Anthony Marwood et les Violons du Roy ont visité la Salle Bourgie vendredi soir pour un concert présentant des œuvres assez peu communes, mais qui après leur écoute en compagnie de ces musiciens aguerris, occuperont certainement une plus grande place dans les mémoires.

Marwood fait très bonne impression sur scène. Son jeu puissant et son showmanship font de lui un violon solo excitant et agréable à entendre. Il réalise avec brio et adresse des lignes mélodiques virtuoses et, surtout, très chargées. Durant la seconde pièce, celle de Mendelssohn, il dirigeait en tant que soliste et sa prestance humble et confiante semblait centrer l’orchestre autour de lui. Il n’y a plus de doutes à avoir sur la qualité des musiciens des Violons du Roy. Chaque section a su réaliser avec justesse et intensité les partitions souvent très complexes des trois œuvres présentées, même en support. On note également le travail exemplaire de Isaac Chalk à l’alto, qui avait d’importantes sections solos durant la dernière pièce, et dont les sonorités évoquaient presque une section complète de vents.

Que dire sur les œuvres joués? On peut commencer par le fait que les trois œuvres ont été composée durant la jeunesse des trois compositeurs. La première œuvre, la Sérénade pour cordes en mi mineur de Edward Elgar a été composée en 1892 alors qu’il avait 35 ans et précède encore un peu sa maturation musicale finale. Il s’agit d’une œuvre enlevante, presque enivrante qui vous emporte dans ces largesses et ses sonorités enchanteresses. La seconde œuvre, composée à 13 ans par Félix Mendelssohn, est le Concerto pour violon et cordes no. 1 datant de 1822. La composition y est plus simple, plus formelle, mais on y trouve une énergie et une intensité tant pour le soliste que pour l’orchestre autour. Le style y est presque classique (Mendelssohn n’ayant visiblement pas encore acquis son style propre), mais on sent l’éclosion proche d’un langage nouveau.

La dernière œuvre est plus paradoxale. L’Octuor en do majeur de Georges Enesco, fabuleusement arrangé par nul autre qu’Anthony Marwood, témoigne de la fougue et de l’ambition du jeune compositeur qui l’a écrit. Enesco avait en 1900, date de la composition, 19 ans et il avait clairement beaucoup de choses à dire. Peut-être un peut trop, parce qu’on perd facilement le fil avec toutes les idées différentes qui nous sont présentées. Les idées musicales sont très intéressantes, mais la surcharge de notes et le manque de continuité laisse l’auditeur un peu au dépourvu. C’est une œuvre de qualité, mais qui démontre également que, parfois, trop vouloir en dire revient à n’en dire que peu au final.

Il s’agit, somme toute, d’un concert bien réussi pour les Violons du Roy. La Salle Bourgie est effectivement bien adaptée à ce format et à cet ensemble. On espère avoir la chance d’en entendre plus souvent dans le futur!

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L’ambiance était à la fête hier soir à La Chapelle Scènes Contemporaines. L’ensemble Stick&Bow, duo atypique composé de Krystina Marcoux au marimba et Juan Sebastian Delgado au violoncelle, célèbre cette année leur cinquième anniversaire. Devant un public enthousiaste, les deux interprètes ont manifestement voulu se faire plaisir en proposant un programme comprenant presque uniquement des créations. Presque tous les compositeurs et toutes les compositrices étaient présent.e.s pour assister à la première exécution publique de leurs œuvres.

Le timbre du violoncelle et du marimba se marient parfaitement et la salle de La Chapelle était tout à fait adaptée à ce genre de concert. L’ambiance intime faisait en sorte que le public se sentait tout près des interprètes, et aucun problème de volume n’est à noter. La scénographie du concert est également à saluer. La scène était tantôt plongée dans la pénombre, tantôt éclairée par des lampes suspendues au plafond. Ces éléments contribuaient à créer différentes ambiances, tant mystérieuses qu’animées, ajoutant chaque fois une nouvelle dimension à chacune des pièces.

Il s’agit d’ailleurs du concept du concert : mobiliser plusieurs sens. À l’entrée en salle, chaque membre du public a reçu un petit sac contenant diverses collations à déguster durant le concert. Un élément parfois distrayant durant les allocutions entre les pièces, mais tout de même apprécié. On se sentait réellement à une fête d’anniversaire!

