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Deli Girls est né il y a une dizaine d’années au sein de la scène queer, contre-culture, de gauche et abolitionniste de New York, en pleine effervescence et en plein essor. Le groupe de rave punk bruyant et de hardcore numérique est aujourd’hui composé d’une équipe flexible et tournante de collaborateurs, tous sous l’aile artistique de son fondateur, Dan Orlowski. Faisant partie de la même scène que Dreamcrusher, Machine Girl, ou même Show Me The Body, la musique de Deli Girls est brute et puissante, donnant l’impression d’une bagarre de rue au milieu d’une rave, grâce aux cris et au travail vocal d’Orlowski qui font dresser les cheveux sur la tête. Les paroles vont droit au but, troquant le langage fleuri pour des bombes vocales directes sur le chagrin, la dépression, l’apathie, l’injustice et d’autres sujets sur lesquels il est légitime de crier. Nous avons parlé avec Orlowski des débuts modestes du groupe, de l’activisme et de la nécessité de rester en bonne santé pour pouvoir pousser des cris à couper le souffle, avant le concert des Deli Girls au Taverne Tour.

PAN M 360 : Quelle est la composition actuelle de Deli Girls? Tommi ne fait-elle plus partie du groupe? Est-ce que Hatechild est maintenant un membre essentiel des concerts?

Dan Orlowski : Deli Girls est désormais un conglomérat, une entité flexible. J’ai beaucoup joué et collaboré avec Dani Rev et Hatechild ces deux dernières années. Ils ont tous les deux été les membres principaux pendant cette période, mais je veux rester ouvert. Nous avons récemment joué avec John Bemis à la batterie à Pioneer Works. J’ai envie de faire plus de choses avec une batterie live. Peut-être de la guitare.

PAN M 360 : À l’origine, vous vouliez être peintre, n’est-ce pas? Comment êtes-vous tombé dans la musique?

Dan Orlowski : C’est une sorte de passage classique de l’école d’art au musicien. J’ai commencé à me désintéresser de la scène artistique – les galeries, les murs blancs, les putes de l’art… Le marché de l’art n’est en fait qu’une façade de blanchiment d’argent pour les gens riches, n’est-ce pas? On commence à réaliser que la plupart des gens du monde de l’art sont issus de la classe moyenne supérieure et de l’argent. Des valeurs bourgeoises. La musique est beaucoup plus démocratique lorsqu’elle peut l’être. Une foule. Le relâchement mutuel. L’immédiat, la sueur.

PAN M 360 : Le dernier album éponyme est une pure folie et un arcane queercore. Comment s’est déroulée la collaboration avec autant d’artistes talentueux?

Dan Orlowski : Honnêtement, c’était extrêmement libérateur et inspirant. C’était génial d’entrer dans un flux avec d’autres artistes et leurs processus, et de garder une sensation de fraîcheur à chaque morceau. Il y a beaucoup de possibilités. C’était difficile de tout coordonner moi-même. Nouvelles idées, nouvelles directions pour les idées. Diriger le projet représentait une grande responsabilité, mais cela en valait la peine d’un point de vue créatif. Ce projet m’a permis de m’affirmer et de me réaliser.

PAN M 360 : Et le fait de l’appeler Deli Girls est une sorte de déclaration en soi? Je sais que lorsque les groupes font cela, c’est pour dire :  » Voici notre meilleure et plus brillante concoction de chansons qui font de nous, nous « .

Dan Orlowski : Tu as peut-être compris quelque chose, haha. Je voulais que le titre de cet album ne soit pas une déclaration, tout en édifiant ce que le groupe EST aujourd’hui.

PAN M 360 : La première fois que j’ai entendu Deil Girls, c’était lors d’une manifestation transgenre que je couvrais en 2015 ou 2016 en Alberta. Je suis sûr que vous le savez, mais Deli Girls a été très important pour la communauté queer en termes d’autonomisation et de déclarations contre la rhétorique blessante… Comment vous sentez-vous? Les gens vous le disent-ils?

Dan Orlowski : J’ai la chance de pouvoir dire que les gens me le disent. Je suis très reconnaissant aux activistes qui m’ont intégré dans leur travail ou qui m’ont entouré… il n’y a vraiment aucun endroit où je préférerais être. L’une des meilleures choses que l’on m’ait jamais dites concerne ce groupe d’activistes londoniens appelé Pissed Off Trannies, qui a recueilli de la pisse trans et en a aspergé l’entrée du bâtiment de la santé publique, afin de protester contre la nécessité d’indiquer le sexe sur les cartes d’identité au Royaume-Uni pour pouvoir utiliser les toilettes publiques. Ils ont apparemment créé un risque biologique pour la santé publique et ont dû fermer tout le bâtiment avec les employés du gouvernement à l’intérieur… la police avait apparemment peur qu’on lui jette de la pisse dessus, hahaha. Ils ont utilisé une piste DG sur les images de documentation de cette manifestation, et ils ont été très agréables à fréquenter pendant le concert. C’était emblématique et très inspirant. Ce sont des choses comme ça qui font que le projet en vaut vraiment la peine. Les histoires de ce genre annulent tous les aspects de l’ascension sociale et de la vie d’un musicien.

PAN M 360 : Vos cris sont tellement puissants qu’on a l’impression qu’ils font mal. Avez-vous suivi une formation vocale ou devez-vous échauffer votre voix avant un concert?

Dan Orlowski : Pas d’échauffement ni d’entraînement, si ce n’est d’essayer de développer l’endurance du cri, de rester toujours actif comme un muscle. Je le fais depuis très longtemps. Je fais constamment beaucoup de petites choses pour prendre soin de mon corps et m’assurer que ma gorge est optimale (pas de produits laitiers, de l’exercice, des soins intestinaux, pas de café, pas de tabac… c’est ennuyeux mais réel).

PAN M 360 : Devez-vous vous « mettre dans la peau » pour ainsi dire pour jouer? Comme crier en live, devez–vous vous sentir en colère ou vous souvenir de votre processus de pensée lorsque vous avez écrit la chanson?

Dan Orlowski : J’avais l’habitude de me sentir comme ça, mais maintenant je pense que le processus est plus automatique/intuitif. J’ai toujours pensé qu’il y avait une part de jeu d’acteur dans le chant, parce qu’il faut « être là » pour que ce soit authentique. C’est un défi de revenir constamment à l’endroit où je me trouvais lorsque j’ai écrit la chanson pour la première fois.

PAN M 360 : Quels sont les thèmes qui vous reviennent le plus souvent lorsque vous écrivez les paroles de Deli Girls?

Dan Orlowski : Tout ce qui m’exaspère le plus profondément. L’iniquité, l’injustice, tout ce qui me blesse le plus à un moment donné. Parfois le sarcasme, la critique. Plus récemment, le deuil.

PAN M 360 : Je trouve le chant très direct, sans métaphores fleuries, mais en allant droit au but : « This country’s abusive / now we’re all abusers »…

Dan Orlowski : J’essaie d’être aussi économe que possible avec les mots. En général, je n’aime pas les écrits fleuris parce qu’ils sont omniprésents et qu’ils masquent souvent un manque de contenu.

PAN M 360 : J’ai entendu dire par d’autres personnes lors de vos précédents concerts que votre public est l’un des meilleurs pour ce qui est de l’étiquette du moshing, c’est-à-dire s’amuser tout en étant en sécurité et en ne faisant aucune discrimination. Pourquoi pensez-vous que c’est le cas?

Dan Orlowski : Je suis presque sûr que la plupart des gens qui assistent à un concert que nous donnons sont déjà des contestataires. Queer, de gauche, abolitionniste, etc., c’est vraiment le reflet de l’excellente communauté dans laquelle j’ai la chance de me trouver. Nous n’avons jamais eu affaire à des trolls de TikTok ou de 4chan, à des punks skaters, etc. qui pourraient se situer à l’extrémité cis/mâle/edgy du spectre. Ce n’est pas à eux que la musique ou la communauté s’adresse.

PAN M 360 : Revenez sur les premiers concerts des Deli Girls dans des petites salles de bricolage à New York ou dans des bars merdiques… Et maintenant vous avez pu jouer dans des endroits comme Berghain, Primavera, Unsound Fest, est-ce que c’est fou pour vous de voir à quel point vous avez explosé et que vous avez maintenant ces opportunités

Dan Orlowski : C’est… complètement fou, haha. Je suis reconnaissant tous les jours. Mais c’est comme ça que tout le monde commence, n’est-ce pas? Faire du moshing dans un club était un concept tellement sauvage qu’aujourd’hui, c’est devenu une habitude. Il y a beaucoup de choses qui étaient avant-gardistes et qui sont devenues la norme, et je suis reconnaissante pour ces choses (les droits des transgenres comme une évidence au sein de la scène, les discussions sur la responsabilité, la priorité donnée aux BIPOC, l’éthique, la critique de la gentrification, la réduction des risques, pour n’en nommer que quelques-unes). Il faut savoir apprécier les victoires (tout en continuant à se battre pour un monde meilleur), sinon on perd la tête.

PAN M 360 : Avez-vous quelque chose à ajouter?

Dan Orlowski : Palestine libre.

Deli Girls se produira dans le cadre du Taverne Tour le jeudi 8 février avec Slash Need et Alix Fernz au Ministère.
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Nos interviews audiovisuelles sont à leur premiers balbutiements, PAN M 360 compte offrir de plus en plus d’entretiens comme celui que vous vous apprêtez à visionner! Cette fois, notre collaborateur Frédéric Cardin interviewe le compositeur canadien originaire de Malaisie , Zihua Tan, dont l’oeuvre sera créée ce dimanche à la Sala Rossa.

What came before me is going after me’ est une nouvelle œuvre pour quintette amplifié du compositeur Zihua Tan (Malaisie/Canada), écrite pour NO HAY BANDA en 2023. L’œuvre se délecte du potentiel sonore de diverses techniques instrumentales étendues en interaction avec des microphones non conventionnels. Des hydrophones, des géophones et des capteurs électromagnétiques sont utilisés pour capter les bruits résiduels de l’eau, des objets et de l’air – tels que le bourdonnement des champs électromagnétiques et le pétillement des bulles – brouillant et déformant le continuum des sons d’avant-plan et d’arrière-plan. » – texte de No Hay Banda.

what came before me is going after me (création)

Sarah Albu (voix)
Geneviève Liboiron (violon)
Audréanne Filion (violoncelle)
Daniel Áñez (ondes Martenot)
Noam Bierstone (percussions)
Gabriel Dufour-Laperrière (sonorisation)

CE PROGRAMME NO HAY BANDA EST PRÉSENTÉ CE DIMANCHE 4 FÉVRIER, 20H. POUR INFOS C’EST ICI

Ce dimanche 4 février à la Sala Rossa à Montréal, No Hay Banda propose une rencontre avec la violoncelliste canadienne India Gailey. Au programme, la performance de Problematica, le nouvel album de l’artiste indépendante, dans lequel elle joue des compos pour violoncelle/voix/électro de Fjóla Evans, Nicole Lizée, Julia Mermelstein, Andrew Noseworthy, Sarah Rossy, Joseph Glaser et Thanya Iyer. À noter que la première partie du concert sera assurée par la création d’une œuvre du compositeur montréalais Zihua Tan, what came before me is going after me. 

