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Alternative / Indie Pop / Psych-Rock

POP Montréal : Cure-Pipe + Wizaard + DAPHNE + Tom Leger à l’Escogriffe Bar Spectacle

by Rédaction PAN M 360

Cure-Pipe

Cure-Pipe, c’est le projet de l’auteur-compositeur-interprète Thomas Dakin, qui s’entoure de collaborateurs de talent pour créer une expérience musicale totalement éclatée et prenante. Ainsi, rock psychédélique et garage pop se mêlent aisément au rock classique et à l’hyperpop pour créer une recette surprenante, un peu crasseuse, mais surtout, totalement vraie. Thomas ne fait pas dans la demi-mesure. Avec Cure-Pipe, il se livre entièrement, sans compromis. Il y a de ces artistes qui nous obligent à s’arrêter et à prendre le temps d’écouter. Thomas est de ceux-là.
En 2021, à la suite de la parution de son premier album, Mazeless Loudness, Thomas et ses acolytes ont tourné un peu partout au Québec. Les mélomanes ont rapidement été séduits par la présence et l’intensité du jeune artiste fortement inspiré par l’esthétique psychédélique. Avec l’album Le Pire, paru en 2022 avec le soutien de Soluté Records, Cure-Pipe prend un virage pop tout en restant fidèle à ses racines garage.
L’année 2023 marque un tournant important dans la carrière de Thomas, puisque l’album J’avais a rapidement attiré l’attention des mélomanes et des professionnels de l’industrie. Ainsi, Cure-Pipe se positionne maintenant comme un artiste original et prometteur de la scène musicale québécoise. Après une année chargée marquée par une participation aux demi-finales des Francouvertes, des nominations au GAMIQ et une mini-tournée européenne, Cure-Pipe est maintenant gonflé à bloc et prêt à nourrir les mélomanes de gras purement saguenéen avec son nouvel album : J’ai trouvé Jésus.

Cure-Pipe is the project of singer-songwriter Thomas Dakin, who surrounds himself with talented collaborators to create a totally exploded and gripping musical experience. Psychedelic rock and garage pop blend effortlessly with classic rock and hyperpop to create a recipe that’s surprising, a little grimy, but above all, totally real. Thomas doesn’t do things by halves. With Cure-Pipe, he gives himself away completely, without compromise. There are artists who force us to stop and take the time to listen. Thomas is one of them.
In 2021, following the release of his debut album, Mazeless Loudness, Thomas and his band toured throughout Quebec. Music lovers were quickly won over by the presence and intensity of this young artist, strongly inspired by the psychedelic aesthetic. With the album Le Pire, released in 2022 with the support of Soluté Records, Cure-Pipe took a pop turn while remaining true to their garage roots.
The year 2023 marks an important turning point in Thomas’s career, as the album J’avais quickly caught the attention of music lovers and industry professionals alike. As a result, Cure-Pipe is now positioned as an original and promising artist on the Quebec music scene. After a busy year marked by an appearance in the Francouvertes semi-finals, GAMIQ nominations and a European mini-tour, Cure-Pipe is now pumped up and ready to feed music lovers pure Saguenay fat with his new album: J’ai trouvé Jésus.

Wizaard

Le groupe montréalais Wizaard indie rock psychédélique est constitué de Marie-Hélène Coutu et de Jean-Nicolas Doss-tranchant comme l’hiver mais doux comme la sauce gravy. Au fil des ans et évoluant avec des chansons anglophones, le groupe est devenu un incontournable de la scène musicale underground de la ville, et émerge aujourd’hui avec un répertoire bilingue, à l’avant-garde d’un nouveau mouvement psychédélique. Un délicieux cocktail de folie, d’éclectisme et de groove.

The Montreal band Wizaard is a psychedelic pop-rock group made up of founding members Marie-Hélène Coutu and Jean-Nicolas Doss – sharp as winter but smooth as gravy. Over the years and evolving with English-language songs, the band has become a mainstay on the city’s underground music scene, emerging today with a bilingual repertoire at the forefront of a new psychedelic movement. A delicious cocktail of madness, eclecticism and groove.

DAPHNE

DAPHNE est une artiste pop indépendante basée à Toronto qui mélange des mélodies euphoriques avec des paroles vulnérables qui incitent les auditeurs à augmenter le volume et à baisser les vitres. Lauréate du Prix des jeunes auteurs-compositeurs canadiens de la Fondation SOCAN en 2024 et du People’s Choice Award du NXNE en 2025, ses compositions ont été diffusées dans les émissions Boarders (saisons 1 et 2) de la BBC et The Verge de SiriusXM. Avec un élan grandissant, elle se prépare à lancer son premier EP, livrant une nouvelle vague d’hymnes pop indie et de visuels en 2025.

DAPHNE is a Toronto-based indie pop artist blending euphoric melodies with vulnerable lyricism that urges listeners to crank up the volume and roll down their windows. Winner of the 2024 SOCAN Foundation Young Canadian Songwriter Award and NXNE’s 2025 People’s Choice Award, her songwriting shines on BBC’s Boarders (Seasons 1 & 2) and SiriusXM’s The Verge. With growing momentum, she is preparing to release her debut EP, delivering a fresh wave of indie pop anthems and visuals in 2025.

Tom Leger

Tom Leger est le projet solo de Thomas Leger, auteur-compositeur, chanteur, batteur et co-réalisateur au sein de la formation Valse Fréquence. Actif sur la scène musicale francophone québécoise depuis 2018, il y développe une approche personnelle de la chanson, ancrée dans la batterie et la voix, et nourrie par une curiosité constante pour les textures, la production et la forme.
Son projet solo poursuit ce qu’il a entamé avec Valse Fréquence, mais avec plus de liberté, d’intimité et d’assurance. Il y approfondit sa relation à la création sonore, en explorant ce qui se passe quand le rythme, le chant et le son deviennent un même geste. Sa musique évolue dans une zone fluide entre chanson, rock indie, textures lo-fi et électroacoustique. Sa démarche se nourrit de ce qui est là : un souffle, une prise brute, un motif rythmique qui devient chanson. Ses influences — de la musique contemporaine à la chanson populaire — s’intègrent dans un rapport instinctif à l’instrument et à la matière.
Jouer et chanter en même temps, c’est maintenir une tension entre précision et débordement. Ce geste paradoxal, il le connaît bien : à l’école, on l’appelait « l’enfant terrible », celui qui ne restait jamais en place. Cette énergie traverse encore sa musique — une pulsation vive, physique, qui cherche sans cesse à prendre forme. Son projet solo se construit dans l’expérimentation et la narration, avec l’envie de laisser la forme ouverte. C’est une recherche libre, portée par la voix et par le corps, où le son devient un langage en soi.

