Stereolab au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Avec leurs rythmes hypnotiques et leurs voix envoûtantes, Stereolab est devenu l’un des groupes les plus distinctifs et influents de l’indie lorsqu’ils ont émergé au début des années 90. Mené par Tim Gane et Laetitia Sadier, le groupe célébrait des genres musicaux – bossa nova, lounge-pop, bandes-son de films – qui étaient traditionnellement écartés de l’héritage du rock. Sur leurs premiers singles et albums comme Transient Random-Noise Bursts with Announcements (1993), Stereolab combinait des mélodies pop des années 60 avec une esthétique d’art rock empruntée aux groupes de Krautrock comme Faust et Neu! ; à l’époque de Emperor Tomato Ketchup (1996), leur son avait intégré le jazz, le hip-hop et la musique dance. Leur travail avec John McEntire et Jim O’Rourke sur Dots and Loops (1997) et Sound-Dust (2001) reflétait une approche de plus en plus complexe et expérimentale, mais après le décès de la membre Mary Hansen en 2002, ils sont finalement revenus à un style plus pop sur des albums comme Chemical Chords (2008). Le son inimitable de Stereolab a eu un impact durable : des contemporains comme Pavement et Blur ont imité leur style dans les années 90, tandis que des artistes de hip-hop tels que J Dilla et Tyler the Creator ont samplé leur musique ou collaboré avec ses membres dans les années 2000 et 2010. À la fin de cette décennie et dans les années 2020, la renaissance de Stereolab en tant que groupe en tournée et la sortie régulière de rééditions ont souligné leur réputation d’innovateurs.

With their hypnotic rhythms and mesmerizing vocals, Stereolab became one of indie’s most distinctive and influential bands when they emerged in the early ’90s. Led by Tim Gane and Laetitia Sadier, the group celebrated strands of pop music — bossa nova, lounge-pop, movie soundtracks — that were traditionally banished from rock’s lineage. On early singles and albums such as 1993’s Transient Random-Noise Bursts with Announcements, Stereolab combined ’60s pop melodies with an art rock aesthetic borrowed from Krautrock bands like Faust and Neu!; by the time of 1996’s Emperor Tomato Ketchup, their sound incorporated jazz, hip-hop, and dance music. Their work with John McEntire and Jim O’Rourke on 1997’s Dots and Loops and 2001’s Sound-Dust reflected an increasingly intricate, experimental approach, but following the 2002 death of member Mary Hansen, they eventually returned to a poppier style on albums like 2008’s Chemical Chords. Stereolab’s unmistakable sound had a lasting impact: Contemporaries like Pavement and Blur aped their style in the ’90s, while hip-hop artists such as J Dilla and Tyler the Creator sampled the band’s music or collaborated with its members in the 2000s and 2010s. Late in that decade and into the 2020s, Stereolab’s revival as a touring band and a steady stream of reissues underscored their reputation as innovators.

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heavy metal / Metalcore

Invent Animate & Silent Planet au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Invent Animate

Le groupe texan de metalcore Invent Animate a émergé au milieu des années 2010 avec un son complexe et techniquement impressionnant, intégrant le djent, l’ambient, le métal progressif et le post-hardcore. Après avoir traversé plusieurs changements de membres, ils se sont forgé une réputation pour leur travail minutieux en studio avec des albums comme Stillworld (2016) et Greyview (2020), tout en consolidant leur héritage de groupe live intense. Après trois albums chez Tragic Hero, ils ont signé avec le label australien UNFD et ont sorti Heavener en 2023.

Texas metalcore combo Invent Animate rose in the mid-2010s with an intricate, technically dazzling sound that incorporated djent, ambient, progressive metal, and post-hardcore. While enduring a handful of membership changes, they earned a reputation for detailed studio craft on albums like 2016’s Stillworld and 2020’s Greyview while also cementing a legacy as a fierce live act. After three albums on Tragic Hero, they signed with Australia’s UNFD and released 2023’s Heavener.

Silent Planet

Silent Planet est un groupe de metalcore basé à Los Angeles, dont la musique oscille entre des moments de contemplation atmosphérique calme et des assauts sonores puissants. Leurs paroles offrent une réflexion sur les défis de la vie dans un monde destructeur et chaotique. Bien que le leader du groupe, Garrett Russell, soit chrétien, il a fermement rejeté l’idée de classer Silent Planet comme un groupe chrétien, expliquant que ses paroles sont thématiquement diverses et cherchent à poser des questions plutôt qu’à donner des réponses faciles. Le groupe a fait forte impression dès ses débuts avec l’attaque percutante de The Night God Slept en 2014, et a ajouté des structures plus complexes ainsi qu’une utilisation accrue de l’électronique avec When The End Began en 2018 et Superbloom en 2023.