J’ai parlé avec India Gailey. Voici un résumé de ses propos : 

Pan M 360 : Bonjour India. C’est un plaisir de vous accueillir. Vous êtes originaire de Halifax, et y êtes toujours basés, c’est ça?

India Gailey : Oui. Mais j’ai étudié à McGill plusieurs années…

Pan M 360 : Vous avez tout à fait le profil pour la scène montréalaise…

India Gailey : J’aime beaucoup cette scène ! Je connais plusieurs artistes là-bas, et c’est toujours un immense plaisir de le retrouver.

Pan M 360 : Vous êtes en plein parcours d’une tournée canadienne avec Problematica, que vous présenterez dimanche le 4 février à la Sala Rossa à Montréal (avec un arrêt auparavant à Toronto le 31 janvier et à Guelph le 1er février). Qu’est-ce que Problematica?

India Gailey : Il s’agit avant tout d’un album qui sortira bientôt (fin février) sous étiquette People Places Records. Cet album est le résultat d’une série de commandes que j’ai faite à plusieurs compositeurs.trices canadiens.nes : Fjóla Evans, Nicole Lizée, Julia Mermelstein, Andrew Noseworthy, Sarah Rossy, Joseph Glaser, and Thanya Iyer

 

Pan M 360 : Quelle est l’esthétique principale?

India Gailey : Celle qui m’habite généralement dans mes concerts et le choix des œuvres que je joue. On pourrait dire une sorte de post-minimalisme qui floute les frontières entre la pop/rock indie, la musique contemporaine. 

Pan M 360 : d’où vient cet intérêt pour la pratique musicale contemporaine? De ta jeunesse? 

India Gailey : J’ai aimé le violoncelle très tôt, aussitôt que j’y ai touché. Mais je ne me suis pas tout de suite plongée dans la musique ‘’classique’’. J’ai joué d’abord dans des bands indie, mais c’est durant mes études plus poussées que j’ai découvert un monde de possibilités qui m’avait échappé. Et j’ai exploré avec plaisir.

Pan M 360 : Revenons à Problematica. Pourquoi ce titre? Quel ‘’problème’’ y a-t-il?

India Gailey : Aucun (rires)! Techniquement il s’agit, selon le dictionnaire, d’un substitut de taxon, utilisé pour les organismes dont la classification ne peut être déterminée. En plus simple, je suis intéressée par la notion de dualité et surtout du fait d’en sortir et aller plus loin dans l’identité. 

Pan M 360 : Comment cela se traduit dans la musique?

rIndia Gailey : À traves toutes sortes de contrastes et de superpositions entre les voix des partitions. Il y a le violoncelle, bien sûr, mais aussi ma voix (je dois chanter!) et parfois de l’électronique.

Pan M 360 : Jouer le violoncelle et chanter, en même temps! À quel point est-ce plus exigeant?

India Gailey : Oh, c’est très exigeant! Même si l’écriture pour la voix prend en compte mes capacités vocales, je dois tout de même sortir de ma zone de confort ici et là. En plus, je dois doublement me préparer pour chaque concert : le violoncelle et la voix? Je dois faire attention à ne pas trop parler, à protéger ma gorge, etc. C’est inhabituel pour une violoncelliste.

Pan M 360 : Nous vous souhaitons un excellent concert, et nous avons très hâte d’entendre tout cela

India Gailey : Merci! Ce sera un plaisir de revoir Montréal!

Cette année, PAN M 360 vous présente Igloofest sous un nouvel angle : celui des coulisses de l’événement, en mettant en lumière des travailleur.euses de l’ombre. On commence cette courte série d’entrevues avec Stéphanie Cléroux, directrice des services de production chez Multicolore, entreprise mère derrière Igloofest, Piknic Electronik (et d’autres projets bientôt annoncés). 

Montréal est internationalement reconnue comme la ville des festivals. À l’année longue, les événements s’enchaînent. L’hiver, c’est bien évidemment Igloofest qui mène la danse. Depuis seize éditions, bien installé sur le Quai Jacques-Cartier dans le Vieux-Port, Igloofest fait vivre une expérience unique à des milliers de festivaliers, quatre fins de semaine du mois de janvier et février. Une expérience rendue possible grâce au travail de Stéphanie Cléroux et de ses équipes. PAN M 360 vous propose de plonger dans les rouages d’Igloofest en compagnie de la directrice des services de production du festival.

PAN M 360 : Quel est le rôle d’une directrice des services de production au sein d’une organisation comme Multicolore ?

Stéphanie Cléroux : Je suis responsable de monter les équipes de production chez Multicolore, ça comprend autant la technique, l’aménagement, l’accueil des commanditaires aussi qui viennent sur le site, que toute la logistique d’accueil des festivaliers, donc sécurité, animation et personnel d’accueil. On est vraiment 360, du moment où les festivaliers arrivent sur le site et ensuite profitent de l’expérience dans sa totalité. 

Mon rôle c’est principalement de donner des paramètres très clairs aux équipes selon les objectifs fixés pour le développement de l’événement, tout en intégrant aussi les paramètres de nos commanditaires qui viennent bonifier l’expérience sur le site. On est un festival de musique, donc on doit aussi s’assurer qu’on offre vraiment la meilleure expérience pour les festivaliers, tant au niveau de ce qu’ils voient sur scène que des façons dont ils profitent du site. 

PAN M 360 : Souvent, quand on arrive sur un site de festival et qu’on le découvre, avant même d’avoir entendu la musique, le premier élément qui importe c’est l’esthétique, l’ambiance, les décors. Comment tout cela est pensé pour Igloofest ?

Stéphanie Cléroux : En ce qui concerne l’expérience visuelle du festival, on a une signature qui nous distingue avec les conteneurs blancs. On a aussi ce qu’on appelle les toc, là, qui sont les grandes bindos qu’on utilise un peu partout sur le site qui sont illuminés, ça fait partie de l’iconographie d’Igloofest. Puis on a notre marque qui est complètement déjantée avec les Yetis et d’autres personnages qui apparaissent dans l’iconographie du festival. On s’assure de donner une espèce de vibe un peu loufoque à travers nos différentes interventions artistiques.

Cette année, on a beaucoup travaillé les visuels sur la scène principale, qui est plus grande que les années précédentes. On a collaboré avec un VJ invité qui est avec nous sur les 12 soirs de l’événement. C’est un contenu qui se marie bien avec notre image de marque, mais qui est quand même pour la scène principale donc on est moins dans le loufoque pour ça. Mais on est quand même dans une esthétique qui fait du sens pour l’événement. 

PAN M 360 : Qui est en charge de toute l’esthétique sur le site ?

Stéphanie Cléroux : L’équipe créative. C’est elle qui a la responsabilité de créer tous les éléments qu’on doit placer sur le site. Elle doit aussi s’assurer que même si on reçoit un commanditaire dont l’image de marque est complètement différente à la nôtre, qu’on arrive à trouver un mariage entre nos deux entités pour que l’activation vienne faire sens dans notre univers, à la fois pour l’esthétique mais aussi pour les festivaliers. 

Ensuite, on a l’équipe bon aménagement et site, eux leur focus c’est de livrer cet environnement-là, de livrer la vision créative de notre équipe, mais aussi de s’assurer avec l’équipe logistique que ça fait du sens pour les festivaliers. Dans les espaces du site, tout est calculé : la grosseur des entrées, des sorties, les corridors de circulation… On s’assure qu’il n’y ait jamais d’embouteillage. C’est vraiment un travail de collaboration entre l’équipe de création et l’équipe de logistique. 

Puis à travers tout ça, il y a l’équipe qui est technique qui vient s’imbriquer dans tout. Dans nos infrastructures, tout est interrelié. Donc à chaque fois qu’on dépose un conteneur, dedans il y a des câbles, des éléments pour de l’éclairage, tout est vraiment intégré. À travers la technique, on a différentes spécialités comme éclairage, effets spéciaux, vidéo. 

PAN M 360 : Quels sont les défis propres à Igloofest ? On pense en premier lieu aux conditions météorologiques.

Stéphanie Cléroux : Le quai Jacques-Cartier principalement, étant près du. Un micro climat qui se crée dans ce dans ce lieu-là tant qu’on est exposé à tout, du moment où on s’installe jusqu’au moment où on quitte. On va vivre toutes les conditions météo possible. C’est à dire qu’il va pleuvoir, il va neiger, il va grêler, ça va geler, il va y avoir des accumulations d’eau, ça met vraiment à rude épreuve la planification pour livrer l’événement. Ça impacte aussi la sélection d’équipements techniques, il faut absolument aller dans quelque chose qui est un petit peu plus spécialisé, adapté pour les conditions météo dans lesquelles on travaille. Au fil des 16 années du festival il y a des choses qui ont été testées et on sait qu’on ne peut plus aller là. Par exemple, avant il y avait des sculptures sur glace Igloofest, maintenant, avec les changements climatiques c’est plus possible. La météo est un gros défi.

PAN M 360 : La mitigation du bruit à l’extérieur du site du festival est-elle un autre défi ?

Stéphanie Cléroux : Pour nous, c’est vraiment important de s’assurer que on ait une très bonne expérience sonore sur le dancefloor pour nos festivaliers mais qu’on ait le moins d’impact possible sur les résidents du Vieux-Port. On travaille avec Q audio et certains résidents du quartier, deux particulièrement, qu’on visite chaque fois qu’on fait des tests de sons. On s’en va écouter dans leur maison comment ça se passe pour eux et il y a parfois certains ajustements qu’on peut faire directement sur le champ en ajoutant certaines fréquences. On est proactif. Il y a aussi une boîte courriel pour les plaintes. Mais on essaie toujours de s’ajuster le plus possible en temps réel pour s’assurer que tout se passe bien. On a des lectures de de décibels aussi, sur scène, à l’entrée et la sortie du site pour s’assurer qu’on respecte bien les règles qui sont établies par la ville de Montréal.

PAN M 360 : Enfin, la question de la circulation au sein du site me semble importante elle aussi. D’un point de vue de confort du festivalier, mais aussi de sécurité.

Stéphanie Cléroux : Pour la circulation des festivaliers, c’est sûr que c’est quand même spécial d’avoir un grand festival qui peut accueillir plusieurs milliers de personnes sur un quai, duquel on ne peut sortir que d’un seul côté. Donc dans nos plans de mesures d’urgence, c’est vraiment important pour nous d’assurer que les festivaliers puissent sortir du site dans le cas d’un événement qui le nécessiterait. C’est sûr que ça amène beaucoup de contraintes sur l’aménagement, la circulation est quand même un enjeu important au niveau de la gestion des mesures d’urgence. Fait que pour ça on travaille avec le service Incendie de Montréal qui nous accompagnent aussi beaucoup à bien définir les paramètres et s’assurer qu’on respecte toutes les règles en ce sens-là. 

PAN M 360 : Comment le site du festival a-t-il évolué depuis ses débuts ?

