La Chapelle Scènes Contemporaines

Contemporary

QMP 2026 | Épatants quatuors de George Lewis par Bozzini

by Frédéric Cardin

There was quite a crowd in the small hall of La Chapelle Scène contemporaine last night to hear two string quartets by George Lewis, performed by the Bozzini Quartet. Moreover, the 74-year-old composer was present to show his appreciation for the lively performance of the Montreal musicians.

INTERVIEW WITH ALISSA CHEUNG OF THE BOZZINI QUARTET

It was the Quartet 4.5 “Partial Truth” that was the first to be played (to understand the unusual numbering offered by Lewis, see the interview). We are quickly captivated: Lewis’s music is hyperactive, constantly teeming with striking textures (squeaks, glissandos, sustained notes, the bowing of bouncing strings, etc.). In this quartet, no moment remains uninhabited, even though the fabric of the score never gives the impression of being too dense. The energetic activity, a delicate and nervous pointillism, is incessant. But the most remarkable thing is the feeling of pulsation that emerges from it, a pulsation that is never really suggested in an obvious way. This one ends up inhabiting us, despite its ostentatious… absence. Lewis is a fan of philosophy, he says. I would therefore say that the beat, the groove, so invisible in the essence of his music, fully exists as an intersubjective being, in each of us, listeners, a sort of musical dasein.

The next quartet was no. 2.5 “Playing with Seeds,” more disparate in its construction, deploying a less sustained, more fractured energy, but also filled with exciting textures (including that rubber ball rubbed on the body of the cello and viola, creating a frankly amusing organic purring sound, which I would have liked even more!).

Rarely, it seems to me, has rigorously abstract and atonal music been so exciting to listen to. A well-deserved ovation concluded the exceptional performance of precision and technical mastery by the four members of the Bozzini Quartet (let’s name them: Isabelle and Stéphanie Bozzini, Alissa Cheung, and Clemens Merkel).

In the first part of the concert, and in total contrast to Lewis’s music (that’s a bit of the recipe for Quebec Musiques Parallèles concerts, and we like it), there was a long composition by Patrick Giguère, Ce qui frémit (that which shivers), for viola da gamba and synthesiser. The composition works with the just intonation system, a kind of well-tempered microtonality with 22 notes per scale.

We heard music unfolding like the movements of tides, with ascending episodes, very slowly on long sustained notes, towards more active and powerful moments (but very reasonably. Nothing thunderous here), then descending. A mix of drone and ambient. It was in the first third of the piece that I had the most pleasure, particularly at the first “tidal” peak, where Daniel Áñez’s synthesiser seems to emerge from the aquatic depths to gently ripple while accompanying the gamba, which also becomes more effervescent. The last third of the piece, on the other hand, seemed too long to me, despite a final crescendo that had a beautiful effect.

Marie-Loup Cottinet on the viola da gamba particularly stood out in a piece with precise intonation, which must be very difficult to execute well, and especially to tune!

Avant-Rock / Contemporary / Free Jazz / free-rock / Noise

QMP 2026 | Ackermann and D’Orion : the Complementarity of Extremes

by Frédéric Cardin

It would have been difficult to make a more contrasting concert program than last night at La Chapelle Scènes contemporaines. Québec Musiques Parallèles presented a double program dedicated, in the first part, to Rimes défaites par le Sphinx (Rimes Defeated by the Sphinx) by Geneviève Ackermann, for two voices and two guitars in just intonation, and then, in the second part, to the project Mes fantômes (My Ghosts) by Érick D’Orion, which I have mentioned in its recently released discographic version.

