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Folk / Lo-Fi / Pop / R&B / Trip Hop

POP Montréal : Afternoon Bike Ride + KROY + Mind Bath

by Rédaction PAN M 360

Afternoon Bike Ride

La musique du trio folk lofi Afternoon Bike Ride est faite d’un ensemble de sonorités naturelles qui semblent captées en pleine nature : une balade en sous-bois entouré d’une panoplie de microphones et d’instruments pour créer un son unique, luxuriant et organique. Les chansons d’Afternoon Bike Ride sont universelles, en ce sens qu’elles ont cette grande force de réussir à évoquer les plus chers souvenirs des auditeurs.
Basé à Montréal, le trio est composé de Lia Kurihara (chant, guitare, programmation), de David Tanton (chant, guitare, batterie, programmation) et de Éloi Le Blanc-Ringuette (chant, claviers, batterie, programmation). Le groupe a lancé une série de projets homogènes mêlant les enregistrements extérieurs à l’ambient, à l’acoustique, au folk et à la pop. Un mélange de genres qu’ils assemblent avec virtuosité à chaque création. Afternoon Bike Ride présente un son unique et apaisant qui lui est propre et qui continue d’évoluer à chaque nouvelle parution.

Afternoon Bike Ride is a lofi folk trio providing a comfort zone in audio form. It’s in the name. When all three artists are together, their chemistry culminates into one organic and lush sound. Sonics that feel natural and freeing, as if fireside with a handful of microphones and instruments and toys. “An audio diary,” the band describes, “of what we know will be our most cherished memories.”
A Montreal-based Canadian trio consisting of Lia (vocals, guitar, programming), David (vocals, guitar, drums, programming), and Éloi (vocals, keys, drums, programming), the band has released a series of cohesive projects where field recordings blend with ambient, acoustic, folk, and pop. A cauldron of genres they stir during each song. With precision, Afternoon Bike Ride presents a soothing sound all their own, one that continues to expand and deliver with each new release.

KROY

KROY est le nom de scène de la chanteuse et auteure-compositrice Camille Poliquin. Son approche très personnelle à la musique et ses explorations pop audacieuses lui ont permis d’accumuler des millions d’écoutes sur les plateformes d’écoute en continu. KROY est décrite comme une artiste visionnaire et la reine de l’électro-pop à Montréal. Elle est connue pour sa voix cristalline, ses mélodies pop et ses paroles mystérieuses et mélancoliques.
Camille Poliquin fait paraître ses premières chansons sous le pseudonyme de KROY en 2014 et elle se voit rapidement qualifiée de prochaine sensation indie pop montréalaise
À l’automne 2016, KROY sort son premier album solo SCAVENGER. Avec des rythmes électro-hypnotiques et des paroles dominées par l’amour impossible, l’album s’inspire du trip-hop (Goldfrapp, Portishead) et de la pop moderne (Vampire Weekend, Youth Lagoon). Le tourbillon des synthétiseurs analogues sur SCAVENGER lui vaut les éloges de Rolling Stone, Nylon, FADER, Complex, Noisey et bien plus. La pochette, qui reflète bien l’imagerie léchée en noir et blanc de KROY, est également récompensée au concours Grafika de 2017. Le succès de l’album permet à KROY de se produire partout au Canada et à l’étranger, notamment à New York, à Paris, au Printemps de Bourges, à Austin (SXSW), à Hambourg (The Reeperbahn) et à Montréal (Osheaga). Entre 2020 et 2022, la musicienne collabore avec le producteur belge Apashe sur Rain, le producteur canadien Felix Cartal sur Too Late, ainsi que la productrice coréenne QRION sur Never Go Back.
Pour parler de ses intérêts variés, Camille aime se comparer à George Costanza de Seinfeld en disant qu’elle aurait pu devenir chercheuse en biologie marine ou architecte si elle ne s’était pas tournée vers la musique. En plus du succès de KROY et de son groupe Milk&Bone, la musicienne, qui a complété des études en composition orchestrale, signe la musique de deux spectacles du Cirque du Soleil et de plusieurs longs métrages avec Laurence Lafond-Beaulne, dont la chanson thème du film King Dave pour laquelle le duo se mérite une nomination aux prix Écrans Canadiens de 2017. Camille compose également la musique originale du documentaire Ainsi soient-elles en 2019 ainsi que des 8 épisodes de la série canadienne L’Empereur. De plus, les chansons de KROY sont sélectionnées pour accompagner l’ambiance de scènes clés de plusieurs grandes séries télé internationales.
Après une longue attente et l’imploration incessante de ses fans, KROY nous revient avec un nouvel album à paraître en 2024. Les nouvelles pièces de la musicienne aux mélodies pop sombres sont inspirées par l’amour, la mort, les robots, l’espace et les profondeurs de l’océan.
Une collection de chansons aussi neuves que matures, certaines puisant leur essence dans l’adolescence tardive, et d’autres naviguant ce que c’est que d’être une jeune femme dans la vingtaine, traversant des épreuves autant complexes que simples, mais toujours accablantes.
On devine alors une artiste à l’aube de la trentaine, toujours aussi triste, qui ne sait cesser d’aimer, et pour qui la mort et les machines deviennent une obsession.

KROY is the stage name of singer, songwriter and composer Camille Poliquin. Her deeply personal approach to music and her bold pop explorations have seen her accumulate millions of plays on streaming platforms. KROY has been described as a visionary artist and Montreal’s queen of electropop and is known for her soaring voice, synth-pop melodies and brooding lyrics.
In the fall of 2016, KROY released her debut solo album SCAVENGER. With hypnotic electro rhythms and lyrics dominated by stories of impossible love, the album draws inspiration from spacey trip-hop (Goldfrapp, Portishead) and inventive modern pop (Vampire Weekend, Youth Lagoon). SCAVENGER’s whirlwind of synths has garnered praise from the likes of Rolling Stone, Nylon, FADER, Complex, Noisey and more. Reflecting KROY’s polished black-and-white imagery, the cover won a prize at the 2017 Grafika Awards. The album’s success has also allowed KROY to perform throughout Canada and abroad, including New York and Paris, Le Printemps de Bourges, Austin (SXSW), Hamburg (The Reeperbahn) and Montreal (Osheaga). Between 2020 and 2023, the musician collaborated with Belgium-born producer Apashe on Rain, Canadian producer Felix Cartal on Too Late and Korean producer QRION on Never Go Back.
To express her forward and varied interests, Camille likes to say that, much like Seinfeld’s George Costanza, she could’ve become a marine biologist or an architect had she not turned her attention to music. On top of the success of KROY and Milk & Bone, the musician, who completed studies in orchestral composition, has crafted music for two Cirque du Soleil shows and several feature films with Laurence Lafond-Beaune, including the theme song for King Dave for which the pair earned a nomination at the 2017 Canadian Screen Awards. Camille has also written the original music for the 2019 documentary Sisterhood, as well as the 8 episodes of Canadian TV series L’Empereur and KROY songs have been selected to create the right feeling in key scenes of multiple major international TV shows.
After a long wait and relentless requests from her fans, KROY returns to unveil the fruits of her lyrical and musical explorations in a new album to be released in 2024. The musician’s new work features dark pop melodies inspired by love, sadness and depression.
The body of work is as old as it is new, some songs rooted in late teen years, others from the dawn of one’s 30s. Every single one of them drenched in sadness and despair, from different perspectives of mania and depression. A portrait of a girl’s evolution through her twenties, gathering confidence, losing it entirely, testing out different personalities, just to come back closer to who she really is.
In this case, a sad sad girl who loves alot and may be obsessed with the idea of death and cars and robots.