Stéphanie Cléroux : Si on retourne à la genèse de cet événement-là, la scène principale était positionnée où cette année on a notre scène secondaire donc c’est le site était très petit. Au fil des éditions, c’est sûr qu’on gagne du terrain. Il faut savoir que sur le Quai Jacques-Cartier, on cohabite avec le Cirque du Soleil qui une année sur deux, vient avec une nouvelle création et installe avant notre arrivée certaines infrastructures de support, ce qui crée quand même une contrainte physique sur le site. Donc pour nous, chaque fois qu’il y a qu’il y a une phase de croissance, il y a aussi une phase de négociation avec cet autre producteur pour voir comment on minimise nos impacts, comment eux peuvent venir s’installer dans le lieu sans qu’on ait d’impact sur leur séquence de montage et sur leur déploiement. On collabore. C’est beaucoup par les phases de croissance qu’on développe le site, qu’on va chercher un petit peu plus de pieds carrés. Dans nos objectifs, c’est sûr qu’on souhaiterait grandir ce site-là, c’est vraiment un objectif qu’on a pour les années à venir. 

PAN M 360 : Quelles sont les grandes tendances et évolutions de l’industrie des festivals de musique ? Comment on fait pour se garder au courant des nouveautés ?

Stéphanie Cléroux : Ce qui se change assez rapidement en fait, ce sont les équipements techniques, je parle autant du son que de la vidéo. C’est surtout les artistes, en fait, qui nous font des requêtes, on voit leurs besoins techniques changer. C’est sûr qu’ils demandent souvent la meilleure qualité, puis une qualité qui est reconnue internationalement parce qu’ils se promènent au Québec, mais parfois ailleurs. C’est par là que je vois que je vois une évolution. Au courant des dernières années, ce qu’on a vu arriver, ce sont des écrans LED. C’est ce qui nous donne beaucoup de luminosité, de définition. On est capable d’aller chercher une finesse dans la qualité du contenu avec ça.

Sinon je te dirais qu’au niveau des processus, on a de meilleurs outils de prédiction, c’est-à-dire qu’on a beaucoup d’outils de dessin technique maintenant. Ils nous donnent des rendus avec lesquels on est capable de voir le show avant qu’il soit produit, donc ça nous permet d’éliminer certains questionnements parce qu’on arrive à aller chercher un détail en dessin technique. On peut faire des vues 3D, même en réalité augmentée, on peut aller jusque-là dans notre prévisibilité.

En tant que festival extérieur on voit aussi une grande évolution au niveau des conditions météorologiques. On l’a vu cet été il y a eu beaucoup de pluie, une alerte tornade, du smog… Ça nous demande d’ajuster beaucoup de paramètres. Quand il s’agit d’un événement extérieur, on doit faire évoluer nos façons de gérer le risque, de gérer les mesures d’urgence parce qu’on est sujet à tout. Igloofest et Piknic sont des événements récurrents qui ont beaucoup de dates. S’il pleut une journée, l’impact est moins grand que s’il pleut une journée sur un festival de deux jours. D’où la question de la gestion du risque. C’est une nouvelle réalité dans laquelle on est.

PAN M 360 : Quel est l’élément de l’expérience Igloofest à ne pas manquer cette année ? 

Stéphanie Cléroux : Cette année, on a travaillé sur deux choses : intégrer un nouveau format de scène, donc on est allé chercher une scène qui est plus grande, qui nous permet aussi plus de choses au niveau de l’accueil des artistes et on est revenu aux sources avec notre scène secondaire. On a démarré dans ce petit espace-là, derrière le Pavillon Jacques-Cartier et on est revenu recréer cette expérience qui est beaucoup plus intime, plus feutrée, tandis qu’à la scène principale on a l’espace pour accueillir le plus de festivaliers possibles. 

Cette année on, parmi les nombreux commanditaires, on a par exemple le Dépanneur Vidéotron qui est un peu notre service à la clientèle qui répond à tous les petits besoins du festivalier Igloofest. Si vous avez froid puis que vous avez un nez qui coule, ils ont des mouchoirs. Si vos lèvres sont gercées parce qu’il fait trop froid, ils ont des baumes à lèvres. Ils sont vraiment aller chercher tous les petits inconforts que le festivalier d’hiver peut avoir et offrir une solution. 

Pour la programmation d’Igloofest 2024, c’est ICI!

Crédit photo : ME Laurin

L’esthétique trans-traditionnelle du compositeur Sandeep Bhagwati et la pièce RASAS (Ritual and Sophisticated Areas of Sound) sont le pôle d’attraction d’un programme de la SMCQ.

Dans la tradition artistique indienne, les rasas constituent un répertoire complet des émotions exprimées dans toutes les manifestations artistiques. Dans son œuvre inspirée par ce concept traditionnel, Sandeep Bhagwati a élaboré 64 sections au sein d’une matrice, qui peuvent être reconfigurées selon différentes combinaisons.

Ainsi, les interprètes de l’œuvre doivent choisir une combinaison, ce qui produit collectivement une interprétation différente de la pièce chaque fois qu’elle est jouée. Autour de cette pièce, la direction artistique de la SMCQ

Le programme sera complété par trois œuvres issues de jeunes compositeurs.trices de la relève: la  Daphné Hejebri (France), Thierry Tidrow  (Canada, Ontario) et Sophie Dupuis (Canada, Nouveau-Brunswick).

Pour mieux saisir le fil conducteur de se programme, Simon Bertrand, compositeur et directeur artistique de la SMCQ, en explique à PAN M 360 les tenants et aboutissants.

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Participant·es

Programme

Du 26 au 28 janvier, soit à compter de vendredi, l’Orchestre symphonique de Laval a eu la brillante idée de mettre de l’avant des programmes construits sur la thématique de l’hiver. Andrei Feher et Jean-Michel Malouf, deux chefs québécois qui gagnent à être connus dans cette interview vidéo, dirigeront des programmes relevés à la Salle André-Mathieu.

Ainsi, un programme Bébé musique dédié au (très) jeune public est prévu ce vendredi à 10h, dirigé par Jean-Michel Malouf.

Un programme intitulé Légendes nordiques et insterstellaires sera excuté ce vendredi, 19h30, sous la gourverne de Jean-Michel Malouf, incluant des œuvres romantiques et post-romantiques de Richard Wagner, Richard Strauss, Johann Strauss II, tous du 19e siècle, auxquels s’ajoutent Howard Shore et John Williams compositeurs de musiques de films très inspirés par les technique de composition romantiques, post-romantiques ou modernes.

Samedi soir, 19h30, des pièces d’Ottorino Respighi, Edvard Grieg et Igor Stravinski seront exécutées par l’OSL sous la direction d’Andrei Fehrer.

Enfin, ce dimanche, 15h, l’OSL a prévu un concert pour toute la famille: les illustrations de Richard Vallerand seront projetées en temps réel, pendant que l’orchestre jouera Les oiseaux de Respighi et le fameux conte de Pierre et le loup de Prokofiev, raconté par Talia Hallmona.

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Chaque année, les étudiants en musique de McGill, tous cycles d’études confondus, se réunissent pour mettre en scène un opéra. Cette saison, Cendrillon, du compositeur français Jules Massenet, prendra l’affiche au Monument-National. Cet opéra est remarquable par son ampleur : de nombreux chanteurs sont nécessaires. Un défi de taille, que même les compagnies d’opéra professionnelles décident rarement de relever.

Stephen Hargreaves, directeur de l’Opéra McGill, et David Lefkowich, metteur en scène invité, sont à la source de cette production. Ayant tous deux de nombreuses années d’expérience dans la direction et la mise en scène d’opéras, tant au niveau local qu’international, tant au niveau professionnel qu’universitaire, ils ont relevé le défi de Cendrillon. C’était la première fois qu’ils travaillaient avec cette oeuvre, qu’ils connaissaient et aimaient déjà.

PAN M 360 a eu la chance de s’entretenir avec eux quelques jours avant la première. Nous avons parlé de leur travail en commun, de ce qui rend cet opéra de Massenet si unique, et de leur souci commun de créer le meilleur environnement possible pour que les étudiants puissent apprendre et développer leur art.

PAN M 360 : Merci beaucoup d’être ici aujourd’hui ! Comment se déroulent les dernières répétitions ?

DAVID LEFKOWICH : C’est fantastique ! Je pense que les étudiants sont vraiment à la hauteur du défi que Massenet nous a présenté, c’est vraiment excitant d’avoir pu les voir s’épanouir au cours des dernières semaines.

STEPHEN HARGREAVES : Oui. À bien des égards, il s’agit d’un défi pour McGill et pour l’Opéra McGill. Et c’est une bonne chose. C’est l’une de ces choses qui demandent à beaucoup de gens de faire beaucoup de choses sur scène. Il y a beaucoup d’étudiants pour qui c’est la première fois qu’ils montent sur scène. Je ne peux pas imaginer une expérience plus révélatrice que celle-ci. Nous avons eu notre dernière répétition générale au piano hier soir, et ce soir, nous avons ajouté l’orchestre, qui avait répété un peu séparément les semaines précédentes.

PAN M 360 : Comment avez-vous décidé que Cendrillon de Jules Massenet était l’œuvre que vous alliez présenter cette année à l’Opéra de McGill ?

STEPHEN HARGREAVES : À McGill, nous essayons d’adapter le répertoire aux étudiants. Et c’est un défi, c’est un défi pour chaque institution. Par exemple, nous devons donner l’occasion aux étudiants du programme de maîtrise de monter sur scène, car ils ne sont là que pour deux ans. Et nous avons tous ces nouveaux étudiants qui arrivent. Cette année encore, nous avons accueilli une classe nombreuse. J’ai donc fait la liste de tous les chanteurs que nous avions, et j’ai cherché une pièce qui mettrait vraiment en valeur un grand nombre de ces étudiants et les ferait monter sur scène, car je pense que c’est vraiment la seule façon pour les étudiants d’apprendre ce qu’est l’opéra. Et cette pièce est apparue, que j’ai toujours voulu faire, c’est une pièce fantastique.

PAN M 360 : Massenet a écrit de nombreux opéras. Qu’est-ce qui distingue celui-ci de ses autres œuvres ?

DAVID LEFKOWICH : Il y a un très bel équilibre entre le réalisme, la fantaisie et la magie. Il y a toujours un peu de ces éléments dans ses pièces, mais dans celle-ci, c’est un peu plus développé. Par exemple, quand vous regardez Manon, vous savez, c’est une belle histoire, mais celle-ci, c’est une histoire classique que nous connaissons. Nous avons donc un aspect réaliste avec Cendrillon, ses sœurs, sa belle-mère et son père, des choses que nous connaissons. Mais lorsque l’on entre davantage dans le monde des fées, au lieu d’en faire une réflexion après coup, c’est comme un aspect majeur. Et je pense que c’est vraiment unique. Je n’ai pas vu cela dans beaucoup de ses œuvres. Cet aspect fantastique est donc magnifié par l’objectif de Massenet. Et c’est passionnant de juxtaposer ces scènes à des scènes plus traditionnelles de la cour et du palais, au ballet et à tout ce que l’on est en droit d’attendre du grand opéra français. C’est impressionnant.