Tom Leger is the solo project of Thomas Leger, a songwriter, singer, drummer, and co-producer within the group Valse Fréquence. Active on the Quebec Francophone music scene since 2018, he has been developing a personal approach to songwriting—rooted in drums and vocals, and fueled by a constant curiosity for textures, production, and form.
His solo project continues what was started with Valse Fréquence, but with more freedom, intimacy, and confidence. He deepens his relationship with sound composition, exploring what happens when rhythm, voice, and sound become a single entity. His music moves fluidly between indie rock, lo-fi textures and electroacoustic genres. His approach is grounded in what’s already there: a breath, a raw take, a rhythmic motif that becomes a song. His influences—from contemporary music to pop songs—merge into an instinctive relationship with instruments and raw material.
Playing and singing at the same time means maintaining a tension between precision and excess. He knows this paradoxical gesture well: in school, he was called “enfant terrible”, the kid who never stayed still. That same energy still runs through his music—a vivid, physical pulse that constantly seeks form. His solo work is built through experimentation and storytelling, with a desire to keep the form open. It’s a free exploration, driven by voice and body, where sound becomes a language in itself.

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Indie / Shoegaze / Synth-Pop

POP Montréal : U.S. Girls + Elle Barbara + Shunk au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

U.S. Girls

Originaire de l’Illinois, Meg Remy est reconnue comme l’une des auteures-compositrices et interprètes les plus acclamées de la scène musicale underground éclectique de Toronto, où elle vit actuellement. Force créatrice du groupe musical U.S. Girls, sa discographie célèbre s’étend sur 15 ans, depuis ses premières œuvres expérimentales parues sur le label Siltbreeze jusqu’à trois albums nominés au prix Polaris chez 4AD : Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018) et Heavy Light (2020). Ces trois albums ont également été nominés aux Juno du meilleur album alternatif.
Meg Remy a effectué de nombreuses tournées en Europe et en Amérique du Nord, se forgeant une réputation pour ses commentaires politiques perspicaces et ses performances théâtrales avec son groupe U.S. Girls, ce qui lui a valu d’être nommée meilleure artiste live de 2018 par le magazine Paste. Durant cette période, elle a maintenu une pratique artistique visuelle, exposé des collages et réalisé plusieurs vidéoclips et autres œuvres d’art vidéo, dont son court métrage Woman’s Advocate (2014), dans lequel elle a également joué. Récemment, Remy a publié son premier livre, un mémoire intitulé Begin By Telling (2021), et elle a également fait ses débuts dans la composition de musique de film cette année, ayant été choisie pour la comédie d’horreur surréaliste Dead Lover de la cinéaste (et compatriote torontoise) Grace Glowicki (qui a été présentée en première mondiale au Festival du film de Sundance et à SXSW).

Originally from Illinois, Meg Remy is established as one of the most acclaimed songwriters and performers to emerge from Toronto’s eclectic underground music scene where she currently lives. As the creative force behind the musical entity U.S. Girls, her celebrated discography spans 15 years from early experimental works released on the Siltbreeze label and includes three Polaris Prize shortlisted albums on 4AD: Half Free (2015), In A Poem Unlimited (2018), and Heavy Light (2020). All three albums also garnered Juno nominations for Best Alternative Album.
Remy has toured extensively through Europe and North America, establishing a reputation for politically astute commentary and theatrical performances with her extended U.S. Girls band, leading her to be named the best live act of 2018 by Paste Magazine. During this time, she has maintained a visual arts practice, exhibited collage work and directed several music videos and other video art works including her short film Woman’s Advocate (2014), in which she also performed. Recently, Remy published her first book, a memoir called Begin By Telling (2021), and she also made her first foray into film-scoring this year, having been tapped for filmmaker (and fellow Torontonian) Grace Glowicki’s surreal horror-comedy Dead Lover (which world-premiered at Sundance Film Festival and featured at SXSW). As a platform and persona, U.S. Girls operates on a uniquely out-of-time wavelength, alternately wronged and rueful, classic but contemporary, bruised vignettes of poetic Americana through a feminist lens. Her most recent album, Bless This Mess (2023), marked both a divergence from and deepening of Remy’s songbook, more at peace with her restless truths and moods. New music is set to follow in 2025.

Elle Barbara

Elle Barbara est une auteure-compositrice-interprète avant-gardiste, artiste de studio, metteuse en scène de théâtre expérimental, réalisatrice de vidéos, performeuse, travailleuse communautaire et pin-up, basée à Montréal, au Québec. Sa musique combine tour à tour des éléments de dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz et glam, avec un intérêt pour la musique de bibliothèque, la musique orchestrale et la soul psychédélique. Elle est une figure incontournable de la scène underground de sa ville natale, Montréal, depuis plus d’une décennie. Amoureuse des éléments étranges, obscurs et méconnus de la musique pop, Elle Barbara trouve son inspiration dans des sources inattendues, comme les artistes méconnus Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell et Alain Kan, en plus des grands noms du mainstream tels que Madonna, Marvin Gaye, David Bowie et Mary J. Blige.

Elle Barbara is an avant-garde singer-songwriter, recording artist, experimental theatre director, video director, performer, community worker, and pinup, based in Montreal, Quebec. Her music alternately combines elements of dance, disco, sophisti-pop, synth-pop, prog, jazz, and glam, with an interest in library music, orchestral music, and psychedelic soul. She has been an underground fixture in her native Montreal for more than a decade. A lover of the odd, obscure, and overlooked elements in pop music, Elle Barbara finds inspiration in unexpected sources, like off-the-radar acts Su Tissue, Francis Bebey, Martin Newell, and Alain Kan, in addition to mainstream luminaries such as Madonna, Marvin Gaye, David Bowie, and Mary J. Blige.

Shunk

Le groupe montréalais, Shunk, vous offre un son éclectique et enivrant, composé de leurs influences variées (post-punk, dreampop, shoegaze, indie pop, opéra). Leur son excentrique est imprégné du courant avant-garde de la communauté musicale leur ville.

Montreal’s Shunk seamlessly blend a myriad of musical influences (Post-Punk, Dreampop, Shoegaze, Indie Pop, Opera) to form their own specific sonic palette. Their electrifying live performances, described as “pure entropy” (PanM 360, 2024) reflect their city’s ever-evolving, boundary-pushing music scene.

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Hip Hop / Post-Punk / Post-Rock

POP Montréal : Fat Dog + Godly The Ruler + Fresh Wax à la Toscadura

by Rédaction PAN M 360

Fat Dog

Fat Dog est l’un des nouveaux groupes les plus excitants de Londres, évoquant le genre de concerts frénétiques et sauvages qu’on n’a pas vu dans la capitale depuis des années. Leur premier album WOOF. est un mélange brillant et hallucinant d’électro-punk, de grognements rock’n’roll, de paysages sonores techno, de pop industrielle et d’euphorie rave, une musique pour se laisser aller ou, selon les mots du leader Joe Love, une « musique à hurler dans un oreiller ».

Fat Dog are one of London’s most exciting new bands, conjuring the sort of frenzied and wild live shows not seen in the capital for years.  Their debut album WOOF. is a brilliant and mind-bending blend of electro-punk, rock’n’roll snarling, techno soundscapes, industrial-pop and rave euphoria, music for letting go to or, in the words of frontman Joe Love, “screaming-into-a-pillow music”.

