Agenda
Le groupe The Lost Fingers regroupe Byron Mikaloff, François Rioux, Alex Morissette ainsi que Rosalie Roberge pour rendre hommage aux années 80 et 90 en s’inspirant du jazz manouche de Django Reinhardt. Énergie, swing, sourires, humour, musicalité, virtuosité et costumes éclatés sont au rendez-vous !
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Lengaïa Salsa Brava est un orchestre de 12 musiciens montréalais nommé aux Junos, créé en 2012 par le tromboniste latino et guyanais Giany-Frantz Huyghues-Despointes. Son format orchestral de trois trombones et d’un saxophone baryton lui donne une couleur sonore unique par sa puissance et son harmonie.
A l’image de son lieu de naissance, Montréal, Lengaïa est multiculturel : ses membres proviennent de pas moins de 7 pays différents : Guyane française, Cuba, Colombie, Pérou, Québec, Espagne et Venezuela.
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Elinor Frey est une violoncelliste, gambiste et chercheuse canado-américaine. Ses enregistrements sur le label belge Passacaille et label canadienne Analekta – la plupart des premières mondiales – comprennent les Sonates pour violoncelle de Giuseppe Clemente Dall’Abaco, lauréates d’un Diapason d’Or, et les Concertos pour violoncelle de l’Italie ancienne, lauréats du prix JUNO 2023 pour l’album classique de l’année (petit ensemble). Ses éditions critiques de la musique pour violoncelle de Dall’Abaco sont publiées en collaboration avec les éditions Walhall.
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Harpiste créatif et innovateur, Antoine Malette-Chénier joue un répertoire s’étendant de la Renaissance et du baroque, sur instruments d’époque, à la musique contemporaine. Harpiste solo de l’Orchestre symphonique de Trois-Rivières et musicien recherché pour sa polyvalence, il s’est produit comme soliste, chambriste et continuiste avec plusieurs ensembles au Canada et à l’étranger, dont l’Orchestre Métropolitain, Les Voix humaines et les Violons du Roy. Antoine est récipiendaire du Prix Michael Measures 2014 du Conseil des arts du Canada et d’un 1er Prix au Concours OSM Standard Life 2013. Gagnant de maints concours de concerto, il s’est produit comme soliste avec orchestre au Canada, aux États-Unis, en France et en Hongrie. Diplômé du Conservatoire de musique de Trois-Rivières, de l’Université de Montréal, de l’Université McGill et de la Yale School of Music, Antoine détient aussi une maitrise en harpes historiques du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon.
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Serhiy Salov est un pianiste d’exception mainte fois salué pour son jeu à la fois énergique et empreint d’une grande musicalité. Il se distingue par sa technique remarquable, sa rigueur et sa virtuosité, autant de qualités qu’il met au service de la poésie musicale. L’enthousiasme du public et l’éloge de la critique confirment la place importante qu’il occupe sur la scène musicale internationale tant comme soliste que chambriste. Serhiy Salov est également reconnu pour ses transcriptions pour piano d’œuvres symphoniques, telles Casse-noisette de Tchaïkovski, Nocturnes de Debussy, Nuit sur le mont Chauve de Moussorgski et plusieurs autres. Concertiste remarquable, Serhiy Salov a travaillé avec des chefs de renom et s’est produit avec nombre d’orchestres un peu partout dans le monde. En plus de participer régulièrement aux festivals les plus prestigieux, il a reçu plusieurs prix dans divers concours internationaux.
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Membre fondateur en 1976, avec André Marchand et Mario Forest, du groupe culte du Québec La Bottine Souriante, Yves Lambert en sera la figure emblématique jusqu’à 2003. Au sein du groupe, Yves Lambert produira 11 albums totalisant plus 800 000 copies vendues ayant accumulé, 3 disques Platine et 4 disques d’Or. Dès les années 80, le groupe devient ambassadeur culturel de premier ordre et les tournées ne tardent pas à se multiplier tant en Europe qu’en Amérique du nord. Leur présence sur la scène internationale suscitera l’intérêt de plusieurs acteurs internationaux tel qu’ÉMI avec qui le groupe a signé pour le marché international. Yves Lambert partagera avec La Bottine, spectacles, tournées internationales, émissions télé et radio ainsi que 6 Félix, 3 JUNO’s, BBC Awards et bien d’autres distinctions. Après 26 ans, en tant que chanteur et leader de La Bottine Souriante, Yves Lambert c’est hissé au titre d’icône de la musique traditionnelle québécoise.
