Leader conceptuel, le saxophoniste américain Steve Lehman crée de la musique pour des ensembles d différentes configurations et allégeances esthétiques. Dans le cas qui nous occupe, Sélébéyone est un projet particulièrement spectaculaire au FIMAV car il met en relief des éléments de hip hop et de culture sénégalaise auxquels il applique une médecine free jazz. L’alignement proposé à Victoriaville est particulièrement éloquent en ce sens : l’Américain HPRIZM (HIGH PRIEST dans Antipop Consortium), le Sénégalais GASTON BANDIMIC, qui s’exprime en wolof, l’Américain DAMION REID, un des premiers à avoir adapté le beatmaking hip-hop au jeu de batterie (avec Robert Glasper), le Français MACIEK LASSERRE et STEVE LEHMAN aux saxophones. L’expérience s’est amorcée au milieu de la précédente décennie : l’album éponyme Sélébéyone (qui signifie « intersection » en wolof) est sortien 2016, suivi de Xaybu : The Unseen (Pi Recordings) en 2022. Nous sommes en mai 2024 et Steve Lehman présente enfin ce projet abouti au FIMAV, il nous en explique les tenants et aboutissants.
Artiste fondamental de la fusion samba reggae, tendance initiée dans le Nordeste brésilien, Mateus Vidal est l’ex-chanteur du légendaire groupe Olodum et sera l’artiste central d’une célébration afro-brésilienne présentée ce dimanche, 20h, au Théâtre Plaza, dans le contexte du mini-festival printannier Norté Tropical. Le progamme est complété par l’ensemble torontois de percussion afro-brésilienne Tdot Batu, avec MESTRE Patricio Martinez. Des invités spéciaux de MTL, soit Diogo Ramos et Akawui, ajouteront leur touche à cette rencontre dominicale qui s’annonce vibrante. Et pourquoi ne s’agirait-il pas d’un nouveau départ pour Mateus Vidal, musicien et chanteur d’une grande expérience sur lequel Montréal peut désormais compter.
ARTISTES DE LA CÉLÉBRATION AFRO-BRÉSILIENNE, DIMANCHE 19 MAI, 20H, THÉÂTRE PLAZA
MATEUS VIDAL, voix et son HOUSE BAND MAISON
Daniel de Oliveira Lage, guitare | Luiz Antônio Pereira, basse | David Mobio, claviers | Lara Klaus, batterie
TDOT BATU
Patricio Martinez, repinique et tamborim | Djerdam Gomez, trio de surdo | Dobra Santiago Bedoya, repinique et caixa (caisse claire brésilienne)
Invités spéciaux
Akawui, voix et flûte | Diogo Ramos, voix et guitare et DJ Oonga
Kaia Kater a choqué le monde de la musique folk avec son album de 2018 Grenades, et maintenant, six ans plus tard, elle sort un nouvel album qui est plus une odyssée cinématographique avec des éléments folky. .
Sur son nouvel album, Strange Medicine, elle joue toujours du banjo sur quelques titres, mais elle a aussi travaillé avec une batterie, une basse, une section de cuivres, des cordes, des synthétiseurs… C’est un album plus grand, plus ambitieux pour Kaia Kater et nous lui avons parlé de ce processus, de l’inspiration, du travail sur des projets de films, de son acceptation de jouer du banjo et de naviguer dans le monde en tant qu’artiste folk noire.
Originaire de Philadelphie, où il a débuté sa carrière parmi les membres du groupe The Roots, Joshua Abrams est depuis longtemps un musicien clé de la nouvelle musique créative de Chicago, hybridant le free jazz avec le minimalisme occidental, la musique gnawa nord-africaine et d’autres sources culturelles. Cette version à huit musiciens de son groupe Natural Information Society – qu’ABRAMS appelle « Community Ensemble » – joue des rythmes et des mélanges qui se déploient et se superposent, induisant la transe, parmi d’autres éléments. Scott Thomson, le nouveau directeur artistique du FIMAV, a déclaré à PAN M 360 que ce groupe était l’un des plus beaux concerts qu’il ait donnés au festival de musique de Guelph, dont il a été le directeur artistique pendant 7 ans. Et alors ? Nous en parlons à Joshua Abrams !