READ MY REVIEW OF THE ALBUM MES FANTÔMES BY ÉRICK D’ORION

As much as Ackermann’s work is refined, poetic, and meticulous in its details, D’Orion’s is maximalist, fragmented, noise-driven, and profoundly enjoyable. Rimes défaites par le Sphinx is a cycle of songs, performed by Geneviève Ackermann herself and Florence Tremblay on vocals, accompanied by the classical guitars of Francis Brunet-Turcotte and Alexandre Éthier. The songs, as I mentioned, are constructed according to the principle of just intonation, a scale of 22 notes (the normal scale contains 12) which therefore includes intermediate tones between the usual flats/sharps. It is therefore a form of microtonality, but due to its structural rigour, I fancy calling it “tempered microtonality.” The result is both disconcerting (at first) and strangely pleasant. Sometimes it feels like hearing a marriage between mediaeval Ars nova and the creations of Meredith Monk. It’s beautiful and subtle, it’s very delicate, and the performers are excellent. Ackermann and Tremblay managed to adjust their sometimes (apparently) fragile harmonies with aplomb. Next to them, Éthier and Brunet-Turcotte made their scores appear easy, which are, in truth, dreadfully complex to interpret, and this on guitars specially designed for the cause of perfect intonation. Yes, like for Angine de Poitrine, but with more advanced results and, curiously, not always as “weird.” The fact is that the microtonality used here is not as much cosmetic, like with the duo from Saguenay. So, there’s no need to “show” it in the same way. It is there, like an echo, or like ghosts distilled in a general factory that ultimately appears to us, strangely “normal.”

Speaking of ghosts, those of Érick D’Orion in the second part had enough to haunt us long after being summoned on stage. The principle of the Montrealer’s music, accompanied by musicians from Saguenay (and Bernard Falaise replacing Michel Potiron on guitar), is to let the artists interpret his ideas without ignoring their personal “ghosts,” or their stylistic influences, if you prefer. The aesthetic of D’Orion is firmly rooted in extreme rock and noise music. But what we heard (and which is not just a repeat of the album) was full of multiple references, both instilled by the composer (and conductor for the occasion) and expressed with individuality by the artists, all very good (hats off to them: Stéphane Beaulieu on bass, Marie-Pierre Brasset on Moog Grandmother synthesisers, Émile Boucher Cloutier on percussion, Réal Gagnon on drums, and Nicolas Gobeil on trumpet). What a pleasure to nod along to well-structured, heavy, and expressive rhythms, to be overwhelmed by the cacophonic delirium of a completely free tutti, and to hear references to Pendulum, Philippe Brach, and even Bach (a rare moment of calm here, magnificent in its contemplative dreaminess, inspired by a Passacaglia from the baroque genius). Of the three long pieces on the program, only the second seemed less structurally convincing, even if it was fun. Like a patchwork where each musician presented his/her ‘’influence’’ (in the form of a personal defining musical piece), like a suite of disconnected movements. Not much integration of the different materials together. But, like I said, many fun moments nevertheless (that is where we heard the transcendent Bach episode).

For purists, this iconoclastic juxtaposition is heresy. For authentic open-minded music lovers, it was a realistic delight, because when you truly love creative music, you are not stuck to structural principles to appreciate a concert. One can go from one extreme to another without batting an eye, because that’s pretty much how it happens in our heads (as one audience member said during the post-concert discussion).

A formula to be repeated without hesitation.

expérimental / contemporain / Modern Jazz

Québec musiques parallèles : Jean Derome & Somebody Special – Le sourire et Hugo Blouin – Le buffet à La Chapelle – scènes contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Jean Derome & Somebody Special – Le sourire

Le sourire rend hommage au compositeur et saxophoniste soprano novateur Steve Lacy (1934-2004). Le groupe de Derome se concentre sur un aspect essentiel de l’œuvre de Lacy: son répertoire vaste et excentrique de chansons mettant en musique des textes d’auteurs aussi divers que Anna Akhmatova, Samuel Beckett, Robert Creeley, Bob Kaufman et Judith Malina. Le résultat est une forme de jazz tendue et caractéristique de Derome, une musique enjouée et anguleuse, dont les harmonies provocantes n’altèrent en rien le swing et le caractère engageant. Autrement dit, loin d’être conventionnelle, cette musique s’aventure hors des sentiers battus, sans jamais toutefois s’éloigner complètement du jazz.

Le sourire pays tribute to the groundbreaking soprano saxophonist and composer Steve Lacy (1934–2004). Jean Derome’s ensemble focuses on one of the defining aspects of Lacy’s work: his vast and eccentric catalogue of songs setting texts by writers as diverse as Anna Akhmatova, Samuel Beckett, Robert Creeley, Bob Kaufman, and Judith Malina. The result is a distinctly Derome-style jazz—playful, angular, and taut—whose provocative harmonies never diminish its irresistible swing or engaging spirit. Bold and unconventional, this music ventures well beyond familiar paths while remaining firmly connected to the essence of jazz.

