Les gecs dans nos étoiles, une critique

par Stephan Boissonneault

Si vous faites ce métier depuis assez longtemps, il y a des moments dans la carrière de tout écrivain musical où vous vous sentez à la traîne des tendances, où la vocation musicale d’un artiste va au-delà de ce que vous êtes formé à comprendre ou même à appréhender. Comme l’a probablement dit un jour le grand poète de caniveau et dernier journaliste gonzo du rock n’ roll, Lester Bangs, « On s’adapte ou on meurt, je choisis de mourir ». Mais il parlait probablement des Beatles plongeant dans le psychédélisme de Vishnu sur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, et non de la surcharge multisensorielle qu’est un spectacle à 100 gecs. Il n’aurait pas été préparé à ce monstre hyperpop viral qui a été catégorisé comme un groupe mème par les fans et les critiques musicaux.

Je trouve amusant que le terme hyperpop soit aujourd’hui si intrinsèquement lié à 100 gecs, principalement un groupe Internet, alors que je crois qu’il a été utilisé pour la première fois dans les années 80 pour classer la musique de Cocteau Twins, avant l’arrivée d’Internet. Je pense que c’est l’exemple parfait de la façon dont le genre n’est qu’un simple espace de rangement qui peut changer en un clin d’œil.

J’ai tout de même eu l’occasion de voir 100 gecs en direct à Osheaga, après deux sets de hip-hop du britannique slowthai et du maître du emcee, Freddie Gibbs. D’après mes souvenirs, ce set de 100 gecs n’était pas à mon goût. Je me souviens très bien de la chanteuse Laura Les grognant dans son micro auto-tuné tandis que son partenaire musical, Dylan Brady, dansait dans un costume de sorcier portant un chapeau à étoile jaune vif, tandis qu’un rythme de basse changeant sautillait dans tous les sens. À l’époque, j’ai brièvement fait rôtir 100 gecs dans ma critique d’Osheaga, que vous pouvez lire ici si vous le souhaitez.

« Je ne comprends pas, nous sommes peut-être trop vieux », a déclaré mon compagnon de festival. À l’époque, j’étais d’accord pour dire qu’il s’agissait simplement d’un bruit déplacé et sursaturé pour une génération plus jeune (j’approche de la trentaine pour la petite histoire), et nous sommes passés à autre chose. Mais malgré cela, les 100 gecs semblaient apparaître de plus en plus dans mon lexique musical. Dans les sphères d’écriture musicale, des groupes ont été comparés à eux, comme le duo art-pop glitchy, Jockstrap, dont le premier album, I Love You Jennifer B, est un de ceux que je joue encore souvent. Le tube viral de 100 gecs, « money machine », m’a suivi comme une maladie pendant le week-end.

Je sais qu’une grande partie du journalisme musical, en particulier le monde de la critique – et je ne parle pas des petites publications DIY comme celle sur laquelle vous lisez ces lignes – peut être pleine de conneries vernaculaires de la part d’écrivains qui trouvent constamment le pire dans un album pour être avant-gardiste. Il est dommage qu’une note de Pitchfork ou une mauvaise note d’Anthony Fantano puisse complètement influencer l’opinion de quelqu’un sur un album ou un artiste, mais bon, c’est le monde des critiques de streaming dans lequel nous nous trouvons.

Cela dit, ce sont les pensées qui m’ont envahi lorsque j’ai franchi les portes de MTelus pour me rendre à la plus récente exposition montréalaise de 100 gecs, que j’appellerai dorénavant » Gecigeddon « .

En tournant le coin, vers l’arrière de la salle, mes oreilles ont été agressées par un groupe appelé Machine Girl, qui sonnait brièvement comme le pire grindcore des années 2000. Je m’attendais à une vague de synthés plus industrielle d’après le nom et je n’étais pas préparée à un canal radiculaire cochléaire. C’est quelque chose que ni moi, ni les 10 personnes avec qui j’étais, n’avions prévu. Même si un projecteur était littéralement braqué sur la foule, suivant le chanteur, Matt Stephenson, qui se faufilait entre les gens, criait et se tenait en équilibre sur l’auvent de la mezzanine et le bar de la salle, habillé comme un bouffon maniaque, je n’arrivais pas à m’imprégner de l’ambiance hardcore numérique que Machine Girl créait.

Ma première expérience de l’ambiance du Gecigeddon a été très négative, amplifiée après avoir vu une fille aux cheveux bleus vêtue d’un pantalon zébré s’évanouir (probablement à cause de l’épuisement dû à la chaleur et à la drogue qui circulait dans son corps) derrière notre groupe, quelques instants après le set de Machine Girl. Est-ce que c’est un public qui n’a pas tenu le coup pendant la première partie ? Un public qui n’a pas appris les bases d’une fête respectueuse avec des drogues et qui ne prend pas soin de lui ? Buvez de l’eau, s’il vous plaît !

J’ai essayé d’éteindre mon esprit critique et d’apprécier la scène dans son ensemble : des sorciers multicolores, un homme avec des cornes de diable et un T-shirt blanc portant l’inscription » I GOT MY TOOTH REMOED « , des pantalons de parachute, pas mal de peinture de cadavre, des jeunes emo et scènes qui ont l’air de sortir du bus du Gathering of the Juggalos, la foule plus gothique et plus perverse (latex, porte-jarretelles, colliers, etc.) qui était surtout là pour se détendre au deuxième étage. Il y avait aussi une foule plus âgée, accompagnée de leurs enfants ou de véritables fans de cette musique pop ridicule. J’ai repéré la scène et l’installation informatique du DJ à 100 gecs, qui était logée dans ce qui ressemblait à une caisse de bombe nucléaire, en équilibre sur une poubelle en acier.

Les lumières se sont éteintes et le son profond des productions THX a rapidement envahi la salle tandis que l’écran de fond diffusait sporadiquement toutes sortes de lumières blanches. Il ne s’agissait pas de l’ouverture d’un film à gros budget, mais de « Dumbest Girl Alive » de 100 Gecs, extrait du nouvel album 10 000 Gecs. Le riff de guitare butt-rock à la Limp Bizkit a démarré et Laura et Dylan sont montés sur scène, vêtus des tenues jaunes et violettes emblématiques des sorciers.

Si 100 gecs est doué pour une chose, c’est pour créer des vers d’oreille qui s’enfoncent profondément dans votre psyché, même quand vous ne le voulez pas. La production visuelle était également démente : les écrans Windows 98 vibrants se transformaient rapidement en un brouillard vert et rose tandis que des lumières stroboscopiques nous manipulaient l’esprit. C’était comme regarder directement le soleil en boucle.

Je n’ai jamais été un fan de l’auto-tune, mais je dois admettre qu’elle fonctionne et qu’elle est nécessaire à la musique de 100 gecs. Sans cela, on obtient une chanson comme « Frog On The Floor », une chanson amusante, mais volontairement décalée, qui prend les pires morceaux de ska-pop enfantine et en fait une chanson. On peut dire que les gecs eux-mêmes riaient avant de la jouer en concert. Il n’y a pas eu beaucoup d’échanges sur scène de la part de 100 gecs, si ce n’est qu’ils ont présenté la chanson suivante et que Laura a dit « cool », avant de se lancer dans le morceau suivant. C’est Dylan qui s’est le plus illustré, faisant tenir sa guitare acoustique en équilibre sur son menton et mordant dans un oignon comme un fou après qu’un fan en ait jeté un sur scène.

« Personne ne lance plus d’oignons, ou je pourrais chier », a déclaré Laura en riant.

Même quelques jours après le concert, j’ai encore « Hollywood Baby » qui se fraye un chemin dans mon amygdale. Je ne peux pas non plus nier l’énergie pure qui régnait au Geccicon. Le public connaissait toutes les paroles, ne manquait pas une occasion de sauter et de se déhancher sur le répertoire des 100 gecs, qu’il soit nouveau ou plus ancien. À ce moment-là, j’aurais pu décider d’être comme Lester Bangs et de ne pas m’ouvrir à cette débauche de l’ère Myspace, ou j’aurais pu essayer de m’amuser. J’ai choisi cette dernière option. Sinon, à quoi bon ? J’ai couru dans la foule, le sac de l’appareil photo attaché à l’épaule, et j’ai fait du moshing à fond. Pendant « Billy Knows Jamie », je me tenais sur la pointe des pieds, haletant comme un guppy dans un aquarium surpeuplé. J’ai scandé le refrain de « Doritos & Fritos » et j’ai aidé un homme torse nu à pousser une fille pour surfer sur la foule pendant « Money Machine ». En fait, j’ai plongé dans mon gec intérieur comme un adolescent découvrant Nirvana pour la première fois, à la recherche d’un chaos angoissant et amusant.