Angèle Dubeau nous parle de son passage à la Fête de la musique de Tremblant :
« Le concert de samedi lui est consacré avec toute sa québécitude. Il sera entouré de huit ou neuf musiciens. Quand on connaît Yves, on sait qu’il est un rassembleur. Je suis sûre que le pied va être gigueur sur la place! L’an dernier, j’ai invité Yves, le lui ai dit : « Je te sais rassembleur, je veux que tu crées vraiment une grande fête au village, je veux que tu fasses danser, que tu fasses taper des mains, que ce soit vraiment une ambiance de fête. Je ne suis absolument pas inquiète, ça se fera. Yves devait donc présenter ce spectacle l’année dernière et… nous avions dû l’annuler à cause d’un orage avec éclair, tonnerre… bref trop dangereux pour l’électricité sur scène. Les spectateurs étaient tellement déçus, les artistes aussi. J’étais alors montée sur scène:« Je vous le promets, ils seront de retour l’année prochaine. » Alors voilà, ils sont de retour.
« Pour la petite histoire, on avait quand même vécu un moment magique. Dans l’attente de savoir si l’orage allait passer, on était tous à l’arrière-scène, sans électricité. Autour de nous, on voyait des flaques d’eau. Et alors un musicien d’Yves a commencé à taper du pied… tap, tap, tap…, aussi avec les mains, un petit rythme de gigue avec les pieds dans l’eau. Puis ça s’est mis à chanter tout doux pendant à peu près 15 minutes. C’était magique! Mais nous n’avons pu continuer à cause de l’orage persistant. Alors j’ai bien hâte d’entendre Yves Lambert pour de vrai sur scène, cette fois. »
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Ayrad réunit les talents de musiciens issus d’horizons différents : le chanteur, guitariste et auteur-compositeur d’origine marocaine Hamza Abouabdelmajid, Annick Beauvais (hautbois, voix), Anit Ghosh (violon), Sylvain Plante (batterie, percussions) et Gabriel Brochu-Lajoie (basse, claviers), Marton Maderspach (percussions).
Le groupe n’hésite jamais à transgresser les frontières musicales. Ayrad propose une musique transculturelle, combinant des rythmes andalous et berbères, des grooves reggae et chaabi marocains, et des souches pop et rock. Un mélange unique qui attire les auditeurs aventureux et passionne les amateurs de musique du monde. Galvanisé par la voix exceptionnelle de Hamza, ce groupe de musiciens expérimentés est capable de pousser ses chansons à leur paroxysme, en leur insufflant une énergie contagieuse, quasi-magique, qui ne laisse aucun public indifférent.
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Deer Scout
Élevé par deux musiciens folk à Yonkers, Miller a commencé à enregistrer des chansons sous le nom de Deer Scout lors de sa première année d’université à Philadelphie. C’est là que iel a écrit la première chanson de Woodpecker, « Synesthesia », qui parle d’un trajet en train pour rentrer chez soi après un spectacle en sous-sol. Après le transfert de Miller à l’Oberlin College, Deer Scout a commencé à tourner dans des salles DIY à travers le pays et à partager la scène avec des artistes favoris tels que Waxahatchee et Told Slant. L’intimité et la complexité de ces deux influences se reflètent dans les arrangements soigneusement aventureux de Woodpecker, qui comprend, entre autres, la basse de Ko Takasugi-Czernowin, un proche collaborateur, le violoncelle de Zuzia Weyman, la batterie de Madel Rafter et la guitare de Mark, le père de Miller.