Godly The Ruler

Godly the Ruler (they/them) (né Godwill Oke) est un musicien né au Nigéria et élevé à Chicago, qui s’appuie sur sa curiosité et son intuition pour faire avancer les choses. Leur travail échappe aux classifications simples et aux réponses faciles, préférant travailler avec les tripes pour traduire leur imagination débridée en un territoire éclectique et électrisant. Depuis l’âge de 14 ans, Godly repousse les limites et les décibels ; des démos à domicile aux caves et aux scènes, ils ont appris à canaliser les éléments dramatiques et théâtraux de leurs favoris pour exprimer l’urgence de la vie au-delà de l’identité et du genre. Un coup d’œil sur ce dernier révèle des éclairs sonores et thématiques à travers le spectre – hip-hop, punk alt-indie, EDM, pour n’en citer que quelques-uns – ancrant le monde de Godly the Ruler dans un état d’imprévisibilité constante.

Godly the Ruler (they/them) (born Godwill Oke) is a Nigeria-born, Chicago-raised musician working from curiosity and intuition to push today forward. Their work evades simple classification and easy answers, opting to work from the gut to translate their wild imagination into eclectic, electrifying territory. Since 14 years old, Godly’s pushed boundaries and decibels; from home demos to basements to stages, they’ve learned to channel the dramatic and theatrical elements of their favorites to articulate the urgency of life across identity and genre. A glance into the latter will show sonic and thematic flashes across the spectrum – hip-hop, alt-indie punk, EDM to name a few – anchoring Godly the Ruler’s world in a state of consistent unpredictability.

Fresh Wax

Fresh Wax est un groupe expérimental de post-rock qui se compose de riffs de basse déchaînés, d’une batterie puissante, de synthétiseurs palpitants et de voix qui s’entremêlent pour en dire plus avec moins. Le groupe s’inspire de Roxy Music, Talking Heads et DEVO, mais détourne les genres pour donner à son son un caractère unique mais bien connu.

Fresh Wax is a experimental post-rock two-piece that center around wild bass riffs, powerful drums, pulsating synthesizers, and interchanging vocals that say more with less. The band takes inspiration from Roxy Music, Talking Heads, and DEVO, but bends genres giving their sound a unique but familiar sound.

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classique / période romantique

OSM : Brahms & Dvořák – splendeur du romantisme

by Rédaction PAN M 360

López rend un vibrant hommage à la Finlande à travers son poème symphonique Aino, tandis que Dvořák affirme avec éclat son identité slave en insérant, pour la première fois, une danse folklorique dans sa Symphonie n°6. Enfin, laissez-vous envoûter par le légendaire Concerto pour violon de Brahms, un monument du répertoire, magistralement interprété par le violoniste mondialement reconnu James Ehnes.

López’s symphonic poem Aino is a beautiful tribute to Finland, while Dvořák affirms his Slavic identity in his Symphony No. 6 by using material from a Slavic folk dance for the first time. Finally, let yourself be enchanted by Brahms’ legendary Violin Concerto, a mainstay of the instrument’s repertoire, which will be masterfully performed by the internationally acclaimed violinist James Ehnes.

Programme

Jimmy López, Aino (14 min)
Johannes Brahms, Concerto pour violon, op. 77 (35 min)
Antonín Dvořák, Symphonie no 6, op. 60, B. 112 (41 min)

Program

Jimmy López, Aino (14 min)
Johannes Brahms, Concerto for Violin, Op. 77 (35 min)
Antonín Dvořák, Symphony No. 6, Op. 60, B. 112 (41 min)

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Ce contenu provient de l’Orchestre symphonique de Montréal et est adapté par PAN M 360

électro-minimal / Jazz / Techno

POP Montréal : Bolis Pupul + Annie-Claude Deschênes + Surma au Rialto Hall

by Rédaction PAN M 360

Bolis Pupul

Ce n’est pas un hasard si la musique de Bolis Pupul sonne ainsi. Né en Belgique d’une mère chinoise et d’un père belge, et élevé dans la ville créative et branchée de Gand, la musique de Bolis est un joyeux mélange interculturel. Mêlant l’électronique grand écran – pensez à la techno des débuts de Mr Fingers et au minimalisme homme-machine exubérant de Yellow Magic Orchestra – à la naïveté chaleureuse et décalée du New Beat belge, la sonorité singulière de Bolis est à la fois ludique, émotive, implacable et tendre.
La véritable clé pour percer le secret musical de Bolis réside dans ce dialogue entre ses racines orientales et occidentales. C’est une notion qu’il a inconsciemment abordée sur ses deux premières sorties pour le label DEEWEE de David et Stephen Dewaele (Soulwax/2manydjs).

It’s no coincidence that Bolis Pupul’s music sounds the way it does. Born in Belgium to a Chinese mother and Belgian father and raised in the super-cool creative city of Ghent, Bolis’ music is a joyous cross-cultural assemblage. Mixing widescreen electronica – think early Mr Fingers-like techno and Yellow Magic Orchestra’s exuberant man-machine minimalism – with the warm-hearted and wonky naivete of Belgian New Beat, Bolis’ singular sonics are at once playful, emotive, unrelenting and tender.
The real key to unlocking Bolis’ musical secret, however, is that conversation he has between his Eastern and Western roots. It was something he subconsciously touched upon on his first two releases for David and Stephen Dewaele (Soulwax/2manydjs)’s DEEWEE label.

Annie-Claude Deschênes

Annie-Claude Deschênes, figure incontournable de la scène musicale montréalaise, explore la fusion de la musique et de la performance artistique. Après avoir marqué son passage avec Duchess Says et PyPy, elle présente son premier album solo, Les manières de table, une œuvre mélangeant pop minimale et musique électronique, mêlant danse, mélodie et introspection.

Annie-Claude Deschênes, a key figure in Montreal’s music scene, explores the fusion of music and performance art. After making her mark with Duchess Says and PyPy, she presents her debut solo album, Les manières de table, a work blending minimal pop and electronic music, mixing dance, melody, and introspection.

Surma

Surma crée un univers musical unique, mêlant jazz, électronique et diverses influences. Avec plus de 250 représentations dans 21 pays, ses albums Antwerpen et alla témoignent de son évolution musicale et la consacrent comme une artiste primée et innovante sur la scène internationale.

Surma creates a unique musical universe, blending jazz, electronics and diverse influences. With over 250 performances in 21 countries, her albums Antwerpen and alla showcase her musical evolution, establishing her as an award-winning and innovative artist on the global stage.

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Ce contenu provient de POP Montréal et est adapté par PAN M 360

Afrobeat / Dancehall / Soul/R&B

POP Montréal : Kizaba + Sankya + 1000joules + MAZA au Belmont

by Rédaction PAN M 360

Kizaba

Le spectacle Kizaba propose un style musical riche rappelant le Congo et est un voyage afro futuriste « Fumu na betu », pour lequel il crée des vocalisations inspirées de ses ancêtres et mélange des sons de soukous-congolais, d’afrobeat et de pop rock. Sur scène, il utilise son chant, sa batterie et ses percussions en mélangeant musique électronique et sons traditionnels du Congo pour créer un univers afro-futuriste. Pour offrir aux spectateurs une expérience complète, des visuels avec des masques 3D, conçus par KIZABA et inspirés des masques traditionnels du Congo imaginés dans le futur, sont projetés derrière les musiciens, créant une atmosphère captivante dans une autre dimension. La Sapologie fait aussi partie de son univers. . Sur scène, il est accompagné de musiciens (guitariste congolais, guitariste rythmique rock et un DJ). À travers sa musique électronique afro-électro congolaise fascinante et électrisante, KIZABA propose un spectacle fédérateur qui saura émouvoir la foule !