En repensant à ma décision de rejoindre la folie avec des milliers de fans de gec, la motivation est venue du fait que j’ai vu le duo, oui, recréer en direct cette folie risible de l’ère des mèmes, mais aussi de l’aspect communautaire ressenti dans la foule. Tout le monde perdait la tête, transpirant ensemble comme des cochons à l’abattoir. La joie pure de certains de ces citoyens était palpable, et peu importe à quel point je méprisais le son de ce groupe, pendant ces quelque 20 chansons, j’ai eu l’impression d’en faire partie. J’ai été gecced.

100 gecs n’est pas une musique que je jouerai à mes heures perdues, mais encore une fois, je ne peux pas nier l’expérience live et j’ai passé un moment bizarre, mais agréable. Leur base de fans est plus dispersée que je ne l’imaginais et bien qu’ils soient connus comme un groupe de mèmes, sur scène, tout ce qu’ils font semble 100 % authentique – même une phrase vocale absurde comme « Queen of California / Hot like the heat is / Got Anthony Kiedis suckin’ on my penis ». J’ai même apprécié les grognements gutturaux de Laura cette fois-ci, parce qu’ils ont été construits et mérités.

Qui sait si je serai au prochain Gecigeddon/Geccicon/Gecivent, mais c’est un souvenir que je garderai en mémoire pour les années à venir.

Un même soir à la Place des Arts, les pianistes Bruce Liu et Nils Frahm triomphent devant deux auditoires distincts… opposés ?

par Alain Brunet

Jeudi soir à Montréal, deux salles de la Place des Arts étaient pleines : à la Maison symphonique, le pianiste montréalais Bruce (Xiaoyu) Liu, grand vainqueur du Concours international de piano Frédéric-Chopin à Varsovie en 2021, selon plusieurs la plus prestigieuse des compétitions pianistiques sur la planète classique, exécutait le Concerto no 2 de Chopin pour piano et orchestre, avec en rappel une petite incursion baroque côté Jean-Philippe Rameau (Les Sauvages).

Depuis cette victoire historique, le jeune prodige formé au Québec se produisait pour une deuxième fois avec l’Orchestre symphonique de Montréal depuis l’été dernier, cette fois sous la direction de la maestra finlandaise (aux origines aussi ukrainiennes) Dalia Stasevska, qui a aussi dirigé l’OSM dans une exécution plus qu’acceptable de la Symphonie no 6 en ré mineur op.104 du compositeur scandinave (finlandais itou) Jean Sibelius, le tout précédé par une œuvre contemporaine de la compositrice russe Sofia Goubaïdoulina, exigeante et chargée de substance.

Le concerto no 2 de Chopin était le plat de résistance, vu les attentes du public pour le jeune virtuose bardé de cet immense prix international qui a propulsé sa carrière sur les scènes du monde entier. De retour à la maison, Bruce Liu n’a déçu personne dans son exécution.

Déjà à 25 ans, on le sent libre d’exprimer sa personnalité déjà singulière, imposer sa patte. On a senti non seulement une fluidité exceptionnelle dans l’exécution mais aussi une capacité d’atteindre la grâce sans jamais trop appuyer ses effets. On ne parle pas ici de désinvolture, mais bien de grâce, d’agilité et de souplesse au service d’une œuvre qui peut prêter aux excès de l’affect même si la grande virtuosité est au rendez-vous.

Et n’allons surtout pas comparer Bruce Liu à Charles Richard Hamelin, autre récipiendaire du concours Chopin (2^e place en 2015) et dont la qualité du jeu souscrit aux mêmes standards d’excellence. Deux personnalités distinctes du piano d’ici se démarquent, applaudissons ici la diversité des expressions pianistiques à ce niveau d’exécution, même dans ce monde de la musique écrite où les paramètres suggérés par la partition laissent tout de même un espace de liberté à ses praticiens les plus éminents.

Et revenons à la soirée de jeudi: juste à côté de la Maison symphonique, soit à la salle Wilfrid-Pelletier, le pianiste et producteur électronique allemand Nils Frahm offrait une nouvelle performance impliquant musique classique, romantique ou impressionniste, assortie d’improvisations et ajouts de synthétiseurs. Je n’y étais pas personnellement mais j’ai déjà assisté à deux concerts de Nils Frahm devant des auditoires ébahis, transportés, conquis, qui semblaient vivre une première expérience marquante en musique pianistique.

Y a-t-il un lien entre ces deux mondes ? S’il y en a un, il est encore très mince.

On constate aujourd’hui que les musiques symphoniques composées pour le cinéma et le jeu vidéo attirent des publics de plus en plus considérables. On constate aussi que les compositeurs néoclassiques s’abreuvant de musiques européennes tonales et consonantes, romantiques et post-romantiques, ont d’ores et déjà conquis des publics importants. Le nouvel album de Thomas Bangalter, illustre moitié de Daft Punk, en est un nouvel exemple parmi tant d’autres. On observe également que les pianistes néoclassiques offrant des « compositions » très clairement inspirées de Chopin, Liszt, Brahms, Rachmaninov, Satie, Ravel ou Debussy, remplissent leurs salles et jouissent d’une immense cote d’amour, on pense évidemment au nouvel album et au nouveau récital de la pianiste montréalaise Alexandra Stréliski.

Inutile de souligner que ces deux mondes semblent rester relativement étanches.

D’une part, le public néoclassique ne se pose pas de question sur les origines stylistiques des œuvres récentes qui le transportent. Qui plus est, ce public réprouve le décorum crispé du monde classique, son silence absolu, les vêtements de gala de ses interprètes, la rigidité des exécutions, la quasi absence de liberté dans l’interprétation.

De l’autre côté de la médaille, le public du monde classique déplore l’édulcoration néoclassique du « vrai » répertoire romantique, post-romantique ou prémoderne, aussi l’infériorité technique de ses interprètes dont on soupçonne l’incapacité à faire carrière dans la « grande musique ».

Les mélomanes de la musique classique méprisent-ils ceux du néoclassicisme? Dans certains cas, absolument.

À leur tour, les fans néoclassiques exècrent-ils les snobs de la musique classique ? Dans certains cas, absolument.

La vérité se trouve-t-elle ailleurs ? Dans tous les cas, absolument.

Chose certaine, le différend est loin d’être résolu et nous aurons plusieurs autres occasions pour en discuter.

P’tit Belliveau annonce son indépendance

par Stephan Boissonneault

Lors de son spectacle d’avril au Club Soda de Montréal, P’tit Belliveau, le nom d’artiste professionnel du troubadour indie folk/ pop rock acadien Jonah Guimond, a laissé entendre qu’il devenait indépendant à 100 % et qu’il serait de retour au Club Soda dans exactement un mois. Il est actuellement signé sur le géant de la musique francophone, Bonsound, mais il y avait aussi des spéculations parmi la foule sur le fait qu’il sortirait un nouvel album après le spectacle. Ce n’est toujours pas le cas.

Quoi qu’il en soit, le spectacle de P’tit Belliveau était une combinaison loufoque de banjo folk rock acadien, d’hyper pop synthétisée, de hip hop et même de nu metal après qu’il ait repris l’hymne de 2000 de Papa Roach, « Last Resort » – qu’il a tué, soit dit en passant.

Avant qu’il ne monte sur scène vers 21h30, nous avons pu voir blesse, une autre bizarrerie indie rock française, puis Peanut Butter Sunday, qui est arrivé vêtu de chemises à flammes Guy Fieri. La musique de chaque premier groupe donnait l’impression d’être dans les années fastes du rock alternatif de 2008 et la foule l’a dévorée.

Lorsque P’tit Belliveau s’est approché de la scène, il portait une cagoule noire, comme un bourreau gobelin satirique. Il affiche un grand sourire et se lance dans l’ouverture bluegrass trippante et vibrante « L’eau entre mes doigts ».

L’énergie de P’tit Belliveau est celle d’un homme ridiculement heureux de jouer sa musique en direct. Son humour, que l’on pourrait qualifier d’insolence de col bleu, a été mis à profit lorsqu’il s’est déchaîné sur le banjo avec son groupe : synthétiseurs, guitare, mandoline, basse funky et batteur à toute épreuve.