Musicalement, le duo nous a fait entendre toute l’étendue de leur talent. Les pièces demandaient l’utilisation de plusieurs techniques de jeu, autant au marimba qu’au violoncelle. Les instruments étaient réellement utilisés à leur plein potentiel, et on a l’impression qu’il s’agit de deux instruments solos, tant les partitions sont exigeantes et intenses. Le public a pu prendre part à un voyage sonore qui les menait de pièces introspectives et planantes à des œuvres aux sonorités jazz, en passant par des morceaux pleins d’intensité et de fougue. Les pièces étaient entrecoupées d’anecdotes sur les cinq premières années d’existence de l’ensemble.

Stick&Bow nous a offert un cadeau pour leur anniversaire, celui de nous offrir des œuvres passionnantes, touchantes et impressionnantes. Les deux interprètes ont visiblement beaucoup de plaisir à nous partager ces œuvres, et ce plaisir est contagieux. Pour Stick&Bow, l’aventure ne fait que commencer!

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Le Théâtre Outremont, plein à craquer de Portugais de Montréal et d’amateurs de fado, a été abasourdi mercredi soir par la prestation de Carminho et de son groupe, qui s’apparentait parfois à un opéra intime, à une mise à nu de l’âme en direct.

« Je chante le fado depuis que je suis dans le ventre de ma mère », a déclaré Carminho au public, vêtue d’une robe entièrement noire et de gants en cuir noir. Elle avait l’air d’un présage des ténèbres et son comportement sur scène nous laissait deviner qu’elle serait très sérieuse. Mais ce n’était qu’une apparence, car elle était en fait très humoristique ; elle plaisantait avec le public, jouant de son français minimal et de son anglais approximatif pour apporter un peu de légèreté entre les chansons de son dernier album, Portuguesa, et de quelques œuvres antérieures.

Lorsqu’elle a déclaré qu’elle chantait du fado dans le ventre de sa mère, ce n’était pas un mensonge. Sa mère, Teresa Siqueira, est également une célèbre chanteuse de fado, et Carminho a grandi entourée de musiciens dans des maisons de fado, de sorte que le style de vie de la musique fado est profondément ancré dans le sang de Carminho. Et ceux qui n’avaient aucune idée de ce qu’était le fado ont eu droit à une brève leçon d’histoire de la part de Carminho. Pour elle, le fado est la vie, sa langue, un moyen d’exprimer la passion et les difficultés du peuple portugais. Le fado, dont l’origine remonte aux années 1800, suit une structure traditionnelle et sonne souvent comme un deuil, avec de longues pauses dramatiques permettant au chanteur de tenir une note passionnée spécifique.

La voix de Carminho est pleine de vie et de tristesse, avec une touche dramatique qui vous secoue et vous laisse sans voix, que vous compreniez ou non de quoi parle la chanson. Une leçon d’histoire sur le fado, mais aussi sur l’origine des chansons, les poètes portugais qui les ont écrites et les amis de Carminho qui lui ont donné la bénédiction d’ajouter de la musique à leurs poèmes.

L’une d’entre elles parlait de deux amoureux qui ne ressentent rien l’un pour l’autre. « Je me demande s’il y a un couple dans le public ce soir à qui cette chanson s’adresse », a déclaré Carminho sous les rires du public. Une autre chanson était la réimagination par Carminho d’un poème classique sur une jeune fille qui se rend à une fontaine, mais qui est dérangée par des « oiseaux », qui semblent être en fait des hommes. Carminho a réécrit les paroles pour que ce soit un homme qui aille à la fontaine. « Il est vrai que beaucoup de fado a toujours été masculin et sexiste, les hommes écrivant les poèmes pour que les femmes les chantent, alors j’ai voulu changer cela », a déclaré Carminho. Et changer cela n’a pas été une mince affaire. Carminho a dû obtenir la bénédiction de la famille du poète originel et la signature de la Société portugaise des auteurs. En ce qui concerne le fado, la poésie et l’art en général, la valeur artistique et les droits d’auteur semblent revêtir une grande importance au Portugal.