PAN M 360 : Le guimbri, un luth gnawa que de nombreux Occidentaux ont découvert avec le célèbre groupe marocain Nas El Ghiwane au début des années 80, est un instrument central de la société de l’information naturelle. Pouvez-vous nous dire comment votre amour et votre dévouement pour cet instrument ont commencé ? Qu’apporte le guembri au son de votre ensemble ? Comment le voyez-vous en tant qu’instrument soliste ?
Joshua Abrams : J’ai entendu pour la première fois le guimbri joué par Malleem Mahmoud Ghania sur le disque qu’il a réalisé avec Pharoah Sanders, The Trance of The Seven Colors. Il a une qualité très vocale et réunit les sons graves et les sons percussifs d’une manière profonde.Une technologie avancée pour centrer l’esprit.Il me permet de réunir de nombreux intérêts musicaux et méthodes, y compris la composition et l’improvisation, d’une manière personnelle.
PAN M 360 : Je suppose que vous avez été le premier contrebassiste avant de déménager de Philadelphie à Chicago, n’est-ce pas ? La contrebasse est-elle toujours aussi importante pour vous que le guimbri aujourd’hui ?
Joshua Abrams : Oui, la contrebasse reste mon instrument principal.J’en joue souvent dans différentes situations et sur de nombreux enregistrements.
PAN M 360 : Au fait, entretenez-vous toujours des relations humaines avec certains anciens membres de The Roots ?
Joshia Abrams : Oui.
PAN M 360 : Bien sûr, votre parcours est assez différent à Chicago où vous avez embrassé cette musique créative dont les origines se trouvent dans la communauté AACM du free jazz, le post-rock, le footwork ou les expérimentations post-house. Vous évoluez manifestement dans un écosystème différent ! Qu’est-ce qui vous a amené à vous installer à Chicago ?
Joshua Abrams : La musique !
PAN M 360 : L’expression Natural Information est apparue en 2010 dans votre discographie. Pouvez-vous nous rappeler l’origine de cette expression ?
Joshua Abrams : Cela m’a semblé être une puissante combinaison de deux mots courants que je n’avais jamais entendus ensemble. Natural Information est un bon descripteur de l’endroit où j’aime concentrer mon attention et une bonne aspiration pour ce que la musique pourrait être.
PAN M 360 : Comment Natural Information Society a-t-elle évolué depuis lors ?
Joshua Abrams : Nous avons sorti sept albums avec des formations, des orchestrations et des personnalités musicales différentes.J’ai écrit différents corpus de musique pour chacune de ces configurations à explorer ensemble. Le quatuor que je forme avec Lisa Alvarado, Mikel Patrick Avery et Jason Stein joue le plus souvent, mais lors d’occasions spéciales comme le FIMAV, c’est la version élargie du Natural Information Society Community Ensemble qui joue.
PAN M 360 : Comment voyez-vous le lien entre la musique traditionnelle et les expériences musicales contemporaines ?
Joshua Abrams : Je m’intéresse surtout à la vitalité de la musique. Pour moi, que quelque chose soit ancien ou nouveau, traditionnel ou expérimental n’a qu’une importance secondaire par rapport à l’énergie que la musique peut partager. Toutes les stratégies sont les bienvenues.
PAN M 360 : Lisa Alvarado, harmonium ; Mikel Patrick Avery, batterie ; Berman, cornet ; Kara Bershad, harpe ; Hamid Drake, conga, tabla, tar ; Ben Lamar Gay, cornet ; Nick Mazzarella, saxophone alto ; Jason Stein, clarinette basse ; Mai Sugimoto, saxophone alto, flûte ; Ari Brown, saxophone ténor. Pouvez-vous nous parler brièvement de chaque rôle au sein de cet ensemble ?