Mind Bath

Mind Bath est un artiste qui écrit des morceaux pop, enveloppés de synthés doux et soulignés par un groove R&B occasionnel. Les morceaux sont intrinsèquement méditatifs et purificateurs.

Mind Bath is an artist who writes proud pop tracks that are wrapped in soft synths and underlined by the occasional R&B groove. The tracks are inherently meditative and cleansing.

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Dream Pop / Electro-Pop / Electronic / Shoegaze

POP Montréal : Babyteeth + Zéa Calla + Chaia

by Rédaction PAN M 360

Babyteeth

Babyteeth est un groupe d’alternatif·dreampop·shoegaze basé à Montréal. Inspiré par des artistes comme Slowdive, Mazzy Star, Hole et Deftones, Babyteeth mélange des guitares mélancoliques, des synthétiseurs envoûtants et des voix vulnérables pour créer un son unique. Le groupe est mené par la chanteuse et artiste visuelle Pixie Blood. Connue pour sa manière de combiner le beau et le grotesque dans ses sculptures, elle transpose un esprit similaire à son travail dans Babyteeth, situant des paroles sombres dans des paysages sonores apaisants. Babyteeth est un hommage à la nostalgie et aux peines d’amour. Un rappel qu’il est encore possible d’être brute et vraie, plutôt que polie à la perfection.

Babyteeth is an alternative/dreampop/shoegaze band based in Montreal. Inspired by artists like Slowdive, Mazzy Star, Hole, and Deftones – Babyteeth weave melancholic guitars, haunting synths, and vulnerable vocals into their own unique sound. The band is fronted by vocalist and notable visual artist, Pixie Blood. Known for combining the beautiful and the grotesque in her sculptures, she brings a similar ethos to her work in Babyteeth, combining soothing soundscapes with lyrical darkness. Babyteeth is a celebration of nostalgia and heartbreak. A reminder that it’s still ok to be raw and real, rather than polished to perfection.

Zéa Calla

Zéa Calla bricole une pop électronique, libre et audacieuse. Privilégiant l’imprévisibilité de l’exploration, elle jongle avec une palette d’instruments électroniques, notamment son fidèle compagnon, le thérémine. Poète, sorcière, sémioticienne et fan d’horreur, ses sonorités décomplexées s’harmonisent avec ses textes minutieusement élaborés, doucement provocants et jamais complètement sérieux.

Zéa Calla creates electronic pop, free and daring. Favoring the unpredictability of exploration, she juggles with a range of electronic instruments, notably her faithful companion, the theremin. Poet, witch, semiotician and horror fan, her uninhibited sounds harmonize with her carefully crafted lyrics, gently provocative and never completely serious.

Chaia

Chaia est un trio électro-pop basé à New York comprenant du violon électrique, un sampler électronique et des harmonies vocales spatiales. Chaia interprète des chansons originales en utilisant des samples de musique folklorique juive (yiddish) d’Europe de l’Est, avec des grooves empruntés à la house et au jazz. Le premier album de Chaia, Yibaneh, sortira en decembre 2024.

Chaia is a three-piece electro-pop group based in New York City featuring electric fiddle, electronic sampler, and spacey vocal harmonies. Chaia performs original songs using samples from Eastern European Jewish (Yiddish) folk music, with grooves borrowed from house and jazz. Chaia’s debut album, Yibaneh, will be released May of 2024.

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Alternative / Indie Pop / R&B

POP Montréal : Jane Penny + Ura Star & Fireball Kid + Naomi + Elan Noon

by Rédaction PAN M 360

Jane Penny

Co-fondé par Jane Penny et son ami d’enfance, David Carriere, à Montréal en 2011, TOPS a émergé de la même scène DIY locale que Grimes et Mac DeMarco. Le groupe s’est rapidement retrouvé à faire des tournées et des spectacles à guichets fermés à l’échelle internationale, à recevoir des éloges, à obtenir des places dans des festivals convoités et à accumuler des millions de streams. Le groupe venait de sortir son quatrième album studio lorsque Penny est tombée malade, souffrant d’une COVID longue pendant plus d’un an, alors qu’elle s’occupait de son partenaire à Berlin, qui était lui-même alité. Inspirée par la scène musicale berlinoise, séparée par la distance et les fuseaux horaires de ses collaborateur·ices habituel·les à Montréal, Penny s’est mise à développer une pratique créative indépendante. Lorsqu’elle a été suffisamment rétablie pour retourner à Montréal, Penny a mis la touche finale à l’EP avec son voisin et collaborateur de longue date, le producteur et musicien Patrick Holland, qui a assuré la production et le mixage de l’EP. « Il y a des choses que je voulais explorer sur le plan sonore et créatif, qui auraient été impossibles dans le contexte de TOPS. Je voulais relever le défi de créer un monde à part entière : écrire toutes les parties incluant la batterie, choisir chaque échantillon, écrire la ligne de basse. Ayant pris le contrôle de l’ensemble du monde musical que je créais, je suis devenue ouverte aux émotions, à la sensualité et à l’intuition qui naissent de la solitude. Il m’a fallu un certain temps pour atteindre un point où je me sentais prête à partager, mais maintenant les portes sont grandes ouvertes et je vais certainement continuer sur cette voie. » TOPS est toujours actif — le groupe travaille actuellement sur un nouvel album. « Il n’y a pas de façon plus satisfaisante de faire de la musique que de la jouer avec d’autres personnes, mais le format d’un groupe a certaines limites sur le plan sonore. Faire de la musique avec TOPS reste l’une de mes priorités dans la vie, et le groupe ne souffre absolument pas de mon travail solo. » « Cet EP est né d’une période d’obscurité et d’un point de faiblesse, mais je me sens responsable d’infuser les auditeurs d’un certain niveau de résilience », déclare Penny. « En tant qu’artiste, c’est mon travail de montrer aux gens qu’il est libérateur d’explorer certains de ces sentiments, mais je veux toujours leur laisser un rayon de lumière, une porte de sortie — pour ne pas que je l’oublie moi non plus. »