Carminho a également été qualifiée d’innovatrice du fado pour avoir introduit le mellotron, la guitare électrique et la guitare lap steel en plus de la configuration traditionnelle de la basse acoustique, de la guitare classique et de la guitare portugaise. En raison de cette configuration, elle a interprété des chansons de fado plus traditionnelles, mettant l’accent sur les trilles et les gammes de la guitare portugaise, et des réimaginations plus modernes avec les tons chauds du mellotron et les lignes obsédantes de la guitare lap steel. Le spectacle était donc varié, sans aucun moment d’ennui.

Est-ce possible d’entrer dans le son? C’est la question à laquelle la musique électroacoustique semble vouloir répondre. Entouré des trente haut-parleurs ide l’acousmonium installé à l’Usine C, on avait en tout cas l’impression d’être enveloppé dans le son en mouvement.

En guise d’ouverture de sa 19^e édition, le festival Akousma proposait une gamme diversifiée d’œuvres savamment ficelées grâce à des procédés technologiques variés. Fort de 7 décennies de développement, ce classicisme de la musique électro n’est pas en reste en matière de renouveau. Hier, on pouvait d’ailleurs entendre des esthétiques les plus académiques à celles plus profanes. Mis à part les deux prestations, il n’y avait absolument rien à voir, mais beaucoup à entendre. Tout était fixé sur support, comme si vous alliez voir un film sans image, mais rebondissant d’action.

Francis Dhomont

À 96 ans, Francis Dhomont a pratiquement écrit l’histoire de l’électroacoustique. D’ailleurs, sa pièce Somme toute agissait comme un ‘best of’ de sa carrière. Elle était diffusée par Louis Dufort, ancien élève de Dhomont et directeur artistique d’Akousma, qui n’a pas raté l’occasion de souligner l’énorme influence du compositeur français. Bruits qui vous tournent autour, rebonds, objets qui roulent et articulations imprévisibles : tous les éléments clés d’une œuvre concrète phare y étaient. Bien que réalisée dans les règles de l’art, règles en partie écrites par Dhomont lui-même –, la pièce avait peut-être tout de même le défaut de ses qualités. C’était un exposé somme toute très académique, où l’aspect rétrospectif de l’œuvre pouvait être perçu comme un saut du coq à l’âne. Il n’en demeure pas moins qu’entendre une nouvelle pièce de Francis Dhomont, c’est toujours un plaisir ainsi qu’un réel privilège.

Julie Delisle 

Pipa Aura Suichi est-il un titre annonciateur de l’utilisation du pipa chinois? On aurait pu y croire. Pourtant, c’est une banque de son uniquement conçue des instruments inventés du compositeur Jean-François Laporte qui est à la source de cette œuvre de Julie Delisle, compositrice et flûtiste montréalaise. Complètement acousmatique, cette pièce cachait bien son jeu. On y entendait divers crépitements sonores, lesquels sonnaient parfois humides, à l’instar d’un mouvement d’ébullition. Il y avait un usage marqué des traitements sonores, camouflant bien souvent la nature des sons utilisés. Si le tout se développait selon une structure et des phrasés relativement convenus, la pièce avait toutefois une profondeur de champ créée par ses différentes couches texturales évoluant en concomitance.

Mourad Bncr

Comment l’environnement terrestre sonnera-t-il lorsqu’il n’y aura plus d’humains? Chose certaine, personne n’y sera pour l’entendre. Cela ne signifie pas pour autant que notre monde ne sera que silence. Dans Le monde après nous, l’artiste multimédia Mourad Bncr s’imagine un tel paysage sonore. Dès son entrée sur scène, la salle est immédiatement tombée dans une atmosphère lugubre, où la musique évoluait lentement dans une esthétique à la croisée du drone, du dark ambient et du glitch.  Mis à part la présence de l’artiste ainsi que l’inclusion distante d’une mélodie feutrée de flûte nord-africaine, la musique de Bncr était une affaire désincarnée, soustrayant l’anthropocène du portrait pour y laisser derrière une musique qui respire. Les articulations subtiles avaient tout l’espace nécessaire pour que leur mouvement soit pleinement ressenti par l’auditoire. Fort différente des autres propositions, Le monde après nous était un moment fort de la soirée.