Joshua Abrams : Nous essayons de construire un réseau avec nos sons où les nuances des changements de chacun peuvent être entendues et ressenties et où la musique peut évoluer progressivement. Tous les membres du groupe sont d’incroyables musiciens et artistes à part entière et je suis honoré de leur participation. J’écris les morceaux et je dirige le groupe. Lisa joue de l’harmonium et crée nos décors de scène, elle est ma partenaire dans le monde et la Natural Information Society. Mikel fait partie du groupe depuis longtemps et nous avons développé un lien musical intuitif fort. Hamid est un maître musical, un mentor et un ami très cher. Mais en réalité, l’histoire de la création musicale et de l’amitié est commune à tous les membres du groupe. La facilité musicale est importante, mais la patience, la discipline et l’attitude le sont encore plus. Tous les cors du groupe le reconnaissent et sont prêts à mettre de côté l’impulsion de jouer au-dessus de l’ensemble et à accepter de faire partie de notre son collectif.
PAN M 360 :Selon le programme officiel mis en ligne par le festival de Victoriaville, Ari Brown est le soliste vedette au saxophone ténor. Pouvez-vous nous dire comment vous avez construit votre relation artistique avec Ari Brown ?
Joshua Abrams :Il existe à Chicago une vieille tradition selon laquelle le saxophone ténor est utilisé comme une technologie sophistiquée pour le bien-être humain.Ari est actuellement le plus grand praticien de cette tradition.Nous nous sommes rencontrés il y a plusieurs années lorsqu’il m’a demandé de remplacer son bassiste qui était coincé dans les embouteillages.Récemment, il a participé à certaines de mes musiques de film et à Natural Information Society.J’ai joué de temps en temps avec son groupe et nous formons un trio d’improvisation avec Mike Reed.
PAN M 360 : Quels seront vos prochains enregistrements et projets musicaux ?
Joshua Abrams :La nouvelle musique se rapproche !Il y a aussi une collaboration avec Bitchin Bajas qui est proche. Beaucoup d’autres choses ont été enregistrées, un duo avec Joëlle Léandre …
Dévoilement récent du projet Feu de garde, prestation au Festival Santa Teresa et départ imminent pour une série de spectacles en France; Bibi Club, duo québécois formé d’Adèle Trottier-Rivard et Nicolas Basque, est présentement en pleine ascension. Et on est loin de s’en plaindre!
Avec son second opus sous étiquette Secret City Records, la formation nommée dans la catégorie révélation au plus récent gala de L’ADISQ nous transporte au cœur d’un voyage minimaliste aux intonations rock et dream pop. Dès les premiers instants, la douce voix d’Adèle et les arrangements de Nicolas prennent les auditeurs et auditrices par la main et leur font vivre une expérience à la fois imprévisible et réconfortante. Valsant entre le français et l’anglais, Bibi Club propose un son imprégné d’une certaine légèreté et des textes débordant d’allusions à la nature. Il n’y a pas de doute, Feu de garde est une offrande de grande qualité de la part des deux protagonistes.
Pour l’occasion, Pan M 360 s’est entretenu avec la paire afin d’en connaître davantage sur la création de cet album, l’identité sonore de Bibi Club et bien plus!
Crédit photo: Manoushka Larouche
Nous poursuivons nos entretiens avec les trois derniers finalistes du Concours musical international de Montréal (CMIM).Voici ce qu’avait à dire l’Américain Derek Wang, le Canadien Jaeden Izik-Dzurko et le Polonais Jakub Kuszlik au sortir de leur répétition générale avec l’Orchestre symphonique de Montréal, placé pour l’occasion de la cheffe invitée Xian Zhang. Les trois finalistes interpréteront dans l’ordre le Concerto no 1 de Tchaïkovski, le Concerto no 2de Brahms et le Concerto no 2 de Rachmaninov.