Les visuels semblaient avoir été réalisés sur MS Paint, en particulier lors de son tube « J’ai fait de la musique ».
J’aimerais d’avoir un John Deere », qui met en scène des tracteurs pixélisés circulant dans le champ vert classique de Windows. Autre moment fort : les caricatures grossières de P’tit Belliveau dansant autour de lui alors qu’il faisait chanter à la foule les paroles de « Demain ». En fait, ces caricatures ont fait plusieurs apparitions, parfois de manière plus psychédélique, un peu comme les bizarreries du film Being John Malkovich.

P’tit Belliveau connaît sa marque – une combinaison de mèmes Internet, la nostalgie d’une époque plus simple où des sites Web comme Newgrounds, Nexopia et même Neopets régnaient sur le Web à grande vitesse, le tout dirigé par un gars avec qui vous pourriez partager un pack de six tout en parlant de sport ou de la WWE. Combinez cela avec un penchant pour les accroches musicales contagieuses, et un tas de franglais acadien, et vous obtenez un morceau de P’tit Belliveau. Et en concert, c’est tout simplement trop amusant.

La foule s’est également mise en branle et a poussé des cris pendant l’hilarante » Income Tax « , suivant P’tit alors qu’il chantait qu’il dépensait tout son argent en Taco Bell, WALMART, alcool et cartes d’essence. C’est tellement canadien, drôle et racontable pour tous ceux qui ont vécu de chèque en chèque.

Quelle que soit la raison pour laquelle P’tit Belliveau devient indépendant, il est facile de comprendre pourquoi il a connu un tel succès au cours des cinq dernières années, depuis ses débuts. Il est 100 % authentique et a une base de fans qui le suivra où qu’il aille. Qu’il soit indépendant ou soutenu par une grande maison de disques comme Bonsound.

Молчат Дома – Buck wild coldwave, post-punk & désespoir

par Lyle Hendriks

Vers le milieu du chef-d’œuvre de Michael Mann, Heat (1995), le personnage de Robert DeNiro se retrouve seul dans son superbe appartement-terrasse. Il est vêtu d’un costume noir, boit un verre, entouré d’opulence et de richesse par une sombre nuit d’été. Le verre marbré et les fenêtres du sol au plafond diffusent une lumière bleue éblouissante dans l’espace. C’est beau, serein, et pourtant si clair que le personnage ne pourrait pas être plus éloigné de tout ce qui ressemble au bonheur.

Cette ambiance très particulière est la meilleure façon de décrire l’atmosphère de la performance de Molchat Doma le 2 avril à MTELUS. Beauté, sérénité, tristesse. Enveloppés ensemble, entrelacés, créant quelque chose d’aussi imparfait qu’impératif.

La soirée a commencé par un solide set de Nuovo Testamento, un duo synthétisé, inspiré de la pop des années 80, qui évoquait la glace italienne sur la jetée, alors que le soleil plongeait sous l’horizon. Le ton était donné, avec les percussions serrées et tonitruantes de Giacamo Zatti et les voix puissantes et dignes d’un hymne de Chelsey Crowley.

Les trois membres de Molchat Doma sont arrivés sur scène habillés pour un braquage semi-officiel, ce qui est approprié, car ils ont volé le spectacle. Il y a quelque chose de très spécial à voir plus de 2 000 jeunes crier désespérément pour un homme comme le chanteur Egor Shkutko, habillé comme un homme de main de la mafia biélorusse.

Qualifier le travail de Molchat Doma de « lunatique » serait un euphémisme. Les synthés rétro, les riffs de guitare dérivés de l’emo et les lignes de basse typiques de la coldwave sont réunis pour former des morceaux mélancoliques qui sont à la fois drone et inspirants. Et malgré les voix graves d’Egor, ses intonations dramatiques et le fait qu’il ne chante qu’en russe, il y a quelque chose dans ces chansons qui a l’étrange capacité de nous atteindre et de nous toucher.

Comme beaucoup, j’ai découvert Molchat Doma aux premiers jours de la pandémie avec leur plus grand succès, « Судно ». Amusante mais sérieuse, énergique mais morose, cette chanson m’a toujours donné un sentiment unique d’urgence nihiliste – ce serait mon premier choix si je mettais la main sur les aux dans le véhicule de fuite. Et comme je ne parle pas russe, je l’ai toujours appelée « The Crime-Doing Song ». Cela me semblait être une bonne description jusqu’à ce que je cherche une traduction des paroles. Voici un extrait du refrain, qui a agrémenté d’innombrables TikToks et soirées plus cool que la moyenne au cours des deux dernières années :

Enameled bedpan
Window, bedside table and the bed —
Not cozy at all — hard to live
But it’s cozy to die
And the drops fall from the tap quietly
And life is just a fucking mess
It’s (life) getting outside like from the fog
And sees it — bedside table and the bed

Est-ce que cela ressemble à de la musique qui fait enrager ? Vous ne le pensez peut-être pas, mais les 2 300 jeunes qui se sont déchaînés lors du spectacle de dimanche ne sont pas de cet avis.

L’énergie dans la salle ce soir-là était palpable, comme si chaque personne présente laissait quelque chose de brut et de primitif s’échapper de sa cage en elle, qu’elle ouvre la fosse pendant l’un des breakdowns caractéristiques de Molchat Doma ou qu’elle contribue à l’effet domino en cascade des ados qui surfent sur la foule. Lors d’un moment particulièrement incroyable, une jeune fille a réussi à faire le grand écart au-dessus de la foule de spectateurs, montrant ainsi ce que cette musique peut faire pour ceux qui en ont besoin.

Tout au long de la soirée, je n’ai pas pu m’ôter de la tête l’idée de Heat. L’idée de la tristesse et de la culpabilité polies jusqu’à l’éclat d’un miroir dans un superbe appartement correspond à la production glamour et aux arrangements nostalgiques de Molchat Doma, tous conçus pour véhiculer des messages centraux de désespoir, de nostalgie et de regret. Tout comme le personnage de Robert DeNiro dans Heat, Molchat Doma dégage une intensité tranquille qui donne l’impression de pouvoir passer de la tristesse à la rage à tout moment.

Molchat Doma est une musique pour ceux qui traversent des moments difficiles. Mais contrairement au morceau triste que l’on met après une rupture, c’est une musique triste avec de l’énergie et de l’urgence. Et il n’y a pas de meilleure façon de comprendre la vitalité de cette race spécifique de post-punk coldwave d’Europe de l’Est. La musique de Molchat Doma nous pousse. Elle nous voit. Elle reconnaît une partie de nous qui souhaite désespérément un changement soudain, radical et violent dans nos vies et dans le monde en général.

Texte: Lyle Hendriks
Photos: Stephan Boissonneault

Disco punk italien, shoegaze supersonique et télévangéliste coké

par Max Seaton

Je n’avais pas de grandes attentes pour le concert de Warmduscher au Bar Le Ritz la semaine dernière, parce que c’était un mercredi soir et que la température n’était pas au beau fixe ce jour-là. Une pluie froide a commencé à tomber alors que je me dépêchais de retourner à la salle au crépuscule, me gelant jusqu’aux os et me faisant presque regretter de ne pas avoir quitté la chaleur confortable de mon appartement. Heureusement, je suis arrivé au Ritz, jusqu’ici à moitié plein, quelques instants avant le début de la musique, juste à temps pour m’acheter une bière hors de prix et me trouver une place à l’avant.

Groupe B, le projet solo de Stephen Baird, ex-membre de plusieurs groupes montréalais, dont Double Date With Death et Bland, a commencé la soirée de façon assez explosive, encadré par deux colonnes de lumières violettes qui clignotaient au rythme des chansons, tenant une guitare rose bonbon et portant de grosses lunettes de soleil Pit Viper. La musique se résume à des pistes préenregistrées de synthétiseurs et de boîtes à rythmes qui rappellent immédiatement les bandes originales des films d’horreur italiens Giallo, qui combinent souvent des rythmes disco funky avec des mélodies de synthétiseurs plus sinistres, ainsi que des riffs de guitare plus punk ou même heavy metal. L’éventail des chansons va de ballades épiques et romantiques à des morceaux plus hard rock, style « guitar hero », en passant par des morceaux plus électro-punk. Une chose est sûre, Groupe B a su nous tenir en haleine et j’ai hâte de les revoir en concert.

