Interviews Archive - Page 50 sur 165

Le 16 mars prochain, dans le cadre de la Semaine du Neuf, accueille le TAK Ensemble qui présente Star Maker Fragments. En première partie la mezzo-soprano Kristin Hoff interprétera Love Songs d’Ana Sokolović, un opéra pour voix seule qui explore l’amour sous toutes ses facettes et dans plus de 100 langues. Entre chants, murmures et bruits, cette œuvre intense et contrastée nous plonge dans un voyage sur le thème des amours, où se mêlent passion, tendresse, perte et découverte.

Pour l’occasion, PAN M 360 a réalisé une interview avec Kristin Hoff qui nous partage ici son regard sur cette œuvre fascinante.

PAN M 360: Comment décririez-vous cette œuvre à quelqu’un qui ne la connaît pas?

Kristin Hoff: Love Songs est un opéra pour une seule voix, sans instruments d’accompagnement. Il est parfois chanté, parfois parlé, parfois bruité. La pièce aborde les thèmes de l’amour débridé, de l’amour tendre, de l’amour d’un enfant, de l’amour mûr et de l’amour pour quelqu’un que nous avons perdu. Chacun de ces thèmes est précédé d’un mouvement de Doves (colombes), qui s’amuse avec les mots I love you in, répétés à l’infini, en 100 langues, pour introduire chaque nouvelle section. La seule section qui ne comporte pas de mouvement de colombes est la toute dernière, l’amour pour quelqu’un que nous avons perdu.

Love Songs est un voyage non linéaire à travers différentes expériences et angles de l’amour, une chanson d’amour au cœur pur avec toutes les langues, couleurs et personnages que vous pouvez imaginer. C’est surprenant, émouvant, drôle et dévastateur – une aventure unique. J’espère que le public viendra l’esprit, les oreilles et le cœur ouverts.

PAN M 360: Vous avez interprété Love Songs dans plusieurs villes canadiennes et elle est devenue un classique de votre répertoire. Qu’est-ce qui vous attire tant dans cette œuvre?

Kristin Hoff: Cette pièce m’interpelle pour de nombreuses raisons : j’adore le travail d’Ana Sokolović. C’est une compositrice très, très inventive. Love Songs a tellement de contrastes, de couleurs et de caractères différents, ce qui signifie que je découvre de nouvelles choses à chaque fois que je travaille dessus, même 12 ans plus tard. De plus, il y a quelque chose de très libérateur, d’habilitant et de satisfaisant dans le fait de se tenir seul sur une scène. Tout repose sur mes épaules, ce qui, d’une certaine manière, représente une pression considérable. Mais j’aime que la pièce me consume et ne laisse aucune place aux petites inquiétudes insidieuses qui peuvent s’infiltrer dans les situations de représentation.

PAN M 360: Qu’apportez-vous de personnel à cette œuvre? Sur quels aspects mettez-vous particulièrement l’accent en tant qu’interprète?

Kristin Hoff: Hmm, j’ai vraiment l’impression de tout apporter à cette pièce, d’une manière que la plupart des autres pièces ne requièrent pas. Tout de mon cerveau, de mon corps, de mes sentiments. Une présence totale, je pense !

PAN M 360: Cette œuvre est un véritable défi vocal, notamment en raison de ses multiples inflexions et de l’utilisation de 100 langues ! Comment préparez-vous une telle performance?

Kristin Hoff: Tout d’abord, je suis une personne qui aime les défis. Je me souviens d’avoir commencé à apprendre cette œuvre il y a 12 ans et d’avoir été à la fois ravi et complètement intimidé par ce que j’allais devoir investir pour vraiment l’apprendre, pour le mémoriser. J’ai toujours aimé les langues, et la recherche sur la prononciation et la traduction a été un plaisir. Je crois que ce processus d’apprentissage et de mémorisation m’a demandé six mois de travail acharné. J’ai eu la chance de bénéficier d’un soutien important de la part du Conseil des Arts du Canada pour la période d’apprentissage. 12 ans plus tard, le processus de préparation du spectacle est très différent. J’ai beaucoup moins peur de la pièce, car je la connais au plus profond de mes os. Cela dit, je sais aussi très bien qu’il n’y a pas de raccourci pour éviter l’immense engagement mental et physique nécessaire pour se replonger dans la pièce et la jouer. Je dois faire de la place pour cela dans mon emploi du temps, dans mon corps, mon esprit et mon âme.

PAN M 360: Parmi vos nombreux engagements, vous êtes notamment directrice artistique et générale de Musique 3 Femmes et directrice exécutive du côté vocal des Mini-Concerts Santé. En quoi ces engagements influencent-ils votre approche artistique et votre travail d’interprète?

Kristin Hoff: Musique 3 Femmes est une compagnie d’opéra montréalaise qui se concentre presque entièrement sur la création. En fait, Love Songs est jusqu’à présent le seul spectacle que nous ayons produit qui ne soit pas également une œuvre pour laquelle nous avons soutenu le processus de création. Diriger cette compagnie et commander, développer et produire de nouvelles créations d’opéra grâce à mon travail avec M3F signifie qu’en tant qu’interprète, j’ai un plus grand respect pour les défis que représentent la production et la présentation de spectacles, ainsi que pour les personnes qui dirigent les organisations artistiques et rendent possible la multiplication des représentations.

J’ai également un plus grand respect et une meilleure compréhension des motivations et du processus des créateurs eux.elles-mêmes. En tant qu’artiste, j’éprouve une grande joie à travailler directement avec les créateur.trices. Je sais que presque tous les compositeurs vivants sont prêts à discuter des modifications à apporter à la partition et à mon interprétation pour améliorer mon interprétation de l’œuvre. L’interprétation de la musique nouvelle est une chose vivante et qui respire – j’adore ça !

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Pour la Semaine du Neuf, le Quatuor Bozzini célèbre ses 25 ans d’activités professionnelles au service des musiques de création, soit avec des créations de trois compositeurs-trices d’exception: Michael Oesterle, Linda Catlin Smith et Martin Arnold – lisez notre autre interview à ce titre. Pour cette occasion très spéciale, PAN M 360 publie deux interviews avec les membres de cet excellent quatuor montréalais: Alissa Cheung, violon, Clemens Merkel, violon, Stéphanie Bozzini, alto, Isabelle Bozzini, violoncelle. Le concert sera présenté ce vendredi 14 mars, 19h30, au Music Media Room. Une interview avec les membres du Bozzini y est exclusivement consacrée, parlons ici de ce quart de siècle de vie musicale, ce qui n’est pas rien !

PANM 360 :: L’effusion d’amitié, L’effusione d’amicizia pour reprendre le titre italien du programme de La Semaine du Neuf est un titre choisi pour cette commémoration, n’est-ce pas? En relation avec les origines partiellement italiennes des frangines Isabelle et Stéphanie ? En tout cas, on devine que l’amitié règne toujours !

Stéphanie Bozzini: Certainement, l’amitié règne toujours! Ce titre spécifiquement est emprunté à une œuvre de Michael Oesterle (avec sa permission) pour violon ou alto solo, l’effusione d’amicizia, écrite en 1996, que Clemens et moi-même avons tous deux joué quelques fois.