Co-founded by Jane Penny and her childhood friend David Carriere in Montreal in 2011, TOPS emerged from the same local DIY scene as the likes of Grimes and Mac DeMarco. The band quickly found themselves touring and selling out shows internationally, earning praise and critical acclaim, scoring highly sought-after festival slots, and racking up streaming numbers in the millions. The band had just released their fourth studio album when Penny became sick herself with long COVID for over a year while acting as a caretaker for her partner in Berlin who had become bedridden. Inspired by the musical scene in Berlin, but also separated by distance and time zones from her usual collaborators in Montreal, it became necessary for Penny to explore an independent creative practice. When she was finally well enough to return to Montreal, Penny put the finishing touches on the EP with her neighbor and long-time collaborator, producer and musician Patrick Holland, who provided additional production and mixing on the EP. “There are things I wanted to explore sonically and creatively, which would be impossible in the context of TOPS. I wanted to challenge myself to create a whole world of my own, to write all of the parts, program the drums, choose every sample, write the bass line. When I took control over the entire world of music that I was creating I felt that it also opened up a lot of emotional space, sensuality and intuition that comes through solitude. It took a while to reach a point where I feel it’s ready to share, but now the gates are open and I’ll definitely be continuing on this path. “ TOPS is still going strong – they’re currently working on a new record. “There isn’t a more soul-satisfying way to make music than to play it with other people, but a band format has certain limitations to its scope sonically. Making music with TOPS is still one of my main priorities in life, and the band definitely isn’t taking a back seat to my solo work.“ “This EP comes out of a period of darkness, and a point of weakness, but I feel responsible to leave listeners with a certain level of resilience,” Penny says. “As an artist, it’s my job to show people that it’s freeing to explore some of these feelings, but I always want to leave them with a ray of light, an escape hatch, because then I’m reminded of it, too.”

Ura Star & Fireball Kid

Depuis leur enfance, Ura Star et Fireball Kid font de l’indie pop à grand renfort de hooks et de fêtes. Tout juste sortis de leurs albums Gas Station, Emotional Bros Hotline et 2024’s Heartracer, ils sont prêts à faire la fête et à faire couler de la bière, dans un esprit de fête de cuisine, comme jamais auparavant.

Ura Star & Fireball Kid have been bringing the hook-heavy, party-inducing indie pop together since they were kids. Coming hot off the releases of their records Gas Station, Emotional Bros Hotline, and 2024’s Heartracer they’re barn-burner ready and bringing beer-spilling, kitchen party spirit to the show in a bigger way than ever before.

Naomi

Naomi est une artiste multidisciplinaire au charisme évident et attire rapidement sur elle les projecteurs grâce à son talent multifacette. Avec son penchant pour les airs estivaux caribéens qu’elle pimente au gré de ses influences pop, RnB et house, Naomi a fait paraître son premier album éponyme en septembre 2022. Danseuse professionnelle, chorégraphe et actrice — on la voit d’ailleurs dans plusieurs vidéoclips d’artistes locaux et internationaux d’envergure telles que Rihanna, Cœur de pirate et Marie-Mai.

Naomi is a multi-disciplinary artist with undeniable charisma who snatches the spotlight with her multi-faceted talent. With her penchant for Caribbean summer tunes spiced up with pop, RnB and house influences, Naomi released her self-titled debut album in September 2022. Professional dancer, choreographer and actress – she has appeared in several music videos for major local and international artists such as Rihanna, Cœur de pirate and Marie-Mai.

Elan Noon

Elan Noon est le nom de scène de l’artiste canado-américain Keenan Mittag-Degala. Tissant librement les genres dans des chansons pop émotives, Elan Noon s’inspire de multi-instrumentistes introspectifs tels qu’Elliott Smith et Judee Sill. Enregistré principalement sur d’anciens accessoires à bande magnétique, le travail d’Elan Noon est truffé de textures décalées et de distorsions ludiques.

Elan Noon is the stage name of Canadian-American artist Keenan Mittag-Degala. Freely weaving genres into emotionally-driven pop songs, Elan Noon takes after introspective multi-instrumentalists like Elliott Smith and Judee Sill. Predominantly recorded on antiquated magnetic tape accessories, Elan Noon’s work is rife with offbeat textures and playful distortions.

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Experimental / Indigenous peoples / Punk

POP Montréal : Marnie Stern + GLADHANDING + Ribbon Skirt

by Rédaction PAN M 360

Marnie Stern

L’une des guitaristes les plus acclamées du 21e siècle, la compositrice new-yorkaise Marnie Stern s’inspire de diverses influences, dont Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof et King Crimson. Son premier album en dix ans, The Comeback Kid, est sorti en 2023 et a reçu des critiques élogieuses de The Guardian, Fresh Air de NPR avec Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily et plus encore.

One of the most acclaimed guitarists of the 21st century, New York City-based songwriter Marnie Stern’s singular playing draws from various influences, including Television, Sleater-Kinney, Royal Trux, The Who, Deerhoof, and King Crimson. Her first album in ten years, The Comeback Kid, was released in 2023 to rave reviews from The Guardian, NPR’s Fresh Air with Terry Gross, Pitchfork, Bandcamp Daily and more.

GLADHANDING

1000 cyborg bataille royale

1000 cyborg battle royale

Ribbon Skirt

Guidé par la musicienne Anishinaabe Tashiina Buswa, Ribbon Skirt est un groupe montréalais connu autrefois sous le nom de Love Language. Avec un spectacle captivant, ils ont participé à des festivals à travers le Canada et les États-Unis, incluant SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish et Pop Montréal, et ont partagé la scène avec Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen et Enumclaw. Leur premier album présente un son plus sombre et plus introspectif, abordant les thèmes de la mémoire, du deuil et de la connexion de Buswa à son identité autochtone et à ses pratiques culturelles. Produit par Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) et Marlaena Moore, et avec beaucoup des expérimentations en studio, le groupe a émergé avec un premier album confiant, mélangeant boîtes à rythmes et synthétiseurs pour compléter l’énergie du groupe sur scène. Continuant à pousser leur son dans une nouvelle direction, le groupe a choisi de travailler avec le légendaire batteur et compositeur expérimental Greg Saunier (Deerhoof) pour le mixage, et l’album a été masterisé par Mikey Young (Total Control).

