QG Salle de spectacles – 11 avenue Principale

Art Pop / Experimental / Contemporary / Synth-Pop

FME : Nadah El Shazly et N Nao au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

N Nao (17h)

N NAO, nommée Naomie de Lorimier, est une artiste née et basée à Montréal. Elle explore la romance expérimentale par la musique, la performance et la vidéo depuis des millions d’années. Ses compositions s’inscrivent dans une démarche écoféministe, inspirée de rêves et de rituels. Son deuxième album L’eau et les rêves (24 mars 2023 via Mothland) repousse les limites de la chanson entre sonorités électroniques et organiques. En plus d’une reconnaissance du public et de l’industrie, il lui vaut une place sur la Longue Liste du Prix de musique Polaris 2023. En sus de collaborer avec entre autres Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy et Lumière, elle a assuré les premières parties de plusieurs artistes dont Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson et Water From Your Eyes, et joué dans la dernière année notamment à Pop Montréal, Paris, Berlin, Sled Island à Calgary et SXSW au Texas. N NAO nous revenait l’hiver dernier avec Nouveau Langage, son troisième long jeu paru le 31 janvier 2025 via Mothland, deuxième à se retrouver sur Longue Liste du Prix de musique Polaris (2025).

N NAO, also known as Naomie de Lorimier, is a Montréal-born and based artist. For millions of years, she has explored experimental romance by way of music, performance and video. Her compositions employ an ecofeminist approach inspired by dreams and daily rituals. Her second full-length, L’eau et les rêves (March 24th, 2023 via Mothland) challenged traditional singer-songwriter music by aptly blurring the line between electronic and organic sounds. Celebrated by the public and the industry alike, the album made the Long List for the 2023 Polaris Music Prize. On top of stellar collaborations with Laurence-Anne, Klô Pelgag, Lou-Adriane Cassidy, and Lumière, she acted as main support for the likes of Sarah Pagé, Jessica Moss, Ariane Moffatt, Patrick Watson, and Water from Your Eyes. Over the past year, she took part in POP Montreal, Sled Island (Calgary, AB) as well as SXSW (Austin, TX), while also performing in Paris, FR and Berlin, DE. Last Winter, N NAO came back with Nouveau Langage, her third full-length released on January 31st, 2025 via Mothland, her second album to be long-listed for the Polaris Music Prize (2025).

Nadah El Shazly (18h)

Née et élevée au Caire, Nadah El Shazly a débuté sa carrière musicale dans un groupe punk avant de se tourner vers la composition électronique expérimentale. Son premier album Ahwar (2017) a été salué mondialement pour sa fusion novatrice entre traditions musicales arabes et sonorités contemporaines, propulsant El Shazly au premier plan de la scène musicale internationale. Elle figurait en couverture du magazine The Wire en 2018, à l’occasion d’un dossier consacré à la nouvelle vague musicale du Caire. Artiste de scène magnétique, elle combine voix envoûtante, manipulation sonore pointue et collaborations percutantes (Sam Shalabi, Elvin Brandhi, Maurice Louca). Elle s’est produite sur les scènes des festivals Irtijal, Le Guess Who?, Rewire, Roskilde, FIMAV, entre autres. Également compositrice de musiques de films, elle a signé la bande originale du film Les Damnés ne pleurent pas (2022), remportant deux prix internationaux. En 2024, elle a sorti Pollution Opera, un album abrasif en duo avec Elvin Brandhi. Son œuvre récente, Laini Tani, en collaboration avec 3Phaz, Patrick Graham et Sarah Pagé, illustre une maîtrise totale des textures sonores et une voix puissante, au cœur d’un univers musical dense, urbain et onirique. Nadah El Shazly incarne une figure audacieuse et singulière de la musique expérimentale mondiale.

Born and raised in Cairo, Nadah El Shazly began her musical path in a Misfits cover band before turning to experimental electronic composition. Her 2017 debut album Ahwar was met with international acclaim for its groundbreaking fusion of Arabic musical traditions and avant-garde production, earning her a leading place in global experimental music. In 2018, The Wire magazine featured her on its cover, highlighting “Cairo’s New Wave.” El Shazly’s performances are immersive experiences that merge her mesmerizing vocals with intricate sonic textures. She has collaborated with forward-thinking artists like Sam Shalabi, Elvin Brandhi, and Maurice Louca, and performed at renowned festivals including Irtijal, Le Guess Who?, Roskilde, FIMAV, and Rewire. As a composer for film, El Shazly’s soundtrack for The Damned Don’t Cry (2022) earned awards at the Bordeaux and Dublin film festivals. In 2024, she released Pollution Opera, a raw, genre-defying album with Elvin Brandhi exploring visceral electroacoustic soundscapes. Her latest project Laini Tani, co-produced with 3Phaz and featuring Patrick Graham and Sarah Pagé, is a sonic labyrinth where El Shazly’s commanding voice guides the listener through bold rhythmic structures and surreal textures. Nadah El Shazly continues to expand the possibilities of contemporary experimental music.