Isabelle Bozzini : Ma sœur a vendu la mèche… Ça ne vient donc pas de nos racines suisse-italiennes, même si ça leur fait honneur. Ce clin d’œil à une œuvre de jeunesse de Michael va comme un gant au contexte: des créations de musiciens avec lesquels nous avons développé au fil des ans de grandes affinités artistiques, et également des amitiés solides. Nous trouvions que c’était une bonne façon de rendre hommage à nos 3 amis, collègues, collaborateurs de quelques décennies. Ce titre décrit bien notre relation avec eux.

Clemens Merkel: C’est aussi une métaphore pour toutes ces amitiés que nous avons développées au fil des 25 ans. Car le point de départ de notre travail de création commence toujours par la relation avec les compositeurs-trices et les autres artistes. Et si on est chanceux, pour citer le film Casablanca, “this is the beginning of a great friendship!”.

Stéphanie Bozzini: D’une certaine façon aussi, c’est un clin d’œil à l’amitié en général, à l’empathie, la compassion, l’écoute et le partage, dont nous avons tant besoin ces temps-ci.

PAN M 360 : Chacun.e d’entre vous pourrait-il livrer un témoignage de votre raison d’être en tant que quatuor?

Alissa Cheung: Jouer dans un quatuor à cordes est une expérience très riche. Non seulement peut-on compter sur un grand héritage et un canon d’œuvres composées, mais avons-nous le privilège artistique de commander et d’aider à déterminer les chefs-d’œuvre de notre époque.

Clemens Merkel: L’équilibre est optimal en termes d’instrumentation, mais aussi sur le plan démocratique, puisque nous sommes tous directeurs artistiques et auto-producteurs de notre ensemble. Nous travaillons bien en équipe et apprécions également travailler avec d’autres collaborateurs tout au long de notre parcours artistique, qu’il s’agisse d’artistes du son, des arts visuels, du théâtre ou de la danse.

C’est sûr que ça peut paraître un peu bizarre, mais la première raison pour laquelle j’ai commencé à jouer du quatuor à cordes avec Isabelle et Stéphanie, c’est parce que j’avais besoin d’argent. Quand je suis venu à Montréal en 1998, je retournais encore très souvent en Allemagne pour des engagements, mais comme je n’étais pas assez présent là-bas, les engagements ont décliné. Cependant, je n’avais pas de réseau à Montréal, je n’avais pas étudié ici et je n’avais pratiquement pas de contacts. Lorsque les Bozzini ont dû remplacer l’un de leurs violonistes, c’est tout naturellement que j’ai pris la relève. Je ne l’ai pas regretté une seconde et maintenant je ne peux plus imaginer faire autre chose. Bien sûr, j’ai également utilisé mes contacts en Europe pour présenter le quatuor en Europe dès le début. À ce jour, c’est l’un de nos axes importants.

Stéphanie Bozzini : Nous sommes privilégiés de faire ce métier, c’est une chance et avec ça vient des responsabilités envers les créateurs et le public. C’est toujours sur notre radar. On est en constante conversation, à 4, avec nos collaborateurs. C’est très intime comme travail.

PAN M 360 : Rappelez-nous les premiers balbutiements du Bozzini ?

Isabelle Bozzini: Avec notre quatuor étudiant, nous avions fait connaissance avec Michael Oesterle au Forum du NEM en 1996. Jeune compositeur talentueux et frondeur, il nous avait impressionnés par sa faconde extraordinaire! Nous lui avions donc commandé un quatuor à cordes, une première commande professionnelle soutenue par le CAC pour lui et nous. De son côté, à la suggestion du compositeur allemand Gerhard Stäbler, Michael invitait Clemens Merkel pour le concert de fondation de l’Ensemble KORE en 1997.

Ces 2 événements re-brassent les cartes et mènent, à travers une rencontre à la Chapelle Historique du Bon-Pasteur à une histoire d’amour et d’immigration, et à la fondation du Quatuor Bozzini… à la blague, nous disons que Michael et Guy Soucie ont été les parrains du quatuor!

Isabelle Bozzini: Clemens nous a apporté une expertise et un savoir-faire acquis au début de sa carrière en Allemagne et ailleurs en Europe, où il a joué avec de nombreux ensembles, et travaillé avec les plus grands compositeurs et chefs. Ça nous a beaucoup inspirés, et nous a également permis de renouer avec nos racines européennes. En même temps, nous avions notre savoir-faire québécois et nord-américain; dès le départ nous avons embrassé cette dualité et travaillé à cultiver nos relations avec les créateurs d’ici, issu de toutes les générations.

Clemens Merkel: Quand j’ai commencé à jouer avec le quatuor, il avait un autre nom que je ne trouvais pas particulièrement élégant ou pratique. C’est pourquoi j’ai insisté pour changer le nom et suggéré le nom de famille des deux sœurs Bozzini, suivant la tradition de nommer le quatuor d’après le primarius, mais maintenant d’après la « bass and rhythm section”. Fait intéressant, mon beau-père était un peu piqué au début que nous n’ayons pas demandé la permission d’utiliser son nom. Il avait négligé le fait que c’est aussi le nom de ses filles ! Entre-temps, le nom est devenu une marque, et il ne faut pas le sous-estimer.

Stéphanie Bozzini: Je me souviens de notre motivation, notre plaisir à découvrir de la nouvelle musique, notre énergie – comme seulement des jeunes peuvent avoir! -, de longues répétitions pour peaufiner maints détails. Notre première tournée en Europe était vraiment marquante. Nous avons rencontré des membres du collectif Wandelweiser dont Jürg Frey, et joué sa musique pour la première fois dans cette tournée en 2001, ça a beaucoup influencé notre parcours et notre esthétique. Pré-iPad, on se bricolait des œuvres d’art de partitions, je me souviens d’une œuvre reçue par fax, une page à la fois qui rentrait!

PAN M 360 : De quelle manière chacun.e d’entre vous a joint le quatuor ?

Isabelle Bozzini: Je suis tombée en amour avec le quatuor à cordes en 1987, année de cégep où Marcel St-Cyr et Tom Williams m’avaient donné la permission de jouer dans un quatuor plutôt qu’à l’orchestre de l’université McGill. En 1994, je réalise ce rêve en fondant avec ma sœur Stéphanie un quatuor d’étudiantes qui se dédiait à 50% à la création. Après quelques concerts, concours et projets, et l’arrivée de Clemens à Montréal fin 1997 pour la fondation de l’Ensemble Kore (Oesterle/Courroux), nous avons naturellement fait la transition à partir de 1998 pour ainsi devenir le Quatuor Bozzini, avec un profil franchement dédié à la création. Pour moi, c’est simplement le choix qui m’a toujours le plus inspirée comme cordiste, et du moment qu’on trouve des “âmes sœurs” pour mener le projet, il faut s’accrocher contre vents et marées!