Kizaba’s show features a rich musical style reminiscent of the Congo and is a futuristic Afro journey “Fumu na betu”, for which he creates vocalizations inspired by his ancestors and mixes the sounds of soukous-congolais, afrobeat and pop rock. On stage, he uses his vocals, drums and percussion to blend electronic music with traditional Congolese sounds to create an Afro-futuristic universe. To offer spectators a complete experience, visuals with 3D masks, designed by KIZABA and inspired by the traditional Congo masks imagined in the future, are projected behind the musicians, creating a captivating atmosphere in another dimension. Sapology is also part of his universe. On stage, he is accompanied by musicians (a Congolese guitarist, a rock rhythm guitarist and a DJ). With his fascinating and electrifying Congolese Afro-electro electronic music, KIZABA puts on a unifying show that’s sure to move the crowd!

Sankya

La chanteuse-auteure-compositrice et interprète Sankya a fait sensation dans sa ville natale, Montréal, avec ses singles en 2019. Elle a développé un répertoire musical qui inclut des genres tels que le RnB, le trap soul et la musique dancehall.
Sankya est passionnée de musique depuis un très jeune âge, mais sa carrière musicale a officiellement débuté il y a moins de quatre ans lorsqu’elle a commencé à publier ses chansons en ligne. Ses singles ont atteint plus de 1,3 million de vues/écoutes au total, jusqu’à aujourd’hui. La musique étant sa principale passion, Sankya a quitté l’école pour se consacrer pleinement à
son art et mener à bien ses projets. Depuis 2019, en tant que gestionnaire de sa carrière, elle
veille à rester sur la carte. Écouter de la musique a toujours été son meilleur moyen de s’exprimer et de s’évader de la
réalité. Avec ce contenu, elle souhaite aider les autres à se connecter à sa musique afin qu’ils puissent échapper à leurs problèmes et se sentir bien.

Singer-songwriter and performer Sankya took her native city, Montreal, by a storm with her singles
in 2019. She has built up a body of work that features genres like RnB, trap soul and dancehall
music. Sankya has been into music since a very young age but her music career officially began less than four years ago when she started uploading her songs online. Her singles have reached more than 1.3 million views/streams in total, up to date.
Music being her main passion, Sankya quit school to fully dedicate herself to her craft and get things done. Since 2019, managing herself, she has made sure she stays a part of the map. Listening to music has been her best way to express herself and escape from reality. With this content, she would like to help others connect with her music so they can escape their issues and
feel as good.

1000joules

1000joules mélange des voix jazzées et des raps percutants pour explorer la spiritualité, l’amour queer et la réinvention de soi. Ancrée dans la scène R&B/soul montréalaise, sa musique est intime et puissante. Accompagnée d’un groupe live, ses performances dégagent une énergie qui marque les esprits.

1000joules blends jazzy vocals and punchy raps to explore spirituality, queer love, and self-reinvention. Rooted in Montreal’s R&B/soul scene, their music is both intimate and powerful. Backed by a live band, their performances radiate energy and emotion, leaving a lasting impact on Montreal’s vibrant music community.

MAZA

Maza met en avant sa vulnérabilité et sa conscience profonde, qu’il mêle à des mélodies jazzy. Maza a poussé son style à incorporer des éléments de soul psychédélique et son style sudiste. Je présente mon prochain album, Yesterday’s Mysteries. Yesterdays Mysteries est un album conceptuel qui s’ouvre sur mon passé et donne à l’auditeur un aperçu des différentes circonstances qui ont contribué à mon développement personnel. L’album montre la vulnérabilité d’être arraché à sa famille et à tout ce que l’on connaît à un jeune âge pour aller vivre dans un pays étranger où ma culture a été négligée et incomprise. Il traite des concepts de culpabilité du survivant, de méfiance à l’égard de la famille et d’identité perdue, pour ensuite se transformer en quelque chose de nouveau. L’œuvre comprend des influences représentant les régions d’où je viens, jouant avec les genres du blues, du jazz et de l’âme psychédélique. L’album vise à montrer la persévérance et la détermination à continuer à être qui je dois être sans jamais oublier qui je suis, en rendant hommage au passé tout en continuant l’héritage de mes ancêtres dans un nouveau monde.

Maza showcases vulnerability and deep consciousness, blending them with jazzy melodies. Maza has pushed his style to incorporate psychedelic soul elements and his Southern style. Showcasing my up and coming release Yesterday’s Mysteries. Yesterdays Mysteries is a concept album that opens about my past and gives the listener a glimpse into the different circumstances that contributed to my personal development. The album showcases the vulnerability of being taken from family and everything you know at a young age to move to a foreign land where my culture was overlooked and misunderstood. Dealing with concepts of survivors guilt, mistrust in family and identity lost, to later rubilid to become something new. The work includes influences representing the regions I am from, playing with genres of Blues, Jazz, and Psychedelic soul. The album aims to showcase perseverance and determination to continue being who I need to be but never forget who I made myself, paying homage to the past while continuing the legacy of my ancestors in a new world.

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Garage Punk / indietronica / New Wave

POP Montréal : Reymour + good flying birds + cootie catcher + Garden of Love à la Toscadura

by Rédaction PAN M 360

Reymour

Reymour est une aventure psycho-romantique, semée et parsemée de sonorités 80’s et de textes bucoliques pour alcooliques.

Reymour is a psycho-romantic adventure, sown and dotted with 80s sounds and bucolic texts for alcoholics.

good flying birds

Good Flying Birds est un groupe de pop-guitare bruyant et tintant, basé dans le Midwest américain. Il a débuté en décembre 2023 avec une collection d’enregistrements sur cassettes 4 pistes et de vidéos en stop-motion publiées sur YouTube sous le nom de « Talulah God », ainsi qu’un site web chaotique et coloré infesté de GIF. Au cours des mois suivants, les chansons ont été mises en ligne assez fréquemment, attirant finalement l’attention de Martin Meyer, influent exploitant de label punk et DIY. En janvier 2025, « Talulah’s Tape » est sorti sur Rotten Apple. Recueil d’enregistrements maison de 2020 à 2024, il témoigne d’un amour profond pour l’histoire de la musique de guitare indépendante, d’une écriture intelligente et mélodique, et d’un charme twee-punk accessible. Il a immédiatement fait sensation dans les cercles underground, étant fréquemment diffusé sur les radios indépendantes et vendant 300 cassettes en moins d’un mois. le même jour de sortie que « talulah’s tape », une cassette de tournée divisée entre répondeurs, good flying birds et soup activists est sortie et s’est également vendue rapidement, mettant en valeur le dernier matériel du groupe et la voix de la chanteuse Susie Slaughter.

