregistrement de Robots Après Tout en version live en studio, a été publié sous plusieurs formats, dont l’un incluait un DVD. Son album éponyme de 2010 était accompagné de vidéos pour chaque chanson — réalisées par son ami et bassiste Gaëtan Chestnut — qui combinaient l’imaginaire merveilleux de Katerine avec les visuels capturés par Chestnut. En 2011, il a entrepris un projet d’album triple avec un groupe de jazz formé par le saxophoniste François Ripoche. L’album, 52 Reprises dans l’Espace, se composait de 52 reprises de chansons d’artistes tels que Pierre Bachelet et Phenomenal Club. En plus de sa production musicale, Katerine s’est affirmé comme un acteur talentueux après le tournant du siècle, apparaissant dans de nombreux films.

Philippe Katerine, generally known simply as Katerine, is a French alternative singer/songwriter who emerged to underground acclaim in the mid-’90s and steadily garnered commercial success in subsequent years as his renown grew. Born Philippe Blanchard on December 8, 1968, in Chantonnay, Vendée, he made his full-length commercial recording debut in 1991 with Les Mariages Chinois on the Rosebud label. A home-recorded lo-fi album comprised of one- or two-minute minimalist songs, Les Mariages Chinois proved highly influential and was reissued with bonus material in 1993 as Les Mariages Chinois et la Relecture. Subsequent albums L’Éducation Anglaise (1994), Mes Mauvaises Fréquentations (1996), Les Créatures (1997), and L’Homme à Trois Mains (1999) solidified Katerine’s reputation as a leading light of the French indie pop scene. His reputation was further enhanced by a variety of collaborations; most notably, he wrote an entire album for Anna Karina, Une Histoire d’Amour (2000). By the turn of the century, Katerine’s fan base had grown to the point where he began hitting the French albums chart with regularity, beginning with 8ème Ciel (2002). His mainstream breakthrough came in 2005 with Robots Après Tout, which reached the Top 30 of the French albums chart and spawned the Top 40 hit single “Louxor J’adore.” Thanks to the popularity of “Louxor J’adore” and the follow-up single “100% V.I.P.,” Robots Après Tout spent nearly two years on the French albums chart, logging 97 weeks in total. In the wake of his mainstream breakthrough, the album Studiolive (2007), essentially a re-recording of Robots Après Tout done live in the studio, was released in a couple different formats, one of which included a lengthy DVD. His self-titled release in 2010 was accompanied by videos for each track — directed by his friend and bassist Gaëtan Chestnut — which combined the wonderful imagery Katerine had created with the visuals captured by Chestnut. During 2011 he embarked on a triple album project with a jazz band formed by saxophonist François Ripoche. The album, 52 Reprises dans l’Espace, consisted 52 cover versions of songs by artists such as Pierre Bachelet and Phenomenal Club. In addition to his musical output, Katerine established himself as a talented actor after the turn of the century, appearing in numerous films.

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college rock / Pop-Punk / Punk

Descendents au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Portés par le « rejet, la nourriture, le café, les filles, la pêche et encore la nourriture », les Descendents émergent au cœur de l’âge d’or de la scène punk de Los Angeles. Alliant la rage brute du hardcore à une sensibilité mélodique étonnamment marquée et à un humour pince-sans-rire souvent tourné vers l’autodérision, ils se démarquent nettement de leurs contemporains de la côte Ouest. Peu à peu, ils s’imposent comme l’un des groupes punk les plus durables et aimés de leur époque.
Bien que leur musique la plus emblématique semble célébrer leur propre immaturité, les Descendents ont aussi su évoluer, mûrir et continuer à créer des morceaux qui leur plaisent — et plaisent à leur public — bien au-delà de 2020. Leur premier album, Milo Goes to College (1982), reste leur chef-d’œuvre incontesté. Cool to be You (2004) marque un retour en force énergique et réussi, tandis que 9th & Walnut (2021) revisite leurs tout débuts, en redonnant vie à des chansons oubliées.