Alissa Cheung: Vers 2013, le quatuor était à la recherche d’un.e violoniste. Laura Andriani était une amie commune et savait que je cherchais un changement professionnel – par rapport à mon poste de violoniste à l’Orchestre symphonique d’Edmonton. À l’automne 2013, j’ai passé une audition en personne à Montréal, qui comprenait des extraits de James Tenney, de Beethoven, de Walter Boudreau, de Jo Kondo et de Thomas Stiegler. Nous avons également parlé de nos objectifs de carrière et artistiques. Au printemps 2014, nous avons donné quelques concerts ensemble dans le cadre de la série de récitals Salon qb, avec de la musique de Maxime McKinley, Denis Gougeon et John Cage, et il était clair que c’était le bon choix pour tout le monde. Onze ans plus tard, nous sommes toujours ensemble et en pleine forme !

Clemens Merkel: Je suis venu à Montréal pour la première fois fin 1997, puis de plus en plus souvent et longtemps à partir de 1998. Mais c’était d’abord pour des raisons personnelles, si je peux m’exprimer ainsi. Ensuite, j’ai décidé de m’installer complètement à Montréal, et c’était certainement une décision risquée, car j’avais déjà travaillé avec beaucoup de succès en Allemagne, soit pendant presque une dizaine d’années avec différents ensembles et en tant que soliste. Quand j’ai commencé à jouer avec le quatuor, il n’y avait que quelques concerts par année, et il n’était pas du tout question de le faire à plein temps. Ce n’est venu qu’un peu plus tard, lorsque nous avons décidé de tout miser sur une seule carte et de pousser le quatuor de toutes nos forces. Ça a bien fonctionné.

Stéphanie Bozzini: Après nos études, le QB était la continuation de notre quatuor étudiant de l’époque. Le travail avec des compositeurs, entre autres dans les ateliers de musique contemporaine de l’UdM avec Lorraine Vaillancourt, nous a vraiment donné envie de continuer. Au départ nous avions tous d’autres projets personnels en plus du quatuor. On a réalisé que le potentiel était là et que ce serait vraiment plus satisfaisant si on se dédiait à temps plein au quatuor. C’était un pari risqué, on a risqué et on ne regrette rien!

PAN M 360 : Quelles sont d’après chacun.e de vous vos qualités propres en tant qu’interprète au sein du quatuor?

Isabelle Bozzini: Pour moi, le rythme a toujours compté avant tout, et je prends mon rôle de « basse » très au sérieux! J’ai beaucoup travaillé comme musicienne baroque, et développé un sens aigu de la conduite harmonique et de la résonance des accords. À nos débuts, nous avons beaucoup focalisé sur le son, que nous souhaitions « droit ». Nous insistions pour jouer absolument tout sans vibrato! Nous avons développé un sens du son d’ensemble qui nous est propre. Mais je dirais que pas mal tout le quatuor nage dans les mêmes eaux. Je me rappelle une conversation avec le Hilliard Ensemble où ils nous expliquaient qu’un tel avait la charge de la hauteur (pitch), l’autre du rythme, l’autre de l’équilibre, etc… Au Quatuor Bozzini, je ne vois pas autant de frontières clairement délimitées. J’avoue qu’il m’arrive d’impatienter mes collègues en insistant pour travailler un détail dans quelques mesures… d’autres ont un sens et un besoin plus urgent d’accéder à la vue d’ensemble!

Alissa Cheung: La perspective compositionnelle, le sens du flux ou de l’énergie pour les phrases et la structure globale, la communication du contenu émotionnel de la musique au public.

Stéphanie Bozzini: Le pragmatisme, l’écoute, la réflexion, l’habilité à trouver un terrain d’entente et de compromis (j’écris ça, mais je réalise que ça s’applique à nous tous!). Musicalement, le son, le flux, la balance et les intentions guident mon travail. Revenir au travail de base, et « gosser » dans les détails je trouve très important et satisfaisant aussi. Mais je préfère le sentiment libérateur de se lancer dans la forme dans son ensemble. Alléger l’atmosphère en craquant une blague, j’aime faire sourire mes collègues.

Clemens Merkel: La vue d’ensemble est très importante pour moi, les questions stylistiques, les aspects du son, le flux de la musique. Ce sont des choses qui vont souvent au-delà du passage individuel ou même de la pièce. Ce que nous faisons doit être clair, bien pensé et logique et avoir toujours notre propre caractère. Mais ensuite, bien sûr, il s’agit toujours de détails, d’ajustements minimes dans le traitement de l’archet, le rythme et l’intonation. C’est vraiment toujours un travail d’équipe et le quatuor n’est si bon que si vous parvenez à regrouper les forces des quatre membres de manière qu’il en résulte plus que la simple somme des quatre membres.

PAN M 360 : Comment se vit la direction artistique et le choix des œuvres pour vos programmes? Une directrice artistique tranche au terme de remue-méninges? Comment ça se passe?

Isabelle Bozzini: Mes collègues me taquinent souvent, m’appelant “ tantôt le grand manitou” ou “la reine”, mais en réalité nous travaillons depuis nos débuts en mode collaboratif, 2.0 avant la lettre. Notre structure à l’horizontal nous permet à la fois une grande souplesse et un investissement enthousiaste des membres et collaborateurs dans le projet “Quatuor Bozzini ”! Collectivement, nous remettons régulièrement nos choix en question, nous choisissons ce que nous souhaitons explorer, et nous favorisons une conversation soutenue et une collaboration étroite avec les artistes qui composent pour nous. Il faut dire qu’au fil des ans, nous avons été très bien entourés, sans compter le riche répertoire existant pour quatuor. Et puis bien sûr, nous avons un goût pour l’aventure et la cocréation, que ce soit en musique ou avec d’autres disciplines. Toutes ces rencontres nous ont nourris et nous ont fait grandir artistiquement.

Alissa Cheung: Pour nous, la musique et la composition sont toujours au premier plan. Nous ne ressentons pas le besoin d’étaler nos compétences en tant que musiciens, mais nous voulons vraiment communiquer une musique qui a une voix forte et qui expérimente peut-être une idée qui est rarement adoptée par d’autres compositeurs plus conventionnels. Parfois, le contexte du choix artistique change, par exemple, entre les commandes de festivals et les ateliers, mais nous parvenons généralement à nous mettre d’accord sur les personnes avec lesquelles nous voulons travailler. Et bien sûr, si nous avons une bonne expérience de travail avec les compositeurs, nous voulons poursuivre cette collaboration aussi longtemps que possible, comme le prouve le programme Effusione di Amicizia.

Clemens Merkel: Comme le dit Isabelle plus haut, nous sommes tous impliqués dans la direction artistique et aussi dans l’administration de notre entreprise. Je crois que c’est l’une de nos forces : que nous nous identifions tous les quatre très fortement à ce que nous jouons et à ce que nous faisons, à tous les projets, concerts, tournées, CD, ateliers. Nous le voyons comme une unité où chaque élément contribue au tableau d’ensemble. La preuve en est lque nous pouvons établir des relations à long terme avec les compositeurs, ceux ayant participé au « Composer’s Kitchen » avec nous il y a plus de 15 ans reviennent maintenant en tant que mentors. Pour nous, c’est le signe que nous avons bien fait les choses, comme nous le voulions, à notre façon.