Led by Anishinaabe musician Tashiina Buswa, Ribbon Skirt are a band from Montreal, formerly known as Love Language. With a captivating live show, they have played festivals across Canada and the US including SXSW, New Colossus, Sled Island, Sappyfest, Flourish and Pop Montreal, and shared stages with Dehd, Ombiigizi, Packs, Chad VanGaalen and Enumclaw. Their debut album brings a darker and more introspective sound, dealing with themes of memory, grief and Buswa’s connection to her Indigenous identity and cultural practices. Produced by Scott ‘Monty’ Munro (Preoccupations) and Marlaena Moore, and with endless experimentation in the studio the band emerged with a confident debut album mixing drum machines and synths to compliment the energy of the live band. Continuing in this spirit of pushing their sound into a new direction, the band chose to work with legendary experimental drummer and composer Greg Saunier (Deerhoof) on mixing, and the album was mastered by Mikey Young (Total Control).

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Dream Pop / Folk / rock n’ roll

POP Montréal: Laughing + Bodywash + Bleu Vésuve + Amery

by Rédaction PAN M 360

Qu’est-ce que la paix, l’amour et la compassion ont de si drôle ? Entremêlant quatre voix uniques provenant des quatre coins du Canada, Laughing est un band de rock n’ roll basé à Montréal qui s’inspire de certains des plus grand·es grandes auteur·es-compositeur·ices pop des cinq dernières décennies. Le matériel cousu main et la sublimation temporaire de l’ego leur sont utiles dans leur quête de la chanson parfaite. Leur premier album, Because It’s True, est une tentative honnête de vous inclure dans une immense blague cosmique. Que vous jetiez vos louanges, votre adulation, vos moqueries ou votre mépris sur eux, Laughing rira toujours. Qui rira le dernier ?

What’s so funny about peace, love and compassion? Blending four unique voices from across Canada, Laughing is a Montreal-based rock n’ roll band inspired by some of the greatest pop songwriters of the past five decades. Hand-sewn material and temporary ego-sublimation come in handy in their quest for the perfect song. Their debut album, Because It’s True, is an honest attempt to include you in a huge cosmic joke. Whether you throw your praise, adulation, mockery or scorn at them, Laughing will always laugh. Who’s laughing last?

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Electronic / Folk / Indie / new age

POP Montréal : Cassandra Jenkins + Nailah Hunter + Valmy

by Rédaction PAN M 360

Cassandra Jenkins

Comme le ciel nocturne lui-même, le monde de Ma Lumière, Mon Destructeur est en constante expansion. Le troisième album de Cassandra Jenkins ouvre la promesse d’atteindre les limites du nouveau, avec une palette sonore plus large que jamais auparavant, englobant le rock indie piloté par la guitare, le new age, la sophistipop et le jazz. Au centre de tout cela se trouve la curiosité de Jenkins envers les quarks et quasars qui composent son univers, alors qu’elle mélange les enregistrements de terrain avec un lyrisme poétique tour à tour allusif, humoristique, dévastateur et confessionnel – un geste alchimique qui approfondit encore la richesse de l’album.
À ses côtés dans cette immersion, un groupe d’amis issus de tout le spectre du rock indépendant moderne ; producteur Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), El Kempner de Palehound, Meg Duffy de Hand Habits, Isaac Eiger (anciennement de Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producteur et l’instrumentiste Josh Kaufman (de An Overview de Jenkins), la productrice Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange) et l’amie de Jenkins, la réalisatrice/actrice/journaliste Hailey Benton Gates. Avant tout et comme toujours, Jenkins s’inspire de l’électricité bavarde du monde qui l’entoure, louchant les parasites radio avec le désir de mieux comprendre. Tissant habilement l’enregistrement sur le terrain, les sons trouvés et l’audio auxiliaire (comme les sons des trains et les agents de bord), elle attire l’attention sur des moments plus étranges que la fiction qui amènent l’auditeur plus loin.

Like the night sky itself, the world of My Light, My Destroyer is always expanding. Cassandra Jenkins’ third full-length cracks open the promise of reaching the edge of the new, with a wider sonic palette than ever before—encompassing guitar-driven indie rock, new age, sophistipop, and jazz. At the center of it all is Jenkins’ curiosity towards the quarks and quasars that make up her universe, as she blends field recordings with poetic lyricism that is at turns allusive, humorous, devastating and confessional—an alchemical gesture that further deepens the richness of the album.
Joining her in this immersion is a cast of friends pulled from across the modern indie rock spectrum; producer Andrew Lappin (L’Rain, Slauson Malone 1), Palehound’s El Kempner, Hand Habits’ Meg Duffy, Isaac Eiger (formerly of Strange Ranger), Katie Von Schleicher, Zoë Brecher (Hushpuppy), Daniel McDowell (Amen Dunes), producer and instrumentalist Josh Kaufman (of Jenkins’ An Overview), producer Stephanie Marziano (Hayley Williams, Bartees Strange), and Jenkins’ friend, director/actor/journalist Hailey Benton Gates.
Above all and as ever, Jenkins is drawing inspiration from the chattering electricity of the world around her, squinting through radio static with the desire to gain a greater understanding. Deftly weaving field recording, found sound, and ancillary audio (like train sounds & flight attendants) she brings attention to stranger-than-fiction moments that bring the listener further in.

Nailah Hunter

Nailah Hunter est une multi-instrumentiste et compositrice basée à Los Angeles. Sa musique pour harpe, électronique et voix scintille d’un rayonnement spirituel, plein de magie, d’émerveillement et d’énergies curatives.

Nailah Hunter is a multi-instrumentalist and composer based in Los Angeles. Her music for harp, electronics and voice shimmers with spiritual radiance, full of magic, wonder, and healing energies.