Fueled by “rejection, food, coffee, girls, fishing and food,” the Descendents sprang up during the halcyon days of the Los Angeles punk scene. Fusing the blind rage of hardcore with an unexpectedly wry, self-deprecating wit and a strong melodic sensibility that set them distinctly apart from their West Coast brethren, they gradually emerged as one of the most enduring and adored punk bands of their time.
While the band seemingly celebrated their own immaturity in their most iconic music, they also found a way to grow up and continue to make music that pleased themselves and their fans well past 2020. 1982’s Milo Goes to College was their first and most enduring masterpiece, 2004’s Cool to be You was a strong, lively reunion effort, and 2021’s 9th & Walnut looked back to their earliest days, revisiting a handful of forgotten songs.

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Alternative Rock / Britpop / Indie Rock

Elbow au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Doté d’un son cinématographique et capable d’exprimer une large palette d’émotions, le groupe britannique Elbow s’est fait connaître du grand public grâce à son premier album acclamé, Asleep in the Back, sorti en 2001. Depuis, le groupe n’a cessé de produire des albums populaires aux arrangements complexes et raffinés.
Si leurs trois premiers disques ont suffi à les imposer comme des figures majeures de la scène britannique, c’est leur quatrième album, The Seldom Seen Kid (2008), qui les a véritablement consacrés. Lauréat du prestigieux Mercury Prize, cet opus marque aussi un tournant dans leur carrière, établissant un précédent pour leur démarche d’autoproduction.
Cette approche influencera leurs albums suivants, notamment Build a Rocket Boys! (2011) et The Take Off and Landing of Everything (2014), ce dernier devenant leur premier numéro un au Royaume-Uni. En parallèle, Elbow récolte plusieurs distinctions, dont des Brit Awards et des Ivor Novello Awards. Leur musique est également mise à l’honneur lors des Jeux olympiques de Londres en 2012, où le groupe se produit durant la cérémonie de clôture.
Les albums Little Fictions (2017) et Giants of All Sizes (2019) atteignent eux aussi la première place des classements britanniques. En 2021, Elbow sort Flying Dream 1, enregistré au Theatre Royal de Brighton, avant de revenir en 2024 avec Audio Vertigo, un album plus dynamique et orienté vers les grooves.

Boasting an cinematic sound and tapping into a wide range of emotions, British band Elbow rose to public consciousness with their acclaimed 2001 debut, Asleep in the Back and have continued to make similarly popular and intricately arranged albums ever since.
While their first three outings established them as significant players on the U.K. scene, it was their sprawling fourth LP, The Seldom Seen Kid, that cemented their status, winning the 2008 Mercury Prize and setting a precedent for the group’s self-production.
It would inform their approach on subsequent albums like 2011’s Build a Rocket Boys! and 2014’s The Take Off and Landing of Everything, the latter of which became their first U.K. chart-topper. Along the way, Elbow collected Brit and Ivor Novello awards, and their music was featured heavily in the 2012 London Olympic Games, where they performed during the closing ceremony.
Both 2017’s Little Fictions and 2019’s Giants of all Sizes reached number one in the U.K.. In 2021, they delivered Flying Dream 1, recorded at Brighton’s Theatre Royal, before returning in 2024 with the kinetic and groove-oriented Audio Vertigo.

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Alternative / Indie Pop

Tom Odell au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Auteur-compositeur-interprète britannique doté d’un sens aigu de l’atmosphère et de la mélodie, Tom Odell propose des ballades au piano empreintes de douleur et de mélancolie. Intimes, brutes et souvent feutrées, ses chansons évoquent des figures telles que Leonard Cohen ou Jeff Buckley. Son premier EP, très remarqué en 2012, lui vaut le Critics’ Choice Award des BRITs, et son premier album, Long Way Down (2013), atteint la première place des classements au Royaume-Uni.
Odell enregistre ses deux albums suivants entre New York et Los Angeles, avant de revenir à Londres pour créer Jubilee Road en 2018, un disque plus intimiste. En 2021, il change de ton avec monsters, un album sombre aux influences electro-pop. Il revient ensuite à l’essentiel avec son cinquième album, The Best Day of My Life, sorti en 2022, aux arrangements dépouillés.