good flying birds is a jangling noisy guitar pop group based in the midwest USA. it began in december 2023 with a collection of 4-track cassette recordings and stop-motion videos uploaded to youtube under “Talulah God”, along with a chaotic and colorful GIF-infested website. over the following months, songs were uploaded fairly frequently, eventually catching the attention of influential punk and diy label operator Martin Meyer. in january 2025, “talulah’s tape” was released on Rotten Apple. a collection of home recordings from 2020-2024, it showcased a wide-ranging love for the history of independent guitar music, clever and melodic songwriting, and an approachable twee-punk charm. it made an immediate splash in underground circles, getting frequent independent radio play and selling 300 cassettes in under a month. on the same release day as “talulah’s tape”, a split tour tape between answering machines, good flying birds, and soup activists dropped and also sold out quickly, showcasing the bands newest material and the voice of vocalist Susie Slaughter.

cootie catcher

« cootie catcher » est un groupe indietronica qui repousse les limites de la créativité pour produire un son distinct et dynamique, composé de rythmes glitchy contrastant avec une batterie acoustique. Leur mélange de fingerstyle à la guitare acoustique, de voix masculines et féminines contrastées et de rythmes riches en samples insuffle une énergie fraîche et contagieuse à la scène musicale torontoise.

‘cootie catcher’ is an indietronica ensemble that pushes creative boundaries to produce a distinct, dynamic sound consisting of glitchy beats contrasted with acoustic drums. Their blend of acoustic-guitar fingerstyle, contrasting male and female vocals, and sample-heavy beats infuses a fresh and contagious energy that the band brings to the Toronto music scene.

Garden of Love

Garden of Love s’est formé en 2022 sous le nom de Jane Harms Love Triangle autour de chansons écrites par Jane Harms, avec Cole Woods de Laughing à la batterie. Aujourd’hui, avec Sony Cody (Body Break) à la basse, ils continuent de peaufiner un son distinctif qui oscille entre folk rock, power pop et new wave avec l’urgence du garage punk, tout en restant résolument uniques. Leurs chansons complexes et denses en paroles sont des mots de désir et de mise en garde contre un jardin de plaisirs décadents en voie de disparition. C’est du rosepunk pour les breadpunks. C’est un peu idiot, un peu sérieux, un peu désespéré et un peu extatique.
Ce groupe sonne comme quelqu’un qui a une compréhension assez déformée de ce qui est acceptable et qui tente d’écrire la musique la plus universellement attrayante qu’il connaisse, avec une section rythmique composée d’idiots incroyablement talentueux et tout aussi tordus. Ou peut-être comme si un groupe de reprises de Genesis ivre essayait d’apaiser un public punk mécontent avec des chansons accélérées de Neil Young.

Garden of Love formed first in 2022 under the name Jane Harms Love Triangle around songs written by Jane Harms, with Cole Woods of Laughing on drums. Now with Sony Cody (Body Break) taking up the bass guitar they continue to hone a distinctive sound that flutters across the genre map from folk rock to power pop to new wave with garage punk urgency, while remaining decidedly their own. Their intricate and lyrically dense songs are words of desire and caution to an endangered garden of decadent pleasures. It’s rosepunk for breadpunks. It’s a bit silly and a bit serious and a bit desperate and a bit ecstatic.
This band sounds like someone who has a pretty distorted understanding of what’s acceptable trying to write the most universally appealing music she knows how to, with a rhythm section of incredibly talented and similarly twisted fools. Or maybe like, if a drunken Genesis cover band tried to placate a dissatisfied punk audience with sped up Neil Young songs.

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Folk / psychédélique

POP Montréal : Lankum + Circuit des Yeux au Théâtre Rialto

by Rédaction PAN M 360

Lankum

Le quatuor dublinois Lankum (les frères Ian et Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada et Radie Peat) a acquis une renommée mondiale grâce à ses trois premiers albums et à ses performances live captivantes et euphoriques.
Leur quatrième album, « False Lankum », a été universellement salué, atteignant la deuxième place du classement officiel des albums irlandais dès sa sortie, recevant une nomination au Mercury Prize et éclipsant largement le succès de leur précédent album, « The Livelong Day », lauréat du Choice Award.
Ce disque marque une nouvelle étape dans la métamorphose du groupe en une puissance moderne, s’appuyant sur des méthodes traditionnelles et primitives pour créer une musique audacieuse et singulière qui transcende ses racines folk : un son envoûtant et panoramique, intégrant des nuances expérimentales et des drones grondants, alliés à une écriture classique, des harmonies vocales serrées et des récits intemporels.

Dublin four-piece Lankum (brothers Ian and Daragh Lynch, Cormac MacDiarmada and Radie Peat) have gained worldwide acclaim for their first three albums and captivating, euphoric live performances.
Their fourth album “False Lankum” has been universally heralded, reaching no.2 in the Official Irish Album Charts on release, receiving a Mercury Prize nomination and significantly eclipsing the success of their previous album, the Choice Award winning, “The Livelong Day”. 
The record heralds a new stage in the metamorphosis of the band into a modern day powerhouse, drawing on traditional and primitive methods to create bold and singular music that transcends its folk roots: an entrancing, widescreen sound incorporating experimental overtones and rumbling drones wedded with classic songwriting, close vocal harmonies and timeless narratives.

Circuit des Yeux

Haley Fohr est une chanteuse, compositrice et auteure-compositrice-interprète basée à Chicago, dans l’Illinois. Ses projets musicaux s’articulent autour de la condition humaine, et ses 15 ans de carrière au sein du Circuit des Yeux sont devenus l’une des initiatives les plus fructueuses des États-Unis pour relier l’intime à l’universel. Elle se distingue par sa voix de quatre octaves et son style unique à la guitare 12 cordes. Parmi ses œuvres récentes, citons la bande originale du film muet Salomé (1923) de Charles Bryant, commandée par Opera North, son album -io, salué par la critique en 2021, et deux LP sous le mystérieux nom de Jackie Lynn.

Haley Fohr is a vocalist, composer and singer-songwriter based in Chicago, Illinois. Her musical endeavors focus around our human condition, and her 15 year career as Circuit des Yeux has grown into one of America’s most successful efforts to connect the personal to the universal. She is most distinctly identified by her 4-octave voice and unique style of 12-string guitar. Her recent works include an Original Soundtrack for Charles Bryant’s silent film Salomé (1923), commissioned by Opera North, her critically acclaimed 2021 album -io, and two LPs under the mysterious moniker of Jackie Lynn.