Hugo Blouin – Le buffet

Au buffet déjanté du contrebassiste Hugo Blouin, les chansons se succèdent comme les plats et les sujets de discussion d’une soirée entre amis. Au menu, on retrouve les meilleures recettes de ses proches, mais aussi des débats sur l’art, des anecdotes et des souvenirs d’enfance. Ces récits ont été recueillis lors d’entrevues, puis repiqués et transcrits pour fournir les aliments de base à la concoction de chaque pièce. Le buffet est cuisiné avec ferveur par un groupe de chefs étoilés, avec John Hollenbeck à la batterie, Eugénie Jobin à la voix, Aurélien Tomasi aux vents et Yannick Anctil au piano.

At bassist Hugo Blouin’s delightfully offbeat buffet, songs unfold like the dishes—and conversations—shared over an evening among friends. The menu features favourite family recipes alongside reflections on art, anecdotes, and childhood memories. These stories were gathered through interviews, then sampled and transcribed to provide the raw ingredients for each composition. Le Buffet is brought to life by an all-star ensemble featuring John Hollenbeck on drums, Eugénie Jobin on vocals, Aurélien Tomasi on winds, and Yannick Anctil on piano.

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Contemporary / Free Improvisation / Jazz

Québec musiques parallèles x Festival Flux : Patrick Giguère – Ce qui frémit et Quatuor Bozzini joue George Lewis à La Chapelle – scènes contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Patrick Giguère – Ce qui frémit

Inspirée d’un passage de La vie habitable de Véronique Côté, Ce qui frémit est une invitation à ralentir et à tendre l’oreille vers ce qui résonne en nous. À travers des harmonies et des mélodies d’une étonnante familiarité, sublimées par l’utilisation du tempérament juste, Patrick Giguère explore une écoute intime, sensible et lumineuse. Interprétée par Marie-Loup Cottinet à la viole de gambe et Daniel Áñez aux synthétiseurs, cette œuvre nous convie à renouer avec une part fragile mais essentielle de nous-mêmes.

Inspired by a passage from Véronique Côté’s La vie habitable, Ce qui frémit (What Trembles) is an invitation to slow down and listen to what quietly resonates within us. Through harmonies and melodies of striking familiarity, enhanced by the use of just intonation, Patrick Giguère explores an intimate, sensitive, and luminous mode of listening. Performed by Marie-Loup Cottinet on viola da gamba and Daniel Áñez on synthesizers, this work invites us to reconnect with a fragile yet essential part of ourselves.

Quatuor Bozzini joue George Lewis

Dans le cadre de Québec Musiques Parallèles, le Quatuor Bozzini consacre une soirée exceptionnelle à l’univers du compositeur, musicologue et tromboniste américain George Lewis, figure majeure de la création musicale contemporaine. Reconnu pour son travail novateur à la croisée de la composition, de l’improvisation et des technologies interactives, Lewis explore dans ses œuvres les multiples façons dont la musique peut refléter les réalités sociales, culturelles et humaines. Interprète privilégié des musiques d’aujourd’hui, le Quatuor Bozzini propose un portrait à travers des pièces pour quatuors à cordes composées entre 2016 et 2022. Une occasion rare de découvrir l’écriture riche, inventive et profondément engagée de George Lewis, portée par l’un des ensembles les plus influents de la scène contemporaine montréalaise.

As part of Québec Musiques Parallèles, Quatuor Bozzini presents an exceptional evening devoted to the work of American composer, musicologist, and trombonist George Lewis, a leading figure in contemporary music. Renowned for his groundbreaking work at the intersection of composition, improvisation, and interactive technologies, Lewis explores the many ways music can reflect social, cultural, and human realities. One of today’s foremost interpreters of contemporary repertoire, Quatuor Bozzini performs three string quartets composed between 2016 and 2022, offering a rare opportunity to experience the richness, inventiveness, and profound engagement of George Lewis’s music through one of Montréal’s most influential contemporary ensembles.

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Experimental / Contemporary / Free Jazz / musique actuelle

Québec musiques parallèles : Geneviève Ackerman – Rimes défaites par le Sphinx et Érick d’Orion – Mes fantômes à La Chapelle – scènes contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Geneviève Ackerman – Rimes défaites par le Sphinx

Rimes défaites par le Sphinx est un cycle de chansons énigmatiques et rêveuses en « intonation juste » pour deux chanteuses (Florence Tremblay et Geneviève Ackerman) et deux guitaristes (Alexandre Éthier et Francis Brunet-Turcotte). Chaque chanson est un tableau sonore et vivant, qui invite l’auditeur à devenir comme un voyageur intime des profondeurs de la matière. Cette musique se veut aussi lumineuse que faire se peut, un soleil sonore qui résonne malgré les épreuves de la réalité, et qui offre à l’auditeur un espace de recueillement, de charme et de douceur, afin qu’il puisse dérouler à son aise le long fil de ses rêves. Les textes inédits sont signés du poète Frédérik Dufour, et la musique de la compositrice Geneviève Ackerman.