Raised by two folk musicians in Yonkers, Miller began recording songs as Deer Scout their freshman year of college in Philadelphia. There, they wrote Woodpecker’s earliest song “Synesthesia” about a train ride home from a basement show: “Night in the city / Big house on the corner / Her voice has the timbre of summers ago,” recalls Miller resonantly. After Miller’s transfer to Oberlin College, Deer Scout began touring DIY venues around the country and sharing stages with favorite artists including Waxahatchee and Told Slant. The twinned intimacy and intricacy of those two influences is reflected in the carefully adventurous arrangements on Woodpecker, which features, among other contributors, bass from close collaborator Ko Takasugi-Czernowin, cello from Zuzia Weyman, drums from Madel Rafter, and guitar from Miller’s father Mark. (Deer Scout, bandcamp)
Sophie Ogilvie
Sur Crocus, le changement est toujours en cours. Le premier EP de l’artiste montréalaise Sophie Ogilvie raconte comment une saison passe à la suivante, comment une relation se résout en quelque chose de disparu. S’inspirant du jazz, du R&B et de la musique alternative des années 90, l’écriture de Sophie Ogilvie est à la fois cool et vulnérable, douce et percutante, délicate et dramatique.
On Coming Up, Crocus, change is always already in motion. The debut EP from Montreal artist Sophie Ogilvie chronicles how one season passes into the next, how a relationship resolves itself into something gone. Drawing on jazz, R&B, and 90s alternative, Ogilvie’s songwriting is simultaneously cool and vulnerable, soft and hard-hitting, delicate and dramatic. (Sophie Ogilvie, bandcamp)
Westelaken
John Roseboro
Cet auteur-compositeur-interprète et artiste visuel haïtien-américain, basé à Brooklyn, s’est fait un nom sur la scène indie, redéfinissant et innovant le genre à travers les côtes. S’inspirant de Gilberto et Jobim, le style post-bossa de Roseboro présente d’autres similitudes avec les plus grands, dans la mesure où sa musique se concentre sur la justice personnelle et sociale, abordant des concepts majeurs tels que les droits de l’homme, l’amour et la religion. La musique de Roseboro a été décrite comme » la musique qui guérira le monde… impossible d’être indifférent, tant au niveau de la voix que de l’âme « .
The Haitian-American, Brooklyn based, singer-songwriter and visual artist has been making a name for himself in the indie scene, redefining and innovating the genre up and down the coasts. Building off of the likes of Gilberto and Jobim, Roseboro’s post-bossa style carries other similarities to the greats in that his music focuses on personal and social justice, undertaking major concepts such as human rights, love, and religion. Being described as « probably the music that will heal the world… impossible to be indifferent, in voice and soul.” (John Roseboro, bandcamp)
Pataugeoire
Pataugeoire, le périmètre d’Agathe Dupéré (Safia Nolin, Pomme, Sophia Bel, Embo/phlébite), baigne dans la scène musicale québécoise depuis une demi-décennie. Sa guitare “chaleur-et-coup-de-soleil” et ses mélodies hypercubiques lui servent à transgresser les limites des jeux qu’elle fixe. Fortement inspirée du emo, du grunge et pop-punk des années 1990 et 2000 (The Pixies, Blonde Redhead, (Sandy) Alex G, Simple Plan, Juliana Hatfield) pataugeoire oeuvre dans un folk alternatif à l’écriture dense, volatile et ludique.
Pataugeoire, the perimeter of Agathe Dupéré (Safia Nolin, Pomme, Sophia Bel, Embo/phlébite), has been immersed in the Quebec music scene for half a decade. Her « warm-and-sunny » guitar and hypercubic melodies help her transgress the limits of the games she sets. Strongly inspired by the emo, grunge and pop-punk of the 1990s and 2000s (The Pixies, Blonde Redhead, (Sandy) Alex G, Simple Plan, Juliana Hatfield) pataugeoire works in alternative folk with dense, volatile and playful songwriting. (Pautaugeoire)
Bozobaby
Formés par des amis à l’âge de dix-sept ans dans leur cabane à Coolum, dans le Queensland en 2016, The Chats représentent tout ce qu’il y a de bon en Australie et rien de mauvais : un esprit rebelle, un humour de potence et la poursuite hédoniste sans fin d’un Bloody Good Time.
