King Buffalo est le trio composé du vocaliste/guitariste Sean McVay, du bassiste Dan Reynolds et du batteur Scott Donaldson. Depuis sa formation en 2013, le groupe autoproclamé “heavy psych” s’est fait connaître via 4 EP, 4 Full-length, et des tournées avec des groupes comme Clutch, All Them Witches, Uncle Acid & the deadbeats, The Sword et Elder.
King Buffalo a sorti son cinquième full-length, Regenerator, le 2 septembre 2022. Composé et enregistré par le groupe, avec le mixage et l’ingénierie du guitariste/chanteur Sean McVay et le mastering de Bernie Matthews, cet album de sept chansons est le troisième de la “trilogie pandémique” de King Buffalo, après deux des meilleurs albums de 2021, The Burden of Restlessness et Acheron.
King Buffalo is the trio of vocalist/guitarist Sean McVay, bassist Dan Reynolds, and drummer Scott Donaldson. Since forming in 2013, the self-proclaimed “heavy psych” band has made its name via 4 EPs, 4 Full-lengths, and tours with the likes of Clutch, All Them Witches, Uncle Acid & the deadbeats, The Sword and Elder.
King Buffalo issued their fifth full-length, Regenerator, on Sept. 2, 2022. Written and recorded by the band with mixing and engineering by guitarist/vocalist Sean McVay and mastering by Bernie Matthews, the seven-song outing is the third in King Buffalo’s stated ‘pandemic trilogy,’ following Two of 2021’s Best Albums in The Burden of Restlessness and Acheron.
Le remarquable saxophoniste Charles McPherson est considéré comme l’un des principaux disciples du grand Charlie Parker et a été un proche collaborateur de Charlie Mingus. Ce concert fait écho à la fascination et au respect qu’avait le peintre Jean-Michel Basquiat pour le bebop.
Distinguished saxophonist Charles McPherson is considered as one of the main disciples of the great Charlie Parker and was a close collaborator of Charlie Mingus. A special opportunity to hear him live in this concert echoing the fascination and respect that the painter Jean-Michel Basquiat had for bebop.
Akousma: Robert Normandeau présente le concours akousmatique, remporté par le compositeur John Young
by Rédaction PAN M 360
Vendredi dernier, soit le 14 octobre, 3 œuvres finalistes du Concours international de musique multipiste immersive de Montréal, sélectionnées à l’aveugle parmi 54 propositions internationales par un jury de pairs, ont trouvé un gagnant, auprès d’un jury et auprès du public. Les finalistes, soit Nicola Giannini, Panayiotis Kokoras et John Young, ont spatialisé leurs œuvres sur l’orchestre de 64 haut-parleurs du CIRMMT de l’École de musique Schulich, une diffusion rendue possible grâce au festival Akousma, au groupe Le Vivier et au CIRMMT.
Le Prix du jury (Prix Francis-Dhomont de 4,000$) a été attribué à John Young
Le Prix du public (Prix Micheline-Coulombe-Saint-Marcoux de 1,500$) a été décerné à Nicola Giannini
Panayiotis Kokoras a reçu un prix de participation de 500$.
Le jury du concours Akousmatique était constitué de Myriam Bleau (compositrice), Louis Dufort (compositeur, directeur artistique d’Akousma, Vincent Gagnon (directeur audio, Ubisoft), James O’Callaghan (compositeur), Roxanne Turcotte (compositrice).Une invitée du festival Akousma, la compositrice française Jessica Ekomane, se joindra au jury pour sélectionner le Prix Francis-Dhomont (bourse de 4 000 $) et le public attribuera quant à lui le Prix Micheline-Coulombe-Saint-Marcoux (bourse de 1 500 $).
Fondateur de Réseaux, organisme qui initia Akousma sous sa gouvernance, le compositeur et professeur Robert Normandeau nous explique brièvement la genèse de cette nouvelle compétition internationale chapeautée par Akousma.
PAN M 360 : Tu avais ce concours en tête depuis des lunes et des lunes, n’est-ce pas?