Après un court entracte durant lequel la salle s’est rapidement remplie, c’était au tour de Boar God de prendre d’assaut les tympans des auditeurs. Actif depuis 2017, ce groupe vétéran de la scène underground montréalaise, qui a toujours su plaire aux amateurs de shoegaze supersonique, n’a une fois de plus pas déçu la foule. Des lignes de guitares complexes, bourrées d’effets et extrêmement bruyantes (c’est probablement pour cette raison que le chanteur et guitariste du groupe, Eric Bent, porte toujours un casque anti-bruit lorsqu’il joue) sont soutenues par des lignes de basse très solides qui se démarquent et percutent l’immense mur de son. La batterie fait un excellent travail en étant tenace et persistante, ce qui permet de se laisser envoûter par les chansons. Le tout est couronné par une magnifique harmonie des voix d’Eric et de la bassiste Sabrina qui rappelle la formation My Bloody Valentine à son apogée. Si vous êtes un fan de Boar God, nouveau ou ancien, je vous recommande vivement le label néo-zélandais Flying Nun, qui, dans les années 1980 et 1990, a conquis le cœur des fans de post-punk avec des groupes comme The Clean, Tall Dwarfs et Bailter Space.

Un Ritz plein à craquer a accueilli avec enthousiasme la tête d’affiche, le groupe londonien Warmduscher, qui était en ville pour sa première tournée nord-américaine. Les membres du groupe sont arrivés sur scène sous une pluie d’applaudissements, tous vêtus de combinaisons bleu foncé arborant le logo « WD » au niveau du cœur. Après seulement quelques secondes de musique, la piste de danse s’enflamme et le reste jusqu’à la dernière note de la soirée. La section rythmique joue un mélange de disco et de funk complètement déjanté tandis que la guitare ajoute une touche énergique de sonorités plus garage. Le synthé, quant à lui, donne une ambiance de film porno des années 70 à petit budget sur lequel le chanteur, Clams Baker Jr, raconte des histoires souvent folles et sordides avec le débit et l’ardeur d’un télévangéliste cokéfié.

Pour le plus grand plaisir des spectateurs excités, le groupe a pu offrir une excellente sélection de son catalogue, dont plusieurs de ses singles, tels que » Midnight Dipper « , » Disco Peanuts « , » Fatso « , » 1000 Whispers » et » Burner » (qu’ils ont dédié au rappeur Kool Keith qui apparaît sur la version studio de cette chanson).

En somme, une très belle soirée qui m’a surpris et m’a rappelé pourquoi il vaut parfois la peine de sortir et de s’offrir une gueule de bois en plein milieu de la semaine pour prendre un bon bain chaud de culture.

Texte de : Max Seaton
Photos : Stephan Boissonneault

Le monde étrange et magique de King Tuff

par Lyle Hendriks

Au moment où il est monté sur la scène du Bar Le Ritz PDB, il était évident que Kyle Thomas, mieux connu sous le nom de King Tuff, est un mec bizarre.

Le 28 mars, King Tuff était accompagné de Tchotchke, un excellent groupe de rock indépendant originaire de Brooklyn, à New York. Le trio exclusivement féminin a joué avec une énergie fantastique, dont une performance particulièrement forte de la batteuse/chanteuse Anastasia Sanchez qui a porté l’élan de chaque morceau jusqu’à la fin.

Après une courte pause, le King lui-même (accompagné de sa joyeuse troupe) est arrivé sur scène, lançant rapidement le bal avec l’ouverture fantaisiste de son dernier album, « Love Letters to Plants ». Avec ses touches sobres, sa batterie discrète mais compliquée et ses voix imparfaites et percutantes, ce morceau bizarre a donné le ton au reste du set.

Après une petite discussion sur Montréal et ses bagels (y compris le geste controversé de prêter allégeance à Fairmount Bagel), Thomas a poursuivi son programme, jouant principalement des morceaux de son dernier album, Smalltown Stardust. Tout comme l’album lui-même, la prestation montréalaise de King Tuff se résume en un seul mot : confiance.

Il y avait un sentiment d’aisance dans tout ce que jouaient Thomas et son groupe, un sentiment distinct d’humilité soutenu par des décennies de pratique et d’expérience. Alors que Thomas a sans aucun doute les capacités de faire fondre nos visages en un instant, il ne ressent clairement pas le besoin de le prouver avec ces nouvelles chansons, choisissant plutôt d’inclure le strict nécessaire de ce que chaque chanson requiert. Ces titres semblent avoir été conçus pour Kyle Thomas avant tout, et le fait que quelqu’un d’autre veuille les écouter n’est qu’un bonus.

Malgré la maturité et la croissance apparentes de Thomas, il a tout de même eu ses moments, notamment en maudissant un pied de micro branlant et en posant des questions irrévérencieuses au public sur nos options en matière de piscines locales. Pour notre plus grand plaisir, nous en sommes arrivés à un point où même le guitariste de Thomas lui a dit qu’il était un monstre – une déclaration qui n’a été démentie ni par le King ni par ses coéquipiers.

À ce stade, nous pensions tous avoir une idée de l’ambiance étrange de King Tuff. C’est un homme mûr, avec des années d’expérience et les compétences qui vont avec, mais qui conserve une touche de jeunesse dans sa façon de parler et de jouer. Je pensais qu’il allait bientôt terminer, mais il s’est soudain arrêté et a dit qu’il avait oublié quelque chose en coulisses, disparaissant dans la salle arrière.

Après une pause gênante, le batteur de Thomas a haussé les épaules, a rempli le silence et a dirigé le groupe pendant quelques minutes de musique d’ascenseur jazzy. Peu après, King Tuff réapparaît, revêtu d’une robe de sorcier rose et irisée, accompagnée d’un chapeau et de lunettes. Le ton ayant changé brusquement, le groupe s’est lancé dans des chansons plus anciennes et plus lourdes, dont l’impressionnante « Black Moon Spell » et l’emblématique « I Love You Ugly ». Thomas a déchiré, crié et hurlé sur ces derniers morceaux, délivrant l’énergie et l’intensité qu’il avait si gracieusement retenues jusqu’alors.

King Tuff est une vision psychédélique dans une barbe hirsute. Une fourchette de foudre qui frappe où bon lui semble. Un magicien fantasque armé d’une Telecaster et d’un piano Rhodes. King Tuff est un mec bizarre, et on ne peut s’empêcher de l’aimer pour ça.

Sunset Rubdown… à l’aube de la reconstitution

par Alain Brunet

Ce week-end à la Sala Rossa, les deux soirées consécutives chapeautées par Sunset Rubdown sont d’authentiques retrouvailles pour le groupe reconstitué et dont c’était jeudi le premier concert depuis 13 ans.

C’était aussi l’occasion pour ces hipsters ayant dépassé la trentaine de reprendre contact avec ce groupe excellent, né jadis à Montréal et mené par l’un des plus doués songwriters canadiens, Spencer Krug, surtout connu pour sa participation à la formation Wolf Parade.

Comme c’est le cas d’un nombre sans cesse croissant d’artistes hyper doués qui s’égarent dans les répertoires infinis des plateformes d’écoute en continu, Spencer Krug est une aiguille en or massif, perdue dans la méga botte de foin. Heureusement pour lui et pour nous, son immense talent suffit au moins à payer ses frais fixes… sans que les institutions médiatiques de l’écosystème musical ne s’en préoccupent comme elles le devraient.

Je me souviens encore d’un concert donné jadis dans le contexte de Pop Montréal il y a une mèche et puis… pas grand-chose. Normalement, un groupe de cette trempe devrait remplir le MTELUS pour services rendus à nos âmes mais bon. Spencer Krug n’ayant vraiment pas de plan de carrière, son esprit libre et peu carriériste l’a mené ailleurs que sur les listes d’écoute à succès. À l’évidence, ses multiples projets n’ont pas produit un effet de convergence.

Aujourd’hui, sa notoriété est assez grande pour remplir deux Sala Rossa d’affilée, sans plus. Gageons qu’il existe encore tout plein de fans de Wolf Parade ne sachant pas l’existence de Sunset Rubdown. Pourtant…Il fallait vraiment se trouver à la Sala Rossa pour se redire wow, quel joyau de la mouvance indie!

Du premier album de Sunset Rubdown, Snake’s Got a Leg (2005), on a reconnu la chanson titre.

De l’album Shut Up I’m Dreaming (2006), on a pu identifierThe Empty Threats of Little Lord, Shut Up I Am Dreaming of Places Where Lovers Have Wings, Stadiums and Shrines II,The Men Are Called Horsemen There.

De l’album Random Spirit Lover (2007), on a eu droit à The Taming of the Hands That Came Back to Life, Winged / Wicked Things,The Mending of the Gown.

De Dragonslayer (2009), Silver Moons, You Go On Ahead (Trumpet Trumpet II), Idiot Heart, Dragon Lair.
De l’EP Sunset Rubdown Introducing Moonface, Coming to at Dawn.

