Festival International Nuits d’Afrique : Samba Canjerê Soirée samba et afoxés avec Diogo Ramos au Balattou

par Rédaction PAN M 360

Véritable phénomène culturel, la samba, si populaire, qui anime les rues brésiliennes et fait danser à travers le monde, possède de profondes racines. L’une de ses formes ancestrales, la samba de roda, relève du culte des orishas, dans la tradition Yoruba d’Angola et du Royaume du Kongo. Depuis 2019, authentique et chaleureux, avec un répertoire composé de classiques, de chansons traditionnelles et de compositions originales, Samba Canjerê célèbre l’ascendance afro-brésilienne de ce petit bijou de rythme où les percussions sont reines et qui incarne la joie de vivre.
À l’occasion de trois soirées spéciales, Samba Canjerê partagera la scène avec des artistes différents, faisant démonstration de la beauté et de la richesse des rythmes du Brésil.
Samba et Afoxés | avec Diogo Ramos: Influencé par le tropicalisme, ce virtuose de la guitare est un brillant touche-à-tout. Autant il excelle à adapter avec finesse les chansons de Gilles Vigneault dans un style bossa nova, autant ses dernières productions sont un mélange éclatant de samba-funk fusionné à l’électro et au hip hop.

A genuine cultural phenomenon with deep roots, samba music is as popular as ever, enlivening Brazilian streets and inspiring people the world over to dance. One of its earliest forms, samba de Roda, has strong ties to orisha worship by the Yoruba of Angola and the Kingdom of Kongo. Authentic and lively, with a repertoire made up of classics, traditional songs and original compositions, Samba Canjerê has been celebrating the Afro-Brazilian roots of this musical treasure since 2019, and their rhythms proclaim a joie de vivre where percussions reign supreme.
On three special evenings, Samba Canjerê will share the stage with a host of artists, demonstrating the beauty and richness of Brazilian rhythms.
Samba and Afoxés | with Diogo Ramos: Influenced by the tropicália movement, this guitar virtuoso is also extremely versatile. Diogo Ramos is just as adept at successfully adapting Gilles Vigneault songs to bossa nova as he is at producing a dazzling blend of samba and funk with electro and hip hop.

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afro-latin / champeta

Festival International Nuits d’Afrique : La Chiva Gantiva au Balattou

par Rédaction PAN M 360

“C’est avant tout sur scène que La Chiva Gantiva a rencontré son succès, avec ses manières exubérantes et sa présence explosive” (RTBF, 2017). Après 3 ans de silence radio, La Chiva Gantiva, qui a collaboré avec Antibalas et Arrested Development et a ouvert pour Iggy Pop, reprend la route avec de nouveaux titres à l’occasion de son 15è anniversaire. Un son densément rock, parfois presque punk, aéré d’électro, de funk et d’afrobeat ; des cumbia, champeta, chirimia, mapalé diablement revampés: La Chiva Gantiva appartient à cette nouvelle génération qui se réapproprie et partage avec aplomb, énergie, générosité et passion les rythmes traditionnels afro-colombiens.

“By far, it is La Chiva Gantiva’s exuberance and explosive stage presence that has driven their success” (RTBF, 2017). After three years of radio silence, the group, which has previously opened for Iggy Pop and worked in collaboration with Antibalas and Arrested Development, is celebrating their 15th anniversary by heading back on the road with their newest material. A solid rock sound, at times almost punk, spiced up with electro, funk and Afrobeat along with a blend of cumbia, champeta, chirimia and mapalé, all revamped to the max. La Chiva Gantiva is part of a new generation reclaiming and spreading traditional Afro-Colombian rhythms with confidence, enthusiasm, generosity and passion.

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DJ set / électronique / techno

MUTEK : EXPÉRIENCE 5 à l’esplanade Tranquille

par Rédaction PAN M 360

Expérience investit l’esplanade Tranquille, au cœur de Montréal, tous les jours dès 17h avec une programmation gratuite en plein air.
Pensée comme un lieu de passage et de rassemblement, la série propose un large éventail de performances musicales, entre découvertes locales et artistes internationaux.
Elle reflète l’ouverture esthétique du festival et favorise une rencontre naturelle entre les publics, les styles et les rythmes.

MUTEK’s Expérience series takes over l’esplanade Tranquille with free open-air performances every day from 5PM.
Conceived as a gathering place, the series offers a wide range of musical performances, from local discoveries to international artists.
It reflects the festival’s aesthetic openness and encourages a natural meeting point between audiences, styles and rhythms.