Stéphanie Bozzini: Le partage à 4 des décisions et orientations fait la force de notre quatuor. C’était très important il y a 25 ans, et ça n’a pas changé. Nos affinités avec la musique qu’on programme dicte nos décisions artistiques. Et dans un sens, c’est le quatuor qui tranche (cet organisme – presque au sens propre du terme- que nous avons créé!). Découvrir de nouveaux langages, de nouvelles façons de faire, sortir des sentiers battus sont des choses qui nous ont toujours attiré et motivent nos décisions artistiques.

PAN M 360 : Peut-on parler de cycles dans l’évolution du Bozzini sur 25 ans ?

Isabelle Bozzini: Je dirais que oui. En questionnement sur une planification pluriannuelle il y a quelques années, nous avions dégagé quelques “époques” du Bozzini. La première, de 2000 à 2007 environ, un cycle de recherche: de notre identité, de notre son, des esthétiques qui nous interpellaient. La construction de notre réseau, et le début de relations suivies avec de nombreux artistes. La période où nous avons établi les “grandes lignes”. La deuxième, de 2008 à 2018 environ, je l’ai appelé une période d’expansion, de croissance. Nous avons élargi nos réseaux, diversifié nos soutiens, et multiplié les activités, tant localement qu’à travers le Canada et à l’international. C’est aussi la période où nous avons commencé à développer nos projets interdisciplinaires (Hozhro, Ange Noir, Une idée sinon vraie, etc). La suivante, je l’avais nommée “la maturité”. Sortis de notre état de “relève éternelle”, nous avions un certain sentiment d’aboutissement, et plus de moyens pour atteindre nos ambitions. Ce fut de courte durée, puisque nous sommes bientôt tombés dans la marmite de la “réinvention”, qui malheureusement a l’air de vouloir s’incruster! Mais bon, ça nous oblige à ne pas nous endormir sur nos lauriers…

Clemens Merkel: C’est un peu comme dans la vraie vie, il y a ces cycles d’environ 7 ans si vous regardez de 2000 à 2007, de 2007 à 2014, de 2014 à environ 2020. Cela signifie que nous sommes toujours dans ce cycle de covid et post-covid. peut-être est-il rassurant de voir que nous avons un nouveau cycle autour de 2027 qui, espérons-le, sera assez merveilleux.

PAN M 360 : Quels sont d’après vous, les programmes marquants de votre histoire

Isabelle Bozzini: Quelques jalons ressortent pour moi:

Les 3 concerts de notre première série officielle (20 octobre 2020, 9 février et 11 mai 2021), dont nous avions longuement discuté et soupesé la programmation. Chaque concert proposait un quatuor de Charles Ives, une œuvre du New York School (Feldman, Cage, Wolff), et 2 œuvres québécoises mêlant relève et artistes établis (6 en tout dont 4 créations: Jérôme Blais, Justin Mariner-création, Luc Marcel-création, John Rea, Michael Oesterle-création et Jean Lesage-création);

La création mondiale en mai 2001 à Düsseldorf du Streichquartett n.2 de Jürg Frey

“L’Événement Wandelweiser” dans le cadre de notre résidence au Théâtre La Chapelle en septembre 2003. En résidence au TLC pendant 2 ans, nous avons également présenté In Tempore Belli (Crumb et Reich), et notre premier Composer’s Kitchen au printemps 2005;

“La Quadrature du Cercle” en 2006, où à l’invitation de la SMCQ nous donnions un programme particulièrement virtuose, avec les créations mondiales de Rumore Sui de Denys Bouliane, Quatuor à cordes no 3 “Objets trouvés, commentaires et digressions” de Jean Lesage, et Le Grand Méridien de Walter Boudreau;

La création d’une œuvre à 4 mains de Joane Hétu et Jean Derome, Le Mensonge et l’Identité;

La création de Hozhro, notre premier grand projet interdisciplinaire en coproduction, pour lequel nous avons rapidement mangé beaucoup de croûtes! Et la chance d’avoir une équipe de feu avec qui nous avons élaboré le projet de 2006 à 2009: Michel Gonneville (composition et textes), Mario Côté (vidéo), Pierre Thibault (installation et scénographie), Danièle Desnoyers (chorégraphie et mise en scène);

Ange Noir au OFFTA en 2011! Ayant commandé dès 2007 un texte à Jean-Frédéric Messier pour accompagner Black Angels de George Crumb dans le cadre d’un concert jeunesse avec narrateur au festival Klangspuren en Autriche, nous avons eu l’insigne honneur de faire partie d’une des dernières productions de l’illustre Théâtre MOMENTUM!;

Les concerts avec Alvin Lucier et Pauline Oliveros au festival SIP 2015, un de nos favoris de tous les concerts que nous avons présentés avec ce grand-petit festival! Chaque moment avec Alvin était une poésie…;

La résidence fantastique avec Eliane Radigue en juillet 2017, qui a mené à la création de Occam Delta XV à Suoni en 2018, et à plusieurs reprises depuis;

Le printemps 2021, où nous avons enregistré en rafale les intégrales de Christian Wolff, Michael Oesterle, Tom Johnson et Bryn Harrisson (et les disques précédents consacrés à Linda Smith, Cassandra Miller et Ana Sokolovic!);

Tous les ateliers et concerts du Composer’s Kitchen depuis 2005;

Notre spectacle Innamorati, développé avec la formidable marionnettiste Marcelle Hudon.

Nous venons d’en présenter une 3e série avec le CAM en tournée, et ce n’est que le début!

Je regrette déjà ceux que je ne mentionne pas, mais il faut que je m’arrête avant d’écrire la biographie complète!

Alissa Cheung:

Wigmore Hall 3 décembre 2022– intégrale des quatuors de Gerald Barry intercalé avec les œuvres de Cassandra Miller, Michael Oesterle, Claude Vivier et Tanya Tagaq;

Trip 12 novembre 2020 – inofficiellement notre concert de 20^e anniversaire avec les œuvres de Christopher Butterfield, Cassandra Miller, Michael Oesterle, Thomas Stiegler et Jennifer Walshe;

Une idée sinon vraie 2019-2020 – musiques d’Ana Sokolović avec Marc Boivin, danse;

SIPFest 10 août 2018 – concert clôture d’une résidence avec des jeunes compositeurs.trices indonésien.nes

Clemens Merkel: Question difficile, il y en a tellement. Bien sûr, certains programmes et projets se démarquent. Mais pour moi, ce sont les relations à long terme qui se développent sur de nombreuses années qui se démarquent. Pour n’en nommer que quelques-uns : Michael Oesterle, Jürg Frey, Cassandra Miller, mais aussi Ana Sokolovic, Jimmie Leblanc, Christian Wolff, Eliane Radigue et beaucoup d’autres. Je ne peux – ou ne veux – pas séparer l’art et la relation humaine. Il est tout aussi important pour le quatuor que nous accordions autant d’attention à une pièce d’un jeune compositeur dans un atelier qu’à une pièce d’un compositeur très connu avec qui nous travaillons depuis longtemps. Ce n’est peut-être pas le but de cette question, mais les relations interpersonnelles, en particulier avec les jeunes artistes, sont extrêmement importantes pour nous.