PAN M 360 : Quel est votre état d’esprit actuellement, à quelques heures de votre épreuve finale ?
Derek Wang : Ce Tchaïkovski est une œuvre qui suscite de grandes émotions. C’est donc le point culminant de ce qui a été un événement spectaculaire pour moi au cours des deux dernières semaines ici à Montréal. Bien sûr, en tant que pianiste, j’essaie de rester modeste et de me rappeler que, quelle que soit la grandeur de ces sentiments, ils doivent être exprimés en appuyant sur des touches qui ne descendent que d’un pouce, ou moins, que tout doit être exprimé. J’essaie de vivre et de ressentir véritablement ces grandes émotions, tout en les gardant serrées, simples et contrôlées.
Jaeden Izik-Dzurko : Il y a beaucoup de choses musicales spécifiques auxquelles je pense en fonction de ce qui s’est passé à la répétition, de petits ajustements que je veux faire, de choses que je dois garder à l’esprit. Mais en général, je me sens très bien. C’est un tel privilège de jouer ce magnifique concerto avec des collaborateurs aussi incroyables. Maestra Zhang est remarquable, très claire et expressive, et bien sûr, l’orchestre sonne de manière fantastique. Je suis très enthousiaste pour ce soir.
Jakub Kuszlik : Je suis certainement un peu nerveux. Je ne sais pas si quelqu’un peut se détendre complètement avant la finale d’une importante compétition, mais j’essaie de rester concentré, de me reposer, et après cela, je pratiquerai probablement et j’essaierai de résoudre certains points qui ont été soulevés pendant la répétition.
PAN M 360 : Parmi tous les concertos disponibles dans le répertoire, pourquoi avez-vous choisi celui-ci?
Derek Wang : Vous savez, toute ma vie, je n’ai jamais aimé Tchaïkovski. Étonnamment, j’ai découvert plus tôt d’autres morceaux du répertoire symphonique, mais ce n’est qu’au cours des dernières années que j’ai vraiment été piqué par le virus Tchaïkovski.
Pour moi, outre l’extraordinaire puissance de ce concerto, il y a une incroyable tendresse dans le phrasé, une incroyable finesse dans la manière dont il vous conduit d’une idée à l’autre, et je pense que ces moments-là, les moments de transition dans cette pièce, sont ceux qui sont les plus fascinants pour moi. Parce que les grands sommets, les parties que tout le monde connaît et aime, dépendent en fait de la façon dont vous y arrivez et de la façon dont, une fois que vous avez atteint un sommet ou même, dans certains cas, une crise dans la musique, vous en sortez. C’est cela qui importe. L’idée de personnaliser l’expérience de l’œuvre m’a vraiment attiré, car lorsque j’ai commencé à l’étudier, je me suis rendu compte qu’il fallait trouver ses propres réponses à bon nombre de ces questions.
La partition est économique, d’une belle manière, et je pense que c’est l’une des raisons pour lesquelles tant de musiciens sont attirés par celle-ci. C’est parce que, qui que vous soyez, vous devez aborder l’œuvre à partir de votre expérience personnelle. Vous ne pouvez pas vous déconnecter émotionnellement de l’œuvre.
Jaeden Izik-Dzurko : Je voulais l’interpréter depuis longtemps, et j’ai fait une première tentative d’apprentissage, peut-être un peu trop jeune, il y a plusieurs années, et je l’ai mise de côté, puis j’ai vraiment commencé à la reprendre à l’automne de cette année. C’est probablement l’un des monuments du répertoire des concertos pour piano. Il est tellement massif et ambitieux, avec ses quatre mouvements, contrairement aux trois mouvements traditionnels de la plupart des concertos. Il comprend également une orchestration d’une grande beauté. C’est presque une symphonie à bien des égards. Il y a un magnifique solo de violoncelle dans le troisième mouvement, les fameux solos de cor dans le premier mouvement. J’ai vraiment l’impression de collaborer avec l’orchestre de manière significative, ce qui est une expérience merveilleuse avec de si grands musiciens.