Lisa Pulsatilla

Sous l’alias Lisa Pulsatilla, la flûtiste et musicienne électronique Lisa Teichmann façonne des paysages sonores où le souffle devient matière vibratoire et vecteur d’émotion. Originaire de Berlin et basée à Montréal, elle allie flûte et traitement électronique via un pédalier conçu sur mesure, créant des textures organiques et méditatives qui explorent les liens entre mélodie, harmonie et guérison sonore. Chercheuse postdoctorale au CRIHN (Université de Montréal), elle développe une approche artistique ancrée dans le corps et la mémoire sensorielle. Sur scène, elle superpose boucles, delays, modulations et panoramiques pour transcender les limites monophoniques de la flûte et composer des environnements polyphoniques envoûtants. Son travail a accompagné diverses œuvres visuelles, dont Seeking Stillness de George Fok (PHI, 2020), le documentaire Portrait de Pierre Bourgault de Sarah Seené, ainsi que le court-métrage are you haunted, daddy? de Guillaume Vallée. Elle évolue également au sein des projets Goodsine, LoSignal (CKUT 90.3 FM) et du collectif ShyGirls, avec des parutions chez Sound as Language, DMT Records, Jeunesse Cosmique et Crochet Disque.

Performing as Lisa Pulsatilla, Berlin-born flutist, electronic musician, and researcher Lisa Teichmann creates immersive soundscapes where the breath becomes both medium and message. Now based in Montréal, she merges the acoustic intimacy of the flute with hardware-driven electronic processing to explore themes of trauma, emotion, and vibrational healing. Her solo performances use a carefully constructed pedalboard—originally built for other instruments but adapted to preserve the natural resonance of the flute. Through live layering, delay, modulation, and stereo imaging, she expands the instrument’s monophonic limits to build rich, evolving textures where melody, drone, and harmony intertwine. Active in both academic and artistic spheres, Teichmann is a postdoctoral researcher at the Université de Montréal’s CRIHN, and has contributed sound work to George Fok’s Seeking Stillness (PHI, 2020), Sarah Seené’s documentary Portrait de Pierre Bourgault, and Guillaume Vallée’s short film are you haunted, daddy?. She is also part of the ShyGirls collective, Goodsine, and LoSignal (CKUT 90.3 FM), with releases on Sound as Language, DMT Records, and others.

DJ Oil

DJ Oil, alias Lionel Corsini, est un producteur et DJ basé à Marseille dont le parcours s’étend sur plus de vingt ans. Membre fondateur du groupe Troublemakers, signé chez Blue Note au début des années 2000, il a contribué à établir une esthétique trip-hop française nourrie de jazz, de hip-hop instrumental et de sons organiques.

DJ Oil, also known as Lionel Corsini, is a Marseille-based producer and DJ with a career spanning over two decades. A founding member of the group Troublemakers, signed to Blue Note in the early 2000s, he helped shape a distinctly French take on trip-hop, blending jazz, instrumental hip-hop and field-recorded textures.

Baby Volcano

Baby Volcano, alias de l’artiste helvético-guatémaltèque Lorena Stadelmann, fait vibrer les scènes avec des performances où s’entrelacent corps, sons et émotions à l’état brut. Formée en danse contemporaine et en théâtre à Buenos Aires, elle insuffle une intensité viscérale et une dimension scénique rare à ses concerts, devenus sa signature.

Swiss-Guatemalan artist Baby Volcano, the alias of Lorena Stadelmann, channels her background in contemporary dance and performance into a musical world that’s as theatrical as it is emotionally raw. Since the release of her striking debut EP Síndrome Premenstrual, she has made a name for herself with genre-defiant live shows that fuse visceral energy, political edge, and poetic vulnerability.

RICO X PARIA Ensemble

RICO X PARIA Ensemble fusionne rythmes afro-caribéens, électronique expérimentale et la voix percutante de RICO RICA dans une réinvention musicale éclatante. Improvisation en direct, instruments traditionnels et manipulations sonores instantanées par Bclip créent un espace libre où s’entrechoquent héritage et futurisme débridé. Une section du spectacle (10 à 15 minutes) accueille l’accordéoniste Jose Daniel Rico Nieves (COL) et le percussionniste Elias Musiak (ARG), enrichissant la performance d’une rencontre musicale intense et spontanée.