Jamais enregistrée mais composée dans les années 2000, la chanson We’re Losing Light fut exécutée avec brio, comme l’ensemble de cette performance top niveau. En plus d’être un parolier d’une classe à part, Spencer Krug est un redoutable chanteur d’esprit rock. Toujours penché sur son micro et ses claviers, il n’est pas exactement ce qu’on appelle une bête de scène mais la qualité de son travail musico-poétique et l’indiscutablecompétence de son band compensent largement pour ces carences apparentes.

Fallait-il se formaliser que bien peu de nouvelles musiques figuraient au programme de ces retrouvailles? Pas à ce stade de la reconstruction. Il fallait plutôt reconfirmer les grandes qualités de ce groupe que forment Spencer Krug (voix et claviers), Michael Doerksen (guitare, batterie), Jordan Robson-Cramer (batterie, guiare), Camilla Wynne (claviers) et Spencer Krug (voix soliste et claviers), joints sporadiquement par le bassiste Nicholas Merz qui s’était produit en première partie.

Ce dernier est d’ailleurs un authentique mutant de la mouvance americana, en plus de s’avérer un redoutable multi-instrumentiste, chanteur et concepteur sonore, Son usage façon dark ambient d’une guitare pedal steel assortie de filtres électroniques qui en transforment les fréquences, ses envolées de baryton extra-terrestre, sa dégaine de cow boy sous acide, ses psalmodies et reprises étranges (on a même reconnu Wicked Games de Chris Isaak!) sont autant de matériaux constitutifs d’un personnage unique, pour employer un euphémisme.

Si vous pouvez donc vous faufiler pour la seconde soirée de Sunset Rubdown à la Sala, la recommandation est chaude et fervente.

post-rock / rock expérimental

Le maelström de Godspeed You! Black Emperor, en concert

par Stephan Boissonneault

Le calme de chaque respiration, éphémère, les lumières vacillantes et hésitantes qui se déversent du ciel, les machines qui se transforment et les chantiers de construction qui se tordent, le tour d’un cerf-volant noir pour la rédemption. Nous sommes au bord du précipice en tant qu’espèce et il n’a jamais été aussi important de s’aimer les uns les autres. Des tâches d’encre fracturées recouvrent des images de bombes tombant du ciel. Le bruit ne s’arrête jamais et nous ne le voulons pas. Les jours semblent être des heures, les heures semblent être des minutes, les minutes se transforment en l’apparence même du temps jusqu’à ce qu’il soit pulvérisé et que le rien devienne le tout. Détritus de transmission.

Ce morceau de prose peut se lire comme la pensée d’un fou qui méprise la plupart des choses, ou peut-être aime tout, et c’est peut-être le cas, mais c’est aussi un témoignage, un compte-rendu de ma rencontre avec Godspeed You ! Black Emperor (GY!BE), l’un des précurseurs du post-rock, un genre changeant qui continue d’engendrer de nouveaux groupes, apparemment à partir de rien.

Ils jouaient le premier concert d’une série de deux au MTelus (un endroit que le groupe appelle communément le Telephone Venue) et le merch était composé d’une foire aux livres anarchistes d’un côté et de divers vinyles couvrant leur illustre carrière de l’autre. Et ce, sans aucune hyperbole : ils ont enregistré sept disques depuis leur création à la fin des années 90. Le dernier en date, G_d’s Pee AT STATE’S END!, met l’accent sur la ténacité et l’expérimentation de ce groupe montréalais. Environ un an avant sa sortie officielle en 2021, j’ai entendu un premier pressage de cet album dans un magasin de disques d’Edmonton avant de déménager à Montréal, la ville natale de Godpseed. Le vendeur m’a seulement dit : « C’est un nouvel album de Godspeed, mais je ne peux pas oser en dire plus. »

Cet album est peut-être le plus fracturé et le plus en colère du groupe depuis Yanqui U.X.O. Il a été écrit sur la route pendant une tournée qui a été interrompue à cause de la pandémie, ce qui, d’une certaine manière, a donné aux musiciens une occasion tordue de se réconcilier avec les raisons pour lesquelles ils font de la musique.

Les projections 16 mm créées par Karl Lemieux et Philippe Leonard faisaient autant partie du spectacle que les huit musiciens assis et debout sur scène. Des sculptures d’albâtre incandescentes ont pris le décor par surprise et des séquences de combats de chiens ont été filtrées dans des tons de jaune sale et crapuleux.

Il n’y avait pas d’apparat. Les membres de GY!BE ont pris place (ou se sont levés dans le cas de la section des cordes qui comprend une guitare basse tonitruante) et ont lentement entamé « Hope Drone », une chanson qui s’est métamorphosée depuis ses débuts sur scène à San Francisco en 2013.

Les derniers instants de » Hope Drone » ont dégouliné vers » First of the Last Glaciers » qui, malgré son obscurité, est l’une des chansons les plus lourdes que GY!BE ait jamais conçues (bien qu’il s’agisse en réalité de la deuxième partie de la chanson » A Military Alphabet « , tirée de G_d’s Pee). Je sais, il est difficile de ne pas considérer la personne qui écrit ces lignes comme un crétin prétentieux qui se cache dans sa cave et n’écoute que des disques de Godspeed, mais il est important de donner à l’art le crédit qu’il mérite. Et c’est ce que c’est. De l’ART. Ce groupe a sa propre mythologie et il est difficile de ne pas s’y laisser prendre.

L’heure et demie qui a suivi a été très floue. Tout ce que je peux dire avec certitude, c’est que la foule a été enchantée par la performance, se cognant la tête, pleurant, éternuant, sifflant, haletant sur le sol bondé. GY!BE ne s’est jamais qualifié de politique, mais il est difficile de ne pas penser aux troubles et aux effusions de sang auxquels une grande partie du monde a été soumise pendant une chanson comme « Bosses Hang » de Luciferian Towers. La musique est une arme, ou un moyen de révolution sonore. GY!BE vous fait découvrir tous les sons – batterie fracassante, guitares tourbillonnantes, basse gargantuesque, violons tintinnabulants – et vous emmène en voyage dans un monde dystopique mais proche de chez nous, où des seigneurs reptiliens règnent sur un régime capitaliste, où la seule communication se fait par le biais de transmissions radio qui s’estompent. Alors que nous sommes forcés de nous tenir les uns les autres dans l’ombre, nous voyons nos proches s’étioler…

C’était d’ailleurs tout l’intérêt de la première partie du set de Moor Mother, qui mériterait honnêtement un article à part entière et qui, qui sait, pourrait bien en avoir un à l’avenir. Autrice, compositrice, interprète, poète et artiste visuelle, Camae Ayewa est également professeure à la Thornton School of Music de l’Université de Californie du Sud, et son set ressemblait parfois à une conférence ou à un sermon expérimental.

« Je sais que j’aborde des sujets très lourds, mais ils ne le sont pas assez. Les gens souffrent et nous vivons de cette souffrance », a-t-elle déclaré à la foule après avoir commencé par des chansons de l’album Jazz Codes, sorti en 2022. Des bruits statiques et des pulsations sombres ont servi de toile de fond à des compositions parlées et criées dignes du « poète officiele de l’apocalypse », donnant le ton à GY!BE.

Le monde dystopique dans la musique de Moor Mother et de GY!BE est malheureusement le nôtre.

Et même si GY!BE ne vous dira jamais directement de prendre les armes et de vous battre pour réparer notre réalité brisée et renverser le régime en place, il y a un côté révolutionnaire dans une grande partie de leur travail. Il suffit de lire les notes de pochette de certains de leurs albums… Je m’en voudrais de ne pas mentionner l’importance de leur travail pour les protestations populaires. Mais c’est une histoire pour un autre article.

J’ai la chance de vivre au Canada ou à Kanata, qui est en grande partie libre malgré son passé sombre, mais cela ne me permet pas une seconde de penser que tout va bien. Il y a beaucoup de choses qui ne vont pas dans le monde. Et sans entrer dans une tirade, voir GY!BE fait de ces maux le carburant, non, le catalyseur du changement. Comme vous pouvez le constater, voir ce groupe en concert suscite une émotion inquantifiable, une mélodie qui vous accompagnera jusqu’à la fin de vos jours.