Silent Planet are a Los Angeles-based metalcore band whose music embraces dynamics swinging from quiet, atmospheric contemplation to a full-on sonic assault, and whose lyrics offer a thoughtful view of the challenges of life in a destructive, chaotic world. Though group leader Garrett Russell is a Christian, he’s firmly rejected classifying Silent Planet as a Christian band, saying his lyrics are thematically diverse and strive to ask questions rather than provide easy answers. The group stormed out of the gate with a challenging attack on 2014’s The Night God Slept, and added more complex structures and increased use of electronics with 2018’s When The End Began and 2023’s Superbloom.

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Alt Folk / Indie

The Weather Station au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Projet de la chanteuse et autrice-compositrice Tamara Lindeman, The Weather Station se distingue par des chansons à la fois musicales et émotionnellement agiles, portées par sa voix cristalline et ses paroles lucides. Sur ses premiers albums, comme All of It Was Mine (2011), elle développe un style terre-à-terre, influencé par la scène folk de Toronto et construit autour de la guitare, du banjo et de textes introspectifs. Avec Loyalty (2015), sa musique devient plus abstraite, tandis que son écriture gagne en précision et en profondeur. Par la suite, Lindeman accompagne la complexité de ses paroles d’une musique tout aussi ambitieuse : The Weather Station (2017) fusionne son interprétation du rock & roll avec une réflexion féministe, tandis que Ignorance (2021) et son pendant plus feutré, How Is It That I Should Look at the Stars (2022), mêlent des méditations sur le changement climatique à des sonorités jazz et soft rock luxueuses. Avec Humanhood (2025), elle explore l’improvisation pour capturer le tumulte de l’existence dans les années 2020. Malgré ces évolutions, la musique de Lindeman reste constamment captivante, confirmant les comparaisons avec des figures comme Joni Mitchell et Leonard Cohen, ainsi qu’avec des contemporains tels que Weyes Blood et Bill Callahan.

The project of singer/songwriter Tamara Lindeman, the Weather Station’s musically and emotionally nimble songs are defined by her silvery voice and clear-eyed lyrics. On Lindeman’s earliest albums, like 2011’s All of It Was Mine, she cultivated a down-to-earth style informed by her time in Toronto’s folk scene and driven by her guitar, banjo, and confessional lyrics. By the time she released 2015’s Loyalty, her music had grown more abstract, and her songwriting more detailed and analytical. Later, Lindeman matched the intricacy of her words with equally ambitious music. 2017’s The Weather Station paired her version of rock & roll with feminist insights; 2021’s Ignorance and its hushed 2022 companion, How Is It That I Should Look at the Stars, combined musings on climate change with luxurious jazz and soft rock; the improvisations of 2025’s Humanhood reflected the tumult of being alive in the 2020s. Amidst the Weather Station’s changes, Lindeman’s music remained consistently compelling, proving the comparisons to forebears like Joni Mitchell and Leonard Cohen and contemporaries such as Weyes Blood and Bill Callahan were more than warranted.

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Garage Rock / Indie Rock / Lo-Fi

The Brian Jonestown Massacre au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Projet musical en perpétuelle évolution mené par le célèbre musicien de rock psychédélique Anton Newcombe, The Brian Jonestown Massacre a traversé de nombreuses phases et incarnations depuis son apparition au milieu des années 1990, devenant peu à peu une véritable institution indépendante. Des albums marquants comme Their Satanic Majesties’ Second Request (1996) illustrent l’aptitude de Newcombe à mêler la psychédélie de la fin des années 1960 à des textures shoegaze, tandis que des œuvres plus récentes, comme la bande-son imaginaire Musique de Film Imaginé (2015), adoptent une approche plus cérébrale et expérimentale. Le groupe connaît son plus grand moment de visibilité après la sortie du documentaire DIG! en 2004, qui met en lumière la relation houleuse entre Newcombe et Courtney Taylor-Taylor, leader des Dandy Warhols. Bien que critiqué par les membres des deux groupes pour son traitement jugé partial, le film n’empêche pas The Brian Jonestown Massacre de survivre à cette attention médiatique et d’entamer une période de grande créativité tout au long des années 2010. Le premier album du groupe de la décennie suivante, Fire Doesn’t Grow on Trees, sort en 2022, suivi de près par Your Future Is Your Past en 2023.