STEPHEN HARGREAVES : D’un point de vue musical, une grande partie des aspects magiques sont présents dans l’orchestration, la légèreté, les qualités éphémères et éthérées. Parfois, c’est juste un petit instrument qui fait un pizzicato et d’autres fois des flûtes qui dansent. Il y a un autre moment, au troisième acte, où l’on se croirait presque chez Steve Reich, où l’on assiste à une sorte de minimalisme inquiétant. On entend la fée marraine et les esprits chanter diverses choses et essayer de résoudre le problème de Cendrillon et du prince. C’est intéressant de voir comment cet élément magique est tissé, vous savez, le prince et Cendrillon sont en quelque sorte touchés par cette magie, alors que tous les autres sont en quelque sorte séparés. C’est vraiment une histoire étonnante.

PAN M 360 : Cet opéra est un peu un défi, en particulier pour les étudiants qui monteront sur scène pour la première fois. Pourquoi ?

STEPHEN HARGREAVES : Je pense que les défis de cette pièce s’adressent à tout le monde, et pas seulement à un, deux ou trois chanteurs. Le défi est que vous devez interagir les uns avec les autres, même avec des rôles relativement petits. Mais il ne s’agit pas non plus d’un marathon pour Cendrillon, le rôle principal. C’est l’occasion pour eux de vraiment travailler leur art et les interactions avec leurs collègues.

DAVID LEFKOWICH : Du point de vue de la mise en scène, c’est aussi un défi. Lorsque Patrick [Hansen] m’a appelé pour me dire qu’il voulait que je mette en scène Cendrillon, je me suis dit :  » Oh, comment allons-nous distribuer les rôles ? Comment allons-nous faire cela ? C’est impossible. » Le Met peut le faire et Santa Fe peut le faire parce qu’ils ont de très gros budgets et beaucoup de chanteurs. Mais c’est plus difficile dans un contexte universitaire. Et lorsque c’est un défi, c’est un bon défi dans le sens où il est réalisable et où les étudiants réussiront et ne s’effondreront pas en cours de route. Cela peut toujours arriver.

Et ce qui est incroyable dans ce programme, c’est qu’il n’y a pas qu’un seul casting. Nous en avons deux. Le fait qu’un programme universitaire puisse avoir deux groupes pour tous ces rôles incroyablement difficiles est stupéfiant. Mais c’est ce à quoi je m’attends à Opéra McGill.

PAN M 360 : Racontez-nous un peu comment votre collaboration a commencé.

STEPHEN HARGREAVES : Nous nous sommes rencontrés brièvement lorsque David a assisté aux auditions des étudiants de l’opéra de McGill. Et je dois dire que j’adore travailler avec David. C’est un collaborateur hors pair. Nous allons dans la même direction. J’ai l’impression que nous avons fait un grand voyage ensemble et que nous sommes absolument en phase. Je veux dire que c’est formidable d’avoir quelqu’un comme David qui a une grande expérience de ce répertoire, car cette pièce est nouvelle pour nous deux.

Cela nous permet de faire un certain niveau d’exploration avec les élèves. Ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Comment tirer parti de ces performances ? Je pense que beaucoup d’étudiants ont un niveau presque professionnel et que c’est un environnement dans lequel ils peuvent affiner leur énergie et où nous pouvons les aider à acquérir les expériences qu’ils n’ont pas encore.

DAVID LEFKOWICH : Je trouve que ces collaborations peuvent être très effrayantes pour la première fois parce que nous nous embarquons en quelque sorte dans un voyage. J’étais très inquiet, non pas à l’idée de travailler avec Stephen, mais simplement de savoir comment cela allait se passer. Le premier jour, nous nous sommes assis l’un à côté de l’autre, et j’ai eu l’impression que nous faisions cela depuis des années. Et ce qui a été incroyable, c’est de voir les chanteurs. L’un d’entre nous donnait des instructions, que les chanteurs essayaient. Cela pouvait fonctionner. Cela peut ne pas marcher. Mais l’autre intervient et apporte quelque chose d’autre à la table et soudain, il y a ce moment de révélation avec l’étudiant et vous le voyez relever le défi.

PAN M 360 : Que doit attendre le public de cette production de Cendrillon ?

DAVID LEFKOWICH : Préparez-vous à être joyeux. Je pense que cet opéra contient une musique incroyable et une grande histoire que nous connaissons. Elle est racontée d’une manière légèrement différente. Je pense qu’il y a encore de belles surprises en cours de route. Mais ce qui est formidable, c’est que les scènes sont courtes, donc les choses changent constamment, et cet opéra apporte toujours des surprises. Je pense donc que, surtout pour ceux qui vont à l’opéra pour la première fois, c’est une façon parfaite de découvrir l’opéra. C’est une pièce très sûre, très facile à écouter et à apprécier. Et l’impact à la fin est très fort.

STEPHEN HARGREAVES : J’ajouterais que je pense que c’est nouveau pour Opera McGill. C’est un grand groupe de personnes sur scène. Et je pense que vous savez, si l’on compte les deux distributions, il y aura trente-neuf personnes qui chanteront sur scène. Il y a trente-neuf membres d’orchestre, et l’opéra à cette grande échelle frappe d’une manière différente, vous savez, et c’est intéressant parce que, comme David le disait, on n’a jamais l’impression d’être coincé dans un seul monde. L’opéra aborde toutes sortes d’aspects différents. Et lorsque nous avons l’occasion de nous délecter de la grandeur de tout cela, c’est tout simplement passionnant. C’est une expérience que je recommande de ne pas manquer, car elle est unique.

Cendrillon, opéra de Jules Massenet, avec Opéra McGill et l’Orchestre symphonique de McGill. Présenté à la salle Ludger-Duvernay du Monument-National, les 26 et 27 janvier (19h30) et le 28 janvier (14h). BILLETS ET INFORMATIONS ICI !

Au troisième rang du Beacon Theater de New York, Mahnoosh Arsanjani est debout, à chanter à l’unisson avec son idole. Elle et son amie Bita Zavari ont pris un avion depuis la Californie pour voir une dernière fois sur scène la plus grande chanteuse pop iranienne, Googoosh. « Pas question de manquer ça, dit Mahnoosh. Ma famille est arrivée aux États-Unis quand j’avais sept ans et les chansons de Googoosh ont bercé mon enfance. Même si c’est un peu la musique de nos parents, c’est la nôtre aussi ! »

Depuis plusieurs mois, l’artiste fait en effet ses adieux à la scène dans le cadre d’une tournée mondiale riche en émotions, intitulée The Last Chapters, après 70 ans (vous avez bien lu !) d’une carrière riche en chansons, films et interdiction. Pan M 360 l’a rencontrée à la veille de son tout dernier concert new-yorkais.

Chaque peuple a sa diva. À Montréal, nous avons Céline Dion. Les États-Unis ont Barbra Streisand et Diana Ross, les Libanais ont Fairuz et les Italiens, Raffaella Carrà. Les Iraniens et Iraniennes ont Googoosh. Née en 1950 à Téhéran, Fāegheh Atashin est placée sur une scène par son père dès l’âge de trois ans, et accède à la célébrité très jeune, avant de devenir la courroie de transmission de l’occidentalisation culturelle dans les années 1960 et 1970 au pays. Elle est l’interprète de succès disco et pop comme Talagh (Divorce), Makhlough (Créature) ou encore Pol (Pont) dans les années 70, pièces que l’on peut aujourd’hui parfois entendre remixées ou échantillonnées pour les pistes de danse. Si certains la jugent trop commerciale, une majorité de Perses du monde l’ont hissée au rang de déesse vivante.


Dans sa suite de la Fifth Avenue, à Manhattan, la chanteuse de 73 ans, maquillée et coiffée à la perfection, paraît gracile, un contraste avec le personnage irradiant la puissance et l’humour qu’elle incarne sur scène. Cette tournée doit se poursuivre jusqu’en 2025. C’est sa façon de remercier et de dire au revoir à son public bien-aimé, une relation qu’elle nourrit depuis l’enfance. Après New York, c’est Dusseldorf qui l’attend plus tard en janvier, puis Abu Dhabi, Istanbul et Londres.

Le temps de conclure

« Je crois que c’est le moment de conclure, dit Googoosh, en entrevue. Après 70 ans à chanter, à jouer, à l’exception de 21 ans dans ma vie. J’ai beaucoup d’autres projets, je travaille sur un livre, j’ai une fondation, qui s’appelle la Fondation Pol, qui vise à soutenir les jeunes artistes dans leur éducation artistique ».

Après la Révolution islamique de 1979, la voix des femmes d’Iran devient interdite. Googoosh est condamnée à un silence qui durera plus de vingt ans, jusqu’à ce qu’elle quitte définitivement le pays en 2000. Depuis, elle réside à Los Angeles (à l’exception de deux ans à Toronto entre 2000 et 2002), a repris les concerts et a sorti une dizaine d’albums.

Sur la scène du Beacon Theatre, le lendemain de notre rencontre, elle fait preuve d’une grande générosité à l’égard de son public plus âgé, qui l’a vue grandir, et de son public plus jeune, qui la considère un peu comme une marraine attachante.Tous les âges et toutes les classes sociales remplissent à craquer ce théâtre de 2600 places. On s’est habillé chic, on se prend en photo pour dire « j’y étais ». La très grande majorité est d’origine iranienne et la diva ne parlera qu’en farsi sur scène. Le concert commence avec une interprétation sentie de Talagh, accompagnée de projections représentant les femmes iraniennes en lutte et de photos de Mahsa Jina Amini, cette jeune Kurde de 22 ans assassinée par la police des mœurs en septembre 2022 pour port du voile jugé inadéquat.

Googoosh ne s’est jamais cachée de son soutien au mouvement Femmes, vie, liberté, et à la communauté LGBTQ. En 2014, la vidéo de sa chanson Behesht (Paradis) mettait en scène un couple de femmes victime de la répression. Si elle ne condamne pas verbalement le régime des mollahs, elle n’a de cesse d’offrir son soutien à ceux et celles qui lui résistent.

Célébrer la liberté

Elle sait de quoi elle parle. Ses 21 ans passés loin de la scène représentent une période noire pour la star. La majorité de ses collaborateurs et amis du monde du spectacle avaient déjà fui à l’étranger.

« C’était très dur pour moi, se souvient-elle. On m’a pris mon art, mon métier, mon amour, ma vie, tout. Dès l’âge de trois ans, j’étais sur une scène. Je suis née pour la scène et on me l’a enlevée. Je pensais que j’étais finie pour toujours, je pensais que plus personne ne voulait m’entendre chanter à ce moment-là. »

Elle se trompait : pendant son isolement, ses chansons et ses films demeurent en demande sur le marché noir et parmi la diaspora. C’est grâce aux nouvelles technologies qui s’implantent alors, comme internet et les satellites clandestins, qu’elle finit par voir que l’amour du public n’est pas mort. À son départ d’Iran, en 2000, elle entame une tournée mondiale, intitulée Comeback Tour, de vraies retrouvailles.

« En 2000, j’étais excitée, émue, heureuse. Je retrouvais le public que j’aime. Par opposition, cette tournée-ci, aujourd’hui, est empreinte de chagrin. Je pleure beaucoup sur scène, je dois apprendre à me contrôler. Dire au revoir, ce n’est pas un sentiment agréable. C’est doux-amer. »


Le contexte a changé depuis son départ. Les femmes n’ont toujours pas le droit de chanter seules sur scène en Iran, à moins de se produire devant un public exclusivement féminin ou d’être accompagnées d’un homme. Sur les réseaux sociaux, une nouvelle génération d’artistes bravent ces interdits, partageant leur musique avec le monde.