Guillaume Côté

Avec Guillaume Côté, on s’aventurait dans des territoires autrefois proscrits par l’enseignement académique de l’électroacoustique. Discrete Stream of Light était une longue pièce de vingt minutes, structurée avec une poignée de longues montées en intensité, juxtaposées les unes après les autres. Durant l’un de ces mouvements, on baignait dans une superposition d’arpèges consonants reprenant les grands principes de l’esthétique minimaliste. Il y avait alors une densification progressive des strates sonores, culminant vers un sommet et une chute brève. Une nouvelle vague pouvait ensuite débuter. Harmoniquement, le tout était très statique. Aucune dérogation du mode majeur dans le choix des notes. De plus, l’essentiel de la matière utilisée semblait constitué de sons de synthèse. Si l’impression était loin d’être celle d’un contenu novateur et surprenant, la familiarité du résultat musical a fait de Discrete Stream of Light une œuvre fort satisfaisante sur le plan des affects. S’il y a eu un moment de bonbon auditif à Akousma hier soir, c’était définitivement celui-là.

Roxanne Melissa Guerra-Lacasse

Il y a parfois un décalage entre les inspirations thématiques des artistes et la perception qu’on peut avoir des œuvres finales. Dans La Berceuse de la veuve de Roxanne Melissa Guerra-Lacasse, c’est l’amour qui devrait être le moteur de création. Ce n’est pourtant pas évident d’y déceler un concept à la fois si vague et si omniprésent dans l’art. Il en va de même pour la pièce de théâtre éponyme qui a inspiré l’œuvre. Ce qu’on pouvait entendre, par contre, c’est une pièce acousmatique très bien montée, dans laquelle une variété de sources sonores plus ou moins identifiables se courtisent et dansent une ronde au-dessus de nos têtes. La pièce est vaguement narrative et les articulations sont graduelles. Il y a une histoire qui se raconte à travers cette trame plutôt ambiante et ses sons inversés, mais on ne sait pas laquelle. La relation avec le théâtre est certainement intéressante, et on peut s’attendre à ce que cet apport porte fruit à long terme dans la musique de Guerra-Lacasse. Une artiste dont il faudra surveiller le travail.

Rocío Cano Valiño

Même constat avec le travail de la compositrice argentine Rocío Cano Valiño dont les deux œuvres présentées à Akousma (Astérion; Okno) étaient respectivement basées sur des récits de Jeorge Luis Borgès et Silvina Ocampo. Dans Astérion, je n’ai su trouver ni labyrinthe ni Minotaure. Toutefois, j’y ai entendu une musique totalement engageante. Dans les deux pièces, les articulations étaient telles que l’attention était retenue du début à la fin. Les grincements, cliquetis et effets de crécelles abondaient et chaque seconde était d’une grande densité d’information sonore. La saturation de sons sur-stimulait l’ouïe, provoquant à la fois plaisir et chatouillement à l’oreille. Un travail monumental de micromontage a été réalisé pour pouvoir composer ces œuvres constamment en mouvement. L’esthétique était cohérente d’une pièce à l’autre et la précision technique de celles-ci était remarquable. Ces diffusions par Valiño auront été des moments marquants de l’événement.

Sarah Belle Reid

Avec Sarah Belle Reid, la trompette était mise dans tous ses états. La compositrice canadienne était la seule à présenter une œuvre mixte, Manifold pour trompette et électronique. Cette prestation de 25 minutes mettait en scène la compositrice elle-même, qui jouait de son instrument d’une manière bien peu orthodoxe. Pour l’essentiel de la composition, la trompette était utilisée comme amplificateur du souffle de Reid, lequel était ensuite capté par un micro qui interagissait avec le dispositif informatique en place. Ainsi, avec divers effets de respiration et bruits de bouche, la compositrice utilisait son instrument à la fois comme une source sonore et comme un contrôleur. Elle manipulait également certains paramètres numériques via des potentiomètres, laissant même sa trompette de côté pour se consacrer à ses machines pendant un bref instant. Vers la fin de l’œuvre, on a pu entendre quelques notes cuivrées, intervenant un peu comme une délivrance résolvant un long moment de tension. Mais pour le reste, on avait droit à une musique effrénée, dont le débit des interventions à la trompette relevait d’un chaos total, mais contrôlé. Le jeu entre l’humaine et la machine était spectaculaire, et cette œuvre aura su terminer la soirée en force.