RICO X PARIA Ensemble fuses Afro-Caribbean rhythms, experimental electronics, and RICO RICA’s commanding vocals in a vibrant act of sonic reinvention. With live improvisation, folkloric instruments, and real-time sound manipulation by Bclip, the performance ignites a boundary-defying space where tradition meets radical futurism. A 10–15-minute section features accordionist Jose Daniel Rico Nieves (COL) and percussionist Elias Musiak (ARG), intensifying this spontaneous musical encounter.

Bitter Babe

Pour sa première performance live à MUTEK Montréal, Bitter Babe livre un set percutant, traversé de rythmes éclatés et de textures mouvantes. Entre tension, douceur et chaos maîtrisé, elle explore toute la charge émotionnelle d’une club music latine en pleine mutation.

Bitter Babe’s debut live set at MUTEK Montréal promises a raw, high-voltage trip through fractured rhythms and volatile textures. Balancing bass-heavy intensity with moments of softness and dissonance, her performance shifts from collapse to control in a heartbeat—channeling the full emotional spectrum of future-facing Latin club music.

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jazz contemporain / jazz moderne

FIJM Upstairs | Steve Turre Band

par Alain Brunet

L’image de Steve Turre évoque inévitablement celle d’un virtuose intrépide. Au cours d’une carrière remarquable de plus de cinq décennies, Turre a prouvé à maintes reprises qu’il était l’un des plus grands maîtres du trombone, capable de piloter son instrument exigeant à une vitesse vertigineuse, dans des virages vertigineux et des sauts imaginatifs. Steve Turre évolue constamment en tant que musicien et arrangeur. Il maîtrise parfaitement tous les genres musicaux et, lorsqu’il s’agit de son jazz si particulier, il garde toujours un pied dans le passé et l’autre dans l’avenir.

D’innombrables moments musicaux peuvent venir à l’esprit en pensant à Steve Turre : son passage formateur avec les Jazz Messengers d’Art Blakey, ses collaborations innovantes avec Rahsaan Roland Kirk, ses tournées avec Ray Charles ou Woody Shaw, ses décennies au sein du groupe Saturday Night Live, son utilisation révolutionnaire des conques comme instruments de musique, et ses innombrables collaborations avec les plus grands artistes du jazz et de la musique populaire.

Trombone et shells – Steve Turre
Saxophone et flûte – James Carter
Piano – Xavier Davis
Batterie – Orion Turre
Basse – Kenny Davis

The thought of Steve Turre inevitably conjures the image of a dauntless virtuoso. Over the course of a remarkable career spanning more than five decades, Turre has proved time and time again that he’s one of the foremost masters of the trombone, able to steer his challenging instrument through breakneck turns and imaginative leaps at dizzying speed. Steve Turre continually evolves as a musician and arranger. He has a strong command of all musical genres and when it comes to his distinct brand of jazz, he always keeps one foot in the past and one in the future.

There are countless musical moments that might come to mind at the thought of Steve Turre: his formative stint with Art Blakey’s Jazz Messengers, his innovative collaborations with Rahsaan Roland Kirk, his tenures on the road with Ray Charles or Woody Shaw, his decades as a member of the Saturday Night Live band, his ground-breaking use of conch shells as musical instruments, countless collaborations with the greatest artists in jazz and popular music.

Trombone & Shells – Steve Turre
Sax and flute – James Carter
Piano – Xavier Davis
Drums – Orion Turre
Bass – Kenny Davis

jazz groove

FIJM | Alexis Lombre

par Rédaction PAN M 360

Alexis Lombre est une pianiste, chanteuse, compositrice et productrice de Chicago. Elle a découvert très tôt que la véritable essence de la musique n’est pas seulement ce que l’on entend, mais aussi ce que l’on ressent. Sa mission est de préserver l’âme de la musique. Son dernier single, « Boundaries », un hymne puissant qui parle de se défendre et de s’approprier son espace personnel, a été publié en juin dans le cadre de la playlist Juneteenth Freedom 2024 Jazz d’Apple Music pour le Mois de la musique noire et est disponible sur toutes les plateformes musicales depuis le mois de septembre. Outre la composition, la production et l’interprétation de sa propre musique, elle a effectué des tournées aux États-Unis, au Canada, à Cuba, au Brésil, en France et en Afrique du Sud avec des artistes tels que Jon Batiste, Terrace Martin, Terri Lyne Carrington, Ledisi, Lizz Wright, STOUT, Keyon Harrold, Georgia Anne Muldrow, Marcus Miller, Nicole Mitchell, Jamila Woods, DJ D-Nice et le Miles Davis Electric Band. Lombre a reçu le prix inaugural 2022 New Music Next Jazz Legacy Award et le prix 2023 Luminarts Award.