« Je suis tellement heureuse et excitée de les voir, ces nouveaux visages, dit Googoosh. J’oublie leurs noms, je suis mauvaise avec les noms, mais j’entends leurs voix. J’ai accès à ces chanteuses fantastiques grâce aux réseaux sociaux et je suis reconnaissante de ce qu’elles font, ce qu’elles essaient de montrer. Elles montrent que les femmes peuvent chanter très bien, mieux que moi, même. Car elles sont la nouveauté, l’avenir. Moi je fais partie d’une ancienne génération. Je suis tellement heureuse qu’elles se lèvent ».

Une bête de scène

Sur la scène, la tristesse que la star dit ressentir se mue en une connexion authentique avec la foule, qui chante ses paroles à sa suite, rit à ses traits d’esprit, pleure et lui crie des mots d’amour. Elle sait ce que veulent ses fans : les grands succès pop et disco d’avant la Révolution. La diva chante entre autres ses pièces Pol, Hamsafar, Kooh, Mano To et Jaddeh. Ses dix musiciens (claviers, flûte, deux guitares, basse, batteur, choriste, violon, percussions et contrebasse électrique) reproduisent ces sonorités tirées des années 1970 à la saveur d’aujourd’hui. Sur l’écran géant derrière elle, des images nostalgiques de la jeune Googoosh se fondent avec la retransmission du concert.

Après un long entracte, l’artiste revient sur scène. Elle a délaissé sa longue robe à cristaux pour un ensemble pantalon-veston vert olive à franges pailletées. Elle poursuit le spectacle avec ses pièces Hejrat et Maah Pishooni. Aux premières notes reconnaissables de Makhlough, l’avant-dernière chanson, la salle explose en cris de joie, on se rue à l’avant pour l’acclamer.

Selon Mahnoosh Arsanjani, cette admiratrice venue de Californie, de méchantes rumeurs circulent : Googoosh serait désormais trop vieille pour la scène. « Mais tu vois ce qu’elle arrive à faire. La voix est là, sa puissance est toujours là ! »

crédit photos: Siavash Rokni

Né juste avant les huis clos de la pandémie, Hank’s Dream est apparu comme la manifestation de l’auteur-compositeur-interprète Henry Cobb, ce premier EP éponyme fut rendu public à l’été 2020. Le groupe compte maintenant Henri Bouchard à la basse, Frédéric Ferland à la guitare et Zach Lalonde à la batterie, Hank’s Dream est sur le point de tourner un nouvelle page de son livre avec un tout nouvel extrait, All Over Now. Le groupe nous a gracieusement invités à leur répétition, juste avant leur concert de lancement au Bar L’Escogriffe.

PAN M 360  : Merci de m’accueillir. Un grand spectacle s’annonce !

Frédéric: Ouais, c’est notre premier concert en formation complète depuis septembre. Nous avons joué comme quelques concerts en duo, moi et Henry, mais cela faisait un moment que nous n’avions pas eu tout le monde ensemble sur scène. C’est vraiment excitant pour nous.

PAN M 360  : Vous devez avoir beaucoup de choses à nous montrer! 

Frédéric: Certes. Nous jouerons quelques classiques, comme l’EP 2020. Bien sûr, nous jouerons le single qui sortira en juin, San Francisco. Mais la plupart des chansons que nous jouons en ce moment sont inédites et proviennent d’un album que nous espérons sortir cet été.

PAN M 360  : Vous allez donc pouvoir tester le nouveau matériel dans un contexte live? 

Henry : Je ne dirais pas nécessairement que nous essayons parce que nous avons en fait ces chansons écrites depuis un bon moment maintenant. Il y a juste un stock de chansons qui doit être enregistré.

Frédéric : On joue plusieurs d’entre elles depuis 2021. On dispose d’une douzaine de chansons qui ne sont pas sorties, et on espère les mettre sur cassette.

Henry : Oui, mais c’est bien parce que, par exemple, la chanson que nous sommes sur le point de sortir, All Over Now, est l’une de celles que les gens aiment vraiment lorsqu’ils la jouent en concert. Et donc, comme nous l’avons fait depuis un certain temps, il a été facile de l’enregistrer rapidement parce que nous l’avons jouée un million de fois. 

PAN M 360  : Et quand vous dites que vous êtes sur le point de « sortir » la chanson, qu’est-ce que cela signifie exactement ?

Henry: « Qu’est-ce que ça veut dire ? »

PAN M 360  : Je comprends qu’elle sortira sur tous les services de streaming et tout le reste, mais il faut que les gens le sachent, n’est-ce pas ? Il semble donc qu’une sortie soit devenue un envoi Instagram. 

Henry : Oui, c’est comme ça que ça se passe maintenant. Nous n’avons pas encore fait de sorties physiques de nos morceaux. Je veux dire que j’aimerais bien, mais je pense que le marché est très restreint. Tu sais, tes amis pourraient l’acheter, mais à part mes amis qui conduisent des voitures, je ne connais personne qui écoute des CD. J’aime les disques, mais c’est peut-être plus à long terme.

Mais je ne sais pas, j’étais très attaché à l’aspect physique de la musique, mais ce qui est vraiment cool avec le streaming, c’est que les gens du monde entier peuvent avoir accès à votre musique. Il y a quelques jours, l’une de nos chansons s’est retrouvée sur une liste de lecture en Finlande. Tout à coup, nous avons eu un pic dans le nombre de streams qui nous parvenaient. Oui, c’était probablement l’intelligence artificielle ou quelque chose comme ça. 

Frédéric : C’était le deuxième pays au monde qui écoutait la plupart de nos chansons. On a eu 300 auditeurs en Finlande. 

Henri : Nous allons probablement partir en tournée là-bas maintenant. 

PAN M 360  : Je suppose que j’essayais d’évoquer le fait qu’il peut être parfois décevant. Voici un post et voilà. 

Et puis c’est fini. Oui, c’est un gros truc.

Henry : Honnêtement, nous en avons fait toute une histoire. Nous faisons un concert le même jour et nous sortons également un vidéo clip sur lequel nous travaillons depuis longtemps. J’ai donc l’impression que l’on peut faire toute une histoire de ces choses-là. 

PAN M 360  : Bien sûr, et je suis sûr que vos fans sont ravis.  Pouvez-vous me parler du nouveau single?

 

Henry : All Over Now est un morceau que j’ai écrit en 2021. C’était en quelque sorte une réponse au décès de Norm MacDonald, qui est mon humoriste préféré. C’est en partie à ce sujet, mais je veux dire que toutes ces chansons ont été écrites en pensant d’abord à la musique et ensuite aux paroles. J’ai donc eu la mélodie pendant un petit moment, puis j’ai joué avec les mots jusqu’à ce que quelque chose colle, et dans ce cas, la première phrase qui est venue était « it’s all over now » (c’est fini maintenant). Et j’ai écrit le reste de la chanson autour de cette phrase.

PAN M 360 : Y explorez-vous un son ou un thème différent des autres ? .

Henry : Eh bien, c’est le même schéma, au senbs sens où c’est la basse, la batterie, la guitare, le synthétiseur et la voix. Mais ça a définitivement un son plus sombre. Le synthétiseur joue davantage le rôle d’un pad. Je dirais que cette chanson est une sorte de dream pop. Si on voulait la classer dans un genre, on dirait que San Francisco est plus yacht rock. 

PAN M 360 : Ha, c’est ce qui décrit le mieux votre musique ?

Henri : C’est assez juste. Nous n’avions jamais entendu ce terme auparavant, mais l’été dernier, lorsque nous avons sorti « San Francisco », un grand nombre de personnes nous ont dit : « Oh, ça donne vraiment des vibrations Yacht Rock.  »

Henry : Oui, en tout cas. Je ne sais pas, je pense que c’est de la musique assez pop. Mais c’est ça le truc, j’ai l’impression que nos mélodies sont vraiment différentes d’une chanson à l’autre. Certaines d’entre elles sont vraiment faciles à classer, et d’autres pas tant que ça. 

PAN M 360 : Et pour San Francisco, quelle est l’histoire derrière la chanson ?

Henry : C’est un peu ironique, je crois… Je l’ai écrite pendant la pandémie, qui était vraiment nulle, et je suppose que c’est à propos de ce type qui a l’idée immature que partir dans une autre ville va résoudre tous ses problèmes et d’autres choses comme ça.  Ouais, je ne sais pas. C’est un peu comme une chanson stupide et gnangnan aussi. 

PAN M 360 : Je suis curieux de savoir quelle est la chanson préférée de chaque membre du groupe.

Henri : J’aime quand Henry joue des morceaux en solo, et que je pleure sur scène. 

Zachary : Je pense que c’est peut-être San Francisco.

Henry: Peut-être Just 23 pour moi, qui est une grande chanson très énergique que nous jouons depuis un moment. C’est super sympa à jouer.

PAN M 360 : Et quel est le prochain grand projet du groupe ?

Frédéric: Bien, je pense que le plus grand rêve en ce moment est de faire l’album. Je veux dire, dites-moi si je me trompe Henry, mais j’ai l’impression que c’est à peu près la prochaine grande chose que nous cherchons à faire. C’est vrai. Et quand ce sera fait, je pense que ce sera super satisfaisant parce que nous travaillons dessus depuis longtemps.

PAN M 360 : Avez-vous déjà un plan pour cela ? Ou est-ce que c’est encore une idée pour l’instant ?

Henry : Et bien, en gros, depuis six ou huit mois, nous sommes en train de faire des demandes de subventions. C’est en quelque sorte sur cette base que nous avons établi le calendrier de production. Si nous les obtenons, nous pourrons commencer à enregistrer l’album en mars et le sortir avant l’été. Et si nous ne les obtenons pas, c’est une toute autre histoire.

PAN M 360 : En tant que groupe s’exprimant en anglais, vous sentez-vous désavantagés par rapport à ces opportunités ?

Henry : J’ai l’impression que c’est plutôt le contraire. Je m’attendais à ce que ce soit le cas, mais nous jouons dans des salles qui sont peut-être plus orientées vers les francophones et ça se passe très bien. Nous avons des tonnes de fans francophones, peut-être même plus que des anglophones.

Frédéric: On joue tous avec d’autres groupes francophones aussi, donc pour nous c’est plus une question de lien que de séparation.

Henry : Nous avons fait un truc une fois lors de notre concert de sortie, et nous avons fait un sondage au début pour savoir quelle langue nous devrions parler entre les chansons, et c’était plutôt 50-50, mais le français a gagné.

PAN M 360 : Peu importe la langue, Montréal est une ville qui aime la musique. Bon spectacle !

Blanche Moisan Méthé a construit sa carrière en tant que trompettiste, tubiste et chanteuse, collaborant avec un large éventail de groupes musicaux avant de s’engager sur la voie de l’auteur-compositeur-interprète. Elle se produit aujourd’hui sous le nom de BLAMM et a sorti son premier album, Balivernes, au début de l’année. Ses compositions, empreintes de beaucoup d’ironie, s’inspirent de la musique de la Nouvelle-Orléans, de la riche poésie et des traditions folkloriques du Québec, ainsi que de la sagesse urbaine qui émane de la vie dans une ville comme Montréal. Nous avons rencontré BLAMM pour parler de son histoire, de son premier album et de son prochain spectacle au Club Soda.