Dans la foulée de son nouvel album , Our Roots Run Deep, Dominique Fils-Aimé s’est présentée le 17 octobre au Théâtre du Nouveau Monde, devant une salle comble, gagnée d’avance si on en juge par le tsunami d’applaudissements avant que la première note ne soit émise.

Comment rendre sur scène, cet album , magnifique au demeurant, basé principalement sur la multiplication des voix de la chanteuse par des effets de studio? C’était un pari risqué, qui a été gagné!

Une mouture plus électrique, rythmique, qui nous a tous envoûtés. 

Dominique Fils-Aimé ne fait rien comme les autres.  Elle fait des trilogies d’albums, à contrario des tendances actuelles à l’instantanéité.  Pour son spectacle, elle a débuté en suggérant candidement qu’elle ne voulait pas d’applaudissements et qu’elle était follement nerveuse. Après une déclaration d’amour au public, elle a annoncé que son concert allait être en continu, sans véritable pause.

Et nous l’avons suivie dans son voyage intérieur. 

Ça a donné près de quatre-vingt-dix minutes d’introspection dans lequel on a mélangé savamment des chansons des trois premiers albums aux nouvelles créations. Le tout lié par de jolis textes introspectifs en français sur les milles vies de Dominique Fils-Aimé et son droit à faire la liste, à pleurer et à demander « pourquoi? ». L’écrivaine et actrice Queen Ka, Elakahna Talbi de son vrai nom, aurait contribué à la confection des textes. 

Alors que sur Our Roots Run Deep, l’instrumentation est largement acoustique (contrebasse, percussions , trompette), la version scénique laisse beaucoup plus de place aux claviers (David Osei Afrita), à la guitare électrique (Étienne Miousse) et à la basse électrique(Danny Trudeau) et à la batterie(Salin Cheewapansri). Hichem Kalfa à la trompette et Elli Miller -Maboungou aux percussions complètent le groupe.

Cela donne une facture plus tonique et festive à la musique. Par contre, on perd la complexité des arrangements vocaux de l’album. 

Mais cela permet aussi à Dominique Fils-Aimé de livrer ses chansons d’une façon différente en mettant en évidence la force de sa voix unique. 

Le concert se termine sur Our Roots Run Deep, la première chanson du nouveau disque. Terminer par le début. Je vous l’ai dit: elle ne fait rien comme les autres. 

De toute évidence, la salle a plané. Et moi aussi. 

La tournée se poursuit au Québec et en Ontario 

• La photo est tirée de la page Facebook de Dominique Fils-Aimé

Le Nouvel ensemble Moderne (NEM) entreprenait lundi soir sa 35^e saison. Un concert qui mélangeait les divers horizons de l’ensemble, entre créations, réarrangements et répertoire contemporain, tous ont pu trouver leur plaisir dans les sonorités éclatantes de ces musiciens aux talents clairs et certains.

Parmi les musiciens, on note la présence de François Vallière à l’alto, qui a réalisé l’arrangement de la première pièce de John Rea pour 15 instruments, et qui a été excellent tout au long de la soirée. C’est en fait le mot d’ordre pour la totalité des musiciens : l’excellence. De la clarté des sonorités jusqu’à la justesse, en passant par la richesse des timbres, on peut difficilement remettre en question la qualité d’interprétation des œuvres, surtout des créations. L’intensité des percussions, opérées par Julien Grégoire, est à saluer. Et évidemment, le tout était mené avec calme et assurance par la main adroite de Lorraine Vaillancourt, la cheffe fondatrice de l’ensemble, cette 35e saison étant sa dernière à la barre du NEM.