ROBERT NORMANDEAU : Il existe des concours de musique électroacoustique, certains on ét fameux dans les années 90. Celui de Bourges, notamment le Groupe de musique expérimentale de Bourges (GMEB). Bourge avait joué dès le départ la carte internationale, ce concours était alors très important. Et voilà, ça a existé très longtemps et ça m’a carrément mis sur la carte lorsque j’ai gagné à Bourges. Les médias en parlaient et le groupe de Bourges est disparu il y a un peu plus d’une dizaine d’années. Les fondateurs n’ont pas géré leur succession et leur vision hyper démocratique se faisait sans filtres artistiques alors ça durait dix jours et on y présentait le meilleur comme le pire. Et il y avait de moins en moins de filtres dans les salles. La dernière fois que j’ai créé une pièce là-bas, c’était à minuit 45 et seuls les compositeurs étaient dans la salle. Bourge a perdu son financement et les gens qui l’avaient créé se sont retirés, après avoir accompli un travail gigantesque malgré les réserves qu’on peut émettre aujourd’hui.
ROBERT NORMANDEAU : Il existe aujourd’hui d’autres concours en musique électroacoustique mais qui sont de même nature, c’est-à-dire que, dans la plupart des cas, tu envoies une œuvre au jury qui compile les notes de chaque membre, souvent sans se réunir. Aussi, la plupart des œuvres sont stéréophoniques, destinées à une diffusion traditionnelle sur acousmonium. Moi je suis impliqué depuis longtemps dans la diffusion multi-canaux dans des dômes de haut-parleurs, et rien ne récompense ça. Et donc c’est pourquoi nous avons voulu nous singulariser en mettant l’accent sur le multi-canal et les œuvres qui exploitent le multicanal avec un dôme de haut-parleurs que l’on nomme acousmonium – 32 haut-parleurs à l’Usine C cette semaine, 64 haut-parleurs au CIRMMT (Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology ) , c’est un véritable orchestre qui permet à une œuvre d’avoir autant de pistes que de haut-parleurs, installation permanente de haute qualité. Nous avons sélectionné 3 œuvres finalistes sur la cinquantaine d’œuvres qui nous ont été soumises.
PAN M 360 : Trois œuvres suffisent-elles pour remplir tout un programme?
ROBERT NORMANDEAU : nous allons jouer 3 œuvres supplémentaires que nous considérons dignes de mention. Le choix final de l’ œuvre gagnante se fera sur place, même si notre jury a déjà entendu ces œuvres dans de très bonnes condition. Maintenant on avait imposé un format pour répondre équitablement au demandes. Je tenais aussi à l’anonymat du processus, alors on ne savait pas qui on évaluait, le compositeur étant numéroté. Toutefois, les compositeurs peuvent diffuser leurs œuvres à leur manière au CIRMMT, ce qui diffère de notre écoute de sélection finale.
PAN M 360 : Brève présentation des finalistes?
ROBERT NORMANDEAU :
Panayiotis Kokoras est d’origine grecque et enseigne aux États-Unis – au Texas.
John Young, Néo-Zélandais d’origine, vit au Royaume-Uni depuis longtemps, il est compositeur et enseigne à la De Montfort University à Leicester, Angleterre. Nicola Giannini est Italien et est établi à Montréal où il étudie en composition. Je suis d’ailleurs son directeur mais quand j’ai réalisé qu’il était demi finaliste, je me suis retiré du jury pour la sélection finale en ce qui le concerne.
Plus précisément:
Nicolas Giannini est un compositeur de musique électroacoustique qui vit et travaille à Montréal. Sa pratique est axée sur la musique immersive, à la fois acousmatique et en direct. Ses œuvres ont été présentées en Amérique du Nord, en Amérique du Sud et en Europe. Il a reçu le premier prix au concours JTTP 2019 et une mention honorable au XII° concours de la Fundación Destellos.
Nicola Giannini is an electroacoustic music composer based in Montreal. His practice focuses on immersive music, both acousmatic and live. His works have been presented in North America, South America and Europe. He received the first prize at the 2019 JTTP competition organized by the Canadian Electroacoustic Community and an honorable mention at the XII Fundación Destellos competition.
Panayiotis Kokoras est un compositeur de musique numérique innovateur de niveau international, Il est aussi professeur de composition et directeur du Center for Experimental Music and Intermedia à l’Université du Nord du Texas. Né en Grèce, il a étudié la guitare classique et la composition à Athènes et à York; il a enseigné pendant de nombreuses années à l’Université Aristote de Thessalonique.