Rimes défaites par le Sphinx is a cycle of enigmatic, dreamlike songs in just intonation for two singers (Florence Tremblay and Geneviève Ackerman) and two guitarists (Alexandre Éthier and Francis Brunet-Turcotte). Each song unfolds as a living sonic tableau, inviting listeners to become intimate travellers through the depths of matter. The music strives to be as radiant as possible—a sonic sun that continues to resonate despite life’s hardships—offering a space for contemplation, enchantment, and gentleness where listeners can freely unravel the long thread of their dreams. The original texts are by poet Frédérik Dufour, with music by composer Geneviève Ackerman.

Érick d’Orion – Mes fantômes

À l’occasion du lancement de son nouvel album Mes fantômes, paru chez Ambiances Magnétiques, Érick d’Orion présente sur scène l’intégralité de cette œuvre en trois mouvements née d’une résidence de création au Centre d’expérimentation musicale (CEM). À la rencontre du free jazz, du rock et de la musique actuelle, Mes fantômes explore les traces invisibles laissées par le son : résonances, fragments et présences spectrales qui émergent, disparaissent et reviennent nous hanter. Entouré d’un ensemble de musicien·ne·s du Saguenay et accompagné pour l’occasion du guitariste Bernard Falaise, le compositeur poursuit sa recherche à la frontière de la composition et de l’improvisation, où l’accident devient matière de création.

To mark the release of his new album Mes fantômes on Ambiances Magnétiques, Érick d’Orion presents the complete three-movement work, created during a residency at the Centre d’expérimentation musicale (CEM). Blending elements of free jazz, rock, and experimental music, Mes fantômes explores the invisible traces left behind by sound: resonances, fragments, and spectral presences that emerge, vanish, and return to haunt us. Joined by an ensemble of musicians from the Saguenay region and featuring guitarist Bernard Falaise, the composer continues his exploration of the fertile territory between composition and improvisation, where chance itself becomes creative material.

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Ambient / Electronic / théâtre musical

Québec musiques parallèles : Super scintillant et Plant à La Chapelle – scènes contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Super Scintillant

Le duo Super scintillant produit une musique à la fois douce et vivante par la rencontre inusitée de deux univers : celui de la virtuose de la clarinette basse de Mélanie Bourassa et du synthétiseur modulaire de Nicolas Bernier. À la croisée de la musique ambient et improvisée, les artistes construisent leur musique dans l’instant en réagissant aux événements électroniques imprévisibles. Au sein du duo, la clarinette possède un pouvoir magique : celui d’activer l’instrument électronique. De ce dialogue émane des surprises perpétuelles qui se matérialisent dans de riches textures sonores et ont tout pour fasciner les oreilles.

The duo Super scintillant creates music that is both delicate and vibrant through the unexpected meeting of two worlds: the virtuosic bass clarinet of Mélanie Bourassa and the modular synthesizer of Nicolas Bernier. At the crossroads of ambient music and free improvisation, the artists build each performance in real time, responding to the unpredictable behaviour of electronic sound. Within the duo, the clarinet possesses a magical power—it activates the electronic instrument. From this dialogue emerge constant surprises that take shape as richly textured sonic landscapes, offering listeners a deeply captivating experience.

Plant

Ludique, radicale, bordélique, précise, exigeante, la musique du duo Plant repose sur une discipline de l’improvisation totale et mise sur une énergie qui pousse à la perte de contrôle, à l’inconnu. Le groupe est formé de deux musiciens aux techniques étonnantes: Éric Normand et Jim Denley. Leur devis technique : une plante et un ampli, devant lesquels ils utiliseront objets, instruments et fruits pour créer une musique à la fois fragile et d’une rare intensité. Les prestations de Plant s’inscrivent dans une démarche de détournement et de questionnement instrumental et comportent un aspect empruntant au “performance art” ou au théâtre instrumental par des manipulations étranges d’instruments conventionnels.