Des quatre pièces du programme, trois étaient des créations, dont deux étaient totales. Les Tableaux de La Meninas de John Rea, des variations s’inspirant des Kinderszenen de Schumann, se présentaient comme de délicieux tapas musicaux, prenant la forme de pastiches de différents compositeurs marquant du 20^e siècle. Très divertissant et on aimerait en entendre plus! La première des deux créations qui suivent, soit celle de Samuel Andreyev nommée Contingency Icons, explore efficacement les timbres et joue avec les extrêmes. Le début rappelle un des mouvements du Sacre du printemps de Stravinsky, ce qui en fait une superbe transition, puisque le Rea se terminait sur un pastiche de ce dernier. La seconde création, La persistance, l’éphémère de Tomás Diaz Villegas, explorait quant à elle les différents effets et rythmes que les instruments de l’ensemble pouvaient offrir.

La dernière œuvre, la pièce de résistance en quelque sorte, était Secret Theatre de Harrison Birtwistle. Elle se présente comme une synthèse des autres œuvres présentée ce soir-là, avec des éléments qu’on retrouve au centre de ces dernières, mais sous une forme plus structurée. On retrouve aussi des éléments nouveaux, comme des glissages aux cordes qui frôlent le microtonal, ou encore des mouvements physiques par les musiciens, qui montent graduellement sur une scène à l’arrière au fil de la pièce. Intrigante, la pièce est chaleureusement applaudie par le public et on en fait l’éloge après le concert.

La salle du Studio Théâtre de l’Espace Danse de l’Édifice Wilder était agréablement pleine. La présence d’une belle délégation dans le public témoigne de l’importance du NEM pour la scène musicale contemporaine montréalaise et québécoise.

Une belle ouverture pour cette saison anniversaire!

Vous pouvez en apprendre plus sur les prochains concerts du NEM ICI.

Pour connaître la programmation complète du Vivier, c’est ICI.

Crédit photo : Philippe Latour

Quelques jours plus tôt, à son quartier général de La Sala Rossa, le festival Phénoména accueillait un événement unique organisé par Arts in the Margins. Il est effectivement rare de recevoir la visite d’artistes venus d’Indonésie de notre côté de  l’océan. C’est pourtant trois fameux artistes de musique électronique expérimentale des îles de Java, Bali et Sumatra qui nous étaient présentés. Réunis sous la bannière du label javanais Yes No Wave Music, tout ce beau monde était en pleine tournée canadienne afin de présenter un bel échantillon de ce qui se fait de mieux dans l’archipel sud-est asiatique.

Wok the Rock

Le DJ Wok the Rock, fondateur du label Yes No Wave Music, avait la tâche de démarrer la soirée. Il a su réchauffer la salle, déjà bien remplie, en présentant des mix tout aussi intrigants qu’accrocheurs. En guise d’introduction, l’artiste échantillonnait la voix du chanteur Rully Shabara, connu pour son travail avec Senyawa, créant une atmosphère particulière alors que les mots en bahasa indonesia étaient répétés en un rythme saccadé. Un second échantillon de cette même voix allait d’ailleurs être entendu plus tard, à la fin de sa prestation. Entretemps, Wok the Rock travaillait avec des trames fort diversifiées, des tambours de hsaing waing birmans aux sonorités plus synthétiques. Sur le plan du rythme, la musique avançait souvent à deux vitesses, superposant des rythmes effrénés à une texture sonore plus lente et libre. Le tout progressait de temps à autre, ponctué par de surprenantes modulations rythmiques. Chose certaine, c’est qu’une partie de la foule semblait déjà être entrée dans une transe psychédélique, ce qui n’allait que s’amplifier au fil de la soirée.

Rani Jambak

Rani Jambak est une artiste sonore minangkabau, groupe ethnoculturel habitant la province de Sumatra du Nord. Toute sa démarche est axée sur l’écologie et la réutilisation des sons de son environnement naturel et culturel, dotant sa musique d’un univers sonore riche et unique. Afin de voyager léger, elle n’a malheureusement pas fait grâce à son public du Kincia Aia, instrument qu’elle a inventé et qui s’inspire des moulins à eau traditionnels. Plutôt, elle offrait une performance minimaliste avec ordinateur et microphone, assumant ici un côté dansant. Même son entrée en scène était faite dans les règles de l’art de la musique électronique, soit en prenant graduellement la place de Wok the Rock en mode back to back. Si tout était pulsé et très accessible, la musique de Jambak était également colorée par des environnements sonores urbains et forestiers inconnus du grand public. L’artiste possède également une voix remarquable, qu’elle a mise à profit en chantant de nombreuses pièces vocales. Il faut souligner l’excellence de l’exécution des lignes vocales, qui étaient non seulement parfaitement justes mais remplies d’expressivité, chose dont témoignaient également les mouvements corporels de Jambak. L’échange d’énergie constant entre l’artiste et son public aura fait de ce moment le clou de la soirée.