Kokoras is an internationally award-winning composer and computer music innovator, and currently Professor of composition and CEMI director (Center for Experimental Music and Intermedia) at the University of North Texas. Born in Greece, he studied classical guitar and composition in Athens, Greece and York, England; he taught for many years at Aristotle University in Thessaloniki. Kokoras’s sound compositions use sound as the only structural unit. His concept of “holophonic musical texture” describes his goal that each independent sound (phonos), contributes equally into the synthesis of the total (holos)
John Young
Professeur de composition au Music, Technology and Innovation Research Centre à l’Université De Montfort, à Leicester, John Young était auparavant directeur des studios de musique électroacoustique à l’Université Victoria de Wellington. Sa production est composée de pièces électroacoustiques multipistes, d’œuvres radiophoniques et de musiques mêlant instruments et sons électroacoustiques.
John Young is a Professor of Composition at the Music, Technology and Innovation Research Centre at De Montfort University, Leicester, having previously been Director of the Electroacoustic Music Studios at the Victoria University of Wellington, New Zealand. His output includes multi-channel electroacoustic pieces, radiophonic work, and music combining instruments and electroacoustic sounds. His main interest in composition continues to be in acousmatic music—particularly forms based on the interplay between recognizable natural sound sources and computer-based studio transformations.
Née à Kouroula dans la région de Kita au Mali, Saramba Kouyaté est la descendante d’une longue lignée de griots : les Kouyate. Saramba Kouyate chante depuis sa plus tendre enfance auprès de sa mère Djenetenin Kouyaté et poursuit son apprentissage de l’art griotique auprès du grand parolier Kelemonzon Diabate. Elle a également fait partie du groupe mythique les Mandekalou, composé notamment de Sekouba Bambino et Kandia Kouyaté. Elle fut reconnue dans toute la région de Kita comme l’une des plus belles voix de sa génération.
Elle lance son premier album ‘’56’’, produit par Goro Daou en 2004, qui lance sa carrière d’artiste. Quatre autres albums ont vu le jour suite à ce premier. Elle est considérée de nos jours comme une ngara, titres donnés aux grandes chanteuses, faisant partie de la classe supérieure du griotisme. Sa maîtrise de l’histoire mandingue et des chants traditionnels font d’elle l’un des grands piliers des gardiens de la culture mandingue.
Born in Kouroula in the region of Kita in Mali, Saramba Kouyaté is the descendant of a long line of griots: The Kouyate. Saramba Kouyate has been singing since she was a child with her mother Djenetenin Kouyate and continued her apprenticeship in the art of griotry with the great lyricist Kelemonzon Diabate. She was also a member of the mythical group Mandekalou, which included Sekouba Bambino and Kandia Kouyate. She was recognized in the whole region of Kita as one of the most beautiful voices of her generation.
She launched her first album “56”, produced by Goro Daou in 2004, which launched her career as an artist. Four other albums were released following this first one. She is considered nowadays as a ngara, titles given to the great singers, being part of the upper class of griotism. Her mastery of Mandingo history and traditional songs make her one of the great pillars of the guardians of Mandingo culture.
BILLETS EN VENTE À LA PORTE!
Ce contenu provient des Productions Nuits d’Afrique et est adapté par PAN M 360.
Voici une rare occasion d’entendre le célèbre violoncelliste britannique Steven Isserlis, acclamé pour sa profonde musicalité et sa maîtrise technique. Il se produira aux côtés de la remarquable pianiste canadienne Connie Shih, que l’on entendra pour la première fois à Montréal.
A rare opportunity to hear the celebrated British cellist Steven Isserlis, acclaimed for his profound musicality and masterful technique. He will perform alongside remarkable Canadian pianist Connie Shih, who will be making her first appearance in Montreal.