Playful, radical, chaotic, precise, and uncompromising, the music of the duo Plant is grounded in the discipline of total improvisation, driven by an energy that embraces loss of control and the unknown. The group brings together two remarkable musicians, Éric Normand and Jim Denley, whose unconventional approach pushes the boundaries of instrumental performance. Their technical rider is disarmingly simple: a plant and an amplifier. Around these, they use objects, instruments, and even fruit to create music that is at once fragile and strikingly intense. Plant’s performances challenge traditional ideas of instrumentation through unusual manipulations of conventional instruments, drawing as much from performance art and instrumental theatre as from experimental music.

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expérimental / contemporain / Free Improvisation

Le Vivier / Semaine du Neuf | Du Vivant + Frying Pan & Nous perçons les oreilles, les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

On présente ce concert comme un double plateau de musique improvisée des deux bords du fleuve.

Directeur artistique de la Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduit le concept:

“Alors nous nous retrouvons avec Joane Hétu et son concept Nous perçons les oreilles  qui existe depuis très longtemps, mais qui revient sporadiquement. Cette fois, ii s’agit d’une  soirée dédiée aux improvisateurs. trices. Le groupe se fonde sur Jean-François Laporte et ses instruments inventés, Éric Normand, Philippe Lauzier, Annie Saint-Jean. Il y aura une trame évoquant un territoire mi-fantastique, mi-glauque, cette  performance propose une lecture poétique du tout. Donc avec Jean-François Laporte, bien sûr, on a la présence des instruments de Jean-François, donc de lutherie sauvage. La direction sera tantôt assumée par Joane Hétu, tantôt par Jean Derome. Ce sera aussi une rencontre entre SuperMusique , la communauté Tour de bras et Éric Normand (Rimousk)  et Totem contemporain de Jean-François Laporte.”

Plus précisément:


Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
Avec sa lutherie sauvage, son aspect méditatif et son intensité sonore, Du vivant est une performance cinétique et instrumentale qui recrée l’univers sombre du film créé par les artistes en 2020 sur un immense rouleau de papier géant tel un ruban de photo. Si le film évoquait un territoire mi-fantastique mi-glauque, la performance propose une autre lecture: une performance poétique, musicale, et cinétique (sans écran) qui balance entre photographie, film, performance, sténopé et musique improvisée.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
Ce concert réunit quatre artistes visionnaires qui partagent une même compréhension du geste, qu’il soit musical ou physique. Le duo Frying Pan, constitué des deux grandes danseuses Sarah Bild et Susanna Hood, se joint au duo Nous perçons les oreilles, formé des ébouriffants Jean Derome et Joane Hétu, connu pour sa musique improvisée et expérimentale.


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This concert is presented as a double bill of improvised music from both sides of the St.Lawrence river.

Artistic director of Semaine du Neuf, Jeffrey Stonehouse introduces the concept:

“So here we are with Joane Hétu and her concept Nous perçons les oreilles (We pierce ears), which has been around for a long time but comes back sporadically. This time, it’s an evening dedicated to improvisers. The group is based on Jean-François Laporte and his invented instruments, Éric Normand, Philippe Lauzier, and Annie Saint-Jean. There will be a storyline evoking a territory that is half-fantastic, half-gloomy, and this performance offers a poetic interpretation of the whole. So with Jean-François Laporte, of course, we have the presence of Jean-François’ instruments, and therefore wild lutherie. The direction will be taken on by Joane Hétu at times and Jean Derome at others. It will also be a meeting between SuperMusique, the Tour de bras community and Éric Normand (Rimousk), and Jean-François Laporte’s Totem contemporain.”

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A double bill of improvised music from both sides of the river

Du vivant – Tour de Bras & Totem Contemporain
With its wild instrumentarium, meditative aspect, and sonic intensity, Du vivant is a kinetic and instrumental performance that recreates the dark universe of the film created by the artists in 2020 on an immense giant roll of paper like a photo ribbon. While the film evoked a half-fantastical, half-murky territory, the performance offers another reading: a poetic, musical, and kinetic performance (without a screen) that oscillates between photography, film, performance, pinhole camera, and improvised music.
Au confluent des âmes – Nous perçons les oreilles & Frying Pan
This concert brings together four visionary artists who share the same understanding of gesture, whether musical or physical. The duo Frying Pan, consisting of two great dancers Sarah Bild and Susanna Hood, joins the duo Nous perçons les oreilles, formed by the electrifying Jean Derome and Joane Hétu, known for their improvised and experimental music.