Alexis Lombre is a pianist, vocalist, composer and producer from Chicago. She discovered early that the true essence of music is not just about what you hear, but how it makes you feel. Her mission is to keep the ‘Soul’ in music alive. Her latest single, « Boundaries, » a powerful anthem about standing up for oneself and taking ownership of personal space, was originally released in June as part of Apple Music’s Juneteenth Freedom 2024 Jazz playlist for Black Music Month and became available on all music platforms as of September. In addition to composing, producing, and performing her own music, she has toured the United States, Canada, Cuba, Brazil, France, and South Africa with artists such as Jon Batiste, Terrace Martin, Terri Lyne Carrington, Ledisi, Lizz Wright, STOUT, Keyon Harrold, Georgia Anne Muldrow, Marcus Miller, Nicole Mitchell, Jamila Woods, DJ D-Nice, and the Miles Davis Electric Band. Lombre was awarded the inaugural 2022 New Music Next Jazz Legacy Award and the 2023 Luminarts Award.

jazz / jazz contemporain / jazz électro

Festival International de Jazz de Montréal | MISC

par Alain Brunet

MISC regroupe Jérôme Beaulieu (claviers), William Côté (batterie) et Jérémi Roy (basse). Ce trio de Montréal distingue par ses compositions jazz hybrides, très influencées par la culture numérique (hip-hop, électro) et par les avancées du jazz contemporain des dernières décennies. MISC se produit au FIJM pour y défendre (notamment) la matière d’un 5e album sorti en mai dernier, Beat Bouquet.

MISC brings together Jérôme Beaulieu (keyboards), William Côté (drums) and Jérémi Roy (bass). This Montreal trio stands out for its hybrid jazz compositions, heavily influenced by digital culture (hip-hop, electro) and the advances in contemporary jazz of recent decades. MISC will be appearing at FIJM to promote (among other things) their 5th album, Beat Bouquet, released last May.

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Alternative / college rock / indie rock

Pixies au MTelus

par Rédaction PAN M 360

Suscitant une révolution avec leurs guitares tranchantes, leurs dynamiques en stop-start, leurs harmonies masculines et féminines entrelacées et leurs paroles évocatrices, Pixies est l’un des groupes les plus influents du rock alternatif. Sur des albums tels que Surfer Rosa (1988) et Doolittle (1989), ils ont renversé les conventions, mêlant punk et indie rock, pop classique, surf rock et riffs monumentaux avec les paroles fragmentées du chanteur/guitariste Black Francis, abordant des thèmes comme l’espace, la religion, le sexe, la mutilation et la culture pop. Ses mots pouvaient être cryptiques, mais la musique était puissante, jetant les bases de l’explosion du rock alternatif au début des années 90. Du grunge au britpop, l’ombre des Pixies était omniprésente ; il est difficile d’imaginer Nirvana sans la dynamique caractéristique des Pixies, avec ses alternances de fort et de doux et ses solos de guitare bruyants et déstabilisants. Cependant, le succès commercial du groupe n’a pas égalé son impact : MTV était réticente à diffuser leurs vidéos, et les radios rock modernes ne diffusaient pas régulièrement leurs singles. Lorsque Nirvana a ouvert la voie au rock alternatif en 1992, les Pixies étaient effectivement séparés. Pendant le reste des années 90 et dans les années 2000, ils ont continué à inspirer des groupes allant de Weezer, Radiohead et PJ Harvey aux Strokes et Arcade Fire. La réunion des Pixies en 2004 a été aussi surprenante que bienvenue, et leurs tournées fréquentes les ont conduits à enregistrer des albums, dont The Night the Zombies Came en 2024, qui a élargi leur son révolutionnaire en y incorporant des influences country et folk.

Sparking a revolution with their jagged guitars, stop-start dynamics, intertwining male-female harmonies and evocative lyrics, Pixies are one of alternative rock’s most influential bands. On albums such as 1988’s Surfer Rosa and 1989’s Doolittle, they upended conventions, melding punk and indie rock, classic pop, surf rock, and stadium-sized riffs with singer/guitarist Black Francis’ fragmented lyrics about space, religion, sex, mutilation, and pop culture. His words may have been cryptic, but the music was forceful, laying the groundwork for the alternative explosion of the early ’90s. From grunge to Brit-pop, Pixies’ shadow loomed large; it’s hard to imagine Nirvana without Pixies’ signature loud-quiet-loud dynamics and lurching, noisy guitar solos. However, the band’s commercial success didn’t match its impact — MTV was reluctant to play their videos, while modern rock radio didn’t put their singles into regular rotation. By the time Nirvana broke down the doors for alternative rock in 1992, Pixies were effectively disbanded. During the rest of the ’90s and into the 2000s, they continued to inspire acts ranging from Weezer, Radiohead, and PJ Harvey to the Strokes and Arcade Fire. Pixies’ 2004 reunion was as surprising as it was welcome, and the band’s frequent tours led them to record albums including 2024’s The Night the Zombies Came, which expanded their groundbreaking sound with country and folk influences.