Jakub Kuszlik : C’est un magnifique morceau de musique, sans aucun doute. Lorsque j’étais adolescent, je suis tombé amoureux de cette pièce. J’ai toujours rêvé de jouer quelque chose comme ça dans une grande salle avec un grand orchestre symphonique. Je pense que mon rêve est enfin devenu réalité.
PAN M 360 : Que souhaitez-vous vouloir exprimer à travers cette œuvre?
Derek Wang : Pour moi, le message du concerto, et en particulier du premier mouvement, m’émerveille tellement. Il retarde la victoire finale jusqu’à la toute dernière minute, alors qu’avant cela, il y a tant d’angoisse. Il y a de grands moments de tendresse et d’espoir, comme je l’ai dit plus tôt, mais ils semblent partir d’un endroit très optimiste pour finir dans un endroit très sombre. Et ce n’est qu’à la toute dernière minute, en un clin d’œil, que nous passons de cette lutte à un bonheur incroyable, presque délirant.
Si je peux emmener les gens à travers ce morceau, qui est plus que le grand thème du début et les octaves tape-à-l’œil du milieu, c’est en fait une structure émotionnelle qui, au cours de ces 18 minutes, jusqu’au tout dernier point, je serai heureux.
Jaeden Izik-Dzurko : C’est surtout une conséquence de l’écriture de Brahms, mais je pense que l’œuvre donne une impression de vulnérabilité. Brahms porte vraiment son cœur sur sa main et n’a pas peur d’être intime malgré la grandeur du concerto. L’écriture mélodique est profondément personnelle. Il y a quelque chose de très sincère, d’authentique et de personnel dans l’écriture que j’espère pouvoir transmettre dans mon interprétation.
Jakub Kuszlik : Je veux absolument souligner le lyrisme qui se cache dans ce concerto. J’essaie de le jouer de la manière la plus belle possible. Certaines personnes, je pense, le considèrent comme un morceau « show-off », peut-être un peu trop. Il a certainement un grand potentiel pour être un morceau de ce type, mais pour moi, il contient des moments très beaux et expressifs qui touchent vraiment votre âme. J’essaie donc de me concentrer sur ces aspects plus intimes.
1642, c’est la révolution du puritain Cromwell en Angleterre. Le roi Charles II vit en exil en France, soit à la cour de Louis XIV, son cousin germain. Il y découvre alors la musique de Versailles, qui le passionne à tel point qu’il en ramènera l’influence en Angleterre, lorsqu’il pourra y rentrer en 1660. De nombreux artistes français l’accompagnent à Londres et inspirent les compositeurs anglais dont plusieurs sont fans de Jean-Baptiste Lully. Ce brassage des cultures déclenche alors un renouveau artistique de la musique anglaise, d’ores et déjà ouverte à de multiples tendances européennes. D’où le programme French Connection proposé par Arion Orchestre Baroque, qui met en relief des compositeurs français et anglais de cette période peu connue d’émulation artistique entre France et Angleterre.
Le chef invité et claveciniste Franck-Emmanuel Comte nous explique cette émulation l’ayant mené à construire ce programme présenté trois fois ce week-end à la Salle Bourgie. Cette programme comprend des œuvres de Cambert, Lully, Locke, Lanier, Charpentier, Grabu, Purcell, Weldon, et met en lumière la soprano canadienne Heather Newhouse.