Né en 1990 à Montréal, Québec, Canada, la trajectoire musicale de Levi Dover a commencé à la basse électrique. Au fur et à mesure que sa passion pour la musique s’approfondissait, il a suivi une formation musicale formelle, s’immergeant finalement dans la tradition de la contrebasse de jazz et étudiant à l’Université McGill à Montréal. Il s’est depuis imposé comme une voix de soutien forte à la contrebasse, avec une approche à la fois ancrée et avant-gardiste. Il a partagé la scène avec des musiciens tels que Jean-Michel Pilc, Rafael Zaldivar, Rémi Bolduc, Jim Doxas, Kevin Dean, Joel Miller, Yannick Rieu et bien d’autres, tant de Montréal qu’à l’étranger.09
Born in 1990 in Montréal, Quebec, Canada, Levi Dover’s musical trajectory began on the electric bass at a young age. As his passion for music deepened, he went on to receive formal musical training, eventually becoming immersed in the tradition of jazz double bass and studying at McGill University in Montreal. He has since established himself as a strong supportive voice on the double bass, with an approach that is both grounded and forward-thinking.
RÉSERVATIONS PAR TÉLÉPHONE AU 514-931-6808
Ce contenu provient de Levi Dover et est adapté par PAN M 360.
Dans les années qui séparent les albums BAMBI et LP3, Hippo Campus – composé de Jake Luppen et Nathan Stocker, Whistler Allen, Zach Sutton et DeCarlo Jackson – a grandi et est devenu lui-même. Bien que le quintette soit ami depuis le collège et qu’il ait sorti plusieurs albums studio depuis sa création, c’est le nouvel album, LP3, qui donne le portrait le plus honnête de ce qu’est Hippo Campus.
In the years between the albums BAMBI & LP3, Hippo Campus — made up of Jake Luppen & Nathan Stocker, Whistler Allen, Zach Sutton, & DeCarlo Jackson — has grown up & into itself. Although the five-piece has been friends since middle school & put out a number of studio releases since its inception, it’s the new record, LP3, that’s the most honest portrait of who Hippo Campus is.
Eternal Closure lance l’album At the Center of It All – Chapter I. Pour l’occasion, le groupe jouera son nouvel opus du début à la fin. Le groupe de metalcore montréalais In Disarray se joint à la fête pour présenter son album, sorti en août dernier.
Le festival Akousma présente Antoine Lussier, Franck Vigroux et Myriam Boucher
by Rédaction PAN M 360
Antoine Lussier
Antoine Lussier se passionne pour l’onde sonore depuis toujours. Il a enchaîné durant plusieurs années des tournées internationales avec son groupe Ion Dissonance (guitariste, compositeur), mais aussi au sein de formations pop, rock, hip-hop, blues et tzigane. Actuellement ingénieur du son et producteur, allant de la réalisation à l’enseignement, il poursuit cette aventure musicale en œuvrant dans la composition acousmatique, ainsi que dans les différents secteurs de la musique à l’image (sonorisation de court métrage et création musicale et sonore pour le jeu vidéo).
Antoine Lussier has been passionate about the sound wave from an early age. He toured internationally for several years, performing with his group Ion Dissonance as a guitarist and composer, but also as a member of pop, rock, hip hop, blues and gypsy groups. Lussier is currently a sound engineer and producer, with activities that range from directing to teaching, as he seeks to broaden this musical adventure through acousmatic composition. He is also active in various sectors of music and image creation, notably sound design for short films and music and sound creation oriented for video games.
Il évolue dans un univers où se croisent musique, théâtre, danse et vidéo. Sans barrières de style il parcourt un temps les scènes des musiques expérimentales et improvisées puis son évolution musicale le mène vers les musiques électroniques. Parmi ses nombreuses collaborations musicales on peut citer Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper T. Toeplitz, Phill Niblock ou encore l’Ensemble Ars Nova. Après avoir réalisé des «albums concepts», des films expérimentaux, collaboré avec des auteurs de théâtre, poètes sonores et autres chorégraphes, il s’intéresse de plus en plus aux formes audiovisuelles live et à l’écriture de plateau, ce qui le mène peu à peu à mettre en scène sa musique à travers des spectacles pluridisciplinaires.
Franck Vigroux works at the intersection of music, theatre, dance, and video. Never one to limit himself in terms of style, he was active on the experimental and improvised music scene before his musical development took him into electronic music. He has collaborated widely, including with Elliott Sharp, Mika Vainio, Reinhold Friedl, Kasper T. Toeplitz, Phill Niblock, and the Ensemble Ars Nova. Following on from his concept albums, experimental films, and collaborations with playwrights, sound poets, and choreographers, Vigroux began to focus more deeply on live audiovisual work and stage writing. From there, he gradually moved into music creation for multidisciplinary performances.