Valmy

Valmy est une auteure-compositrice-interprète et multi-instrumentiste originaire de l’Ontario qui a suivi l’océan et s’est installée sur la côte est. Explorant les thèmes de l’émerveillement, du deuil et de la guérison, elle utilise sa musique d’influence folk pour raconter des histoires sur l’amour et sur la façon de se frayer un chemin dans l’obscurité. Basée à St. John’s, Terre-Neuve, Valmy crée en tissant son écriture contemplative à des vagues mélodiques inspirées de la nature et des harmonies atmosphériques. Son premier album, The In Between, est sorti en septembre 2023 et a été chaleureusement accueilli par le public, avec une critique élogieuse de Tony Ploughman chez Fred’s Records : « Les rythmes et les mélodies enveloppent l’esprit et l’âme comme une courtepointe soigneusement rapiécée… Il y a une cohésion dans cet album qui offre des réflexions méditatives sur l’équilibre de notre état mental en harmonie avec la nature, ses chansons fournissant un processus méthodique pour atteindre cet équilibre. Et l’intensité sous-jacente qui nous pousse à suivre l’appel de nos pensées et de nos émotions pour créer est constante… Habilement produit, réalisé et mixé, The In Between est l’une des meilleures sorties NL de 2023 ». Valmy a clos l’année 2023 avec deux nominations aux MusicNL Awards, a été sélectionnée aux East Coast Music Awards 2024 et a également été sélectionnée pour trois MusicNL Awards 2024 dans les catégories Artiste alternatif, Artiste solo et Auteur-compositeur Ron Hynes de l’année. Elle est très enthousiaste à l’idée de rencontrer son public lors de sa tournée d’automne de l’est du Canada pour The In Between.

Valmy is a singer-songwriter and multi-instrumentalist from Ontario who’s been following the ocean and making home on the East Coast. Exploring themes of wonder, loss, and healing, she uses her folk-influenced music to tell stories about loving and stumbling your way through the dark. Based in St. John’s, Newfoundland, Valmy creates and performs by weaving nature-inspired melodic swells and atmospheric harmonies with her contemplative writing. Her debut full-length album ‘The In Between’ was independently released in September 2023 and warmly received by listeners, with a thoughtful review from Tony Ploughman of Fred’s Records: “The rhythms and melodies wrap around the mind and soul like a lovingly patched quilt… There is a cohesiveness to this full album offering meditative musings on balancing one’s own mental state in harmony with nature, the songs providing a methodical process to achieve that balance. And the underlying intensity to follow through on the beckoning of one’s thoughts and emotions to create is constant…Deftly produced, engineered and mixed, “The In Between” is one of 2023’s finest NL Releases”. Valmy concluded 2023 with two MusicNL nominations, was a 2024 East Coast Music Award nominee, and was also nominated for three 2024 MusicNL awards for Alternative Artist, Solo Artist, and Ron Hynes Songwriter of the Year. She is excited to be connecting with audiences on her Autumn Tour in support of ‘The In Between’, through Eastern Canada.

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Country Folk

POP Montréal: Iris Dement + Nico Paulo

by Rédaction PAN M 360

Sur son nouvel album transcendant, Workin’ On A World, Iris DeMent fait face au monde moderne – tel qu’il est actuellement – ​​avec sa catastrophe climatique, ses pandémies et ses épidémies de violence et d’injustice sociale – et ne se contente pas de nous demander comment nous pouvons continuer à le faire. œuvre pour un monde meilleur, mais nous implore de nous aimer les uns les autres, malgré nos façons de voir très différentes. Ses chansons sont sa façon de guérir nos espaces intérieurs et extérieurs brisés.

Le résultat est un album plein d’espoir – scintillant de brillants éclairs d’humour poignant et de tendresse édifiante – qui dit la vérité, « de la même manière que la vérité est toujours porteuse d’espoir », explique-t-elle. En réfléchissant aux paroles de la chanson « The Sacred Now » (« voyez ces murs/fayons-les tomber / ce n’est pas un rêve ; c’est le sacré maintenant »), DeMent se souvient de Jésus disant que le Royaume de Dieu est en vous. et le moine activiste bouddhiste Thich Nhat Hanh disant que la rose est dans le compost ; le compost est dans la rose. Sur Workin’ On A World, Iris DeMent démontre que les chansons sont la guérison et que la guérison surgit à travers la chanson.

On her transcendent new album, Workin’ On A World, Iris DeMent confronts the modern world – as it is now – with its climate catastrophe, pandemics and epidemics of violence and social injustice – and doesn’t just ask us how we can continue to do so. works for a better world, but implores us to love one another, despite our very different ways of seeing. Her songs are her way of healing our broken inner and outer spaces.

The result is a hopeful album – sparkling with brilliant flashes of poignant humor and uplifting tenderness – that tells the truth, “in the same way that the truth is always hopeful,” she explains. Reflecting on the lyrics of the song “The Sacred Now” (“see these walls/let’s tear them down/it’s not a dream; it’s the sacred now”), DeMent is reminded of Jesus saying that the Kingdom of God is within you. and Buddhist activist monk Thich Nhat Hanh saying that the rose is in the compost; the compost is in the rose. On Workin’ On A World, Iris DeMent demonstrates that songs are healing, and that healing happens through song.

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Punk Rock / Rock

POP Montréal : Scream + Soulside + WHITE KNUCKLE + Punk Police DJs

by Rédaction PAN M 360

Soulside

Soulside est né à Washington, DC, en 1985 — s’est séparé en 1989 — puis est revenu ensemble en 2014. Il n’ont pas arrêté de jouer et d’écrire de la musique depuis. Après avoir sorti leur premier album chez Sammich/Dischord, ils ont enregistré Trigger (Dischord, 1988) et Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), qui ont été réunis sur le CD Soon Come Happy en 1990. Le groupe a effectué de nombreuses tournées aux États-Unis et en Europe au cours de ces années, y compris des concerts en Pologne et à Berlin-Est en 1989, juste avant la chute du mur de Berlin. Soon Come Happy a été remastérisé en 2003. En 2020, Soulside sortait This Ship, leur premier 7’’ depuis 30 ans, enregistré à Prague.

Soulside formed in Washington, DC, in 1985, split up in 1989, then reformed in 2014 and has continued playing and writing music since then. After releasing their debut album on Sammich/Dischord, they recorded Trigger (Dischord, 1988) and Hot Bodi-Gram (Dischord, 1989), which were combined on the Soon Come Happy CD in 1990. The band toured extensively in the US and Europe during these years, including groundbreaking shows in Poland and East Berlin shortly before the Berlin Wall fell in 1989.  In 2020, Soulside put out a new 7-inch, This Ship, their first release in 30 years, which was recorded in Prague. Happy”, released in 1990 and re-mastered in 2003.