Création / expérimental / contemporain

Le Vivier / Semaine du Neuf | lovemusic – Protest of the Physical, les mots de la direction artistique

by Rédaction PAN M 360

D’abord quelques mots de Jeffrey Stonehouse, directeur artistique de la Semaine du Neuf:

“Love Music est un super ensemble de Strasbourg dont l’œuvre présentée à Montréal est   Protest of the Physical, une performance en quatre tableaux. Les corps des musiciens ne sont pas utilisés exclusivement pour l’exécution instrumentale, mais sont complètement engagés dans l’œuvre. Il faut souligner ici que le geste  influence l’écoute et la perception du geste influence l’écoute. Il y a vraiment une intégration entre plusieurs disciplines dans ce spectacle. Je soulignerais spécifiquement, moi, une des pièces qui m’intéresse beaucoup, c’est le travail de Bethany Young.  C’est un ensemble relativement jeune en train de repousser les limites de l’expérience du concert traditionnel en musique contemporaine.”

lovemusic propose une performance musicale dans laquelle les corps des interprètes sont au cœur de l’expérience, devenant des éléments essentiels de la création sonore. Protest of the Physical est une performance en quatre tableaux. Les corps des musicien·ne·s n’y sont pas simplement des véhicules pour l’exécution instrumentale mais complètement engagés dans une physicalité expressive. Ils sont à la fois intrinsèquement liés à la musique et à ses exigences physiques, et servent de faire-valoir pour souligner la façon dont le geste façonne notre expérience d’écoute. En intégrant des artistes issus de différentes disciplines au processus créatif, en repensant le rôle du public et en revendiquant le corps comme un puissant outil de communication, les interprètes du collectif affirment ainsi avec audace leur identité singulière de performeur·euse·s.

Programmation

-Annette Schlunz, Anne-Hélène Kotoujansky: In die Ferne, dem Berg zu , 2025 (commande de lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique et gestes  – création
-Nik Bohnenberger: hands, drum – three bones , 2025 (commande de la Philharmonie de Luxembourg pour lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique, électronique et vidéo  – création
-Bethany Younge: Seeds , 2025 (commande de lovemusic) pour pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare électrique  – création
-Helmut Oehring: [iɱˈfɛrno] (extrait de : MAPPA) Contrapasso I – V (à Wladimir Poutine / Sergej Lawrow) , 2022 (commande de lovemusic et le festival klangwerkstatt – Berlin) pour pour flûte basse, clarinette basse, violoncelle, guitare électrique et bande  – création

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First, a few words from Jeffrey Stonehouse, artistic director of Semaine du Neuf:

“Love Music is a great ensemble from Strasbourg whose work presented in Montreal is Protest of the Physical, a performance in four scenes. The musicians’ bodies are not used exclusively for instrumental performance, but are fully engaged in the work. It should be noted here that gesture influences listening, and perception of gesture influences listening. There is a real integration between several disciplines in this show. I would specifically highlight one of the pieces that interests me greatly, which is the work of Bethany Young. This is a relatively young ensemble that is pushing the boundaries of the traditional concert experience in contemporary music.”

Translated with DeepL.com (free version)

lovemusic presents a musical performance in which the performers’ bodies are at the heart of the experience, becoming essential elements of the sonic creation. Protest of the Physical is a performance in four tableaux. The musicians’ bodies are not simply vehicles for instrumental execution but are completely engaged in an expressive physicality. They are both intrinsically linked to the music and its physical demands, and serve as a foil to emphasize the way gesture shapes our listening experience. By integrating artists from different disciplines into the creative process, by rethinking the role of the audience, and by asserting the body as a powerful tool of communication, the collective’s performers thus boldly affirm their singular identity as performers.