The ever-evolving musical vehicle for notorious psych-rock musician Anton Newcombe, the Brian Jonestown Massacre has endured numerous phases and iterations since arriving in the mid-’90s, becoming something of an independent institution in the process. Early highlights like 1996’s Their Satanic Majesties’ Second Request showed Newcombe’s propensity for melding late-’60s psychedelia with textured shoegaze, while later standouts like 2015’s imaginary soundtrack Musique de Film Imaginé took a more cerebral and experimental approach. Undoubtedly, the band’s most visible period followed the release of the 2004 documentary film DIG!, which focused on the contentious relationship between Newcombe and Dandy Warhols frontman Courtney Taylor-Taylor. With the film criticized by members of both groups for what they considered to be an unfair portrayal, the Brian Jonestown Massacre nonetheless survived the media attention and moved into a particularly fertile period of creativity throughout the 2010s. The band’s first release of the next decade was 2022’s Fire Doesn’t Grow on Trees, quickly followed by 2023’s Your Future Is Your Past.

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Alt Folk / Indie Rock

Sons Of The East au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Formé en 2011 dans la région de Northern Beaches à Sydney, en Australie, ce trio de folk indépendant s’inspirait initialement du son à la fois entraînant et accessible de Mumford & Sons. Cependant, au moment de la sortie de Palomar Parade en 2022 — un premier album complet attendu de longue date — leur son avait mûri et laissait transparaître l’influence de Bruce Springsteen, Bob Dylan et Crosby, Stills & Nash.

Formed in the Northern Beaches area of Sydney, Australia in 2011, this indie folk trio initially nodded to the raucous-but-radio-friendly sound of Mumford & Sons. However, by the time of 2022’s Palomar Parade — a later-than-expected debut full-length — their sound had matured and betrayed the influence of Bruce Springsteen, Bob Dylan, and Crosby, Stills & Nash.

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Alt Folk / Indie Pop

Amistat au Théâtre Beanfield

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Les frères jumeaux Josef et Jan Prasil sont nés en Allemagne mais ont grandi en Italie. Leurs parents ont des origines tchèque et australienne. Désireux de faire avancer leur carrière musicale, ils ont ensuite déménagé en Australie avant de décider, en 2019, de revenir s’installer en Europe.
L’identité musicale d’Amistat résonne avec des sonorités modernes rappelant Simon & Garfunkel, tout en s’inspirant d’artistes comme Ben Howard, Kings of Convenience et Kodaline. Leur musique prend toute son ampleur en concert, offrant un espace d’émotion, de guérison et d’inspiration. Leurs harmonies vocales, façonnées par leurs personnalités et sensibilités musicales distinctes, créent une synergie unique qui se découvre pleinement en live.

Twin brothers Josef and Jan Prasil were born in Germany but grew up in Italy. Their parents have roots in the Czech Republic and Australia. Seeking to advance their music careers, they later moved to Australia. In 2019, the duo decided to relocate back to Europe.
Amistat’s musical identity finds resonance in modern soundscapes reminiscent of Simon & Garfunkel, while drawing influence from artists like Ben Howard, Kings of Convenience, and Kodaline. Their music truly comes to life in a live setting, offering a haven for emotional connection, healing, and inspiration. Their vocal harmonies, shaped by their distinct personalities and musical inclinations, create a unique synergy that’s best experienced firsthand.

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alt-rock / Blues Rock / Indie

The Blue Stones au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Avec une approche dynamique de blues-rock qui mélange à la fois le rock classique et un alt-rock moderne et élégant, le duo canadien de guitare et batterie The Blue Stones a fait ses premières armes dans leur Ontario natal au début des années 2010 avant de toucher un public plus large avec l’album brut Black Holes en 2016. Grâce à quelques placements de haut profil, dont Monday Night Football sur ESPN, leur chanson Rolling with the Punches a trouvé un large écho et leur a permis de signer avec le géant de l’industrie, Entertainment One, qui a réédité Black Holes en 2018. Le duo a amélioré sa technique en studio pour son prochain album complet, Hidden Gems (2021).