Puisant leur influence dans la même scène fertile du pub rock australien qui a donné naissance à tout le monde, d’AC/DC et The Saints à Cosmic Psychos et The Hard Ons, et partageant une approche singulière et autonome de leur art avec des héros du rock australien de la dernière heure comme King Gizzard & the Lizard Wizard, The Chats se décrivent eux-mêmes comme des « dropkick drongos de la Sunshine Coast d’Australie ».
Formed in their mate’s bong shed in Coolum, Queensland 2016 at age seventeen, The Chats represent everything that’s good about Australia and nothing that’s bad: a rebel spirit, gallows humour and the endless hedonistic pursuit of A Bloody Good Time.
Drawing influence from the same fertile Australian pub rock scene that spawned everyone from AC/DC and The Saints to Cosmic Psychos and The Hard Ons, and sharing a similar singular self-contained approach to their art as such latter-day Aussie rock heroes as King Gizzard & the Lizard Wizard, The Chats describe themselves as “dropkick drongos from the Sunshine Coast of Australia”.
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En apparence, TV Girl est un mélange ensoleillé de pop française des années 60 et de soul du sud de la Californie. Pourtant, sous ce vernis brillant se cache un cœur sombre, battant avec un esprit acéré et une aliénation cynique, et la musique n’en est que plus séduisante. TV Girl, composé de Brad Petering, Jason Wyman et Wyatt Harmon, a été formé en 2010 par Petering comme un exutoire pour mélanger l’amour de la pop de girl-group à la Spector avec un intérêt naissant pour le hip-hop. En 2014, TV Girl a dévoilé son premier album complet, French Exit, acclamé par la critique. L’album reste fidèle au charme de TV Girl avec une multitude d’échantillonnages électroniques infusés dans des guitares légères et aériennes, des orgues vrombissantes et des voix éthérées.
On the surface, TV Girl is a sunny, throwback splash of ‘60s French pop and southern California soul. Yet, under that shiny veneer lays a dark heart, beating with sharp wit and cynical alienation, and the music is all the more alluring for it. TV Girl, composed of Brad Petering, Jason Wyman, and Wyatt Harmon, was formed in 2010 by Petering as an outlet to blend the love of Spector-esque girl-group pop with an emerging interest in hip-hop. In 2014, TV Girl unveiled their first full-length, the critically acclaimed French Exit. The album keeps true to the TV Girl charm with a bevy of electronic samplings infused throughout light and airy guitars, whirring organs, and ethereal vocals.
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Le titre du nouvel album de Barns Courtney sera sans doute familier à tous ceux qui ont déjà cherché quelque chose en ligne et qui ont abouti à un résultat nul. Mais 404 est un album qui explore les sentiments de perte et d’abandon inspirés par l’habitude qu’a la vie d’afficher ses propres pages d’erreur. Barns explore l’absence, la frustration et la recherche sans fin de quelque chose qui semblait toujours être là jusqu’à ce qu’un jour, soudainement, ce ne soit plus le cas : son enfance. « Il est douloureux de savoir que quelque chose a disparu, qu’il s’agisse d’un bon moment, d’un bon sentiment, d’une partie agréable de l’existence ou de quelque chose de physique. Je me demande toujours : si vous deviez revenir en arrière et retrouver les endroits que vous avez connus dans votre enfance, à quoi ressembleraient-ils ? dit Barns.
The title of Barns Courtney’s new album will no doubt be familiar to anyone who’s ever searched for something online and found themselves face to face with nothing. But 404 is an album that explores feelings of loss and bereftness inspired by life’s habit of throwing up its own error pages, with Barns exploring absence, frustration, and the never-ending search for something that seemed like it would always be there until one day, suddenly, it wasn’t: his childhood. “It’s painful knowing that something has gone, whether it’s a good time, a good feeling, a pleasant section of existence, or something physical. I’m always wondering: if you were to go back and find places you knew as a child, what would they look like?” Barns says.
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