Scream

Scream voit le jour en 1979. Le batteur Kent Stacks, le bassiste Skeeter Enoch Thompson et les frères Pete et Franz Stahl vont à l’école ensemble à Bailey’s Crossroads, en Virginie, lorsqu’ils commencent à découvrir la scène punk et new wave de Washington et le pouvoir provocateur de la musique. Comme la plupart des groupes punk de Washington, ils sont influencés par Bad Brains, mais ils se distinguent par leur sensibilité rock n’ roll. En 1982, ils se rendent au studio Inner Ear avec Ian MacKaye et Eddie Janney pour enregistrer le premier album complet de Dischord, Still Screaming. Le groupe a depuis connu quelques changements, notamment l’ajout de leur ami Harley Davidson à la seconde guitare, et, lorsque Kent Stacks a quitté le groupe pour fonder une famille, ils ont demandé à un jeune batteur local, Dave Grohl, de prendre la relève. Après un certain nombre d’années au sein de « l’équipe Scream », Dave a rejoint Nirvana et a formé les Foo Fighters. En 1996, lors d’un concert de Noël, Kent Stacks est redevenu le batteur de Scream. Le concert a été enregistré et est sorti en CD, Live at the Black Cat. Au cours des années suivantes, chacun a pris des directions différentes — Franz a rejoint les Foo Fighters pendant un temps et Pete a joué avec Goatsnake et earthlings?. Le groupe est revenu ensemble en 2011, avec Clint Walsh à la seconde guitare, pour enregistrer Complete Control Sessions, qui est sorti en tant qu’EP chez Side One Dummy.

Scream formed in 1979. Drummer Kent Stacks, bassist Skeeter Enoch Thompson and the brothers Pete and Franz Stahl attended school together in Bailey’s Crossroads, Virginia, when they began to discover the punk and new wave scene in DC and the provocative power of making music. Like most of the punk bands in DC, they were influenced by the Bad Brains, but their rock and roll sensibilities set them apart. In 1982, they went into Inner Ear Studio with Ian MacKaye and Eddie Janney to record Dischord’s first full length album, Still Screaming.
They made a few line-up changes along the way, including the addition of their friend Harley Davidson on second guitar, and, when Kent Stacks left the band to start a family, they asked a young local drummer, Dave Grohl, to take over. After a number of years with “the Scream team,” Dave went on to join Nirvana and form The Foo Fighters. In 1996, at a Christmas reunion show, Kent Stacks returned as Scream’s drummer; the show was recorded and released as the CD “Live at the Black Cat.” Over the next few years, everyone branched out in different directions – Franz joined the Foo Fighters for a short period and Pete played with Goatsnake and earthlings? The band returned as a unit, with Clint Walsh on second guitar, in 2011 to record the Complete Control Sessions, which was released as an EP on Side One Dummy and was, until now, the band’s most recent release.

WHITE KNUCKLE

Mort battu, mort fauché, un serpent sans yin

Dead beat, dead broke, a snake with no yin

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Salsa

La Tribu Salsa Band au Balattou

by Rédaction PAN M 360

Le groupe lauréat des Syli d’or de la musique du monde cette année a fait forte impression! “ En un rien de temps, le parterre s’est transformé en plancher de danse. La 16e édition du concours organisé par les Productions Nuits d’Afrique consacre le meilleur orchestre Salsa au Québec. Un performance simplement parfaite” (Le Devoir, 2023). La Tribu Salsa Band, composée de musiciens d’expérience, c’est la Salsa dura à son meilleur: des pas de danse synchronisés, des costumes chics, mais surtout une section de cuivres énergique, un piano flamboyant, une basse en plein contrôle, des percussions punchées et quatre chanteurs qui mènent le bal avec adresse. Tout pour faire honneur à ce rythme créé dans les années 70 à New York et popularisé par le mythique chef d’orchestre dominicain Johnny Pacheco.

This year’s winner of the Syli d’or de la musique du monde made a big impression! “In no time at all, the audience was transformed into a dance floor. The 16th edition of the competition organized by Productions Nuits d’Afrique honors the best salsa band in Quebec. A simply perfect performance” (Le Devoir, 2023). The Tribu Salsa Band, made up of experienced musicians, is Salsa dura at its best: synchronized dance steps, chic costumes, but above all an energetic brass section, a flamboyant piano, a bass in full control, punchy percussion and four singers who lead the ball with skill. It’s a rhythm created in the 70s in New York and popularized by the legendary Dominican bandleader Johnny Pacheco.

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Americana / Blues / Folk / Hip Hop / R&B

POP Montréal : Hua Li + Yves Jarvis + Luka Kuplowsky + Louie Sanchez

by Rédaction PAN M 360

Hua Li

Le projet de Hua Li a souvent travaillé la tension fructueuse entre des forces opposées, qu’elle soit métisse, bisexuelle, ou ouvertement politique et doucement vulnérable. Aujourd’hui, la « demi-chinoise, demi-militante, demi-rappeuse de votre cœur » est de retour avec « ripe fruit falls but not in your mouth », son album le plus ambitieux et le plus personnel à ce jour. Jouant entre le R&B brumeux, le hip-hop, le jazz et l’électronique, le deuxième album de Hua Li prend le jardin imaginaire comme moyen de cultiver son chez-soi. Avec des arrangements vocaux complexes, une production luxuriante d’Alex Thibault (aka Gloze) et un mixage important et vibrant de Lunice de TNGHT, le fruit mûr est une confession privée sur un disque bruyant. Après Dynasty en 2019 et Yellow Crane EP en 2020, acclamé par la critique, ripe fruit est d’un libertinage caractéristique. Texturée et sensuelle, la Montréalaise aux multiples traits d’union équilibre son ton riche et ondulant avec des signatures électroniques dansantes. La rappeuse est féroce et souvent drôle, jaillissant d’un parcours vaporeux pour délivrer un uppercut rapide qui pique. Avec des featuring accrocheurs et addictifs d’Ambrose Getz et de Darkus Millon, ripe fruit est un disque intime de guérison, avec la vie nocturne de Montréal en son cœur. Collaboratrice talentueuse, Hua Li a coécrit et joué sur Masquerade, l’album de Gayance sélectionné pour le prix Polaris 2023, et est la DJ de tournée de Riit, le chanteur de gorge électro-pop inuk. Son charisme sur scène l’a amenée à parcourir le monde, notamment lors de tournées avec Cadence Weapon et Fat Tony (dont elle a été la DJ de tournée), au Secret Solstice Festival de Reykjavik, au Festival international de jazz de Montréal et à Pride Toronto. Lumineux et convaincant, Hua Li montre qu’il faut de la tendresse pour laisser mûrir les choses et du cran pour les laisser mourir. Entre les deux, il y a une sorte de ravissement qui ne demande qu’à être savouré.