A British singer/songwriter with a keen sense for both atmosphere and melody, Tom Odell’s piano-led odes to heartache and pain are emotional, raw, and often hushed affairs that evoke names like Leonard Cohen and Jeff Buckley. His acclaimed 2012 debut EP earned him a BRITs Critics’ Choice award, and his first full-length outing, 2013’s Long Way Down, reached number one on the U.K. albums chart.
Odell recorded his next two releases in New York and Los Angeles before returning home to London for 2018’s intimate Jubilee Road and 2021’s dark, electro-pop-leaning monsters. His stripped-down fifth album, The Best Day of My Life, appeared in 2022.

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Metalcore / Punk

LANDMVRKS au MTelus

by Rédaction PAN M 360

Depuis la sortie de Lost in the Waves, Landmvrks s’est imposé comme le groupe metalcore le plus en vogue en France et en Europe.
Les faits d’armes des Marseillais sont impressionnants : tournée européenne sold out, prestations très remarquées aux Etats-Unis, dans les plus grands festivals français (Cabaret Vert, Hellfest, V and B Fest, Motocultor, etc) et européens (Graspop, Slam Dunk, Rock For People, Full Force, Jera On Air, Resurrection, Summer Breeze, etc), première partie de Bring Me The Horizon ou de Sum 41.
Le groupe a même dépassé la barre très symbolique des 100 millions de streams sur Spotify uniquement.
Une ascension vertigineuse et le début d’une histoire qui marquera à coup sûr une scène metal française en pleine effervescence.

Since the release of Lost in the Waves, Landmvrks has established itself as the most popular metalcore band in France and across Europe.
The achievements of the Marseille-based group are impressive: a sold-out European tour, highly acclaimed performances in the United States, appearances at major French festivals (Cabaret Vert, Hellfest, V and B Fest, Motocultor, etc.) and top European events (Graspop, Slam Dunk, Rock For People, Full Force, Jera On Air, Resurrection, Summer Breeze, etc.), as well as opening slots for Bring Me The Horizon and Sum 41.
The band even surpassed the symbolic milestone of 100 million streams on Spotify alone.
A meteoric rise, and the beginning of a story that will undoubtedly leave its mark on a thriving French metal scene.

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Indie Rock / Post-Punk

Wet Leg au MTelus

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Mené par Rhian Teasdale et Hester Chambers, originaires de l’île de Wight, Wet Leg insuffle un vent de fraîcheur et de légèreté au post-punk. Sur des singles comme Chaise Longue — un tube viral de 2021 qui cite Mean Girls —, le duo renverse l’ironie pince-sans-rire propre au genre, en mariant guitares rugueuses, percussions brutes et paroles délicieusement sarcastiques. Sorti en 2022, leur premier album éponyme s’est hissé en tête des classements britanniques et a connu un succès international, culminant avec un Grammy Award pour le Meilleur album de musique alternative. Le groupe est resté aussi mordant et spirituel que jamais avec Moisturizer, sorti en 2025.

Led by the Isle of Wight’s Rhian Teasdale and Hester Chambers, Wet Leg bring a refreshing sense of fun to post-punk. On singles such as 2021’s Mean Girls-quoting viral hit “Chaise Longue,” they turned the style’s deadpan irony on its head, pairing scrappy guitars and drums with dryly humorous lyrics. Released in 2022, their self-titled debut album not only topped the U.K. charts but fared well around the globe, bringing Wet Leg mainstream success that included winning the Grammy Award for Best Alternative Music Album. The band was as spiky and witty as ever on 2025’s Moisturizer.