crédit photo Rani Jambak : Deanna Radford 

Gabber Modus Operandi

Résidants sur l’île de Bali, les deux artistes de Gabber Modus Operandi sont explicites quant à leur musique. Ils créent ensemble un gabber électronique rapide, agressif et psychédélique. Dès leur entrée sur scène, le volume des enceintes a considérablement augmenté et les rythmes insistants ont tout de suite entraîné la foule dans une frénésie collective. On se serait cru dans un rave, ou à l’une des Nocturnes du festival Mutek. D’ailleurs, on avait regretté l’annulation du duo indonésien lors de l’édition 2022 de ce festival. Voilà qui est rectifié.

Alors que la moitié du groupe gérait une station de DJ, le second musicien faisait surtout usage de sa voix. Il scandait, racontait et criait des paroles noyées de la réverbération et les effets, rien qui s’apparentait à du chant ordinairement conçu. Habillé à mi-chemin entre un militaire et un skieur, il enfilait également des gants sur lesquels étaient fixés des lasers verts. Ces faisceaux fluorescents ajoutaient grandement à l’éclairage et se promenaient librement dans la salle au gré des mouvements frénétiques du chanteur. À ces rythmes et ces voix qui semblaient incontrôlables, un choix personnalisé d’échantillons venait tapisser les trames, comme celle d’instruments de gamelan. La foule se souviendra également de l’imitation très approximative d’un kecak balinais que le groupe tentée en demandant au public de s’asseoir par terre. Vaguement futuriste, mais d’une intensité immédiate, Gabber Modus Operandi a su ameuter tout le monde grâce à son délire psychotrope.

L’ensemble Constantinople dirigé par Kiya Tabassian a invité le public à une rencontre profondément touchante et humaine hier soir à la salle Bourgie de Montréal. Faisant coïncider tant musicalement que thématiquement les partitions de Bach (1685-1750) et les textes du poète persan Omar Khayyam (1048-1131), même à 600 ans d’écart, Tabassian et les musiciens qui l’accompagnaient ont ainsi servi de véhicule à de très beaux moments de communion pour le public nombreux et très diversifié en âge et en provenance culturelle. Le choix des pièces a été fait avec grand soin, de toute évidence, car les enchaînements entre extraits de cantates (par exemple) et chants ou pièces instrumentales de style classique persan se faisaient avec beaucoup de fluidité. La soprano tchèque Hana Blažíková a une fort belle voix, bellement équilibrée et d’une justesse impeccable. 

Le même concert, avec les mêmes interprètes, donné à l’Abbatiale Sainte-Foy de Conques, le 9 août dernier : 

On a enchaîné pièces de Bach et morceaux classiques persans dans une sorte de cohabitation inspirée où les deux géants ont échangé, parfois même chanté dans un unison partagé, sur la vie, la mort, dieu et l’amour. Tout cela dans un grand respect qui laissait autant de place à l’un qu’à l’autre, mais aussi à des interactions plus serrées et étroites, presque fusionnelles. C’est fascinant de constater que deux univers qui, il y a 50 ans et plus, auraient parus irréconciliables aux supposés connaisseurs et puristes musicaux, semblent aujourd’hui tout à fait capables de s’entendre et de stimuler chez le public une attention soutenue et des réactions très enthousiastes. Les applaudissements ont été en effet très chaleureux. Il semble bien que la musique soit encore une fois un modèle que les humains de la Terre devraient suivre plus étroitement! 

Soulignons également la grande qualité musicale des membres de l’ensemble, les réguliers comme Didem Basar au kanun, Tanya LaPerrière au violon baroque, Michel Anger au théorbe et Patrick Graham aux percussions (et Tabassian lui-même au chant et au setar), et les invités comme la Turque Neva Özgen au kemenche, la Néerlandaise Tineke Steenbrink à l’orgue positif (également co-fondatrice du Holland Baroque) et l’Allemande Johanna Rose à la viole de gambe. 