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jazz moderne

FIJM Upstairs | Anthony D’Alessandro quartet

par Rédaction PAN M 360

Rejoignez le pianiste torontois Anthony D’Alessandro et son quartette, dont le New-Yorkais Benny Benack III, pour une tournée pancanadienne faisant escale à Montréal, pour une soirée de swing, de standards et de musique originale tirée de Searchin’, le premier album acclamé de D’Alessandro (2024). Avec un groupe mixte torontois et new-yorkais :

Anthony D’Alessandro – piano
Benny Benack III – trompette/chant
Jonathan Chapman – basse
Jacob Wutzke – batterie

Join Toronto-based pianist Anthony D’Alessandro and his quartet featuring NYC’s Benny Benack III on the Montreal stop of their cross-Canada tour for an evening of swing, standards, and original music from D’Alessandro’s acclaimed debut album Searchin’ (2024). Featuring a joint-Toronto/New York based band:

Anthony D’Alessandro – piano
Benny Benack III – trumpet/vocals
Jonathan Chapman – bass
Jacob Wutzke – drums

jazz contemporain

Festival International de Jazz de Montréal | Linda Oh

par Rédaction PAN M 360

Linda May Han Oh (née le 25 août 1984 en Malaisie) est une bassiste de jazz et compositrice australienne, basée aux États-Unis. Elle est actuellement professeur associé au Berklee College of Music (Boston) et fait également partie de l’Institute for Jazz and Gender Justice. Elle est certainement l’une des bassistes les plus accomplies au monde. Au festival de jazz de Montréal, elle se produira avec Fabian Alamazan (piano) et Mark Whitfield Jr (batterie).

Linda May Han Oh (born 25 August 1984 in Malaysia) is an Australian jazz bassist and composer, based in USA. She is currently Associate Professor at the Berklee College of Music (Boston) and is also part of the Institute for Jazz and Gender Justice. She is definitely among the most accomplished upright bassists in the world. At the Montreal Jazz Fest, she will perform with Fabian Alamazan (piano) and Mark Whitfield Jr (drums).

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jazz / moyen-oriental

Festival International de Jazz de Montréal : Dhafer Youssef au Théâtre Maisonneuve

par Rédaction PAN M 360

Dhafer Youssef est reconnu comme un artiste pionnier qui a contribué à faire entrer la musique du Moyen-Orient sur la scène internationale du jazz et de la musique du monde.
Le jeu de oud de Dhafer Youssef est exceptionnellement expressif, techniquement brillant et défie les genres. Son profond respect de la tradition et son approche novatrice du son ont fait de lui l’un des oudistes les plus influents de la scène musicale contemporaine.
Le jeu de Youssef n’est pas seulement impressionnant d’un point de vue technique, il est aussi fascinant d’un point de vue émotionnel. Sa capacité à exprimer des émotions complexes – qu’il s’agisse de mélancolie, de joie ou de mysticisme – à travers son instrument est l’une des caractéristiques de son jeu. L’oud lui-même, avec ses sonorités chaudes et résonnantes, devient un canal pour son expression personnelle, ce qui donne à chaque représentation un caractère intime et profondément personnel.

Dhafer Youssef is recognized as a pioneering artist who has helped bring the music of the Middle East into the global jazz and world music scene. Dhafer Youssef’s oud playing is uniquely expressive, technically brilliant, and genre-defying.
His deep respect for tradition combined with his innovative approach to sound has made him one of the most influential oud players in the contemporary music scene.
Youssef’s oud playing is not just technically impressive, but also emotionally compelling. His ability to express complex emotions — whether melancholy, joy, or mysticism — through his instrument is one of the hallmarks of his playing. The oud itself, with its warm, resonant tones, becomes a conduit for his personal expression, making each performance feel intimate and deeply personal.