Robert Cambert (1628-1677) et Louis Grabu (1665-1694) Ouverture, extrait de Pomone Matthew Locke (1621-1677) Extraits de Psyche Jean-Baptiste Lully (1632-1687) Extraits de Psyché
Nicholas Lanier (1588-1666) Love’s constancy « No more shall meads » Matthew Locke Suite extraite de The Tempest Pelham Humfrey (1647-1674)
« Where the bee sucks », extrait de The Tempest
Henry Purcell (1659-1695) Extraits de The Tempest, King Arthur, The Fairy Queen
ARTISTE(S) INVITÉ(S)
FRANCK-EMMANUEL COMTE
Chef d’orchestre spécialisé dans l’interprétation du répertoire baroque et classique sur instruments anciens, Franck Emmanuel Comte souhaite avant tout faire partager sa passion au plus grand nombre. Dès la fin de ses études au CNSMD de Lyo…
Originaire du Canada, Heather Newhouse étudie le chant à l’Université du Western Ontario, où elle obtient son Bachelor of Music. Elle passe son Master of Music à la Guildhall School de Londres. Elle intègre l’année suivante le CNSMD de Lyon …
Pour le concert de clôture de PODIUM 2024, soit le dimanche 19 mai à la Salle Pierre-Mercure, le chef de chœur visionnaire André Pappathomas propose un dialogue interculturel impliquant quatre chœurs québécois issus de différentes communautés culturelles: Canticorum (Amérique latine), Singiza (Rwanda), La Muse (Roumanie) et Haïti chante et danse (Haïti), quatre chanteurs solistes classiques, un trio folklorique québécois et un trio de musiciens (violon, violoncelle et vibraphone/percussions). À travers cette rencontre musicale interculturelle, André Pappathomas intègre un principe d’improvisation contrôlée qu’il développe depuis trois décennies. Ainsi, la pièce d’ouverture, la finale et les liaisons entre les performances de chaque chœur seront abordées sous forme d’improvisation contrôlée, une expérience unique à vivre en temps réel ! Avant la tenue de la représentation, le chef de chœur explique.
Nous entrons dans les derniers jours de l’édition 2024 du Concours musical international de Montréal consacré cette année au piano. Six jeunes pianistes de cinq pays différents se disputeront la première place du podium dans une finale toute masculine qui connaîtra son ultime dénouement le 16 mai. En marge de cette finale qui s’étale aujourd’hui et jeudi, nous avons pu nous entretenir avec les finalistes au sortir de leur répétition générale avec l’OSM, l’orchestre officiel du concours, dirigé par la cheffe invitée Xian Zhang à quelques heures de leur épreuve.
Pour commencer, voici Elias Ackerley (Royaume-Uni ; Corée du Sud) qui jouera le Concerto no1 de Tchaïkovski, Anthony Ratinov (États-Unis), qui interprétera le Concerto no3 de Prokofiev et Gabriele Strata (Italie) qui conclura la soirée en interprétant également le Concerto no1 de Tchaïkovski.
PAN M 360 : Quel est votre état d’esprit actuellement, à quelques heures de votre épreuve finale ?
Elias Ackerley : Présentement, je n’ai rien à perdre. Alors je vais tout simplement considérer que c’est une merveilleuse occasion. Je pense que c’est un lieu formidable et l’orchestre est excellent. Je vais juste essayer de m’amuser.
Anthony Ratinov :Je pense qu’à ce stade, le plus dur est fait. Je pense que la présélection et les épreuves de demi-finales ont été beaucoup plus stressantes. Je reconnais à quel point la chance est impliquée dans les concours pour être en finale et pour être parmi les 6 finalistes. Je reconnais à quel point j’ai eu de la chance parce que le niveau a été extraordinairement élevé dans ce concours depuis le tout début.
Pour moi, l’objectif des concours est de pouvoir jouer avec des orchestres et des chefs d’orchestre formidables. C’est une opportunité de pouvoir partager ma musique et mon art avec le public. Alors, à ce stade, je suis vraiment excité. Je ne suis pas aussi stressé qu’il y a une semaine. Je pense vraiment que la partie la plus difficile est terminé et que maintenant, cette portion, c’est juste du plaisir. Donc, en ce moment, je suis très concentré, parce que je veux bien sûr jouer aussi bien que possible, mais j’insiste aussi auprès de mon corps et de mon esprit sur le fait que je dois profiter de chaque étape, parce que sinon, quel est l’intérêt ?