CE SPECTACLE EST GRATUIT!

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boom bap / rap

FME : Super Duty Tough Work et Mosez Jones au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

Mosez Jones (17h)

Mosez Jones, natif de Montréal, se distingue comme un artiste et producteur hip-hop avant-gardiste, dépassant les frontières conventionnelles grâce à une identité sonore unique. Sa plume poétique ne se contente pas de capturer des instants : elle les tisse avec finesse dans une véritable tapisserie musicale. Dès ses débuts sur la scène locale, Mosez Jones a marqué les esprits, s’imposant par des collaborations percutantes allant du rap au R&B/Soul. Libéré des limites de genre, il navigue avec aisance entre divers univers musicaux, révélant une polyvalence mise en valeur par des singles au charme indéniablement classique.

Mosez Jones, a Montreal native, stands out as an avant-garde hip-hop artist and producer, transcending conventional boundaries with a unique sonic identity. His poetic songwriting not only captures moments but intricately weaves them into a tapestry of musical expression. From the outset of his career in the local scene, Mosez Jones made a resounding impact, establishing himself through dynamic collaborations spanning the realms of Rap to R&B/Soul. Unconstrained by genre limitations, he effortlessly navigates through diverse musical landscapes, showcasing a versatility that is underscored by singles exuding an undeniably classic aura.

Super Duty Tough Work (18h)

Un goût d’âge d’or, une ère futuriste. Du Paracétamol pour les migraines capitalistes. De la débauche basée sur la résistance pour les méchants désabusés. Attaché à la tradition, mais résolument tourné vers l’innovation, Super Duty Tough Work est un projet d’art-rap en constante évolution mené par le visionnaire discret Brendan Grey. Deux fois nominé au Polaris et une fois lauréat des Western Canadian Music Awards, Super Duty Tough Work a subtilement élargi sa portée ces dernières années grâce à des productions de qualité et à des tournées internationales. Ancré dans la tradition des arts de résistance noirs américains, Super Duty Tough Work est connu pour son humour mordant et ses analyses approfondies, promouvant ses idées radicales de révolution, de fête et de conneries, sur disque comme sur scène. Inspiré par le son jazz crasseux du hip-hop de la côte Est des années 90, Super Duty Tough Work incarne en live la quintessence de la culture hip-hop, se produisant en tant que groupe mais déployant un son qui s’apparente davantage à un échantillonneur MPC ou SP-404. Réputés pour leurs sets soigneusement sélectionnés, SDTW mêle rap décontracté et interprétations cinglantes à des boucles hypnotiques et des transitions fluides, gardant le public en haleine et captivé par l’attente de la suite. En bref : l’internationalisme est le thème, la libération par l’hédonisme le rêve, et la satisfaction est garantie par une équipe dont la spécialité est d’emmener le public dans un voyage à travers une culture où les boucles sont explosées et les bijoux sont les outils du métier.

Golden-era taste, future-era based. Tylenol 3 for capitalist migraines. Resistance based-debauchery for disaffected baddies. Committed to tradition, yet set on innovation, Super Duty Tough Work is a constantly evolving, art-rap project led by quiet visionary Brendan Grey. Two-time Polaris nominees and one time Western Canadian Music Award winners, Super Duty Tough Work have subtly been growing their reach over the last few years through quality offerings and international touring. Rooted in the tradition of Black American resistance arts, Super Duty Tough Work is known for their scathing wit and thorough analysis, pushing their radical politic of revolution, party and bullshit, on record and on stage. Inspired by the dirty jazz sample sound of 90s east coast hip hop, Super Duty Tough Work are the live incarnation of hip hop culture’s quintessential era, appearing as a band but manifesting a sound that’s more akin to something straight out of an MPC or SP-404 sampler. Revered for their methodically curated sets, SDTW mixes laidback rap action and razor-sharp delivery with hypnotic loops and effortless transitions, keeping audiences on their feet and transfixed in anticipation for what’s coming next. Simply put: internationalism is the theme, liberation through hedonism is the dream, and satisfaction is guaranteed from the team whose specialty is taking audiences on a journey through a culture where loops are slayed and jewels are the tools of the trade.