Myriam Boucher
Compositrice sonore et visuelle, Myriam Boucher vit et travaille à Montréal, Canada. Son travail sensible et polymorphe porte sur la relation entre la musique, le son et l’image. Fascinée par la nature, elle crée de la musique visuelle inspirée du paysage et du rapport que l’être humain entretient avec celui-ci. Sa création est orientée vers des œuvres de musique visuelle, de performance audiovisuelle, de paysages sonores et de projets immersifs.
Myriam Boucher is a video and sound artist based in Montreal (Canada). Her sensitive and polymorphic work concerns the intimate dialogue between music, sound and image, through visual music, audiovisual performance, Vjing and immersive projects. Fascinated by the natural environment, she creates audiovisual compositions from the landscape and the relationship that human maintains with it. Her work, « evocative in its dynamism, brings its audience close to something akin to feeling multiple emotions all at once » (The Link). Boucher’s compositions range from works for orchestra, ensemble, collaborative and solo A/V performances.
Grâce à sa sublime orchestration et ses grandes arches sonores, Elysium de Moussa dévoile l’intemporel paradis de l’Antiquité grecque. Le pianiste islandais Víkingur Ólafsson interprètera le Concerto en sol de Ravel, éclatant, méditatif, coloré par le jazz, à la fois léger et brillant. Changement de ton en deuxième partie de concert avec l’orageuse Dixième SymphoniedeChostakovitch, hantée par le fantôme de Staline.
The sublime orchestration and great arches of sound of Elysium by Moussa conjure up the timeless paradise of Greek Antiquity. Icelandic pianist Víkingur Ólafsson performs Ravel’s Concerto in G, a dazzling, meditative, jazz-tinted work that is both light and brilliant. Then, the atmosphere drastically changes in the concert’s second half with Shostakovich’s Tenth Symphony, haunted by the spectre of Stalin.
Inscrit parmi les actions culturelles associées à l’exposition À plein volume : Basquiat et la musique présentée au Musée des beaux-arts de Montréal, ce concert d’Andrés Vial réunit des musiciens du Burkina Faso, du Mali, du Brésil, d’Argentine et du Canada dans le but d’explorer le lien profond qui existe entre le jazz et les musiques sud-américaine et africaine. Les instruments comprennent le piano, le balafon, le tambour parlant, le vibraphone, le marimba, le bombo legüero et la batterie.
La musique s’inspire des ensembles de percussions jazz tels que le M’Boom de Max Roach et l’Art Ensemble of Chicago ainsi que sur des musiques traditionnelles et folkloriques.
Le répertoire de ce concert est différent de celui proposé le 15 octobre par L’ensemble Joe Chambers et Andrés Vial.
Part of the cultural activities associated with the exhibition À plein volume: Basquiat et la musique presented at the Montreal Museum of Fine Arts, this concert by Andrés Vial brings together musicians from Burkina Faso, Mali, Brazil, Argentina and Canada to explore the deep connection between jazz and South American and African music. Instruments include piano, balafon, talking drum, vibraphone, marimba, bombo legüero and drums.
The music is inspired by jazz percussion ensembles such as Max Roach’s M’Boom and the Art Ensemble of Chicago as well as traditional and folk music.
The repertoire of this concert is different from the one presented on October 15 by Joe Chambers/Andrés Vial Ensemble
GRATUIT!
Ce contenu provient de l’off jazz et est adapté par PAN M 360.
Depuis leur formation en 2004 à Austin, au Texas, les Black Angels sont restés fidèles à leurs prédécesseurs psycho-rock, tels que Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee et les membres du Velvet Underground, qui sont tous cités sur “The River”. L’influence mondiale du groupe est renforcée par le Levitation Festival, le véritable point de départ du passé, du présent et du futur du genre, qui fête cette année son 15e anniversaire.
Since forming in 2004 in Austin, TX, the Black Angels remain masterfully true to psych-rock forebears such as Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee and the members of the Velvet Underground, all of whom are namechecked on “The River.” The band’s global influence is solidified by their beloved, long-running Levitation Festival, the veritable ground zero for the genre’s past, present and future — celebrating its 15th anniversary this year.