L’année 2012 a vu la résurgence de beaucoup de choses – les Mayas pensaient que ce serait la fin des temps – mais pour beaucoup de personnes présentes à ce concert, cette année représente le retour de Godspeed après un hiatus de 10 ans avec l’album ALLELUJAH! DON’T BEND! ASCEND! En cette funeste nuit d’hiver montréalaise, GY!BE a entamé la deuxième partie de son spectacle avec la première chanson de l’album, » Mladic « . En musique, le contexte peut être déterminant. Et c’est certainement le cas d’une chanson comme » Mladic » – moyen-orientale dans son sinistre travail de guitare drone (les quatre guitaristes versent dans la lumière) et sa section de cordes chimérique. La batterie, mon Dieu, la batterie. C’est comme une crise de panique à laquelle on ne peut échapper ou que l’on ne veut jamais fuir parce que c’est tout ce que l’on connaît. Le pays dans lequel vous vivez peut avoir un drapeau, mais à ce moment-là, c’est tout ce que vous connaissez. ALLELUJAH! DON’T BEND! ASCEND! est l’un des meilleurs disques de retour qu’un groupe ait jamais inventé, si ce n’est le meilleur. Et nous avons pu en entendre et en voir une partie en direct.

Dans ce paysage sociopolitique, la culture musicale indépendante est à la croisée des chemins, menant une bataille que certains qualifieraient de perdue d’avance. C’est une histoire nihiliste et triste que nous vivons tous, que nous partageons, que nous résistons, que nous protestons, que nous déconstruisons et que nous essayons de changer pour le meilleur. Je ne peux pas m’attribuer le mérite de cette dernière phrase. Elle est tirée des notes de pochette et du rouleau de Bandcamp d’ALLELUJAH! DON’T BEND! ASCEND! Encore une fois, il faut rendre à César ce qui appartient à César.

Le passage suivant était également flou. Il ne s’est jamais terminé, mais il a duré environ 44 minutes… Lorsque le groupe a terminé » Mladic « , le silence s’est installé jusqu’à ce qu’un fan crie » FUCK YEAH « , comme s’il était à un concert de métal. Je ne peux pas le blâmer pour cela. « Mladic » est un morceau lourd et il en voulait plus. Bien sûr, GY!BE était heureux de lui rendre service.

Il y a de nombreuses raisons pour lesquelles je vais voir de la musique en live, mais j’apprécie particulièrement d’entendre un morceau vraiment profond en live. C’est ce qui s’est passé avec le dernier morceau, « BBF3 », un paysage sonore transmutable qui contient des bribes d’une interview de Blaise Bailey Finnegan III aka Blaze Bayley, qui apparaissait sur l’album F#A# de Godpseed, sorti en 1998. Cet album a également été ma première introduction au groupe, vécue dans une stupeur due à l’herbe dans un garage gelé.

Blaze Bayley a également été le chanteur d’Iron Maiden pendant les pires années du groupe de metal britannique. Mais il a une grande gueule et un dégoût pour le système capitaliste nord-américain qui convient parfaitement à GY!BE. Je n’avais aucune idée que nous allions entendre « BBF3 », c’est un morceau très profond, tiré d’un album de deux chansons que beaucoup de gens ignorent. En live, cette chanson est anxiogène, surtout lorsque Bayley récite les armes automatiques qu’il possède alors que GY!BE converge dans un vrombissement statique.

…

Interviewer : Pensez-vous que les choses vont s’améliorer avant d’empirer ?

Blaise Bailey Finnegan III : Pas du tout. Les choses vont juste empirer et continuer à empirer. Comme je l’ai dit, l’Amérique est un pays du tiers monde et… nous sommes dans une situation désespérée.

Interviewer : À quoi pensez-vous que ce pays ressemblera en 2003 ?

Blaise Bailey Finnegan III : Vous savez, je vais vous dire la vérité – rien contre vous, mais je ne veux pas répondre à cette question parce que… je n’ai même pas l’esprit aussi… aussi inhumain.

…

Mon dieu, cette chanson en live était une autre excursion et elle a continué à retentir même après que le groupe ait quitté la scène. Un super fan, qui m’a dit que c’était la 23ème fois qu’il voyait le groupe en concert, m’a dit de « rester après la fin de la musique ».

Mais cela n’a jamais vraiment été fini. Je suis toujours là. Et tout comme la première fois que je les ai vus en concert, il y a presque un an jour pour jour dans une salle beaucoup plus petite à Victoria, en Colombie-Britannique, ce concert restera un souvenir que je garde confusément cher.

Les gens ont qualifié GY!BE de transcendantal, d’orgasmique, d’euphorique, d’hallucinant, d’anxiogène. C’est tout cela et bien plus encore. C’est ce qui se rapproche le plus de la projection astrale sans manger du peyotl au fond d’un tonneau. Je devrais vraiment prendre un billet pour le concert de demain. Oh, attendez, c’est complet. Allez les voir quand ils passent dans votre ville – ou pas, ils s’en fichent. Ils sont indifférents, un groupe insaisissable qui aime ses fans et qui fera de la musique jusqu’à ce qu’il n’en puisse plus, mais qui ne vous donnera jamais la clé pour comprendre son message sonore. C’est à vous de le découvrir par vous-même.

Écrit au petit matin, alors que le soleil se lève à peine au-dessus des immeubles d’habitation. Photos par l’auteur.

Godspeed You ! Black Emperor joue au MTelus le 9 mars (COMPLET)

chant choral / classique moderne / musique contemporaine / néoclassique / pop orchestrale / post-minimaliste

Riopelle symphonique: tableaux (immersifs) d’une exposition

par Alain Brunet

Comment parvenir à bouleverser, séduire, accrocher le public de la musique populaire désireux d’élever son expérience sonore? Bien peu y parviennent. Les concepteurs de Riopelle symphonique n’y parviennent peut-être pas clairement mais, plus que bien d’autres praticiens de cette fusion, s’approchent de l’objectif : comprendre et apprécier sincèrement les codes de la musique symphonique moderne, sans renier sa culture pop pour autant.

Présenté dans le contexte des célébrations du centenaire de la naissance de Jean Paul Riopelle , soit jeudi à l’ouverture du festival Montréal en lumière, Riopelle symphonique invite le public à s’immerger de son œuvre répartie en 5 actes dans un environnement multimédia chapeauté par l’exécution de l’Orchestre symphonique de Montréal, cette fois sous la direction du chef en résidence Adam Johnson, sans compter le Chœur des Petits Chanteurs de Laval et le chœur Temps Fort dirigés par Philippe Ostiguy.

Sous la direction artistique de Nicolas Lemieux, président de GSI Musique, l’auteur-compositeur-interprète Serge Fiori et le compositeur-arrangeur Blair Thomson ont été recrutés pour imaginer cette œuvre, que l’on pourrait qualifier de néo classique, sorte de poème symphonique exécuté dans un contexte immersif, appuyé d’une sobre scénographie de Marcella Grimaux – présentation de tableaux assortie d’extraits fort pertinents d’une interview de Jean Paul Riopelle menée par le biochimiste et communicateur Fernand Séguin, l’homme des grands entretiens de la SRC à une époque de plus en plus lointaine.

Ainsi, l’objectif est de mettre en valeur les œuvres probantes de Riopelle, une sélection endossée par sa fille Yseult. La projection sur trois écrans disposés au-dessus de l’orchestre est spectaculaire à souhait, sans que la sobriété essentielle à une telle opération n’en soit vraiment amoindrie.

Au-delà de ces considérations, la musique est au centre de la proposition : les compositeurs devaient s’inspirer de Riopelle tout en y apposant leur signature. Un peu comme l’avait fait Modeste Moussorgski à l’endroit de Viktor Hartmann en 1874 dans Tableaux d’une exposition, œuvre rendue célèbres en 1922 via une orchestration probante de Maurice Ravel… et l’on ne compte pas la version prog rock d’Emerson Lake & Palmer !

On connaît évidemment le travail de Serge Fiori, vétéran de la pop dont la renaissance a été marquée par la sortie d’un album solo et d’une « symphonisation » récente de son œuvre chansonnière qui trouve ici un nouveau prolongement. Dans les années 70, l’ex-leader d’Harmonium fut l’un des plus doués de la mouvance québécoise. Les expériences de son fameux groupe, notamment cette collaboration avec feu l’arrangeur Neil Chotem dans L’Heptade, révélaient ses qualités musicales intrinsèques, une profondeur harmonique et rythmique clairement supérieure à tout ce qui se faisait à l’époque dans le monde de la chanson keb. On devinait chez lui un réel intérêt pour le jazz contemporain et la musique classique moderne. Voilà qui est de nouveau confirmé.

Sa rencontre avec le très doué Blair Thomson était donc idéale, car ce dernier pouvait créer des passerelles solides entre le monde chansonnier et sa connaissance profonde du répertoire moderne ou contemporain de ladite musique sérieuse. Ainsi, on peut relever dans cette œuvre plusieurs référents stylistiques post-romantiques, impressionnistes, contemporains. Des compositeurs viennent spontanément à l’esprit : Maurice Ravel, Claude Debussy, Charles Ives, Aaron Copland, Steve Reich, John Adams et plus encore. La patte de Blair Thomson est chargée de tout ça et se met au service des airs consonants de Serge Fiori, sortis de leurs cadre chansonnier dans le cas qui nous occupe.