Program

-Annette Schlunz, Anne-Hélène Kotoujansky: In die Ferne, dem Berg zu , 2025 (commissioned by lovemusic) for for flute, clarinet, violin, cello, electric guitar and gestures  – premiere
-Nik Bohnenberger: hands, drum – three bones , 2025 (commissioned by the Philharmonie de Luxembourg for lovemusic) for or flute, clarinet, violin, cello, electric guitar, electronics and video  – premiere
-Bethany Younge: Seeds , 2025 (commissioned by lovemusic) for for flute, clarinet, violin, cello, electric guitar  – premiere
-Helmut Oehring: [iɱˈfɛrno] (extrait de : MAPPA) Contrapasso I – V (à Wladimir Poutine / Sergej Lawrow) , 2022 (commissioned by lovemusic and the klangwerkstatt festival – Berlin) for for bass flute, bass clarinet, cello, electric guitar and tape  – premiere

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expérimental / contemporain / Free Improvisation

Le Vivier : GGRIL • C-IME • Ensemble Supermusique — Des nuées de ritournelles à la Chapelle Scènes Contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Rencontre entre les improvisateurs de l’ensemble rimouskois GGRIL et de l’Ensemble Supermusique, avec les musiciennes et artistes sonores du collectif belge C-IME. L’idée de ritournelle nous vient de la saxophoniste et compositrice belge Audrey Lauro. Bien qu’elle ne soit pas du voyage cette fois, son esprit nous accompagne pour ce concert pensé et repensé, tout fait d’improvisation, de fragilité et d’écoute. Des membres du GGRIL et de C-ÎME collaborent depuis quelques années grâce à une heureuse rencontre au festival Citadelic à Gand. En 2022, suite à une résidence à Rimouski, Audrey Lauro a composé Ritournelle Reverse, une pièce pour le GGRIL. Dans un fabuleux désir de collaborer au sein d’un processus créatif partagé où habiter l’espace et la physicalité du son, trois musiciennes de l’ensemble C-ÎME (Belgique), cinq musicien·nes du GGRIL (Rimouski) et deux invitées de l’Ensemble SuperMusique (Montréal) se rejoignent sur scène le temps d’une ritournelle montréalaise.

A meeting between the improvisers of the Rimouski-based ensemble GGRIL and Ensemble SuperMusique, together with the musicians and sound artists of the Belgian collective C-IME. The idea of the ritournelle comes from Belgian saxophonist and composer Audrey Lauro. Although she won’t be traveling with them this time, her spirit accompanies this concert—conceived and reconceived—made of improvisation, fragility, and attentive listening. Members of GGRIL and C-IME have been collaborating for several years, following a serendipitous encounter at the Citadelic Festival in Ghent. In 2022, after a residency in Rimouski, Audrey Lauro composed Ritournelle Reverse, a piece for GGRIL. In a marvelous desire to collaborate within a shared creative process—one that inhabits space and the physicality of sound—three musicians from C-IME (Belgium), five musicians from GGRIL (Rimouski), and two guests from Ensemble SuperMusique (Montréal) come together on stage for a Montréal ritournelle.

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Avant-Garde / Free Jazz

Le Vivier : Andrew Cyrille • 5ilience à la Chapelle Scènes Contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Une soirée placée sous le signe de l’avant-garde et de la virtuosité musicale. Le légendaire batteur et compositeur Andrew Cyrille, une figure majeure qui a redéfini le free jazz. De ses débuts aux côtés de géants comme Mary Lou Williams et Coleman Hawkins à sa collaboration emblématique de 11 ans avec Cecil Taylor, Cyrille a marqué l’histoire de la batterie jazz. Son parcours singulier, mêlant études scientifiques et passion pour le jazz, témoigne de la richesse d’une carrière qui l’a mené à l’avant-garde des percussionnistes. En première partie, 5ilience, le premier quintette à anches du Québec propose un programme tout en contrastes avec des œuvres de Nico Muhly, Niloufar Nourbakhsh, Ufuk Biçak et Abraham Gómez.

An evening dedicated to avant-garde expression and musical virtuosity. Legendary drummer and composer Andrew Cyrille, a towering figure who redefined free jazz. From his early days alongside giants such as Mary Lou Williams and Coleman Hawkins to his iconic 11-year collaboration with Cecil Taylor, Cyrille has left an indelible mark on the history of jazz drumming. His unique journey—combining scientific studies with a passion for jazz—reflects the richness of a career that has placed him at the forefront of percussionists. Opening the evening, 5ilience, Québec’s first reed quintet, presents a program of striking contrasts with works by Nico Muhly, Niloufar Nourbakhsh, Ufuk Biçak, and Abraham Gómez.