Crédit photo : Constantinople

Ce n’est peut-être pas la soirée d’ouverture que l’Ensemble Obiora avait initialement dessiné, mais ce fut néanmoins une soirée de double premières remarquable. Pour le concert d’ouverture de sa saison 2023-2024, « le premier ensemble canadien de musique classique essentiellement composé de musicien.nes professionnel.les dits issus de la diversité culturelle », devait accueillir comme cheffe invitée la Vénézuélienne Glass Marcano. Remarquée pour sa fougue et son énergie lors du Concours La Maestra en 2020 à Paris – où elle s’est vue remettre le Prix spécial de l’orchestre -, la jeune cheffe devait donner son premier concert en Amérique du Nord avec l’ensemble montréalais. Pour des raisons de santé, celle-ci a malheureusement dû annuler sa participation au concert. C’est le chef français Samy Rachid qui a accepté de monter sur le podium à la dernière minute pour la remplacer. Ex-violoncelliste du Quatuor Arod, ce jeune trentenaire qui vient d’être nommé chef assistant de l’Orchestre symphonique de Boston et qui a déjà fourbi ses armes à l’Opéra National du Rhin et au Festival Verbier en était lui aussi à sa première performance en Amérique du Nord.

Le programme de la soirée à mis de l’avant un répertoire romantique et moderne. En ouverture Le Tombeau de Couperin de Ravel, avec ses timbres particulièrement colorés s’inspire des suites de danses de l’époque baroque et rend hommage à la musique française du XVIII^e siècle. Originellement écrite pour piano, Ravel en a extrait quatre des six mouvements (Prélude; Forlane; Menuet; Rigaudon) pour en faire une orchestration. Avec une direction d’une grande clarté menée par des gestes aériens et énergiques pleins de sens, Rachid fait ressortir admirablement les sonorités de l’orchestre avec nuances ainsi que le caractère intrinsèque de chaque danse.

Pièce centrale du concert, le Concerto pour violon n^o 1 en ré majeur de Florence Price, interprété pour la première fois au Canada, a été une belle découverte. De facture classique avec son organisation en trois mouvements (Tempo moderato, Andante, Allegro) il porte clairement la marque des origines de sa compositrice. Porté par la violon solo d’Obiora Tanya Charles Iveniuk, le premier mouvement notamment, évoque plusieurs des caractéristiques de la musique afro-américaine, telles les inflexions gospel, l’interaction en appel-réponse de l’orchestre et même du blues. Offrant plusieurs moments solos, il a permis de mettre en valeur la technique de la soliste dans des lignes d’une grande virtuosité. Le deuxième mouvement, plus lyrique, était empreint de grande envolée mélancolique, alors que le dernier mouvement retrouve la virtuosité festive et joyeuse où l’orchestre accompagne la soliste par des accents rythmiques et un tapis de notes enveloppant pour terminer dans une finale éclatante. Le concert s’est conclu avec les Variations sur un thème de Haydn par Brahms, une œuvre contrastante où les variations que le compositeur propose autour d’un thème choral tiré de la Feldpartie en si bémol majeur, déploient des caractères allant du dramatique grave au lyrisme dansant pour arriver à une finale au ton claironnant et victorieux.

Tout autant que le jeu de Tanya Charles Iveniuk, la direction de Samy Rachid nous a fait forte impression. Par une direction soignée et des gestes simples, mais immensément signifiants, il communique avec aisance une palette de dynamique et de couleurs. Il est d’une énergie enjouée, mais contenue, jamais dans l’excès avec une direction qui met en relief l’architecture des pièces en modelant finement le son de l’orchestre. Un chef à suivre et surtout à réinviter!

Deux ans seulement suivant sa création et après être passé d’un orchestre de 25 musiciens à plus du double, l’Ensemble Obiora peut assurément se dire qu’avec le programme vivant et original proposé samedi soir, l’intérêt et la diversité du public qui était présent, il est plus que jamais ancré dans le paysage musical montréalais.

Crédits photos : Tam Lan Truong (Tanya Charles Iveniuk) et Therera Pewal (Samy Rachid)