Les procédés plus récents de musique contemporaine ne sont-ils ici que des ornements aux mélodies tonales de Fiori ? Parfois ils le sont et parfois l’art de Blair Thomson l’emporte sur le mélodisme de cet authentique maître de la folk prog québécoise. Voilà qui diffère de l’approche habituelle de la pop symphonique dont l’objet habituel est de dérouler une épaisse moquette orchestrale sans audace sous les chansons connues du grand public venus célébrer une œuvre pop marquée du sceau symphonique, un peu à la manière d’une musique de film de type “blockbuster”..

Cette fois, donc, on se rapproche davantage d’un équilibre réel entre la composition « sérieuse » et la chanson, simple de par sa nature – lier un texte à une musique exige forcément une simplicité afin que le chant et les mots soient dûment servis. Parce que Fiori a une sensibilité musicale et une compréhension des formes musicales supérieure aux songwriters de la pop, Blair Thomson peut s’exprimer à part égale au sein du tandem en choisissant de présenter une œuvre à la fois orchestrale et chorale, sans solistes, encline aux voix jeunes et peu opératiques.

Du côté de l’auditoire, qui y trouve son compte au juste ?

Qu’en pensent les fans de Fiori et de la mouvance Harmonium ? Qu’en pensent les fans de pop venus sciemment vivre cette expérience ? Apprécient-ils vraiment les grandes fresques contemporaines de certains passages, assorties de dissonances, lignes atonales et autres effets texturaux? Ils reconnaîtront certes plusieurs éléments modernes de musiques de films marqués par les périodes post-romantiques ou modernes mais… Cette fois, cette portion est nettement plus importante et l’emporte parfois sur les arguments mélodiques. Trop ? Pas assez ? Difficile de trancher.

Qu’en disent à leur tour les fans de musiques modernes ou contemporaines dites sérieuses, certes minoritaires dans l’auditoire de cette première mondiale ? Sont-ils rassasiés par ces « mises en symphonie » de mélodies consonantes, procédé somme toute assez connu depuis les débuts du cinéma moderne ?

Cet équilibre souhaité entre l’art de Serge Fiori et l’art de Blair Thomson est, somme toute, une arme à double tranchant.

Au sortir de cette première mondiale chaudement applaudie, on pouvait aussi flairer un tant soit peu le danger d’une impression mi-figue mi-raisin, soit une réception trop froide des deux côtés de cette clôture (encore existante, mais heureusement plus poreuse) qui sépare les fans de la pop et ceux de l’univers classique. En revanche, cette posture plus contemporaine de l’œuvre, surtout dans ses premiers actes, doit être applaudie car l’audace proposée ici au grand public peut générer une certaine élévation… à condition que ce grand public admette cet équilibre extrêmement délicat entre ce qui est déjà digéré et ce qui ne l’est pas encore.

Raison de plus pour continuer l’expérience et la mener au-delà des limites admises par le conformisme ambiant.

CRÉDIT PHOTO: VICTOR DIAZ LAMICH

RIOPELLE SYMPHONIQUE EST PRÉSENTÉ VENDREDI ET SAMEDI, 20H. À LA SALLE WILFRID-PELLETIER DE LA PLACE DES ARTS. POUR INFOS ET BILLETS, C’EST ICI

**L’opéra La Flambeau de David Bontemps : un conte haïtien de portée universelle**

par Frédéric Cardin

Mardi 7 février 2023, soir de première mondiale à la salle Pierre-Mercure du Centre Pierre-Péladeau à Montréal. Selon toute vraisemblance, c’est le 4e opéra de toute l’histoire haïtienne qui est mis en scène : La Flambeau de David Bontemps, sur un livret tiré de la pièce éponyme de Faubert Bolivar. Il est logique de constater que la métropole soit désormais un catalyseur de création savante d’origine haïtienne, étant donné la grande place que prend la diaspora de ce pays au Québec. Il faisait plaisir de voir que, un, la salle était comble, deux, la moyenne d’âge était substantiellement plus basse que dans un concert classique traditionnel et, trois, les Québécois à la peau foncée constituait une partie importante de l’assistance, je dirais même probablement la majorité. Bonne et belle soirée donc pour l’opéra local!

La musique

Si, à en juger par les commentaires glanés dans le public, la plupart des personnes présentes étaient profanes en matière lyrique, cela n’a en rien paru dans le degré et la qualité d’attention manifestés pendant les quelque 1 h 45 minutes que durait l’œuvre. Il faut dire que la musique de David Bontemps, jeune musicien aussi à l’aise dans le jazz que dans la musique savante contemporaine ou les traditions folkloriques et populaires de son pays, avait de quoi séduire. Consonante et souvent mélodique, celle-ci a offert au moins deux passages que l’on pourrait qualifier de véritables arias. Je ne serais pas surpris de les entendre un jour dans une émission de musique classique grand public.

Bontemps sait également bien utiliser le chromatisme et même très occasionnellement la polytonalité pour faire avancer le drame en cours et surtout illustrer les tensions intérieures des personnages. Si ces passages ont probablement dû être plus ardus pour les néophytes de la chose contemporaine, l’ensemble demeure éminemment compréhensible en termes dramaturgique et émotionnel, même pour des personnes peu habituées à ce genre de frottements harmoniques. Rien ici qui n’aurait pas été entendu au cinéma.

La principale habileté du compositeur est dans son sens du rythme. plus de la moitié de l’opéra se passe dans un accompagnement orchestral pulsatif, un peu dans l’esprit de la musique de film ou du minimalisme étatsunien, mais construit dans des harmonies complètes et pas uniquement arpégées. Le résultat est qu’une histoire centrée sur de longs dialogues paraît en fin de compte beaucoup plus ‘’active’’ qu’on ne se l’imaginait. Ça fonctionne très bien et particulièrement (attention : divulgâcheur) dans la scène du viol.

Les voix

L’écriture pour les voix est idiomatique, accolant des motifs récurrents (façon leitmotifs) et des univers sonores reconnaissables aux différents personnages. Monsieur, un intellectuel pétri d’idéaux républicains mais en vérité surtout imbu de lui-même, reçoit une partition faite de quelques ritournelles en apparence simplistes, se gonflant parfois d’une posture prétentieuse et même martiale (on devine le potentiel tyrannique du personnage). Madame, sa femme, semble vivre dans son propre univers en parlant aux morts de sa famille. Sa musique est également la moins séduisante, la plus tendue et tourmentée. Certains de ses passages sont peut-être ceux qui auraient bénéficié d’un resserrement dans la durée. Mademoiselle, la jeune servante qui fera les frais de l’odieuse attention de Monsieur, est celle qui reçoit les plus belles plages de tout l’opéra. Deux beaux airs lui permettent de rayonner sur tout le reste. Le premier est certainement inspiré d’une mélodie populaire traditionnelle tandis que le deuxième, à la toute fin de l’opéra, est un morceau lyrique d’une grande élégance mélodique. On s’en rappellera et on a hâte de le réentendre. L’Homme, le personnage fantastique qui arrive à la fin pour juger et condamner Monsieur, est empreint d’un accompagnement sonore imposant, sombre et tragique, comme on devait s’y attendre.

En ce qui concerne les voix, c’est la soprano Suzanne Taffot (Mademoiselle) qui remporte la palme de la vedette de la soirée. Son aisance vocale et mélodique, sa diction claire, sa voix tout simplement irrésistible, la plus belle de la distribution, a conquis le public présent. Je donnerai la deuxième place à la mezzo Catherine Daniel (Madame), parfois presque alto tellement Bontemps a fait appel à son registre grave. Un vibrato assez large et sa diction française inégale en limpidité a probablement dû rebuter une partie du public. Si la basse étasunienne Brandon Coleman avait toute la prestance et la gravité vocale pour bien établir le personnage de l’Homme, sa diction française plus que floue enlevait malheureusement de sa force dramatique potentielle. Le ténor canadien Paul Williamson se tire un peu mieux d’affaire côté langue, mais il manque souvent de puissance et n’arrive pas toujours à imposer sa présence face à l’orchestre (pourtant limité aux cordes et à un maracas!). Son timbre aigu, presque nasillard, n’était pas toujours agréable non plus. La Flambeau mérite une reprise avec deux hommes à la hauteur de ces rôles.