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Alternative Rock / folk-punk / Traditional

The Pogues au MTelus

by Rédaction PAN M 360

En démontrant que l’esprit punk pouvait vivre dans la musique folk traditionnelle irlandaise, les Pogues furent l’un des groupes les plus radicaux du milieu des années 1980. Menés par Shane MacGowan, dont la voix pâteuse et souvent incompréhensible dissimulait pourtant la poésie pure de ses textes, les Pogues étaient indéniablement politiques — non seulement plusieurs de leurs chansons prenaient explicitement parti pour le libéralisme de la classe ouvrière, mais leur son déchaîné, mélange explosif de punk et de folk, était en soi une provocation. Ils avaient aussi un sens de l’humour délicieusement tordu, comme en témoigne leur plus grand succès, le chant de Noël détraqué Fairytale of New York. Leurs trois premiers albums — Red Roses for Me, Rum Sodomy & the Lash, If I Should Fall from Grace with God — furent largement salués en Grande-Bretagne comme aux États-Unis, et en 1988, ils comptaient un public culte important dans les deux pays. Pourtant, le mode de vie sombrement romantique et autodestructeur de MacGowan — essentiel à l’esprit et au succès du groupe — finit par causer leur perte. À la fin de la décennie, il était tombé dans un profond alcoolisme et une toxicomanie sévère, obligeant le groupe à le renvoyer pour pouvoir continuer. Les Pogues poursuivirent sans lui au début des années 1990, jouant devant un public de plus en plus restreint, avant de se dissoudre en 1996.

By demonstrating that the spirit of punk could live in traditional Irish folk music, the Pogues were one of the most radical bands of the mid-’80s. Led by Shane MacGowan, whose slurred, incomprehensible voice often disguised the sheer poetry of his songs, the Pogues were undeniably political — not only were many of their songs explicitly in favor of working-class liberalism, but the wild, careening sound of their punk-injected folk was implicitly outrageous. They also had a wickedly warped sense of humor, which was abundantly clear on their biggest hit, the fractured Christmas carol “Fairy Tale of New York.” The group’s first three albums — Red Roses for Me, Rum Sodomy & the Lash, If I Should Fall from Grace with God — were widely praised in both Britain and America, and by 1988 they had earned substantial cult followings in both countries. Yet MacGowan’s darkly romantic, wasted lifestyle, which was so key to their spirit and success, ultimately proved to be their downfall. By the end of the decade, he had fallen deep into alcoholism and drug addiction, forcing the band to fire him if they wanted to survive. The Pogues carried on without him in the early ’90s, playing to a slowly shrinking audience before finally disbanding in 1996.

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Afrobeat / Raï / rap

DYSTINCT au MTelus

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Dystinct, de son vrai nom Iliass Mansouri, né le 9 septembre 1998 à Mortsel (Belgique), est un chanteur, auteur-compositeur-interprète et producteur belgo-marocain.
Lorsqu’il a dix-huit ans, il s’installe à Amsterdam et fait son entrée sur la scène du rap néerlandais en signant au label Avalon Music en 2019. Il sort par la même occasion le tube Ya La Laa qui atteint les 50 millions de vues. Il fait aujourd’hui partie des chanteurs les plus influents dans le monde du Maghreb. Sortant son premier album Mon Voyage en 2021, chantant principalement en néerlandais, il convertit sa musique en langage arabe marocain, sort le tube Ghazali en 2022 et sort son deuxième album en 2023 intitulé Layali.
Sur un style de musique mélangeant raï, afrobeat et pop-rap, il se base sur son multilinguisme, néerlandais, anglais, français et le dialecte marocain, pour l’écriture de ses morceaux.