BLAMM ouvre le spectacle de JP  » Le Pad  » Tremblay au Club Soda le 22 décembre à 20h.

PAN M 360 : Salut BLAMM, merci encore d’être avec nous. Vous avez sorti Balivernes il y a environ six mois maintenant. Et j’imagine que c’est un moment très intéressant où se trouver. D’être à six mois après la sortie de votre album.

BLAMM : Oh, oui.

PAN M 360 : Peut-être que vous pouvez nous parler de comment ça se passe?

BLAMM : D’accord, eh bien, premièrement, ça a été un six mois vraiment trippant. J’ai beaucoup tourné cet été, un peu partout au Québec. Maintenant que la grosse saison est finie, je commence à penser à la suite. J’essaye de booker des shows et je travaille sur de nouvelles idées. Je pense que je suis prête à commencer le processus pour le deuxième album.

PAN M 360 : Oui, je suppose que vous ne pouvez pas vous reposer sur vos lauriers trop longtemps.

BLAMM : Eh bien, je vais pas m’arrêter maintenant! Partir le projet c’était vraiment beaucoup de travail, maintenant que c’est fait, le continuer ça me semble évident. C’est le fun en plus! Quand j’ai du temps libre j’écris des nouvelles tunes et je commence à penser à comment je vais m’y prendre. Maintenant que j’en ai fait un le deuxième devrait être plus facile. 

PAN M 360 : Donc, l’expérience de la sortie de votre album Balivernes était vraiment positive? Une expérience qui vous a encouragé à vouloir continuer?

BLAMM : Oui, c’est sûr. Mais maintenant que les shows de l’été sont fini il faut que je me remette à booker d’autre chose, j’applique un peu partout et je me tappe les tâches administratives, c’est pas et avec autant de concerts à venir, c’est comme, oh, je dois retourner à la corvée de réserver des concerts, d’envoyer des courriels et de postuler à des choses, ce qui n’est pas la partie la plus amusante.

PAN M 360 : Eh bien, je me demande quand vous sortez quelque chose, essayez-vous de le promouvoir comme un moyen de jouer plus de concerts, ou vice versa.

BLAMM : Oui, en gros le but c’est surtout de jouer des concerts. L’album aide à faire connaître le projet, à booker des shows, et à faire venir du monde. J’aime vraiment être en studio, mais les shows c’est ce qui me fait le plus tripper. 

PAN M 360 : Donc, vous pensez que l’artiste BLAMM prend vraiment toute son ampleur dans l’expérience live?

BLAMM : Oui, c’est là que ça prend vie, sur scène il y a comme une magie, j’aime vraiment interagir avec le public et voir les réactions. J’aime aussi le studio c’est sûr, c’est vraiment excitant d’entendre ses tunes prendre forme et de construire des sonorités. Mais dans le processus de création d’un album, la proportion de temps en studio est assez petite par rapport à tout le travail administratif. J’ai pas d’équipe ou de label alors je m’occupe de tout ça moi-même, et c’est ni ma spécialité ni mon trip.

PAN M 360 : Et peut-être pouvez-vous simplement présenter le projet de BLAMM à nos lecteurs.

BLAMM : Bien sûr. C’est un projet d’auteure-compositrice-interprète. C’est définitivement très québécois. BLAMM c’est comme un personnage assez extravagant qui parle franchement, avec pas mal d’expressions locales et de thèmes un peu inusités, souvent presque banals ou vulgaires. Il y a beaucoup de folie, des paradoxes et du sarcasme, ça devient souvent un peu absurde aussi.

PAN M 360 : Eh bien, vous le faites dans un univers sonique très intéressant aussi, vous savez, la façon dont vous choisissez de présenter ces thèmes.

BLAMM : Eh bien, j’ai fait de la musique depuis quasiment dix ans dans toutes sortes de projets, en tant qu’accompagnatrice ou interprète alors j’ai eu l’occasion de découvrir plein de styles. Tout ça ça influence ma façon de composer. Et puis, ma musique est pas mal centrée sur les cuivres.

PAN M 360 : Donc, un instrument à vent était votre premier instrument de musique?

BLAMM : Oui, c’était la trompette au secondaire. Donc, j’ai surtout été trompettiste, puis j’ai commencé le tuba et l’euphonium et après le banjo et la guit ténor. Et maintenant je suis rendue auteure-compositrice-interprète.

PAN M 360 : Pourriez-vous nous parler un peu de cette transition? Étiez-vous toujours enclin à explorer cette direction?

BLAMM : Je chante depuis longtemps, mais au début c’était pas mes chansons originales, surtout du jazz traditionnel. C’est vraiment le fun à chanter ces chansons mais en général les paroles me rejoignent pas tant que ça. 

Donc, j’ai toujours voulu écrire des chansons à moi, mais pendant longtemps il n’y a rien qui sortait. Et un jour, j’étais en Nouvelle Orléans et j’ai acheté un banjo ténor. Je pensais l’acheter pour faire un cadeau, mais j’ai commencé à jouer, j’ai vraiment aimé ça et je l’ai jamais donné.

PAN M 360 : Est-ce la guitare à quatre cordes particulière que vous jouez?

BLAMM : En fait non. J’ai commencé avec ce banjo un peu cheap et dès que j’ai pu en jouer un peu j’ai commencé à écrire des chansons. Direct. Je fais du piano depuis longtemps, mais j’avais jamais réussi à faire ça. Mais le banjo c’est un peu limité dans le style, le son est trop connoté. J’ai justement un ami luthier qui travaillait sur un modèle de guitare ténor à ce moment-là, alors je savais que c’était le moment de lui en commander une. Il m’a fait un instrument incroyable. 

PAN M 360 : Wow, c’est donc l’instrument qui est au cœur de nombreuses compositions?

BLAMM : Oui. Les premières je les écrivais au banjo, et dès que je l’ai eu j’ai switcher à la guitare

PAN M 360 : Et votre fascination pour la musique de La Nouvelle-Orléans était-elle due à votre amour des cuivres?

BLAMM : Oui, c’est vraiment une musique de cuivres. C’est festif, c’est rythmé, et tout le monde peut apprécier. J’ai beaucoup busker (jouer dans la rue) avec cette musique.

PAN M 360 : Oui. C’est intéressant d’entendre son influence sur votre travail créatif. Parce que vous prenez ce son, mais ensuite, comme vous l’avez dit, explorez ces thèmes banals absurdes.

BLAMM : Oui, il y a un gros mélange d’influences. Je m’inspire un peu de toutes les musiques où il y a des cuivres. Ça donne comme une ambiance de cirque. La musique est importante mais elle reste au service du texte alors la composition est influencée par les thèmes. 

PAN M 360 : Et donc votre album est très québécois en même temps, était-ce une grande référence pour faire cette musique?

BLAMM : Pour la musique, peut-être pas tant que ça. Il n’y a pas beaucoup de cuivres dans la musique d’ici. Et j’ai grandi en écoutant de la musique d’un peu partout, pas vraiment tellement de musique québécoise. Maintenant, j’en écoute beaucoup plus et ça m’aide à écrire. Mais en gros j’écris un peu comme je parle. 

PAN M 360 : Donc, pour vous, les paroles étaient vraiment une partie importante de cela.

BLAMM : Absolument, et je pense que c’est pour ça que ça m’a pris tant de temps avant de commencer à écrire, parce que je savais pas ce que je voulais dire et pour moi le texte sert pas juste à remplir. Si j’avais pas grand chose à dire je ferais de la musique instrumentale à la place. Alors, même si les paroles ont l’air un peu absurdes, c’est quand même des choses que je voulais dire et souvent il y a des sous-entendus. Et dans les shows les gens réagissent beaucoup aux textes, même qu’ils chantent les paroles des fois, alors c’est encourageant.

PAN M 360 : Eh bien, Si hier était demain et Vie D’ange en particulier sont vraiment puissantes ! Donc, est-ce que Blamm est un peu comme un alter ego?

BLAMM : Oui, vraiment. Je suis assez introvertie et j’ai l’impression qu’avec BLAMM je suis  plus extravagante, un peu folle ou insolente des fois. C’est un côté de moi que je garde plus pour mes proches d’habitude. J’ai l’impression que les gens me connaissent mieux quand ils ont entendu ma musique.

PAN M 360 : Donc, beaucoup de ces chansons ont commencé comme des chansons guitare-voix. Les avez-vous ensuite arrangées aussi?

BLAMM : Oui, j’ai fait les arrangements. J’ai fait des maquettes en jouant moi-même la plupart des instruments, ça aide à tester et entendre d’avance les idées. Après j’écris les partitions et ça va plus vite avec les musiciens, parce que je joue pas tout ça moi-même sur l’album.

PAN M 360 : Oh pourquoi?

BLAMM : Parce qu’on a joué en direct et j’ai engagé des musiciens vraiment bons, je joue ces instruments-là mais je connais des gens qui en jouent mieux. Et oui, en le jouant en direct, c’est sûr que je peux pas tout faire. Mais vu que je sais jouer du tuba et de l’euphonium je peux trouver des lignes qui marche bien, c’est pratique pour faire les arrangements. On a aussi arrangé beaucoup de choses tous ensemble pendant les répètes, c’est plus en band qu’on peut vraiment essayer des trucs et décider comment on joue les tunes. Mes musiciens sont bons et vraiment versatiles, ils connaissent leurs instruments mieux que moi alors ils ont souvent des bonnes idées, et je veux leur laisser des libertés. 

PAN M 360 : Je veux dire, votre groupe est très talentueux. C’est sûr.

BLAMM : Oui, j’ai un bon réseau, je suis chanceuse. 

PAN M 360 : Donc, quelle est la principale différence entre la musique en studio et la musique jouée en direct, selon vous?

BLAMM : Je fais beaucoup de shows en solo, en duo, en trio, et des fois avec le quintette. Pour le lancement de l’album on était 11 personnes. C’est sûr que les arrangements sont beaucoup plus complexes avec tout le monde, mais j’aime vraiment ça jouer en plus petites formations aussi. Je trouve que pour la musique avec des paroles, c’est mieux quand c’est plus épuré, ça fait un meilleur contact avec le public et les gens comprennent mieux le texte.

PAN M 360 : Et quel est le groupe pour votre spectacle de ce mois-ci?

BLAMM : En quintette. C’est pas mal le groupe de base, je dirais. Et ce sera un court spectacle, j’ouvre JP « Le Pad » Tremblay au Club Soda. 

PAN M 360 : D’accord, beau concert! Vous avez fait du réseautage? C’est comme ça que ça marche?

BLAMM : Ahah oui j’imagine. J’ai rencontré les bonnes personnes au bon moment et ils avaient besoin d’une première partie!

PAN M 360 : Et donc, comment a été votre expérience en tant qu’artiste indépendant naviguant dans l’industrie musicale ? Eh bien, y a-t-il vraiment une industrie musicale ? Est-ce qu’il y en a une?