L’orchestre et la mise en scène

Alain Trudel dirigeait l’Orchestre classique de Montréal. Le chef a très bien découpé les lignes de la partition et bien rendu les rythmes incisifs nécessaires à la propulsion de l’action. David Bontemps a été choyé. La mise en scène, relativement dépouillée, s’appuyait sur un décor minimaliste mais adéquat : un lit, servant également de divan, comme point central, un lutrin servant de tribune à Monsieur, un meuble pour la machine à café et des livres). Des projections évocatrices sur le panneau arrière complétaient la scénographie économe mais efficace..

Malgré quelques chipotages, La Flambeau est assurément une œuvre réussie, que l’on souhaite revoir et réentendre le plus tôt possible. L’histoire, bien que campée dans le terroir haïtien, est universelle. L’hypocrisie d’une élite bien pensante ‘’faites ce que je dis, pas ce que je fais’’, la misogynie, le rapport aux ancêtres, les racines culturelles, la justice rétributrice, voilà des thèmes que tous ceux et celles présents, peu importe la couleur de leur peau et leur degré de familiarité avec la chose lyrique, ont compris viscéralement. Pour la communauté québéco-haïtienne présente, il y avait certainement un sentiment de déjà vu (rappelons-nous certains de ses dirigeants passés). Pour les Québécois ‘’de souche’’, le souvenir d’un Québec d’avant Révolution tranquille encore présent à trouvé dans la séquence du chapelet (à la fin de l’opéra, Madame raconte que Monsieur traînait tout le temps un chapelet, symbole contradictoire à la fois de civilisation et du superstition talismanique). Puis, comment douter que l’abus de pouvoir sous forme de viol d’un homme ‘’important’’ vis-à-vis une jeune femme sous-classée soit entièrement d’actualité et transportable dans n’importe quel pays du monde?

Finalement, La Flambeau est aussi une création importante et marquante historiquement pour la musique haïtienne et québécoise. C’est un nouveau trait d’union de noble stature entre deux peuples dont la destinée ici en haute latitude est probablement de n’en former qu’un seul, unique et inspirant.

La Flambeau sera enregistré par ATMA Classique, en vue d’une sortie en 2024.

classique occidental / période classique / période romantique

Augmentation ou réduction : un défi pour Jean-François Rivest et I Musici de Montréal

par Alain Brunet

Augmenter ou réduire l’instrumentation prévues aux partitions originelles de grands compositeurs, voilà l’exercice auquel s’est livré Jean-François Rivest à la barre de l’Orchestre de chambre I Musici de Montréal, jeudi soir dernier à la Salle Pierre-Mercure. Brahms et Beethoven furent les compositeurs desquels le maestro montréalais a « bricolé » de célèbres partitions, dans le contexte d’un programme intitulé Allemagne: la quintessence d’I Musici

« D’abord nous avons élargi le célèbre Sextuor à cordes no 1 en si bémol majeur de Johannes Brahms aux cordes complètes de l’orchestre, divisées en six parties avec une contrebasse ajoutée (comme Mahler l’a fait avec la Jeune fille et la Mort ou comme Schoenberg avec sa propre Nuit Transfigurée). »

Ainsi, on passait d’une œuvre pour six cordes qui passait à 18 instruments à cordes sans compter la contrebasse. Avant l’exécution, le maestro a résumé les choix effectués pour cette augmentation des données instrumentales.

Un de ses « choix éditoriaux » consistait à ajouter la contrebasse aux six parties de l’orchestre. « Où bien on met ou on enlève la contrebasse, qui joue l’octave inférieur. On y réfléchit collégialement avec Yannick (Chênevert), notre cher contrebassiste qui est toujours de bon conseil. »

Un autre de ses choix repose sur une alternance des réparties entre les parties de l’orchestre et les solistes. « Le jeu d’un soliste peut s’élargir au groupe, et devient une sorte d’extension fluide du sextuor. »

Ainsi l’œuvre composée en 1860 par Brahms au terme d’un séjour de quelques années au domicile de Clara Schumann (dont le mari au prises avec de sérieux problèmes psychiatriques avait été admis en institution) se voyait amplifiée par ces suppléments de cordes. L’effet est digne d’intérêt, on en garde l’impression d’une exécution plus soyeuse, plus charnue, avec une plus grande variété d’interventions individuelles.

Évidemment, il était plus facile pour les mélomanes présents à Pierre-Mercure d’évaluer la transformation inverse subie par la célébrissime Symphonie n^o 5 en do mineur op. 67, dite Symphonie du Destin, et son fameux TA-TA-TA-DAAAM en introduction.

« L’esprit dans lequel je l’ai fait est celui du quatuor à cordes. On sait que Beethoven fut un grand compositeur de quatuors à cordes, qu’il en a écrit un grand nombre. Ainsi, les vents sont remplacés par un quatuor à cordes de solistes. Bien sûr, si vous recherchez les mêmes qualités, vous risquez d’être déçus. Ce qui m’intéresse ici ce n’est pas l’éclat des trompettes et des timbales, c’est ici la fougue, la vitalité, l’énergie, les contrastes mais aussi le grand parcours de la symphonie… ce parcours du combattant de la révolution qui part de l’écrasement total et de la peur et qui la domine jusqu’à la fin de la symphonie dans un triomphe incroyable. »

Étonnamment, le retrait des 3 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 3 bassons, 2 cors, 2 trompettes, 3 trombones, et 2 timbales, sans compter la réduction massive des cordes à 19 instrumentistes, n’est pas aussi marquée qu’on ne l’aurait imaginé au départ. Preuve que Jean-François Rivest sait faire sonner un orchestre chambre pour ainsi titiller notre curiosité avec cette ingénieuse réduction d’orchestre.

EN WEBDIFFUSION JUSQU’AU 19 FÉVRIER. SE CONNECTER ? C’EST ICI

The Smile sans détours, sans dentelle, sans…

par Alain Brunet

À l’écoute de l’album A Light for Attraction, l’union heureuse des superstars Thom Yorke et Jonny Greenwood ainsi que de Tom Skinner, batteur du groupe Sons of Kemet techniquement supérieur à celui de Radiohead (Phil Selway) annonçait vendredi une rencontre relevée au MTELUS – là même où fut présenté le concert mythique du non moins mythique Ok Computer, soit en 1997.

Les deux principaux créateurs de Radiohead étant réunis pour une première fois dans un excellent projet, autre que leur fameux groupe d’Oxford, tous les espoirs d’une soirée magistrale étaient permis.

Majoritairement quadras et quinquas, les fans québécois ont rempli à craquer l’amphithéâtre, pour employer un euphémisme. Une soirée, donc, plus concert que spectacle, vu l’économie d’effets spéciaux – jolis éclairages, néanmoins. Et plus rock, vu le personnel réduit de trois musiciens.

Au MTELUS, Thom Yorke et Jonny Greenwood ont remisé des ballots de dentelle de A Light for Attraction, ils en ont réduit la proposition studio pour privilégier une prestation plus crue, sans détours, parfois à la limite du jam ébouriffé. Bref, ils ont émondé une part congrue de ce qui rend leur travail distinct du rock conventionnel : la musique de chambre contemporaine, l’exploration électronique, les musiques non occidentales, les mesures composées ou même le jazz.

Pourquoi alors simplifier la proposition de l’album ? Quel est l’intérêt d’en balancer une version réduite ? L’ajout sporadique d’un saxophoniste de bonne tenue mais sans angle d’attaque particulier (Robert Stillman, également prévu en première partie) était-il suffisant pour étancher notre soif? Pas sûr…

Revenir à un cadre rock plus débridé et moins arrangé après avoir dressé la nappe avec un enregistrement plein et inspiré, enrichi en concert de trois pièces inédites sans compter une autre tirée de la production solo de Thom Yorke, consiste peut-être à tenir les fans (et leur portefeuille) pour acquis.

Soirée décevante, donc, pour les conditions d’écoute et pour cette prétendue crudité rock qui n’est plus depuis longtemps l’arme principale de Thom Yorke et Jonny Greenwood. Perception parmi d’autres (plus positives), bien évidemment.

PROGRAMME

The Same
Thin Thing
The Opposite
Speech Bubbles
Free in the Knowledge
A Hairdryer
Waving a White Flag
Colours Fly (inédite)
We Don’t Know What Tomorrow Brings
Bending Hectic (inédite)
Skrting on the Surface
Pana-Vision
People on Balconies (inédite)
The Smoke
You Will Never Work in Television Again

Open the Floodgates
Read the Room (inédite)
Feeling Pulled Apart by Horses (Thom Yorke)