Hua Li’s project has often worked the fruitful tension between opposing forces, whether being mixed-race, bisexual, or overtly political and softly vulnerable. Now the “half-Chinese, half-militant, half-rapper of your heart” is back with ripe fruit falls but not in your mouth, her most ambitious and personal record to date. Playing between hazy R&B, hip-hop, jazz and electronic, Hua Li’s sophomore LP takes the imaginary garden as a proxy for cultivating home. With complex vocal arrangements, lush production by Alex Thibault (aka Gloze), and big, vibrant mixing by TNGHT’s Lunice, ripe fruit is a private confessional on a loud-ass record. Following 2019’s Dynasty and 2020’s critically acclaimed Yellow Crane EP, ripe fruit is characteristically libertine. Textured and sensual, the Montreal multi hyphenate balances her rich, waveforming tone with danceable, electronic signatures. The rapper is fierce and frequently funny, erupting from gauzy runs to deliver a quick uppercut that stings. With hooky, addictive features by Ambrose Getz and Darkus Millon, ripe fruit is an intimate record of healing, with Montreal’s nightlife at its heart. An artful collaborator, Hua Li co-wrote and performed on Gayance’s 2023 Polaris short-listed album, Masquerade, and is the touring DJ for Inuk electro-pop throat singer, Riit. Her charismatic stage show has taken her around the world, including tours with Cadence Weapon and Fat Tony (serving as the former’s touring DJ), to Reykjavik’s Secret Solstice Festival, the Montreal International Jazz Festival, and Pride Toronto. Luminous and compelling, Hua Li shows it takes tenderness to let things ripen, and guts to let things die. In-between is a kind of rapture that begs to be savoured.

Yves Jarvis

Yves Jarvis se distingue par son son — une chose chaleureuse et vivante qui semble à la fois être un tricot fait à la main et une feuille de métal précieux. Il est dédié à une musique qui condense le folk, le R&B, le country, le blues, l’Americana — avec un toucher contemporain, voire futuriste, et fusionne une impressionnante gamme d’influences, de Serge Gainsbourg et Judee Sill à Ray Charles, Brian Eno et Throbbing Gristle

Yves Jarvis is distinguished by his sound—a warm, vivid thing that feels at once like a handknit piece of fabric and a sheet of precious metal. He is dedicated to a music that condenses folk, R&;B, country, blues, Americana—with a touch that’s contemporary, even futuristic, and smashes together a stunning array of influences, from Serge Gainsbourg and Judee Sill to Ray Charles, Brian Eno and Throbbing Gristle.

Luka Kuplowsky

La voix de Luka Kuplowsky est un paradoxe : elle semble parfois trop feutrée pour être capturée, comme si elle allait disparaître comme de la fumée, puis, l’instant d’après, elle est aussi grande que le ciel. C’est une voix qui fait plier l’oreille et dont la musique crée un espace unique pour le langage poétique et l’improvisation. Sur son nouveau double album How Can I Possibly Sleep When There Is Music, Kuplowsky approfondit son intérêt pour les ensembles d’improvisation et l’enregistrement en direct, tandis que son groupe de sept musiciens (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole et Philippe Melanson) crée un son singulier fait d’espace, d’expérimentation et d’expressivité débridée qui traverse les traditions du jazz, du folk et du blues. Conçu comme un disque d’adaptations et de réponses « à un millénaire de poésie », l’album rassemble les poèmes de Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai et La Fontaine, en les plaçant dans un environnement dynamique d’expression extatique et imaginative. Produit par Sandro Perri, producteur et auteur-compositeur torontois de renom, ce nouvel album réunit des influences littéraires et musicales internationales et des éléments hyperlocaux de Toronto, dans un magnifique disque tentaculaire d’aventurisme sonore méditatif et en roue libre.

Luka Kuplowsky’s voice is a paradox — at times it sounds too hushed to be captured, as if it’s going to disappear like smoke, then in the next instant it’s as big as the sky. It is a voice that bends the ear to listen and whose music carves out a unique space for poetic language and improvisatory playfulness. On his new double LP How Can I Possibly Sleep When There Is Music Kuplowsky extends his interest with improvisational ensembles and live recording, as its seven-piece band (Alex Lukashevsky, Anh Phung, Evan Cartwright, Felicity Williams, Josh Cole and Philippe Melanson) craft a singular sound of spaciousness, experimentation and unbridled expressiveness that traverses traditions of jazz, folk and blues. Conceived as a record of adaptations and responses “to a millennia of poetry”, the album draws together the poetry of Ryokan Taigu, Bohdan Ihor Antonych, Maria Rainer Rilke, Yosana Akiko, Du Fu, Jalal ad-Din Muhammad Rumi, W.W.E Ross, Li Bai, and La Fontaine, placing them within a dynamic environment of ecstatic and imaginative expression. Produced by the luminary Toronto producer/songwriter Sandro Perri, the new LP enfolds international literary and music influences alongside hyper-local Toronto touchstones into a beautiful sprawling record of meditative and free-wheeling sonic adventurism.

Louie Sanchez

Louie Sanchez est le projet solo d’Eirene Cloma, musicienne basée à Toronto et membre de l’ensemble de kulintang Pantayo. Inspiré par le harana (une tradition philippine de sérénade) et le country folk, Louie raconte des histoires de travail, de perte et de nostalgie à travers ses expériences en tant qu’homme de la classe ouvrière philippino-canadienne.

Louie Sanchez is the solo project of Eirene Cloma, a Toronto-based musician and member of the kulintang ensemble Pantayo. Inspired by harana (a Filipino courtship tradition of serenading) and country folk, Louie narrates stories of labor, loss, and longing through their experiences as a masculine working-class Filipino-Canadian.

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Indie Folk / Indie Pop / latino

POP Montréal : Silvana Estrada + Lapelúda + Gabriella Olivo

by Rédaction PAN M 360

Silvana Estrada

Silvana Estrada est lauréate du Latin GRAMMY pour le meilleur nouvel artiste (2022), trois fois nominée aux Latin GRAMMY et nominée aux GRAMMY pour la meilleure performance musicale mondiale (2024). La multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice qui plie les genres est devenue connue pour fusionner les traditions nord-américaines et latino-américaines qui se croisent avec l’héritage jarocho d’influence africaine de sa Veracruz natale, au Mexique.

Silvana Estrada is a Latin GRAMMY-winner for Best New Artist (2022), three-time Latin GRAMMY-nominee, and GRAMMY-nominee for Best Global Music Performance (2024). The genre-bending multi-instrumentalist, singer, and songwriter has become known for melding North and Latin American traditions that intersect with the African-influenced jarocho heritage of her native Veracruz, Mexico.