With a rousing blues-rock approach that touches on both classic rock and sleek modern alt-rock, Canadian guitar and drums duo the Blue Stones cut their teeth around their native Ontario in the early 2010s before finding a wider audience with 2016’s gritty Black Holes album. Thanks to a handful of high-profile placements, including ESPN’s Monday Night Football, their song, “Rolling with the Punches,” found legs and eventually netted them a deal with industry giant, Entertainment One, who reissued Black Holes in 2018. The duo boosted their studio technique for their next full-length album, 2021’s Hidden Gems.

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Indie Rock / Ska

The Planet Smashers au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Émergeant de l’assez improbable ville de Montréal, Québec, les revivalistes du ska The Planet Smashers ont été formés en 1994 par le chanteur/guitariste Matt Collyer, le bassiste Dave Cooper, le saxophoniste Leon Kingston, le tromboniste Kurt Ruzenisky et le batteur Tim Doyle. Après un premier album éponyme en 1996 sous leur propre label STOMP, ils ont également sorti plus tard cette année-là l’EP Inflate to 45 RPM. Attack of the Planet Smashers est paru en 1998, suivi de Life of the Party l’année suivante. À ce stade, la composition du groupe avait évolué pour inclure Collyer, Cooper, le saxophoniste Neil “Lonestar” Johnson, le tromboniste Andrew Lattoni et le batteur Scott Russell. Ils avaient également construit une solide base de fans en Amérique du Nord, en tournant avec des groupes tels que Mustard Plug, AFI, Samiam et les Aquabats, entre autres, et STOMP prospérait en tant qu’indépendant influencé par le ska et le punk. The Planet Smashers sont restés constants au fil des années, sortant No Self Control en 2001, Fabricated en 2002, et Mighty en 2004. Le DVD Ten est également sorti en 2004, documentant les dix premières années du groupe avec des interviews, des clips, des images live et plus encore, tandis que le groupe passait plusieurs semaines sur le Vans Warped Tour de l’été. Unstoppable a suivi en 2005.

Emerging from the rather unlikely locale of Montreal, Quebec, ska revivalists the Planet Smashers were formed in 1994 by singer/guitarist Matt Collyer, bassist Dave Cooper, saxophonist Leon Kingston, trombonist Kurt Ruzenisky, and drummer Tim Doyle. Debuting with a 1996 self-titled effort for their own STOMP imprint, later that year they also issued the EP Inflate to 45 RPM. Attack of the Planet Smashers appeared in 1998, followed by Life of the Party a year later. By this point the band’s lineup had shifted to include Collyer, Cooper, saxophonist Neil “Lonestar” Johnson, trombonist Andrew Lattoni, and drummer Scott Russell. They’d also built a respectable following throughout North America, touring with bands like Mustard Plug, AFI, Samiam, and the Aquabats, among others, and STOMP was doing well as a ska- and punk-flavored indie. The Planet Smashers remained consistent over the years, dropping No Self Control in 2001, Fabricated in 2002, and Mighty in 2004. The DVD Ten appeared in 2004 as well, documenting the band’s first ten years together with interviews, music videos, live footage, and more, while the band spent several weeks on the summer’s Vans Warped Tour. Unstoppable was next issued in 2005.

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Black Metal / heavy metal / Scandinavian

Enslaved au Théâtre Beanfield

by Rédaction PAN M 360

Enslaved est un groupe maître du black metal norvégien/Viking metal qui, depuis le début des années 1990, a constamment adopté une approche avant-gardiste sans jamais sacrifier ses racines extrêmes. Émergés à l’aube de la deuxième vague du genre, leur son est marqué par un changement constant, des compositions complexes et un large éventail d’instruments ; ils ont rejeté le terme « black metal » comme étant trop réducteur. Eld (1997) marie une production chaude à des voix claires et des compositions épiques. Below the Lights (2003) explore les états émotionnels et psychologiques en utilisant de nombreux instruments. In Times (2015) atteint la quatrième place du Heatseekers Chart. E (2017) a été conçu à partir des fondations métaphoriques de Vertebrae (2008), mais utilise de nouvelles stratégies en matière d’instrumentation et de texture ; l’album a remporté le Spellemannprisen en Norvège. Heimdal (2023) s’est classé dans quatre pays et a atteint la sixième place des classements britanniques.

Enslaved are masters of Norwegian black/Viking metal who have, since the early 1990s, consistently employed a forward-thinking approach without sacrificing their extreme roots. Emerging at the dawn of the genre’s second wave, their sound is marked by constant change, complex compositions, and myriad instrument choices; they rejected the term “black metal” as limiting. 1997’s Eld wed warm production to clean vocals and epic compositions. 2003’s Below the Lights explored emotional and psychological states by employing many instruments. 2015’s In Times peaked at number four on the Heatseekers chart. 2017’s E was architected from the metaphorical bones of 2008’s Vertebrae, but employed new strategies in instrumentation and texture; it won Norway’s Spellemannprisen. 2023’s Heimdal charted in four countries and peaked at number six on the U.K. album charts.