Stéphanie Bozzini: Nos projets multidisciplinaires qui ont toujours été initiés par des réflexions qui dépassent le cadre d’un quatuor à cordes en récital, qui nous poussaient et qui souvent nous faisaient nous aventurer sur des terrains inconnus, parfois dans des situations inconfortables (!), mais toujours dans l’idée d’avancer plus avant :Une idée Sinon vraie (danse), Innamorati (théâtre d’ombre, marionnettes), Ange Noir (théâtre), Musique de chambre noire, Les Petites Portes (vidéo), etc…

Les concerts marathons, le premier étant l’Odyssée du Quatuor en 2001 au Théâtre La Chapelle, puis Wigmore Hall 2022, Aldeburgh Festival 2023, BBC dans la série Hear and Now en 2007 (qui a marqué toute une génération de jeunes compositeurs britanniques qui entendaient un quatuor qui jouait sans vibrato, dans une esthétique très dépouillée, et dont plusieurs se sont inspiré).

Nos concerts et programmes découlant de longues collaborations au fil des ans: Eliane Radigue, Jürg Frey, Michael Osterle, Martin Arnold, James Tenney, Alvin Lucier, Christian Wolff.

Programmer des compositrices et compositeurs d’ici pas beaucoup joués à l’international à travers notre rôle d’ambassadeurs de la création canadienne et québécoise: ex. Jimmie Leblanc à Gaudeamus aux Pays-Bas qui avait reçu un accueil vraiment favorable, est un exemple récent qui me vient en tête pour n’en nommer qu’un seul.

Au niveau personnel, les projets / programmes où on a pu établir des liens très forts et durables avec nos collaborateurs. Ces échanges donnent toute une autre dimension au travail.

PAN M 360 : De quoi chacune et chacun d’entre vous êtes le plus fiers d’avoir accompli dans ce quatuor?

Isabelle Bozzini: Garder le cap, avec tous les aléas du métier, et les milles aspects à comprendre/apprendre pour mener sa barque. Maintenir le feu, pour chaque jour remettre l’ouvrage sur le métier avec plaisir. Apprendre la patience, entre nous et avec nos collaborateurs; la vigilance est de mise. Cultiver la curiosité et le sens du risque, pour permettre chaque petit miracle de la création!

Alissa Cheung: Les relations humaines et la communauté de tous nos collaborateurs.trices.

Stéphanie Bozzini: L’idée d’avoir créé un organisme. Presque au sens propre du terme, en constante mouvance, où chacun trouve sa place, où l’écoute est priorisée, où chacun s’adapte. On met nos forces en commun pour faire avancer notre mission. Être là l’un pour l’autre en temps de besoins. Fière d’avoir persévéré malgré les difficultés, les défis. Fière des liens qu’on établit et préserve entre nous, avec les gens qui nous soutiennent au bureau, et aussi tous les artistes et amis que nous avons rencontré au long des 25 ans. C’est très enrichissant.

Clemens Merkel: Lorsque nous commençons notre carrière comme jeunes musiciens, nous ne savons jamais exactement où cela nous mènera. Le quatuor a donné une direction claire, c’est une tâche et aussi une obligation (peut-être une idée très allemande). Soit l’obligation envers mes collègues, envers les compositrices et compositeurs qui nous font confiance et nous donnent leur musique. Je suis très fier que nous ayons réussi à vivre et à survivre en quatuor dans un milieu ici au Québec et au Canada ou il y n’y a pas beaucoup ce qu’on appelle une « marché », tout ça en jouant la musique que nous jugeons importante. Jouer de la musique de Montréal, du Québec et du Canada en Europe, apporter de la musique d’Europe ici. C’est un corpus de travail qui s’est développé au fil des ans, qui se compose de nombreux éléments qui s’assemblent comme un grand casse-tête. Bien sûr, je suis fier de nombreux événements individuels, concerts, projets, mais après tant d’années, c’est en fait ce qui me remplit de satisfaction et en même temps me donne la motivation de continuer aussi longtemps que je le peux

PAN M 360 : Croyez-vous que ce concert de la Semaine du Neuf est le plus important de votre saison 25^e anniversaire?

Clemens Merkel: C’est toujours le prochain concert qui est le plus important!

Isabelle Bozzini: Je suis assez d’accord avec Clemens…! C’est un concert-phare de nos 25 ans, mais nous avons choisi de célébrer sur toute la durée de 2025, parce qu’un quart-de-siècle ça se célèbre en grand, et parce que cette année nous avons une série d’événements particulièrement juteux.

PAN M 360: Résumez-nous les concerts déjà présentés dans ce contexte et ceux qui viennent d’ici la fin de cette saison ? Il va sans dire, nous en reparlerons dans le contexte d’autres articles.
Isabelle Bozzini: Après Effusione d’Amicizia à la Semaine du Neuf, il y aura la création de l’opéra Hiroshima Mon Amour en coproduction avec Carte Blanche et Chants Libres au FTA, entrecoupé de plusieurs présences à des grands festivals allemands, Witten et Darmstadt. Un concert aux Suoni Per Il Popolo (qui fête aussi son 25e!) avec Sarah Hennies. La création le 15 août à Time:Spans d’œuvres de Cassandra Miller, Zosha Di Castri et Taylor Brook, un grand projet de co-commande avec Le Vivier et Soundstreams (Toronto), œuvres qui seront données à Montréal en octobre et à Toronto en 2026. En septembre, un retour à Gaudeamus et une première présence à Musica Strasbourg, et encore bien plus. À suivre!

En raison de circonstances imprévues, Matthew Warren Ruth ne jouera pas le 15 mars dans le cadre de La Semaine du Neuf, plus précisément lors d’un concert où il devait présenter ses propres œuvres en plus de celles de Tim Brady en deuxième partie. Au lieu de cela, Tim Brady jouera l’intégralité de sa pièce pour guitare solo Symphony in 18 Parts et de sa pièce For Guitar. Nous avons eu l’occasion de lui poser quelques questions sur ces deux pièces avant ce samedi.

PAN M 360 – En ce qui concerne The Symphony in 18 Parts, je pensais que transformer une guitare solo en une symphonie entière serait un véritable défi en ce qui concerne les timbres, mais vous y êtes parvenu en 49 minutes. Comment avez-vous décidé de la qualité des sons que vous vouliez et de la manière de les utiliser ?

Tim Brady: The Symphony in 18 Parts a commencé par quelques petits morceaux de guitare. Ce n’est qu’après en avoir écrit trois ou quatre que j’ai décidé d’en faire une œuvre ambitieuse de 50 minutes. Mais une fois cette décision prise, je savais qu’il me fallait autant de variété que possible en termes de timbres et de sonorités. Six cordes pendant 50 minutes, c’est assez intense. J’ai donc passé du temps à chercher des effets et des boucles très contrastés, en jouant simplement avec les sons, avant de me lancer dans le processus de composition détaillé. Une fois que j’ai trouvé un large éventail de sonorités différentes, j’ai essayé d’imaginer le voyage que nous ferons ensemble dans la salle de concert – et comment ces sons pourraient contribuer à créer la forme du morceau, le voyage de l’auditeur.