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art rock / Gothic / slowcore

POP Montréal : Zola Jesus + Nennen + Slash Need à La Sala Rossa

by Rédaction PAN M 360

Zola Jesus

ZOLA JESUS AKA NIKA EST UNE CHANTEUSE, COMPOSITRICE ET PRODUCTRICE D’ORIGINE AMÉRICAINE. DEPUIS 2008, ELLE A FAIT PARAÎTRE CINQ EP ET SEPT ALBUMS COMPLETS, PRINCIPALEMENT SOUS LA BANNIÈRE L’INSTITUTION AMÉRICAINE QU’EST SACRED BONES.
NIKA A COMMENCÉ À SUIVRE UNE FORMATION DE CHANTEUSE D’OPÉRA À L’ÂGE DE 10 ANS. ELLE S’EST SORTIE DE CETTE FORMATION POUR LANCER, EN 2009, SON ALBUM LO-FI THE SPOILS, DONT ELLE A ENREGISTRÉ LA MAJEURE PARTIE DANS SA CHAMBRE À L’UNIVERSITÉ DE MADISON, ALORS QU’ELLE ÉTAIT ÉTUDIANTE. À LA SORTIE DE L’ALBUM SUIVANT, STRIDULUM, NME L’A DÉCRITE COMME LA « NOUVELLE FIGURE DE PROUE DU GOTHIQUE ». QUELQUES ANNÉES PLUS TARD, LE LA TIMES DÉCRIVAIT ZOLA JESUS COMME « UNE CRÉATRICE SÉRIEUSE ET DÉDIÉE, DOTÉE D’UNE ESTHÉTIQUE SOLIDE, D’UN VOCABULAIRE MUSICAL ÉPOUSTOUFLANT ET D’UNE VISION SÛRE D’ELLE ». LES DEUX PUBLICATIONS ONT EU RAISON. ON DIT DE SA VOIX INIMITABLE QU’ELLE TRAVERSE LE FASCIA DE LA RÉALITÉ.

ZOLA JESUS AKA NIKA IS AN AMERICAN BORN SINGER, SONGWRITER AND PRODUCER. SINCE 2008, SHE HAS RELEASED FIVE EPS AND SEVEN FULL-LENGTH ALBUMS, MAJORATIVELY ON NY INSTITUTION, SACRED BONES.
NIKA BEGAN TRAINING AS AN OPERA SINGER AT THE AGE OF 10. SHE DISMANTLED THAT TRAINING TO DELIVER HER BREAKTHROUGH LO-FI RECORD THE SPOILS IN 2009, MOST OF WHICH SHE RECORDED AS AN UNDERGRAD IN HER ROOM AT UW MADISON. ON THE RELEASE OF HER FOLLOW EP, STRIDULUM, NME DECLARED HER “GOTH’S NEW FIGUREHEAD.” A FEW YEARS LATER, THE LA TIMES DESCRIBED ZOLA JESUS AS, “A FOCUSED, SERIOUS CREATOR WITH A SOLID AESTHETIC, BREATHTAKING MUSICAL VOCABULARY AND A CONFIDENT VISION.” BOTH PUBLICATIONS TURNED OUT TO BE RIGHT. HER UNMISSABLE VOICE IS SAID TO CUT THROUGH THE FASCIA OF REALITY.

Nennen

Quel que soit le nom qu’on lui donne – soft metal peut-être, ou hard folk – la musique de Nennen est faite pour éclairer doucement les coins sombres, pour démêler avec amour les émotions complexes, pour refuser de détourner le regard. You Reflect the Light, le deuxième album complet de Nennen, est un mélange luxuriant, presque luxurieux, d’artisanat d’auteur-compositeur-interprète et d’atmosphère influencée par le slowcore.

Whatever you call it—soft metal maybe, or hard folk—Nennen’s music is made for shining gentle light into dark corners, for lovingly untangling complex emotions, for refusing to look away. You Reflect the Light, Nennen’s second full-length album, is a lush, almost luxuriant mix of singer-songwriter craft and slowcore-inflected atmosphere.

Slash Need

Un dramaturge conflictuel, campé et séduisant. Le groupe torontois d’art performance industriel Slash Need s’est forgé une réputation pour ses performances théâtrales à haute énergie. Le groupe crée des chansons qui glissent, satirisent et crient. Servi cru, le style distinct de Slash Need, composé de techno propulsive et d’ebm métallique, sert de toile de fond à une performance imprévisible, changeante et communautaire.

A confrontational, camp and seductive dramaturge. Toronto’s industrial performance art outfit Slash Need have earned a reputation for putting on high-energy theatrical live performances. The group craft songs that slither, satirize, and scream. Served up raw, Slash Need’s distinct style of propulsive techno and metallic ebm serves as the backdrop to an unpredictable, ever-changing, and communal performance piece.

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Afro Fusion / Bass Music / Neo-soul

POP Montréal : So Sus + BAWAH + AHSIA à la Casa del Popolo

by Rédaction PAN M 360

BAWAH

Le son afro-fusionnel de BAWAH est indéniablement le sien. Il transcende les frontières traditionnelles et défie la catégorisation avec son mélange unique d’influences, couvrant les genres afro, pop, hip-hop, alternatif, jazz et électronique.
Le nouveau projet de BAWAH est une symphonie d’expression créative. Une série d’albums en quatre parties, une série de films en 48 épisodes et un livre en 48 chapitres.

BAWAH’s Afro-fusion sound is unmistakably his own. Transcending traditional boundaries and defying categorization with his unique blend of influences, spanning Afro, Pop, Hip-hop, Alternative, Jazz and Electronic genres.
BAWAH’s new project is a symphony of creative expression. A four-part album series, a film series spanning 48 episodes, and a 48-chapter book.

AHSIA

AHSIA est une artiste multidimensionnelle qui mélange la soul, le R&B et le hip-hop. Elle imprègne son travail de thèmes tels que l’autonomisation, la revendication de soi et l’humour. Avec une voix pleine d’âme, des paroles réfléchies et une présence indéniable sur scène, elle laisse le public ému et inspiré.

AHSIA is a multidimensional, genre-bending artist blending Soul, R&B, and Hip-Hop. She infuses her work with themes of empowerment, self-reclamation, and humour. With soulful vocals, thoughtful lyricism, and undeniable stage presence, she leaves audiences moved and inspired.

So Sus

So Sus est une artiste transfemme basée à Vancouver qui redéfinit les limites de la trap, du dubstep et de la bass music expérimentale avec un son caractéristique qui fusionne la profondeur émotionnelle et l’intensité prête à être jouée en club. Alliant une narration viscérale à une production qui bouscule les genres, elle est devenue l’une des voix les plus convaincantes de la nouvelle vague de musique électronique.
Parmi les faits saillants de sa carrière, on compte des nominations aux prix Juno pour l’enregistrement de danse de l’année en 2021 pour son premier EP, Voices, et en 2025 pour son EP Call Me When. Elle a également remporté le titre d’artiste électronique de l’année aux Western Canadian Music Awards en 2021.

So Sus is a Vancouver-based transfemme artist redefining the edges of trap, dubstep, and experimental bass music with a signature sound that fuses emotive depth with club-ready intensity. Blending visceral storytelling with genre-bending production, she has become one of the most compelling voices in the new wave of electronic music.
Her career highlights include Juno Award nominations for Dance Recording of the Year in 2021 for her debut EP, Voices, and in 2025 for her Call Me When EP. She also won Electronic Artist of the Year at the Western Canadian Music Awards in 2021.