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arabe / metal / rock

Festival International Nuits d’Afrique : Sarāb au Ministère

par Rédaction PAN M 360

En langue arabe, leur nom signifie mirage. Point de tromperie ni d’illusion ici, rien que de la féérie. Sarāb entraîne l’auditoire dans un irrésistible monde en clair-obscur où se mêlent transe et moments suspendus, aux confins des musiques syriennes, égyptiennes, jazz et rock. “Une patte. Un son. De la classe” (FIP, 2024). Comme en témoigne leur troisième album, Qawalebese Tape (2023), l’univers musical de Sarāb est vaste. Tantôt il s’écoute ; tantôt il se danse. Il s’étend de la trap, au dub, au metal et au rock, porte des thématiques fortes et engagées, sans jamais perdre le fil d’une trame narrative enracinée dans la poésie des maqâmât arabes classiques, magnifiquement porté par la voix de la chanteuse Climène Zarkan et par les sonorités cuivrées.

“In Arabic, their name means ‘mirage.’ There is no deception or illusion here though, only enchantment. Sarāb brings their audience into an irresistible chiaroscuro world of trance and suspended moments, on the fringes of Syrian, Egyptian, jazz and rock music. ”A distinctive style. A sound. Pure class” (FIP, 2024). Their third album Qawalebese Tape is further proof that Sarāb inhabits a vast musical universe that invites listeners to sing and dance along to their music, which extends from trap to dub, metal and rock, while conveying strong, socially engaged messages without ever losing the thread of a narrative rooted in the poetry of classical Arab maqâmât, all of which is magnificently carried by the voice of singer Climène Zarkan and the dazzling sound of the trombone.

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bossa nova / jazz / post-bop

Festival International de Jazz de Montréal : Esperanza Spalding à la scène TD

par Rédaction PAN M 360

Contrebassiste et chanteuse, Esperanza Spalding est une artiste plusieurs fois primée aux Grammy Awards, reconnue pour son approche audacieusement hybride du jazz contemporain. Saluée comme une prodige dès son adolescence, elle se fait remarquer au cours des années 2000 avec ses premiers albums Junjo et Esperanza, ce dernier atteignant le sommet des palmarès de jazz contemporain. En 2010, elle crée la surprise en remportant le Grammy de la Révélation de l’année — une première pour une musicienne de jazz —, ce qui propulse son troisième album, Chamber Music Society, dans le Top 40 du Billboard, devenant ainsi l’album de jazz contemporain le plus vendu de l’année. En parallèle, Spalding s’impose comme pédagogue, devenant la plus jeune professeure à intégrer le corps enseignant du Berklee College of Music.
Elle décroche un second Grammy pour Radio Music Society en 2012. Depuis, elle poursuit une trajectoire résolument expérimentale, enchaînant des albums à forte dimension conceptuelle : Emily’s D+Evolution (2016), Twelve Little Spells (2019) et Songwrights Apothecary Lab (2021), explorent les frontières du jazz, de l’art rock, du R&B, des styles afro-latins, du néo-prog et de la pop expérimentale. Malgré cette diversité, les standards de jazz intimes et subtilement interprétés demeurent au cœur de son identité musicale, comme en témoignent son album en duo avec le pianiste Fred Hersch, Alive at the Village Vanguard (2023), et sa collaboration teintée de folk et de bossa nova avec Milton Nascimento, Milton + Esperanza (2024).

Bassist and singer Esperanza Spalding is a Grammy-winning performer with an ambitiously cross-pollinated approach to contemporary jazz. Hailed as a prodigy in her teens, she garnered wider attention in the 2000s with the release of her debut, Junjo, and its follow-up, Esperanza, the latter of which topped the contemporary jazz charts. In 2010, she won Best New Artist at the Grammys, an accolade that helped propel her third album, Chamber Music Society, into the Billboard Top 40 as the best-selling contemporary jazz album that year. At the same time, Spalding won respect as a teacher, becoming the youngest faculty member at the Berklee College of Music.
She took home a second Grammy for 2012’s Radio Music Society. Spalding has remained a forward-thinking maverick artist, issuing a series of increasingly concept-driven albums, including 2016’s Emily’s D+Evolution, 2019’s Twelve Little Spells, and 2021’s Songwrights Apothecary Lab, all of which found her moving far afield of jazz into art rock, R&B, Afro-Latin styles, neo-prog, and experimental pop. Still, intimate and artfully rendered standards and jazz remain a core of her musical identity, as on her 2023 duo album with Fred Hersch, Alive at the Village Vanguard and her 2024 folk and bossa nova-tinged collaboration with Milton Nascimento, Milton + Esperanza.

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