PAN M 360 – Sauf erreur de ma part, il n’existe pas encore d’enregistrement commercial de votre pièce For Electric Guitar. Cette pièce sera-t-elle une ode à l’instrument ? Une pièce particulièrement idiomatique de la guitare ? Peut-être quelque chose de tout à fait différent ?

Tim Brady: Cette performance sera la première, aucun enregistrement n’a encore été publié. Je le sortirai probablement en 2026, mais c’est amusant de créer une pièce devant un public. Et, oui, c’est très idiomatique. Il y a quelques effets, mais beaucoup moins que dans The Symphony in 18 Parts. Il s’agit plutôt de jouer de la guitare. D’où le titre quelque peu laconique : « Pour guitare électrique » : « Pour guitare électrique ».

PAN M 360 – Je sais que vous avez déjà travaillé avec Matthew Warren Ruth et qu’il a composé pour vos Instruments of Happiness, un ensemble de guitare. Comment avez-vous commencé à collaborer et pourquoi vos sensibilités musicales respectives s’accordent-elles si bien ?

Tim Brady: En raison de circonstances imprévues, Matthew a malheureusement dû annuler sa prestation du 15 mars. C’est un excellent guitariste et un excellent compositeur. J’ai étudié avec lui à Concordia il y a plusieurs années. J’espère que le public aura l’occasion d’entendre davantage de sa musique au cours des prochaines années. Je jouerai l’intégralité des 18 mouvements de la Symphonie, puis, après un court entracte, la première de For Electric Guitar. Il y aura encore beaucoup de musique pour guitare !

PAN M 360 -Je vois, c’est dommage pour Matthew. Je suppose que je peux encore vous poser la question suivante : Comme la guitare électrique est un instrument relativement jeune, j’aimerais savoir ce que vous pensez de l’évolution de la musique pour guitare d’une génération à l’autre. Quelle est, selon vous, l’évolution de la musique de guitare ?

Tim Brady: En tant qu’instrument, la guitare électrique a beaucoup évolué depuis 1932 (date de son invention officielle). Les amplificateurs et instruments sont devenus plus flexibles et nuancés, et les effets (dont l’utilisation s’est développée depuis le milieu des années 1960, avec une croissance importante à la fin des années 1970) leur ont donné un nouveau son. Les plus jeunes sont de grands musiciens, capables de jouer dans un groupe de rock, une formation de jazz ou sous la direction d’un chef d’orchestre. Les bases restent les mêmes : six (voire sept ou huit…) cordes, son clean ou distordu, son doux ou fort, etc. Il existe quelques choix fondamentaux, mais chaque artiste trouvera sa propre voix.

PAN M 360 – Vous nous avez dit précédemment que vous preniez l’habitude d’improviser à la guitare tous les jours. Certaines des dix-huit parties de votre symphonie ont-elles été improvisées ou l’œuvre a-t-elle été davantage composée de bout en bout ?

Tim Brady: The Symphony in 18 Parts est composée à travers. J’utilise l’improvisation pour rester en contact avec la création musicale à un niveau viscéral, et je l’utilise parfois dans ma musique. Mais pas dans cette pièce.

PAN M 360 – Les noms des parties de la symphonie se situent quelque part entre le poétique et le méta. Avez-vous décidé de les nommer en fonction de vos choix esthétiques ? Y a-t-il une sorte de fil conducteur narratif ?

Tim Brady: Sincèrement, je ne sais pas trop ce que signifient ces titres ! Je voulais donner une identité à chaque section plutôt que de la nommer simplement « Movement 1 ». J’ai donc travaillé sur une série de phrases que j’ai trouvées intrigantes, puis j’ai essayé de déterminer s’il y avait une quelconque relation entre elles et la musique. Mais c’est très intuitif, je n’ai pas du tout planifié les titres.

PAN M 360 – Et enfin : J’ai besoin de savoir s’il y a un modèle de pédale ou d’effet, au fil des ans, pour lequel vous avez une préférence. Êtes-vous un féru d’électronique ou vous contentez-vous de ce qui sert la musique au moment présent ?

Tim Brady: J’aime suivre les tendances en matière de matériel et j’ai possédé des tonnes de matériel différent au fil des décennies, mais je n’ai pas acheté de nouveau matériel depuis un certain temps. Il vaut mieux connaître et utiliser le matériel que l’on connaît que d’essayer toujours quelque chose de nouveau. J’ai passé pas mal de temps sur le son et les réglages de base de mes guitares – micros, configurations de câblage alternatives, jauge de tension, hauteur des cordes et choix des bois. Tout commence par la guitare, qui doit sonner et bien faire se sentir. Toutes les pédales du monde n’arrangeront pas un instrument qui sonne mal.

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Qu’est-ce qui unit les œuvres de Mozart, Dvořák, Kodály et Johann Strauss ? Stylistiquement variées du point de vue du langage et séparées par des époques différentes, c’est leur effectif instrumental qui attire l’attention. Dans un programme qui rassemble des œuvres pour cordes de ces différents compositeurs, les musiciens des Violons du Roy, Katya Poplyansky (violon), Pascale Gagnon (violon), Annie Morrier (alto) et Raphaël McNabney (contrebasse), mettent de l’avant des formations musicales inattendues pour leur instrument et qui seront entendues dans un concert-apéro les 12 et 13 mars au Palais Montcalm. Pour en parler, ils ont chacun accepté de répondre à quelques questions de PAN M 360.

PAN M 360 : Les formations de trio pour cordes sont habituellement composées d’un violon, d’un alto et d’un violoncelle. Ici, vous proposez des trios inattendus, donc des formations plus rares avec deux violons et un alto, puis deux violons et une contrebasse. Pourquoi ces formations sont-elles considérées comme plus rares ? Comment cela se traduit-il au niveau de l’écriture musicale et est-ce que ces formations vous amènent à modifier votre jeu, dépendamment de la place que votre instrument occupe dans la partition ?

Katya Poplyansky : Souvent un violoncelle joue une ligne de basse, en plus des mélodies… Sans le violoncelle, nos responsabilités comme violonistes et altistes deviennent plus nombreuses, et même peut-être plus compliquées! Parfois, on joue la mélodie, parfois on accompagne, et parfois on joue la ligne de basse, le tout dans quelques courtes mesures. C’est un défi, mais aussi très valorisant.

PAN M 360 : Outre leur configuration instrumentale particulière, qu’est-ce qui caractérise chacune des pièces de ce concert ?