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dream pop / Shoegaze / slowcore

POP Montréal : Shallow + Diamond Day + Fleeting Colours + Goldenstar au Quai des brumes

by Rédaction PAN M 360

Shallow

Shallow est un groupe de cinq musiciens originaire de Montréal et Toronto, à mi-chemin entre un mur de bruit et une sensibilité pop plus large. Ce projet autoproduit mélange des boucles et des échantillons autoproduits avec des couches de distorsion de guitare tourbillonnante, canalisant le même élan hypnotique que les groupes qui les ont inspirés.

Shallow is a 5 piece band from Montreal and Toronto, caught somewhere between a wall of noise and broader pop sensibilities. A self-produced project blending loops and self-sampled material with layers of swirling guitar distortion, channeling the same kind of hypnotic momentum as the bands that inspired them.

Diamond Day

Diamond Day redéfinit le shoegaze dans un univers électro vaporeux. Ce duo Montréalais/Victorien est né de l’esprit de Béatrix Méthé (Rosier), dont l’éducation rurale au Québec lui a insufflé un lien profond avec les traditions folk, et de Quinn Bachand, de l’île de Vancouver, multi-instrumentiste polyvalent nominé aux Grammys. Leur premier album, Connect the Dots, fusionne des beats glitchy et des guitares scintillantes, mêlant la voix magnétique de Méthé aux paysages sonores luxuriants de Bachand. Ensemble, ils créent une euphorie rétro-futuriste inspirée par Julee Cruise, Cocteau Twins et Curve.
Afin de célébrer la première année du groupe, le duo a réuni une véritable équipe de rêve pour revisiter leur premier album, incluant Robin Guthrie des Cocteau Twins, His Name Is Alive, l’un des « artistes préférés » de Bowie, le pionnier indie Sonic Boom (Spacemen 3), la Montréalaise KROY (Milk & Bone), et la légende de l’électronique, John Tejada. Cette collaboration a uni quatre générations de la lignée dream pop, réimaginant le genre à travers le prisme de ses pionniers.

Diamond Day creates a hazy, electro-tinged dreamscape from the foundations of shoegaze, where glitchy organ drums meet the raw energy of jangly, almost-exploding guitars. The Montreal/Victoria duo is the brainchild of Rosier’s Béatrix Méthé, whose rural Quebec upbringing instilled a deep connection to folk traditions, and Vancouver Island’s Quinn Bachand, a versatile Grammy-nominated multi-instrumentalist. Their debut album, Connect the Dots (2024), is a hypnotic and shoegazey alt-pop journey. Méthé’s captivating vocals and catchy hooks provide a sharp focus, piercing Bachand’s lush, noise-pop soundscapes to create a retro-futuristic euphoria inspired by Julee Cruise, Cocteau Twins, and Curve.
To celebrate their one-year anniversary, Diamond Day released “Dot Dot Dot” in spring 2025, a reworked version of their debut record. They assembled a “dream team” for the project, which included Robin Guthrie of Cocteau Twins, His Name Is Alive (whom Bowie once called one of his “favourite artists”), indie pioneer Sonic Boom (Spacemen 3), Montreal’s KROY (Milk & Bone), and electronic legend John Tejada. This collaboration united four generations of dream pop lineage, reimagining the genre through the lens of its pioneers.

Fleeting Colours

Fleeting Colours est un groupe de shoegaze/dream-pop de Montréal, formé à la fin de 2022 par Pablo Sabbagh (guitare), Tom Sedgwick (basse) et Seamus Hickey (chant, guitare), réunis par une appréciation commune des voix douces et des tonalités de guitare luxuriantes. Rejoint par Fiona King (chant, guitare) et Boshko Maric (batterie) au début de 2025, le groupe est actif sur la scène montréalaise, ayant fait la première partie de tournées telles que Bleary Eyed, Melaina Kol et Laveda.

Fleeting Colours is a shoegaze/dream-pop band from Montreal, formed in late 2022 by Pablo Sabbagh (guitar), Tom Sedgwick (bass), and Seamus Hickey (vocals, guitar), brought together by a shared appreciation for soft vocals and lush guitar tones. Joined by Fiona King (vocals, guitar) and Boshko Maric (drums) in early 2025, the band is active in Montreal’s scene, having supported touring acts such as Bleary Eyed, Melaina Kol, and Laveda.

Goldenstar

Goldenstar est un groupe de slowcore de Montréal, Québec, dont le premier EP éponyme, sorti en janvier 2025, les a tranquillement établis comme un nom à surveiller sur dans l’underground nord-américain. S’inspirant de la mélancolie brumeuse de Duster et de la nuance introspective d’Elliott Smith, Goldenstar propose un son à la fois intime et immersif. Leurs chansons se déploient avec une patience délibérée : guitares grattées, voix superposées et textures sonores subtiles. Des titres comme « Sevenscore » et « Asleep » témoignent de l’instinct de retenue et d’atmosphère du groupe, mêlant enregistrements de terrain et arrangements minimaux avec une intention évocatrice. Bien que l’EP soit bref, la clarté de son ton et de son travail marque un premier pas confiant. Goldenstar ne se contente pas de faire écho à ses influences, il se fraye tranquillement un chemin sur sa propre orbite.
Goldenstar est le projet musical de Markus Stahl en collaboration avec Chris Steward, Meg Cule, Zac MacArthur, Nick Castonguay et Jacob Sexsmith.

Goldenstar is a slowcore band from Montréal, Québec, whose self-titled debut EP, released in January 2025, quietly established them as a name to watch in the North American underground. Drawing from the hazy melancholia of Duster and the introspective nuance of Elliott Smith, Goldenstar puts forward a sound that’s both intimate and immersive. Their songs unfold with a deliberate patience—down-strummed guitars, softly layered vocals, and subtle sonic textures. Tracks like “Sevenscore” and “Asleep” showcase the band’s instinct for restraint and atmosphere, blending field recordings and minimal arrangements with evocative intent. While the EP is brief, its clarity of tone and craft mark a confident first step. Goldenstar is not simply echoing their influences—they’re quietly carving out their own orbit.
Goldenstar is the musical project of Markus Stahl in collaboration with Chris Steward, Meg Cule, Zac MacArthur, Nick Castonguay, and Jacob Sexsmith.

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cajun / Indie / Jazz

POP Montréal : Joseph Shabason + Little Mazarn + Eliza Niemi + pure pulp au P’tit Ours

by Rédaction PAN M 360

Joseph Shabason

Joseph Shabason est multi-instrumentiste, compositeur, producteur et artiste. Après avoir obtenu son diplôme de saxophone du programme d’interprétation jazz de l’Université de Toronto en 2006, il a joué et tourné avec les groupes Destroyer, The War On Drugs, André Ethier et DIANA. Deux de ses albums (Kaputt et Poison Season) ont été présélectionnés pour le Prix de musique Polaris, et l’album éponyme de son propre groupe DIANA a été présélectionné pour le Prix Polaris. Kaputt a été élu deuxième album de l’année par Pitchfork Media et Poison Season a été nominé aux JUNO en 2015.
En plus de ses tournées et de ses participations à des projets originaux, Joseph compose pour le cinéma, la télévision et des publicités. Il a composé la musique du documentaire Omega Man de Yung Chang, diffusé sur TSN, ainsi que celle de Your Tomorrow d’Ali Weinstein, nominé pour le prix Rogers du meilleur film canadien. Joseph a composé la musique du long métrage Silent Retreat de Mirimax ainsi que du court métrage Melinda’s Wish, avec BJ Novak, Amy Okuda et Bobby Moynihan. Il a également composé la musique de la série Hulu SLIP, avec Zoe Lister Jones. Il a également composé toutes les musiques originales des populaires balados Front Burner et Pop Chat de la CBC. Sa musique originale a également été diffusée dans le documentaire Netflix The Andy Warhol Diaries.