Gabriele Strata :Je suis tellement content. J’ai trop hâte et j’ai juste tellement envie de jouer! C’est un endroit incroyable, l’orchestre est magnifique, la cheffe aussi. Je ne suis pas anxieux ou stressé. C’est vraiment que de la joie dans mon esprit pour ce soir. Pour moi, simplement le fait d’être ici, j’ai déjà gagné. Maintenant, la seule chose que je veux, c’est profiter du moment et faire de la musique.
PAN M 360 : Parmi tous les concertos disponibles dans le répertoire, pourquoi avez-vous choisi celui-ci?
Elias Ackerley : Je pense que le Concerto pour piano no 1 de Tchaïkovski est probablement l’un des concertos les plus important du répertoire pour piano. C’est une composition magnifiquement construite, et je pense qu’il est merveilleux de la jouer, car elle permet d’exprimer beaucoup de choses.
Anthony Ratinov : J’ai choisi le troisième concerto pour piano de Prokofiev pour cette finale, parce qu’il a toujours été un morceau très spécial pour moi. C’est le premier morceau duquel je suis tombé amoureux lorsque j’étais plus jeune et que je découvrais la musique classique. L’enregistrement de Martha Argerich lorsqu’elle était plus jeune et qu’elle jouait ce concerto m’a tout simplement ému et m’a donné envie d’être musicien. et surtout de jouer cette œuvre avec un orchestre.
Dans cette pièce de Prokofiev, l’orchestre est tellement intégral avec le piano qu’il donne l’impression qu’ils ne font qu’un. C’est un morceau que j’aime, un morceau que je joue très bien et que j’aime jouer à chaque fois que j’en ai l’occasion. Il met en valeur beaucoup de mes points forts sur le plan pianistique. J’ai joué la huitième sonate pour piano de Prokofiev en demi-finale et c’est aussi l’un de mes morceaux préférés. Ce sont des morceaux très différents, mais il y a des similitudes, mais aussi des différences extraordinaires, et c’est vraiment très amusant de jouer avec celles-ci.
Gabriele Strata :C’est certain que c’est un choix qui n’est pas trop atypique! Mais j’adore vraiment le morceau. Il est rempli de mélodies incroyables, de lignes magnifiques et de lyrisme. Aussi, c’est pour une raison pratique. C’est un concerto que j’ai joué souvent, alors c’est toujours bien d’avoir un morceau très près de soi pour jouer avec orchestre. Ça me fait me sentir plus confortable sur scène également.
PAN M 360 : Que souhaitez-vous exprimer à travers cette œuvre?
Elias Ackerley : Je pense que l’un des aspects que je chéris vraiment dans ce concerto, ce sont les parties plus douces. Car, tout le monde sait que c’est un concerto grandiose et qu’il est extrêmement magnifique, royal, même dans un certain sens. Mais je veux exprimer les qualités précieuses du deuxième mouvement et des autres sections plus douces.
Anthony Ratinov : Je crois que mon but est d’exprimer certaines caractéristiques de la musique de Prokofiev qui sont souvent négligées. Prokofiev est très connu pour ses pièces mécaniques et guerrières, et il y a bien sûr beaucoup de cette énergie dans cette pièce, mais il y a aussi beaucoup de contes de fées russes et d’imaginaire. Pour moi, ce sont les plus beaux moments de cette pièce. Dans le premier mouvement, après des explosions de sons et de textures, nous avons ces beaux moments d’intimité et de magie qui sont vraiment interreliés. Ma famille est originaire de Russie, alors j’ai grandi en entendant tous ces contes de fées russes et ces histoires de princesses des glaces, de sorciers et sorcières maléfiques, etc. Pouvoir communiquer cela à l’auditeur, c’est vraiment important et c’est aussi très gratifiant pour moi.