BLAMM : Pour moi, ça reste un mystère. Je vis de la musique depuis bientôt 10 ans et c’est très rare que j’ai eu à faire avec des bookers, et les labels ou les gérants d’artistes encore moins. Je sais pas ils sont où. Dans tous les groupes où j’ai joué, on n’avait pas le choix de faire ça nous même, sinon il se passe rien. Pendant que je préparais le lancement, j’ai un peu essayer de me trouver une équipe pour ça mais je pense qu’il y a beaucoup trop de demande et pas beaucoup de gens qui font ça. Aussi j’ai l’impression qu’ils veulent pas trop prendre de risque avec des musiques qui sortent de la norme. 

Finalement j’ai tout fait ça toute seule et j’ai quand même réussi à booker une quinzaine de concerts cet été. Je connais beaucoup de gens qui sont signés qui en font pas autant. C’est sûr que c’était pas tous des gros shows mais je pense que c’est un bon début. Anyway j’ai pas besoin de toujours jouer dans des grandes salles. J’aime les ambiances intimes et être proche des gens. C’est sûr que je dirais pas non à avoir de l’aide avec la job administrative, et il y a des gens mieux pluggés et meilleurs pour trouver des bons contrats, mais en attendant de trouver je sais que je peux me débrouiller.

PAN M 360 : Quel serait votre plus grand rêve avec cette musique ? Ou où voudriez-vous idéalement que ce projet aille ?

BLAMM : Bonne question. Je me demande beaucoup c’est quoi la prochaine étape ces temps-ci. Mais je pense que le but c’est surtout de faire des shows. Je commence à booker l’été prochain, j’applique dans des festivals et certains concours. J’ai aussi des nouvelles tunes, donc il y a un deuxième album qui prend forme, mais je sais pas quand ça va se concrétiser, je suis pas trop pressée. C’est sûr que ça serait cool de me trouver une équipe, parce que c’est vraiment beaucoup de travail de faire rouler un projet, et je joue avec d’autres bands aussi alors des fois je manque de temps pour tout faire. En même temps, il y a beaucoup d’artistes que j’admire qui font tout tout seuls et je pense que même si c’est de la job, t’as plus de contrôle sur ce que tu fais. On verra bien où ça va me mener, ce qui est sûr c’est que c’est juste le début. 

PAN M 360 : Un signe des temps, BLAMM. Nous vous souhaitons tout le meilleur avec votre musique et votre prochain spectacle. Nous attendons avec impatience le prochain album !

La compagnie Soledad Barrio & Noche Flamenca a été crée en 1993 par Martín Santangelo, cofondateur, directeur artistique et chorégraphe, et Soledad Barrio, cofondatrice, chorégraphe et danseuse étoile. Depuis les années 1990, leur société de production est considérée aujourd’hui comme l’un des meilleurs représentants de la tradition flamenco. Leur offre la plus récente est un programme unique et captivant intitulé « Searching for Goya ». Cette production spéciale, conçue par Martin Santangelo, promet d’être une exploration extraordinaire des liens profonds entre l’art du flamenco et l’emblématique peintre espagnol Francisco Goya. Prévu pour se produire en janvier à Montréal, nous nous sommes entretenus avec Martin avant ses nombreuses premières et tournées pour parler du spectacle.

Soledad Barrio & Noche Flamenca se produiront au Théâtre Maisonneuve à 20h le 18 janvier 2024.

PAN M 360 : Merci d’être avec nous Martin. Nous sommes très excités par ce programme très spécial. Avez-vous commencé à présenter la série ?

Martin Santangelo : Oui, nous venons de faire officiellement la première mondiale à Seattle, Washington la semaine dernière. Et la semaine précédente, nous avions eu la première officielle. Nous y travaillons et y travaillons depuis environ un an. Et bien sûr, j’y travaille depuis quatre ans. Nous étions donc très, très heureux et soulagés de faire la première mondiale. Cela s’est très bien passé. J’en étais très content.

PAN M 360 : Eh bien, je me demande, à votre avis, quelle est réellement la mesure d’une bonne performance ?

Martin Santangelo :  C’est une très bonne question. Une bonne performance pour moi est que le public comprenne ce que j’essaie de dire. C’est la première mesure. C’est bien au-delà du fait qu’il s’agisse d’un bon ou d’un mauvais spectacle, que la compréhension de ce que j’essaie de faire parvient au public. Et en fin de compte, il est également extrêmement important qu’il se produise quelque chose de cathartique. Parce que la catharsis est inhérente au flamenco. Cela fait partie du flamenco. C’est pour cela que le flamenco existe. C’est une façon pour les gens de continuer leur vie face ou à la place d’une impossibilité.

Le flamenco est un mécanisme de catharsis. C’est un cri qui existe pour que les gens puissent se réveiller le lendemain et continuer leur vie. Donc ma mesure du succès est une : qu’est-ce que j’essaie de faire ? Qu’est-ce que j’essaie de faire comprendre dans ma performance ? Et puis deuxièmement, est-ce que j’utilise le flamenco de la manière appropriée ? Et ces deux choses se sont produites la semaine dernière lors de la première mondiale. Voilà donc ma mesure du succès. Bien sûr, les choses peuvent être meilleures. Les choses peuvent toujours être meilleures. Nous allons reprendre les répétitions la semaine prochaine.

PAN M 360 : Avez-vous déjà senti que parfois cette histoire très réelle derrière le flamenco était négligée ? Il est peut-être important de connaître ses origines pour profiter au maximum de l’expérience.

Martin Santangelo : Je veux dire, ça aide seulement d’être conscient. Cependant, le flamenco est assez mondial, dans le sens où il a été créé par 28 cultures différentes. Ce n’est pas seulement l’espagnol. Cela concerne les Nord-Africains, les musulmans, les juifs, les juifs séfarades, les chrétiens, les indiens du nord qui ont émigré en Espagne. Et ils se sont tous mélangés pendant 900 ans. Et beaucoup de ces cultures ont été réprimées et elles ont crié et ont créé le flamenco. Alors bien sûr, il peut être utile de connaître les origines de cette tradition… En même temps, nous constatons… nous constatons actuellement beaucoup d’oppression des cultures partout dans le monde. Les choses n’ont donc pas changé historiquement. Donc, dans un sens, vous pouvez également vous identifier à ce qui se passe dans le flamenco à l’heure actuelle.

Et donc si vous avez la chance de remonter aux origines, tant mieux. Si vous ne le faites pas et que vous y êtes simplement exposé et si c’est fait correctement, je suis presque sûr que vous le ressentirez. Vous comprendrez. Une compréhension intuitive.

PAN M 360 : Et bien sûr, ce programme a une touche Goya particulière. Était-ce votre idée ?

Martin Santangelo : Oui, je suis tombé amoureux de Goya il y a environ quatre ans pendant la pandémie. Je le connaissais un peu, mais je ne le connaissais pas profondément. Et vous savez, il y a une citation géniale d’un critique d’art que nous avons mise dans le programme : « voir Goya, c’est se voir soi-même » – et c’est tout à fait vrai. Goya révèle vraiment qui nous sommes, notre nature humaine, nos insuffisances, notre brutalité envers les autres êtres humains. Et les animaux aussi, ce qui est intéressant, car il va dans tout le monde de la tauromachie. Il l’appelle. Il dénonce la violence que les êtres humains exercent envers les animaux. Quelque chose avec lequel il a dû faire face toute sa vie. Il aimait vraiment la tauromachie mais il détestait la partie violente de celle-ci. Et donc il nous fait vraiment voir ce que la violence, la guerre, la brutalité font les uns aux autres, leurs effets. De ce que nous nous faisons les uns les autres.

PAN M 360 : Y a-t-il une pièce en particulier qui a ouvert les portes pour ainsi dire ?

Martin Santangelo : Oui, il y en avait ! On l’appelle « les folies », ou « Los disparates » en espagnol. Il s’agit d’une série qu’il a réalisée vers la fin de sa vie, que de nombreux artistes considèrent aujourd’hui comme le début de l’art moderne et de l’art abstrait. Et c’est un dessin ou une lithographie, une gravure d’une femme sur un cheval faisant un tour de magie ou faisant un spectacle devant un public. Et vous regardez la lithographie, l’image, et vous voyez la première chose que vous voyez, c’est un public. Donc vous regardez un public, regardez… un spectacle. Et ça l’est, c’est incroyable. C’est un peu voyeuriste. Nous le faisons dans le spectacle et c’est une femme qui danse sur un cheval et il y a un moment où elle fait ça dans le spectacle. C’est extraordinaire.

Et vous voyez ce public démoli, sous-alimenté, regardant l’un des plus beaux spectacles du monde. Et c’est comme, vous savez, un monde magique pour eux. C’est donc, c’est, c’est vraiment une peinture assez compatissante de regarder ces citadins sans beaucoup d’éducation assister à un spectacle incroyable. Et c’est mon rêve, vous savez, de pouvoir faire de l’art pour les gens qui en ont vraiment besoin. Donc ça a été le début pour moi, ça m’a ouvert les portes comme tu l’as dit.

PAN M 360 : Et quel a été votre processus pour traduire, vous savez, un support visuel en une chorégraphie flamenco ?

Martin Santangelo : Quel n’a pas été le processus ! Oui, j’ai essayé tout et n’importe quoi parce que c’est une chose très nouvelle pour moi de prendre un artiste visuel et de le traduire en danse ou en chanson. Il s’agit simplement de comprendre en profondeur ce que Goya veut dire. Et puis, avec mon langage, avec la musique, la chanson, et je dis, d’accord, comment puis-je dire ça ? Parce que j’ai commencé à faire le truc typique, c’est-à-dire une imitation des images originales, mais c’était un peu un désastre. Parce que tu ne peux pas vraiment le faire. Mais je pourrais lui voler certaines choses comme son sens de la composition. Parce que c’est un génie en ce sens.

Après environ un an de travail sur ce projet, j’ai réalisé que je ne pouvais pas simplement imiter les images car elles ne disaient rien de nouveau. Il me fallait trouver un point de rencontre entre la narration émotionnelle du flamenco et la narration narrative de Goya, de ce que nous racontent ses images. Et puis j’ai commencé à trouver ma voie, ou du moins, je commence à trouver ma voie.

PAN M 360 : Et que pouvez-vous dire du rôle de Soledad dans tout cela ?

Martin Santangelo : Le rôle de Soledad dans tout cela a été déterminant. Elle a été très patiente avec moi, parce que j’ai passé tellement de mois, de semaines et d’heures à parler et à parler et à discuter avec elle d’idées. Et nous faisons des allers-retours. Je parle, elle danse, elle danse et je regarde. Elle convertit une grande partie de ce que j’ai en tête en réalité physique. Donc ça a été, vous savez, un vrai cadeau pour moi. Elle est extraordinaire. Et on se comprend, ce qui est génial.

En ce qui concerne l’autre partie, la partie musique, je travaille généralement là-dessus seul avec les musiciens. Et puis je lui donne sous forme de carte, la musique qui est en grande partie faite, à environ 90 %. Et puis elle prendra ça, prendra mes idées et sortira une chorégraphie extraordinaire. Nous sommes donc co-créateurs de ce processus. Co-créateurs absolus.

PAN M 360 : Je vois. Cela doit être incroyable de voir enfin votre vision prendre vie après tout ce temps. Combien de concerts avez-vous devant vous ?