Pascale Gagnon : Je dirais que ce concert est un voyage à travers les époques, tout d’abord Mozart avec un trio très simple et agréable, une petite pièce en seulement deux mouvements, un adagio et un menuetto, ce qui est assez particulier. Nous sommes habitués à 3 ou 4 mouvements. Pour le Dvořák, c’est un trio en 4 mouvements. Le magnifique mouvement lent est un très beau moment romantique; mon préféré. Le scherzo aussi est très intéressant, avec une saveur folklorique et un jeu rythmique assez déstabilisant pour l’auditeur.
Le Kodály est un mélange d’inspiration folklorique et d’harmonies modernes; un trio de forme classique en 3 mouvements.Pour lui aussi, j’aime particulièrement le deuxième mouvement, une conversation entre l’alto et le premier violon qui peut sembler être improvisée. Le deuxième violon, lui, tisse une ambiance tout le long du mouvement avec des trémolos très doux, parfois même inquiétant. Et pour finir le concert, une valse de Strauss avec la mélodie au premier violon, accompagnée de la basse et du deuxième violon.

PAN M 360 : Quels sont les défis ou les éléments auxquels il faut porter attention en tant que musicien quand on interprète du répertoire de musique de chambre ?

Annie Morrier : La musique de chambre est souvent très valorisante, mais nous demande beaucoup plus d’implication personnelle. Étant en petite formation, nous devons prendre en charge les idées musicales, l’équilibre des instruments et le style des pièces que nous interprétons. En orchestre, c’est principalement le rôle du chef d’orchestre. Nous devons aussi être très à l’affût des autres parties. Savoir exactement ce qui se passe dans toutes les parties jouées et être particulièrement flexibles aux idées des autres et à leur propre interprétation. Cela amène parfois des discussions et des prises de décisions. De plus, les partitions sont souvent techniquement plus difficiles, ce qui nous demande plus de préparation individuelle.

PAN M 360 : La pièce Wiener Carnaval-Waltzer, op. 3, est traditionnellement interprétée par un orchestre. Vous allez l’interpréter sous forme de trio. Quels sont les défis de réduire la masse orchestrale pour votre formation et qu’est-ce qu’une formation de chambre peut apporter comme éléments d’écoute comparativement à un orchestre ?

Raphaël McNabney : Malheureusement, il sera toujours impossible, malgré tout nos efforts et notre créativité, de reproduire la palette de couleurs et de timbres d’un orchestre symphonique à 3. Cela dit, il est plus facile de bouger et de danser en petit groupe et les caractères des œuvres peuvent toujours être transmis, peu importe l’orchestration. Aussi, sur un plan pratique, de pouvoir exporter des œuvres symphoniques avec des moyens modestes, permet à un plus large public d’en profiter dans des contextes variés, comme une belle valse de Strauss pour conclure un petit apéro…

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Pour la Semaine du Neuf, le Quatuor Bozzini célèbre ses 25 ans d’activités professionnelles au service des musiques de création, soit avec des créations de trois compositeurs-trices d’exception: Michael Oesterle, Linda Catlin Smith et Martin Arnold. Pour cette occasion très spéciale, PAN M 360 publie deux interviews avec les membres de cet excellent quatuor montréalais: Alissa Cheung, violon, Clemens Merkel, violon, Stéphanie Bozzini, alto, Isabelle Bozzini, violoncelle, auxquels se joindront la violoncelliste Audréanne Filion et l’altiste Élisa Trudel pour l’exécution de la pièce de Martin Arnold. Parlons d’abord du concert de ce vendredi 14 mars, 19h30, au Music Media Room... et lisez notre interview-bilan des 25 ans de Bozzini !

PAN M 360: Pourquoi ces trois compositeurs.trice dans une telle commémoration?

Isabelle Bozzini: L’Effusione d’amicizia est un des projets phare de notre quart de siècle, des commandes à des compositeurs qui nous accompagnent depuis nos débuts : Michael Oesterle, Martin Arnold et Linda Smith. Ces créateurs exceptionnels nous font l’honneur depuis longtemps de suivre et apprécier notre travail. Full disclosure : tous ces artistes se connaissent et s’apprécient, et ils ont déjà été mentors de notre Composer’s Kitchen ou du BozziniLab, d’où l’effusion!

PAN M 360: Parlez-nous de 3-Way Cotillion, un sextuor de Martin Arnold, où on retrouve la fascination du compositeur pour la musique ancienne, les traditions folk et l’influence des musiques psychédéliques. Peut-on en apprendre davantage sur l’œuvre?

Stéphanie Bozzini: L’œuvre 3-Way Cotillion est basée sur des matériaux et structures simples. Le sextuor s’ouvre sur une longue mélopée des deux altos, soutenue par des accords « coussins » et des ponctuations de pizzicato des autres instruments. Son titre fait référence à une danse, ce qui est assez caractéristique des œuvres de Martin : des mélodies ondoyantes, humbles, jamais dans l’extravagance, parfois lentes mais aussi des motifs pointés qui ponctuent les phrases en guise de cadences. Une réminiscence de motifs mélodiques revient au long de la pièce.

Clemens Merkel: Le compositeur laisse toujours beaucoup de décisions et de liberté aux interprètes en termes d’articulations, nuances et même caractères, ce qui donne à ses œuvres un super terrain de jeu pour nous.

Isabelle Bozzini : Martin est un pur mélomane et possède une collection de disques exceptionnelle et extrêmement éclectique. Il a une vénération pour la musique de la Renaissance, il a grandi avec la tradition folk en Alberta et vécu à fond sa période psychédélique. Pour comprendre pleinement toutes ses influences, je pense qu’il faut aller l’entendre dans un bar avec l’un de ses bands à Toronto

PAN M 360; Comment avez-vous intégré la violoncelliste Audréanne Filion et l’altiste Élisa Trudel?

Isabelle Bozzini: L’altiste Élisa Trudel et la violoncelliste Audréanne Filion sont deux musiciennes de la relève. Il y a des affinités sonores et esthétiques au départ, et aussi une réelle curiosité de leur côté pour la musique nouvelle. C’est pourquoi nous nous sommes tournés vers elles. Audréanne évolue au sein du milieu de musique actuelle entre autres, et a déjà joué avec nous en 2023 à Québec Musiques Parallèles pour le Jürg Frey.

Stéphanie Bozzini: Nous avons croisé régulièrement Élisa dans différents concerts à Montréal et Rimouski, c’est inspirant de voir la jeune génération d’interprètes s’intéresser aux nouvelles musiques. Et c’est super de les avoir avec nous pour ce concert!

PAN M 360 : Michael Oesterle, avec qui vous avez fait connaissance au Forum du Nouvel Ensemble Moderne en 1996, est à l’origine d’une longue collaboration avec l’ensemble, qui présentera son Quatuor no 4, cinquième œuvre écrite pour le Bozzini. Y a-t-il un lien avec les œuvres précédentes, jouées au fil du temps avec le quatuor? Comment l’œuvre est-elle construite et quels sont les enjeux de l’exécution?