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art rock / Indie Rock / psych

FME : Antoine Corriveau et Critique Love au QG Salle de spectacles

by Rédaction PAN M 360

Critique Love (17h)

Critique Love, c’est le projet de rock cinématographique du compositeur Antoine Binette Mercier, notamment connu comme proche collaborateur de Julien Sagot. Œuvrant dans le milieu de la musique à l’image depuis une dizaine d’années, Binette Mercier a notamment signé les trames sonores des téléséries Société distincte et Le 422 ainsi que celle du documentaire Takedown: the DNA of GSP. Et, grâce à son travail avec Sagot, il s’intéresse aussi désormais à percevoir la chanson comme un monde affranchi de tout cadre convenu et formel –en résulte Critique Love : une porte vers un voyage plastifié de souvenirs, un défilement d’autoroutes teutonnes, de déserts apocalyptiques, de cabarets dystopiques et de cosmos sondé, qui pourra plaire autant aux fans de Jonny Greenwood que de Suuns. Un premier album paraîtra cette année sous Simone Records : du rock qui ira toujours ailleurs, des angoisses qu’on sublime, de la lumière qui s’immisce dans les interstices qu’elle finit résolument par créer.

Critique Love is the cinematic rock project of composer Antoine Binette Mercier, known in particular as a close collaborator of Julien Sagot. Working in the film music industry for around ten years, Binette Mercier has notably composed the soundtracks for the television series Société Distincte and Le 422 as well as the documentary Takedown: the DNA of GSP. And, thanks to his work with Sagot, he is also now interested in perceiving song as a world free from any conventional and formal framework – the result is Critique Love: a door to a plasticized journey of memories, a scrolling of Teutonic highways, apocalyptic deserts, dystopian cabarets and a probed cosmos, which will appeal to fans of Jonny Greenwood as well as Suuns. A first album will be released this year under Simone Records: rock that will always go elsewhere, anxieties that are sublimated, light that infiltrates the interstices that it resolutely ends up creating.

Antoine Corriveau (18h)

Avec Oiseau de Nuit, Antoine Corriveau signe un album profondément intime et expérimental. Né de fragments d’identités fictives et réelles, le projet explore la dissociation, les violences invisibles et la quête de transformation de soi. À travers une narration labyrinthique où mémoire et fantasme se confondent, Corriveau cherche à dire l’indicible : les zones sombres qui façonnent l’être. Inspiré par les codes du hip-hop et du sampling, il initie un processus de création libre, invitant une quinzaine de musicien·nes à improviser en studio. Ces sessions deviennent la matière première de compositions audacieuses, où se mêlent influences jazz, RnB, rap et poésie brute. Aux côtés de Stéphane Bergeron, François Lafontaine, Sheenah Ko ou VioleTT Pi, Corriveau bâtit un univers musical éclaté et organique, évitant le pastiche tout en s’inspirant d’artistes comme Kendrick Lamar, Alice Coltrane ou Makaya McCraven. L’autre moitié de l’album revient à l’essentiel : piano, guitare, solitude. Ce double mouvement, entre densité collective et dépouillement introspectif, permet à Corriveau de dévoiler, pour la première fois, des parts de lui-même jusque-là tues. Oiseau de Nuit est un voyage identitaire, entre passé et présent, où la musique devient acte de résurrection, et la création. Tout pour se sentir vivant.

With Oiseau de Nuit, Antoine Corriveau delivers a bold and intimate album that blurs the lines between fiction and autobiography. Inspired by imagined lives and inner transformations, the album delves into invisible violence, dissociation, and the need to become other—a new self capable of transcending past darkness. Memory and fantasy entwine, creating a deeply layered narrative. Initially drawn to hip-hop production and sampling, Corriveau avoids stylistic mimicry by building his own soundbank through improvisation. He invited over a dozen musicians to record freely in his studio—Stéphane Bergeron, François Lafontaine, Sheenah Ko, VioleTT Pi, among others—laying the foundation for a sonic tapestry influenced by jazz, RnB, rap, and spiritual music. Artists like Kendrick Lamar, Alice Coltrane, Makaya McCraven, and Georgia Anne Muldrow guided his exploratory process. While half the album is rooted in these collective sessions, the other half returns to Corriveau’s core: stripped-down songwriting at the piano or guitar. This dual approach—expansive and introspective—reveals parts of himself never before expressed in his music. Oiseau de Nuit is a journey through childhood, adolescence, and identity, offering a poetic, sometimes raw portrait of becoming. Music here is not just expression—it is survival, and ultimately, a declaration of life.

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