Joseph Shabason is a multi-instrumentalist, composer, producer and recording artist_. After graduating as a saxophone major from the University of Toronto Jazz Performance program in 2006 he went on to play and tour in the bands Destroyer, The War On Drugs, Andre Ethier and DIANA. Two albums that he has recorded on (Kaputt and Poison Season) have been Short-listed for the Polaris Music Prize and the self-titled album from his own band DIANA was long-listed for the Polaris Prize. Kaputt was voted the No. 2 album of the year by Pitchfork Media and Poison Season was nominated for a JUNO Award in 2015.
Alongside touring and playing in original projects Joseph composes for film, television and commercials. He has scored Yung Chang’s documentary Omega Man that aired on TSN as well as Ali Weinstein’s Your Tomorrow which was nominated for Roger’s Best Canadian Film award. Joseph has written the music for the Mirimax feature Silent Retreat as well as the short Melinda’s Wish starring BJ Novak, Amy Okuda and Bobby Moynihan. He also composed the music for the Hulu series SLIP staring Zoe Lister Jones. He also composed all the original music on the popular CBC podcasts Front Burner and Pop Chat. His original music was also featured in the Netflix Documentary The Andy Warhol Diaries.

Little Mazarn

En constante évolution, Little Mazarn a vu le jour en 2015 en tant que duo banjo et scie musicale formé par Lindsey et Jeff, tous deux originaires de Dallas. On peut croiser le groupe partout où se rencontrent légendes et nouvelles générations, que ce soit lors de concerts secrets dans des salons, sur les scènes de l’indie local ou encore au Wizard Rodeo, un festival annuel que Lindsey contribue à organiser. Le groupe se situe à la croisée des chemins de la musique marginale texane : au violoncelle, Lindsey a enregistré sur les albums récompensés aux Grammy Awards de Patty Griffin, Patty Griffin et Servant of Love, ainsi qu’avec le groupe Dana Falconberry pendant sept ans. Après une longue carrière d’accompagnatrice, elle n’écrira sa première chanson qu’à 34 ans. Jeff, pour sa part, a joué dans le groupe de Bill Callahan, ainsi qu’avec Li’l Cap’n Travis et Orange Mothers. Carolina, connue pour son prolifique projet solo hemlock, apporte ses propres racines issues du pays cajun de Louisiane.

Ever evolving, Little Mazarn began in 2015 as the banjo-and-saw duo of Lindsey and Jeff, who were both raised in Dallas. You can find the group playing anywhere legends and youngsters may rub elbows, from secret house shows to indie scene stages to Wizard Rodeo, an annual music festival Lindsey helps run. The band’s crossroads branch across prominent Texas outsider music: On cello, Lindsey has recorded on Patty Griffin’s Grammy-winning albums, Patty Griffin and Servant of Love, as well as with the band Dana Falconberry for seven years. The longtime side player wouldn’t write her first song until age 34. Jeff has played in Bill Callahan’s band, as well as with Li’l Cap’n Travis and Orange Mothers. Carolina, known for prolific solo project hemlock, enfolds their own background from Louisiana Cajun country.

Eliza Niemi

Je joue du violoncelle et de la basse et j’interprète des chansons parfois qualifiées de « tranches de vie » et de « longues ». Je joue en live avec guitare, batterie, claviers et chœurs. Pour les fans de : Arthur Russell, The Roches, Jenny Hval, Yo La Tengo, Cate Le Bon, Purple Mountains, Devon Sproule, Cassandra Jenkins.

I play cello and bass and sing songs that have been described as “slice of life” and “oblong.” I play live with guitar, drums, keys and backing vocals. For fans of: Arthur Russell, The Roches, Jenny Hval, Yo La Tengo, Cate Le Bon, Purple Mountains, Devon Sproule, Cassandra Jenkins.

pure pulp

pure pulp est le projet solo de Sam Sarty, explorant des paysages sonores texturés issus de paysages et de sons trouvés, des boucles de mémos vocaux, des claviers, une basse, une guitare, des voix et des boîtes à rythmes Casio récupérés. Inspirée par Yo La Tengo, The Books, Broadcast et le mouvement primitif américain de John Fahey, elle expérimente également l’intégration d’arrangements de guitare minimalistes avec des voix assorties. Projectionniste à Winnipeg, au Manitoba, depuis plus de dix ans, Sarty a créé pure pulp pour accompagner des images de la vie dans les prairies. Le projet est né de musiques de films et de moments d’ambiance, une tentative de rendre l’image accessible à l’oreille. pure pulp a composé la musique de plusieurs films, notamment celle du court métrage « Don’t Let the Sun Catch You Crying » (2024) produit par l’Office national du film du Canada et celle de « Fort Garry Hotel » (2025) de Ryan Steel. pure pulp a une touche d’improvisation en live, assurant la première partie du compositeur avant-gardiste William Basiniski en 2024 ; leurs chansons intégraient un arrangement live de casios superposés, de trombone et de boucles vocales. Sarty joue également dans ses groupes Living Hour et Veneer. Son premier EP, « arch above your head », sortira à l’automne 2025. « Je t’ai entendu dire une phrase, mais tu l’as dite en direction de la circulation plutôt qu’en direction de moi. »

pure pulp is Sam Sarty’s solo project, exploring textural soundscapes from landscapes and found sounds, looping voice memos, thrifted keyboards, bass, guitar, vocals and casio drum machines. Inspired by Yo La Tengo, The Books, Broadcast and John Fahey’s american primitive movement, she also experiments with incorporating minimal guitar arrangements with matching vocals. Working as a projectionist in Winnipeg, Manitoba for over 10 years, Sarty created pure pulp to accompany images of prairie life. The project was dreamed from film scores and ambient moments in movies, an effort to bring visuals to ears. pure pulp’s music has scored various films including scoring a National Film Board produced short “Don’t Let the Sun Catch You Crying” (2024) and Ryan Steel’s “Fort Garry Hotel” (2025). pure pulp has an improvised edge when performing live, opening for avant-garde composer William Basiniski in 2024; their songs incorporated a live arrangement of overlapping casios, trombone and vocal looping. Sarty also plays music in her bands Living Hour and Veneer. She has her debut EP “arch above your head” coming out in Fall of 2025. “i heard you say a sentence, but you said it towards traffic instead of me”.

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