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Alternative / Indie Rock

Livingston au Théâtre Beanfield

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La musique de Livingston est le point de rencontre entre la réalité et la fiction. Auteur-compositeur-interprète et producteur de 22 ans originaire de Denton, au Texas, il a passé une grande partie de son adolescence isolée à perfectionner sa passion pour la musique afin d’échapper à son anxiété. L’univers sonore qu’il a créé associe des paroles et des mélodies profondément personnelles, intimes et émouvantes à des arrangements grandioses, une production soignée et des couches musicales riches.

Livingston’s music is the sound of reality and fiction colliding. The 22-year-old singer/songwriter and producer from Denton, Texas would spend much of his isolated youth honing in his passion for music to escape his anxiety. The sonic world he created pairs deeply personal, intimate, emotional lyrics and melodies alongside larger-than-life arrangements, production and musical layers.

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Garage Rock / Indie Rock / noise-pop

Black Rebel Motorcycle Club au Théâtre Beanfield

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La graine qui allait donner naissance à Black Rebel Motorcycle Club (BRMC en abrégé) a été plantée en 1995, lorsque Robert Levon Been (alias Robert Turner) et Peter Hayes se sont rencontrés alors qu’ils fréquentaient le lycée à San Francisco. Les deux ont formé une solide amitié et une camaraderie fondée sur une passion commune pour des groupes britanniques des années 90 tels que Ride, les Stone Roses, The Jesus and Mary Chain et My Bloody Valentine. Malgré ces goûts similaires, chacun a rejoint des groupes différents — Hayes a notamment joué dans Brian Jonestown Massacre autour de l’album Give It Back! — et ils ont travaillé séparément pendant plusieurs années, bien qu’ils se soient parfois tenus au courant en assistant aux concerts de l’un et l’autre. En 1998, cependant, Turner et Hayes se sont retrouvés et ont ajouté le batteur britannique Nick Jago au groupe. Le groupe a commencé à jouer en live en novembre 1998 sous le nom d’Elements, un nom qu’ils ont rapidement abandonné en découvrant qu’il était déjà utilisé par plusieurs autres groupes. Ils ont ensuite emprunté leur nouveau nom à la bande de motards dirigée par Marlon Brando dans The Wild One.

The seed that became Black Rebel Motorcycle Club — or BRMC for short — was planted in 1995, when Robert Levon Been (aka Robert Turner) and Peter Hayes met while attending high school in San Francisco. The two formed a solid friendship and a shared camaraderie based on a mutual love of early-’90s U.K. bands like Ride, the Stone Roses, the Jesus and Mary Chain, and My Bloody Valentine. Despite such similar tastes, both joined different bands — Hayes spent time in the Brian Jonestown Massacre circa Give It Back! — and worked apart for several years, although they occasionally kept in touch by attending each other’s gigs. In 1998, however, Turner and Hayes regrouped and added British drummer Nick Jago to the fold. The band began performing live in November 1998 as the Elements, a name they quickly ditched after discovering many other bands that shared the same title. They purloined their new moniker from the Marlon Brando-led biker gang that stormed into that dusty California hamlet in The Wild One.

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Electro-Pop / Experimental / Contemporary

Noga Erez au Théâtre Beanfield

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La productrice, chanteuse et auteure-compositrice de Tel Aviv, Noga Erez, crée une pop électronique expérimentale qui allie des sonorités audacieuses à des commentaires sociaux percutants. Sur son album de débuts Off the Radar (2017), elle explore l’hypocrisie, la paranoïa et le privilège à travers des morceaux entraînants rappelant M.I.A. et Flying Lotus. Elle élargit son approche sur Kids (2021), en équilibrant sa vision du monde sans compromis avec une perspective plus personnelle.

Tel Aviv producer and singer/songwriter Noga Erez makes electronic pop experimental that pairs bold sonics with astute social commentary. On her 2017 debut album Off the Radar, she delved into hypocrisy, paranoia, and privilege over propulsive tracks that recalled M.I.A. and Flying Lotus. She widened her approach on 2021’s Kids, balancing her uncompromising worldview with a more personal viewpoint.

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