Martin Santangelo :  En ce moment, nous avons beaucoup de spectacles à New York. Je pense à 20 ou 25 concerts, ce qui est super, car ce sera comme travailler les muscles. Maintenant que nous avons brisé la glace, nous allons continuer à travailler sur le spectacle et simplement le perfectionner. Il y a tellement d’autres choses que j’aimerais faire.

PAN M 360 : Donc chaque performance est toujours un peu différente ?

Martin Santangelo : Un peu, ouais. Et, vous savez, quand on fait un spectacle un mercredi et un jeudi, je peux répéter jeudi ce qu’on a fait mercredi.

PAN M 360 : Cela semble épuisant. Surtout pour une tradition aussi exigeante et cathartique comme vous le dites. Quel est ton secret Martin? Yoga?

Martin Santangelo :  Ha, eh bien, je nage beaucoup. C’est ma méditation. Et oui, c’est épuisant mais c’est aussi tellement enrichissant, ce travail. Parce que, tout d’abord, on comprend des choses plus profondes dans la vie avec des artistes comme Goya. J’ai commencé à comprendre les choses, à voir les choses d’une manière nouvelle grâce à lui. Et bien sûr, chaque prestation me redonne beaucoup d’énergie. Vous savez, je serais perdu sans ce travail.

PAN M 360 : Je vois, c’est vraiment du donnant-donnant. C’était tellement intéressant de vous entendre parler de ce projet. Il est clair que vous avez passé beaucoup de temps à essayer de pénétrer dans le monde de Goya. Et je trouve qu’avec ce genre d’efforts, en fin de compte, on ne sait jamais vraiment ce que ressentaient réellement ces artistes, ni d’où ils venaient réellement. Parfois, je me demande ce qu’ils penseraient de nous.

Martin Santangelo : Ce serait fascinant.

PAN M 360 : Imaginez si Goya était dans votre public !

Martin Santangelo :  Ouais. Je ne sais pas s’il se lèverait et partirait ou m’emmènerait boire un verre de vin rouge !

PAN M 360 : J’aime penser qu’il le ferait ! Ce fut un vrai plaisir Martin. Je suis extrêmement excité pour cette performance, je vous souhaite, à vous et à l’équipe, tout le meilleur pour vos performances.

Martin Santangelo : Nous aussi, nous l’attendons avec impatience. Merci beaucoup.

Nourrie par la riche mosaïque culturelle montréalaise, l’auteure-compositrice-interprète Gabrielle Cloutier a toujours su intégrer divers styles musicaux et tisser des liens étroits avec de nombreux musiciens. Aujourd’hui, à l’aube de son premier album, Chamade, son groupe rassemble sept musiciens talentueux. Ensemble, ils ont créé un son unique mêlant chant, violon, alto, violoncelle, contrebasse, santuri et accordéon. Les mélodies douces, envoutantes et mélancoliques sont au cœur de cette invitation à se laisser emporter par les mots et les mélodies.

Gabrielle Cloutier se produira à La Sala Rossa le 5 décembre à 18h30.

PAN M 360 : Merci d’être là Gabrielle. Et félicitations pour la sortie prochaine de Chamade ! L’album sort-il immédiatement après votre concert ?

Gabrielle Cloutier : Oui, le spectacle, c’est le lancement de l’album et c’est aussi la première prestation de ce groupe. Nous avons formé ce groupe pour enregistrer l’album et nous n’avons donc jamais vraiment joué ensemble en concert auparavant. Les gens ne nous ont pas encore entendus, c’est une surprise! J’ai seulement mis un petit clip sur Facebook. Donc ça va être génial de pouvoir enfin jouer cette musique pour tout le monde.

PAN M 360 : Eh bien, je vous ai déjà vu jouer, donc je connais l’ambiance et je sais un peu à quoi m’attendre. Votre musicalité est très intéressante. Il y a ces belles qualités folk, chanson et baroque. Pouvez-vous peut-être nous parler un peu de votre parcours ?

Gabrielle Cloutier : En fait, j’ai commencé avec une formation classique. J’ai étudié la musique au cégep. J’ai fait un baccalauréat en chant classique et par la suite, j’ai fait ma maîtrise à McGill en chant baroque,  chant classique & contemporain. J’aime donc toucher un peu à tous les styles. À Montréal, c’est comme ça, vous savez. On rencontre toujours beaucoup de musiciens de styles très différents. Vers la fin de mes études, certains de mes amis, provenant de divers milieux musicaux, voulaient monter un groupe et ils ont pensé à moi. Ils avaient écrit la musique mais pas vraiment les paroles et les mélodies. Alors on a commencé à jammer et, venant d’un milieu classique, je n’étais pas très habituée à improviser et composer. Les chansons se sont rassemblées et nous avons commencé à faire quelques concerts et résidences et finalement j’ai commencé à vraiment prendre plaisir à composer. Mon parcours a donc un peu changé, mais je peux utiliser ce que j’ai reçu du monde classique et le transposer dans ma propre musique.

PAN M 360 : Ça, je l’entends. Et quand je t’ai vu jouer, tu jouais de l’accordéon et tu chantais aussi !

Gabrielle Cloutier : Oui, donc ce projet a commencé car je voulais être capable de m’accompagner, j’ai donc monté un petit trio. Avec le temps, j’ai réalisé que jouer et chanter me limitait dans ce que je voulais faire musicalement. L’’accordéon est un instrument très exigeant, si j’étais d’abord accordéoniste puis chanteuse, ce ne serait pas si mal. Mais commencer comme chanteuse et ensuite apprendre l’accordéon, ce n’est pas la même chose. Je veux être libre quand je chante, et c’est un instrument difficile si l’on veut vraiment être dans l’instant présent et pleinement en connexion. J’ai donc décidé de demander à un de mes amis accordéoniste de jouer et finalement le band a pris beaucoup plus d’ampleur nous sommes désormais sept musiciens. 

PAN M 360 : Et bien, tu avais l’air plutôt à l’aise quand je t’ai entendu la dernière fois !

Gabrielle Cloutier : Oh merci! 

PAN M 360 : Je pense que vous pouvez vous accorder un peu plus de crédit, mais je peux comprendre ça ! Et alors, jouez-vous aussi d’autres instruments ?

Gabrielle Cloutier :  Je joue effectivement de certains instruments médiévaux comme la chifonie et la citole. La chifonie est une boîte rectangulaire avec seulement trois cordes et quelques notes, mais c’est fondamentalement l’ancêtre de la vielle à roue. Je joue aussi de la guitare et divers petits instruments à corde. 

PAN M 360 : L’aspect lyrique de l’écriture de chansons est-il un grand attrait pour vous dans ce projet ?

Gabrielle Cloutier : Oui le lyrisme sera toujours intégré dans mon style, ça fait partie de ma musicalité. Je vois vraiment ce projet comme… une certaine période de ma vie où ces chansons sont sorties très naturellement, très facilement. Je pense qu’en tant qu’artistes, nous vivons certaines choses et les paroles reflètent la façon dont nous nous trouvons dans notre âme et ce que nous ressentons à ce moment-là. C’est ce qui est intéressant chez les artistes, car ils évoluent et nous pouvons assister à leur différents états d’être à travers leur musique. 

PAN M 360 : Cela transparaît dans le titre de votre album, Chamade.

Gabrielle Cloutier : C’est le battement de cœur. Il y a une expression en français, « mon cœur bat à la chamade ». C’est comme si ton cœur était vraiment plein de passion, tu sais. Cela dépend du tempo de votre cœur, c’est peut-être un peu kitsch. Mais c’est ce que je ressentais et ce qui me vient à l’esprit. C’est non seulement pour parler d’amour, mais ça reflète la passion et l’implication qu’on a à travers les expériences de vie. 

PAN M 360 : Alors, est-ce que vous avez l’impression que cette sortie a mis du temps à arriver, ou est-ce que tout cela vous semble nouveau ?

Gabrielle Cloutier : C’est comme du neuf et de l’ancien à la fois. Je suis ravi de lancer cet album! Nous avons de nouvelles chansons, et je suis impatiente de les développer et de voir comment nous pouvons aller plus loin avec ce projet. Certains peuvent peut-être attendre deux ans avant de sortir un album, je suis plutôt assez pressée, j’ai hâte, un an c’était bien assez pour moi! 

PAN M 360 : Et bien sûr, pensez-vous que 2023 est une période incroyablement étrange pour diffuser de la musique dans le monde ?

Gabrielle Cloutier : Bien sûr, et j’ai fait beaucoup de copies de cet album, donc je ne sais pas si les gens vont l’acheter, maintenant c’est rare que les gens aient des lecteurs CD, mais cet album est tout fait à la main, avec du beau papier fait à Montréal, la pochette a aussi été fait en sérigraphie. Le pamphlet intérieur se développe en affiche avec des dessins faits par Cathy Beauvallet..En fin de compte, je l’ai fait pour moi-même et je pense que chacun doit le faire pour lui-même. C’était un défi pour moi en tant qu’artiste de voir si je pouvais faire ce disque, même s’il était reçu ou non. Et ça aide d’avoir un disque, c’est bien d’avoir quelque chose à montrer et à donner aux gens.

PAN M 360 : Alors, comment s’est passée la gestion de la logistique réelle de la sortie et de la distribution d’un album ?

Gabrielle Cloutier : J’ai vraiment beaucoup appris à ce sujet, en autre sur les droits d’auteur, la distribution, l’impression, l’enregistrement, le mastering, la presse, etc. Finalement, tout s’est bien passé, mais la partie la plus difficile à gérer et à comprendre c’était par rapport à  la presse, des labels, des magazines. Je suis comme un petit poisson dans cette mer immense, tu sais. Et notre musique est très acoustique, vous savez, c’est assez niché.. Mais qui sait? 

PAN M 360 : Alors que pouvez-vous nous dire sur le show de lancement ?

Gabrielle Cloutier : Ce sera une soirée veloutée et enivrante, assez douce. Les deux autres groupes sont également très acoustiques et s’inscrivent dans le même univers avec la musique que nous jouerons. Pour commencer la soirée, il y aura un quatuor à cordes, le Quatuor Bazar, et ils joueront en fait une composition d’un de mes amis, Nominoë, qui a arrangé trois chansons de l’album. Il joue aussi dans le deuxième acte, qui est un duo interprétant des chansons traditionnelles de Grèce et de Turquie.

PAN M 360 : Donc beaucoup de trucs différents mais tous dans le même univers de chambre. Et vous jouerez Chamade front-to-back ?

Gabrielle Cloutier : Ce ne sera pas dans le même ordre que l’album, car nous avons des nouvelles pièces, des solos et des interludes qui se sont ajoutés. Tous les musiciens sont géniaux, je suis vraiment reconnaissante qu’ils participent à ce projet avec moi.

PAN M 360 : Vous devez être vraiment excité pour cette performance. Êtes-vous toujours nerveux ?

Gabrielle Cloutier : Je me sens vraiment bien. J’étais plus nerveuse quand il fallait faire tout le travail logistique que je ne comprenais pas vraiment,  mais maintenant, depuis hier quand je suis allé chez l’imprimeur pour imprimer les dernières affiches, je me détends. Nous avons une dernière répétition, tout va bien, je suis contente et je pense que ça va être une belle soirée! 

PAN M 360 : Nous le pensons aussi. Merci encore Gabrielle, bon spectacle !

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