Gabriele Strata :C’est vraiment une musique kaléidoscopique. Il y a tellement d’émotions dans ce concerto. Ce à quoi je pense quand j’écoute et que je joue cette musique, c’est à du ballet. C’est vraiment une musique de ballet écrite pour piano et orchestre. Pour moi, l’objectif à la fin, c’est d’arriver à peindre cette atmosphère et ce tableau.
Roaring Tree, trio constitué de la contrebassiste Joëlle Léandre, du pianiste Craig Taborn et du violoniste/altiste Matt Maneri, s’amène au Festival international de musique actuelle de Victoriaville. Pointures de l’improvisation contemporaine à l’horizon. Jointe en France quelques jours avant la traversée, la contrebassiste est une foisonnante libre penseuse qui ne cesse d’ouvrir de superbes parenthèses sans perdre le fil. Elle nous cause d’impro, de sa longue vie de musicienne, de la complicité acquise avec ses complices américains. Sous étiquette Rogue Art, hEARoes est considéré parmi les meilleurs albums de musique improvisée en 2023. Avant la réinterprétation sur scène, Joëlle Léandre nous balance son éloquence!
FRANCE, ÉTATS-UNIS PREMIÈRE CANADIENNE
SAMEDI 18 MAI CARRÉ 150 (Salle F. Lemaire) 22 H – 40 $
Joëlle Léandre : contrebasse Mat Maneri : violon alto Craig Taborn : piano
Après ses débuts chez ATMA Classique à titre de compositrice de Albertine en cinq temps ─ l’opéra (novembre 2022), Catherine Major devient la première musicienne à enregistrer sous la nouvelle étiquette néoclassique alisma, lancée par Ad Litteram qui possède aussi Atma Classique. La mémoire du corps sort le 17 mai prochain, florilège pianistique de compositions originales, dont certaines sont assorties de cordes, cor anglais ou vocalises. Sans paroles, ce nouvel enregistrement met en relief le talent compositionnel de cette artiste normalement dédiée à la création et l’interprétation de chansons. Or Catherine Major, rappelons-le, est pianiste de formation et son jardin de compositrice ne cesse de prendre de l’ampleur. Pour ce premier album instrumental, elle explore le thème de La mémoire du corps, les sons y incarnent sa trajectoire intime et sont « intrinsèquement attachés » à son corps. Notre collaborateur Michel Labrecque l’a jointe à Paris, quelques jours avant son retour pour le lancement de cet opus.
L’ALBUM LA MÉMOIRE DU CORPS EST DISPONIBLE SUR TOUTES LES PLATEFORMES CE VENDREDI 17 MAI.
L’École de musique Schulich de l’Université McGill présente Jeux de chaises, un festival de musique de chambre, du vendredi 17 mai au samedi 25 mai.On y accueillera 8 ensembles issus de conservatoires de musique du monde entier, avec 7 professeurs invités, soit 37 musiciens en tout. Les ensembles invités se produiront tous en début de semaine, et se mélangeront ensuite au sein de 21 nouveaux groupes qu’ils constitueront avec des élèves de Schulich.
Plus précisément les délégations proviennent de l’Académie norvégienne de musique (Norvège), l’Académie Sibelius (Finlande), le Conservatoire central de musique (Chine), le Conservatoire du Queensland de l’Université Griffith (Australie), la Guildhall School of Music and Drama (Angleterre), l’Université Mozarteum de Salzbourg (Autriche), la USC Thornton School of Music (États-Unis), le Conservatoire de musique Yong Siew Toh (Singapour).
Professeur titulaire et directeur du Département d’interprétation à l’École Schulich, le pianiste Stéphane Lemelin assure aussi la direction artistique du festival Jeux de chaises. D’où cette interview vidéo avec PAN M 360.
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