Dystinct, born Iliass Mansouri on September 9, 1998, in Mortsel, Belgium, is a Belgian-Moroccan singer, songwriter, and producer.
At the age of 18, he moved to Amsterdam and broke into the Dutch rap scene by signing with Avalon Music in 2019. That same year, he released the hit Ya La Laa, which went on to accumulate over 50 million views. Today, he is considered one of the most influential singers in the Maghreb music scene.
He released his debut album Mon Voyage in 2021, primarily sung in Dutch. In 2022, he transitioned to Moroccan Arabic with the hit single Ghazali. His second album, Layali, followed in 2023.
Blending raï, afrobeat, and pop-rap, Dystinct draws on his multilingual abilities — Dutch, English, French, and Moroccan Arabic — to craft songs that resonate across cultures and borders.

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country pop / Pop / Trap

Jessie Murph au MTelus

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La chanteuse Jessie Murph mêle une douceur apparente à une intensité brute, teintée d’accents country, dans une pop influencée par le trap et le blues. Elle se fait remarquer en 2021 grâce à des singles comme Upgrade et When I’m Not Around. Son premier EP, If I Died Last Night, paraît en 2022, suivi par la mixtape drowning en 2023.
Cette même année, elle multiplie les collaborations avec des artistes de renom comme Maren Morris, Diplo et Jelly Roll — ce dernier avec qui elle signe Wild Ones, un titre qui entre dans le Top 40 américain. En 2024, elle poursuit sur sa lancée avec le duo High Road aux côtés de Koe Wetzel, qui atteint le Top 30 aux États-Unis.
Ce succès pave la voie à son premier véritable album, That Ain’t No Man That’s the Devil, sorti plus tard en 2024 et classé dans le Top 30 du Billboard 200. L’année suivante, elle décroche un hit dans le Top 20 avec le morceau Blue Strips, confirmant son ascension fulgurante.

Singer Jessie Murph brings a sugarcoated, country-inflected grit to her moody trap- and blues-influenced pop. She first broke through in 2021 with singles like “Upgrade” and “When I’m Not Around.” Her debut EP, If I Died Last Night, appeared in 2022, followed by the 2023 mixtape drowning.
Collaborations with Maren Morris, Diplo, and Jelly Roll (the Top 40-charting “Wild Ones”) followed later that year, with 2024 seeing a U.S. Top 30 duet, “High Road” with Koe Wetzel. That set the stage for a Billboard 200 Top 30 appearance for Murph’s official debut album, the anguished That Ain’t No Man That’s the Devil, which arrived later in 2024. She scored a Top 20 hit the following year with “Blue Strips.”

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Indie Rock / Jazz Rock

GoGo Penguin au MTelus

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Originaires de Manchester, en Angleterre, GoGo Penguin est un trio de jazz piano atypique qui fusionne avec aisance rock, jazz post-bop, musique classique minimaliste et éléments de production électronique. Leur deuxième album, v2.0 (2014), a été sélectionné pour le prestigieux Mercury Prize, ce qui leur a permis de signer avec le légendaire label Blue Note. Leur premier disque pour ce label, Man Made Object (2016), s’est hissé dans le Top 10 des classements jazz.
Leur succès s’est confirmé avec les albums suivants, A Humdrum Star (2018) et GoGo Penguin (2020), tous deux bien accueillis par la critique et le public. En 2021, l’album de remixes GGP/RMX a renforcé leurs liens avec le monde de la musique électronique. Leur disque Everything Is Going to Be OK, paru en 2023, est né d’une période de deuil et de perte, et marque un tournant plus introspectif dans leur parcours artistique.

Hailing from Manchester, England, GoGo Penguin are a left-field jazz piano trio who seamlessly wed rock, post-bop jazz, and minimalist classical influences with electronic production elements. After their second full-length, 2014’s v2.0, was shortlisted for the Mercury Prize, they signed to Blue Note and issued their label debut, Man Made Object, which placed inside the Top Ten on the jazz albums charts.
Further records (2018’s A Humdrum Star, 2020’s GoGo Penguin) fared similarly well. 2021 remix album GGP/RMX solidified the group’s bond with the electronic music world. Everything Is Going to Be OK, a studio full-length born from a period of loss and mourning, was released in 2023.

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