Lapelúda

La musique de Lapelúda nous emmène à travers son voyage de réconciliation grâce à un mélange unique et chaleureux de musique indie-folk et d’inspiration latine. Basée à Tiohtià:ke (Montréal), l’artiste embrasse son identité colombienne et québécoise dans son premier album trilingue “Caídas” (2022). Cet album tisse des liens de guérison entre l’innocence, la trahison, la transformation et la réconciliation. En 2023, l’album reçoit sa première nomination aux Latin Awards Canada dans la catégorie Album de l’année.

Lapelúda’s music takes us through her journey of reconciliation via a unique warm blend of Indie-Folk and Latin inspired music. Based in Tiohtià:ke (Montreal), the artist embraces her Colombian and Quebecois identity in her first trilingual album “Caídas” (2022) This album weaves healing connections between innocence, betrayal, transformation and reconciliation. In 2023, the album received its first nomination at the Latin Awards Canada for Album of the Year.

Gabriella Olivo

Née et élevée à Québec d’une mère mexicaine et d’un père québécois, Gabriella Olivo fait honneur à ses origines mexicaines avec ses chansons en espagnol ancrées dans un univers doux à saveur indie-pop. Introspective, planante, rêveuse, ses chansons et sa voix douce nous transportent dans son monde d’amour et de haine, de passion et de déception.

Born and raised in Quebec City of a Mexican mother and a Quebecois father, Gabriella Olivo honors her Mexican roots with songs in Spanish, rooted in a gentle indie-pop universe. Introspective and dreamy, her songs and her gentle voice transport us into her world of love, passion and disappointment.

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Dream Pop / Hip Hop / Indie Pop / Pop-Rock

POP Montréal : Mint Simon + Luella + The Petras + Almond Milk

by Rédaction PAN M 360

Mint Simon

MINT SIMON, c’est le projet solo du leader du band indie-pop Caveboy. Originaire de Montréal, Mint est un enfant du théâtre devenu pop star, existant quelque part sur le spectre du genre entre Ferris Bueller et Prince. Sa musique est une exploration sonore et lyrique de l’amour, des occasions manquées, du désir et de la libération sexuelle. Mint s’y découvrir et s’y exprime, développant une sonorité musicale unique pour raconter sa quête d’acceptation de soi avec des chansons pop fluides, captivantes et accrocheuses. Tout de cuire et de cuirette, scintillant et résolument queer — ce prince de la pop puise dans ses influences des années 80 et 90, tout en demeurant aussi libre qu’authentique.

MINT SIMON is the solo project of the front person of indie-pop band, Caveboy. Born & raised in Montreal, Mint is a theatre kid, turned band lead, turned pop star living somewhere on the gender spectrum between Ferris Bueller and Prince. Their music is a sonic and lyrical exploration of love, missed opportunities, desire and sexual liberation. Mint is using this as a vehicle for self-discovery and expression, as they develop their unique musical sound as a solo act while sharing their journey of self-acceptance with captivating and effortlessly catchy pop tunes. Leather, pleather, shimmer n’ glimmer – they are unapologetically queer – a pop prince tapping into their 80s and 90s influences, while being unabashedly themselves and having zero restrictions.

Luella

Luella est le projet musical de Liv Whitfield, une artiste de 20 ans basée à Kingston. Sa sonorité dreampop soul est surtout connue pour ses lignes de base accrocheuses, ses voix nettes et ses paroles honnêtes. Son premier album sorti en 2022, Luna, a été produit en collaboration avec son père, Zane Whitfield, au studio North of Princess (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). En moins d’un an, Luella a tranquillement accumulé quelque 30 000 streams vidéo et plus de 100 000 streams sur Spotify, tout en jouant à guichets fermés aux côtés de fanclubwallet, Dizzy et Claudia Bouvette. Le nouvel album de Luella, Summer Bummer, est un testament à ses dernières années de jeune fille, capturant l’essence douce-amère des étés éphémères, des tourments du premier amour et des cœurs inévitablement brisés. Cet album est plus audacieux, transmettant une nouvelle confiance en soi chez Luella, qui demeure néanmoins fidèle à la vulnérabilité qui la caractérise.

Luella is the musical project of 20-year-old Kingston-based artist Liv Whitfield. Her soulful dream-pop sound is most notable for its catchy baselines, crisp vocals, and honest lyrics. 2022 brought the release of her debut album, Luna, produced in collaboration with her father, Zane Whitfield, at North of Princess Studio (Glorious Sons, Kathleen Edwards, Blue Stones). In less than a year, Luella quietly amassed 30k video streams, and over 100,000 streams on Spotify while playing sold-out shows alongside fanclubwallet, Dizzy, and Claudia Bouvette.
Luella’s newly released sophomore album, Summer Bummer, is a testament to her final years of girlhood, capturing the bittersweet essence of fleeting summers and the complexities of first love and inevitable heartbreak. This album is bolder with a newfound confidence all while staying true to her trademark vulnerability.

The Petras

The Petras est un groupe pop-rock indépendant entièrement féminin de Kingston, en Ontario. Inspiré par les rockers The Runaways et The Beaches, leur son distinctif mélange des sensibilités rétro et modernes avec un puissant mélange de voix captivantes, de solos mélodiques et de rythmes entraînants. Les Petras exploitent une énergie féminine unique dans leurs spectacles animés, proposant des chansons originales accrocheuses et des reprises percutantes avec une ambiance rebondissante, fraîche et amusante!

The Petras is an all-female, indie pop-rock band from Kingston, Ontario. Inspired by rockers The Runaways and The Beaches, their distinctive sound blends retro and modern sensibilities with a powerful mix of captivating vocals, melodic solos, and driving beats. The Petras tap into a unique female energy in their lively shows, serving up catchy original songs and kickin’ covers with a bouncy vibe that’s fresh and fun!

Almond Milk

Almond Milk est le projet audiovisuel emblématique de Simon Kerr, producteur et chanteur de 18 ans. Almond Milk joue avec les conventions de la pop et du hip-hop pour créer un son unique et captivant. Ses performances sont empreintes d’une énergie et d’un élan incroyables, et il fait vibrer le public avec son énergie et ses explorations audiovisuelles.

Almond Milk is the iconic audio-visual project of Simon Kerr, an 18 year old producer and singer. Almond Milk plays with pop and Hip-hop conventions to create a sound that is unique and captivating. His performances carry an incredible weight of energy and momentum, and he strives to shake the room with energy and audio-visual exploration.

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