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Experimental / Contemporary / saxophone

Le Vivier : Gabo Champagne — Yvern / Treffpunkt Quartet à la Chapelle Scènes Contemporaines

by Rédaction PAN M 360

Gabo Champagne — Yvern

Mêlant musique, théâtre expérimental et mouvement, ce spectacle poétique imagine un avenir dans un monde en déclin. Une vie et un climat transformés. Yvern, la nouvelle œuvre de la créatrice transdisciplinaire Gabo Champagne, est une exploration imaginative de l’hiver passé, présent, et imaginé à sa fin. Ce spectacle mêle musique, théâtre expérimental et mouvement pour raconter une histoire à la fois intime et urgente. Gabo Champagne y trace le paysage émotionnel changeant d’une saison menacée. L’œuvre imagine un avenir dans un monde en déclin, où mémoire et nostalgie occupent le devant de la scène. Poétique, ludique et élégiaque, Yvern réfléchit à la manière dont l’hiver a façonné l’identité québécoise, et à la portée de sa disparition. Yvern est un requiem pour un climat que nous avons connu, et un appel à affronter ce qui s’en vient.

Blending music, experimental theatre, and movement, this poetic performance imagines a future in a world in decline. A transformed life and climate. Yvern, a new work by transdisciplinary creator Gabo Champagne, is an imaginative exploration of winter—past, present, and envisioned at its end. This performance weaves together music, experimental theatre, and movement to tell a story that is both intimate and urgent. Gabo Champagne maps the shifting emotional landscape of a threatened season. The work imagines a future in a declining world, where memory and nostalgia take center stage. Poetic, playful, and elegiac, Yvern reflects on how winter has shaped Quebec identity, and on the consequences of its disappearance. Yvern is both a requiem for the climate we once knew and a call to face what lies ahead.

Treffpunkt Quartet

Ce programme réunit quatre œuvres pour quatuor de saxophones, dont une création du saxophoniste Antonin Bourgault. Chacune à leur manière, elles explorent des formes de transformation, de tension ou de circularité. Dans ces oeuvres, une attention particulière est donnée aux mouvements — physiques, mentaux ou symboliques — et aux manières dont ces gestes s’inscrivent dans le son. Plutôt que de suivre une trajectoire linéaire, ces pièces se construisent à partir de cycles, de glissements, de ruptures, ou de gestes ornementaux qui redéfinissent continuellement le rapport au temps et à l’écoute.

This program brings together four works for saxophone quartet, including a new creation by saxophonist Antonin Bourgault. Each piece, in its own way, explores forms of transformation, tension, or circularity. Particular attention is given to movements—physical, mental, or symbolic—and to the ways these gestures are inscribed in sound. Rather than following a linear trajectory, these works unfold through cycles, shifts, ruptures, or ornamental gestures that continuously redefine the relationship to time and listening.

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Ce contenu provient de Le Vivier et est adapté par PAN M 360

Contemporary

Semaine du Neuf | A Symphony and a World Premiere for Tim Brady

by Vitta Morales

The Chapelle Theatre hosted Tim Brady, his guitars, and his pedals on March 15th as part of the Semaine du Neuf festival. A last-minute change to the program would mean Brady would play the entirety of his forty-five or so minute piece, Symphony in 18 Parts , as well as the premiere of For Electric Guitar.

It should be said, for starters, that The Chapelle was a great choice of venue for this repertoire. The black box-style venue helped focus the audience’s attention squarely on Brady’s tools (his pedals, amps, and guitars) and soundscapes. Against a black background, little could distract a listener; this, coupled with good lighting, meant the vibes were set very appropriately for Brady’s electric inventions.

Concerning Brady’s Symphony in 18 Parts, I happened to have it more or less fresh in my ears as I consulted it a lot in preparation for the concert and the interviews we conducted in the lead up. As such, I think I could tell which movements were more rehearsed than others. Occasionally, when a passage of fast notes came up, the execution would come out slightly less clean than that of the recording. This was more discernible in the moments where distortion and overdrive were absent. I, of course, don’t really blame Brady who wasn’t originally planning to play the whole thing. At other points he performed aptly and impressively pulled off tricky sweep picking passages and hammer-on flurries; (especially in For Electric Guitar).

All told, an enjoyable afternoon of shredding, ethereal soundscapes, and shimmery tapping. In addition, it was noteworthy that Brady had a good sense of humour, a relaxed demeanour, and took the time to explain the sounds he was making before letting his Godin guitars do the talking. Clearly the mark of a composer and performer who has been doing this for decades.

photo : Paola Benzi

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