Stéphanie Bozzini: C’est une longue pièce en un mouvement, divisé en quelques sections, donc en contraste avec le Quatuor No.3 « Alan Turing » qui est en 4 mouvements distincts, ou d’autres de ses quatuors qui sont de forme courte. Le Quatuor no.4 commence et termine avec un choral réminiscent de la grande tradition classique, et dont on entend l’écho en harmoniques au centre de la pièce. Michael construit ses œuvres en alternant des matériaux musicaux géométriques expressifs. Avec des moyens très simples, il crée toute une fresque de sons originaux, ludiques et aussi très expressifs.

Isabelle Bozzini: Malgré les difficultés techniques de la pièce, sa connaissance intime du langage pour cordes en rend l’exécution accessible : par exemple des traits rapides en harmoniques qui sont idiomatiques pour les cordes. On aime bien sûr les défis d’œuvres techniquement touffues, pour le défi, le plaisir d’apprendre, le désir de se pousser et de faire avancer la fluidité du jeu.

Stéphanie Bozzini: Mais en même temps ça reste un aspect satisfaisant pour nous de ne pas avoir à « s’enfarger dans les fleurs du tapis » comme on se dit parfois en répétition, pour pouvoir se consacrer à d’autres aspects de la musique plus importants à nos yeux : l’expression, les dynamiques, le flot et la balance.

PAN M 360: La Torontoise Linda Catlin Smith a créé la pièce Rêverie spécialement pour l’occasion. Quelles sont les caractéristiques de cette œuvre? Quels sont les enjeux de l’exécution?

Alissa Cheung: Nous avons joué presque tous les quatuors à cordes de Linda, et nous sommes ravis d’avoir enfin une commande spécialement écrite pour nous. On peut reconnaître des éléments de ses précédents quatuors, des phrases et une orchestration qui nous rappellent Gondola ou Folkestone, mais cette pièce s’inscrit de manière unique dans l’évolution de l’écriture des quatuors à cordes de Linda. L’œuvre est composée de nombreuses sections homogènes qui passent de l’une à l’autre, et l’on y retrouve les contrastes caractéristiques de Linda entre la lumière et l’obscurité, en termes de contenu harmonique, orchestral et émotionnel. Comme dans beaucoup de ses autres pièces, il faut que l’ensemble ait un sens aigu de la pulsation, sans pour autant perdre la nature organique de l’apesanteur et de la fluidité pour l’auditeur.

PAN M 360: Pourquoi ce programme est-il présenté au Music Multimedia Room (MMR), réputé pour ses vertus acousmatiques et multimédias?

Isabelle Bozzini: On associe beaucoup le MMR à l’électro avec les événements live@CIRMMT entre autres, mais il ne faut pas oublier qu’à l’origine c’est un studio d’enregistrement aux qualités acoustiques extraordinaires. C’est la première fois que nous y jouerons en concert et j’ai bien hâte! Bien sûr, le choix des salles de concerts dépend aussi des disponibilités au calendrier et de l’agenda des artistes.

Programme

Linda Catlin Smith: Reverie (2025) – 20’ (création)
Martin Arnold: 3-Way Cotillion (2021) – 20’ (création)
Michael Oesterle: String Quartet No. 4 (2019) – 26’ (création montréalaise)

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Rencontre avec les compositeurs | Modératrice: Alissa Cheung

Artistes

Quatuor BozziniIsabelle Bozzini (Violoncelle)Stéphanie Bozzini (Alto)Alissa Cheung (Violon)Clemens Merkel (Violon)

Audréanne Filion (violoncelle)

Elisa Trudel (alto)

crédit photo: Kristian Trana

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Le flûtiste Cyrille Angers et le pianiste Bruce Gaulin font équipe pour le prochain concert des Mélodînes, série consacrée aux interprètes émergents. À la veille de leur concert présenté ce mercredi 12 mars à 12 h 10 à la salle Claude-Léveillée de la Place des Arts, les deux collègues se prêtent à cette interview en trois parties : solo, solo, duo !

Questions à Cyrille Angers

Natif de Québec et admis au Conservatoire de musique de Québec en 2018, devient médaillé d’or au Concours de musique de la Capitale et boursier de la Fondation du Conservatoire de musique en 2019. Il reçoit la bourse d’excellence Alain Marion, de l’Académie internationale de musique du Domaine Forget, en 2021. Il se distingue également en remportant plusieurs prix lors de concours musicaux nationaux, dont les premières places au Concours de musique du Canada (2022) et au Concours de musique OMNI (2021/ 2023). Ces honneurs lui permettent de jouer comme soliste avec l’Orchestre Métropolitain, lors du « Tutti 2023 ».

PAN M 360 : Quels sont les répertoires qui vous sont les plus chers en ce moment?
Cyrille Angers: En ce moment, ce sont les répertoires de compositeurs qui incorporent des éléments nationaux ou folkloriques dans leur musique qui me sont les plus chers. Que ce soit par les thèmes abordés ou les images évoquées, cette approche me fait découvrir des sonorités nouvelles, souvent audacieuses et authentiques. Je pourrais citer dans cette catégorie des grands noms comme Respighi, Moussorgski, Vaughan Williams ou Sibelius, mais également des plus « petits » noms comme Vladigerov, de Freitas Branco, Paliachvili ou Stenhammar, pour ne citer que ceux-ci. Étant un grand amoureux du voyage, cette approche musicale me permet de voyager à distance et de continuer à me confronter à des approches musicales inusitées.

PAN M 360 : Quels répertoires vous intéressent-ils en priorité?
Cyrille Angers: Je dirais que ce sont les répertoires qui s’éloignent des sentiers battus. J’apprécie particulièrement la nouveauté et la liberté créatrice, et qu’explorer des répertoires plus méconnus répond à ces deux aspirations. Ces œuvres ont rarement une tradition d’interprétation aussi ancrée que celles de compositeurs comme Chopin, Schubert ou Bach, ce qui me permet d’apporter ma propre vision et de laisser cours à ma créativité, ce qui m’interpelle davantage.

PAN M 360 : Vous considérez-vous d’abord comme flûte solo ou encore plus généraliste, côté musiques orchestrales?
Cyrille Angers: Je me considère avant tout comme flûte solo. Bien que j’apprécie énormément le jeu en orchestre ou en musique de chambre, c’est dans le côté solo que je me sens le plus à l’aise.

Questions à Bruce Gaulin

Récipiendaire de Premiers Prix dans plusieurs concours tels aux Festivals du Royaume, de Clermont-Pépin et de Saint-Pierre de Saurel, au Concours de Musique de la Capitale ainsi qu’au Concours de musique du Canada, où il est finaliste au Tremplin. Soliste et chambriste, il s’est produit notamment à la Chapelle historique du Bon-Pasteur, à Orford Musique, au Festival de Musique de Chambre de Sainte-Pétronille, aux Préludes de l’Orchestre Symphonique de Québec, à l’Opéra de Québec, à l’Orchestre symphonique de la Côte-Nord. De plus, il est cofondateur et gestionnaire de l’Ensemble Renouveau.

PAN M 360 : En tant que chambriste, avez-vous des préférences pour une configuration ?
Bruce Gaulin : J’aime beaucoup les petites formations, duos ou trios, qui donnent plus de latitude et de liberté aux interprètes entre certains moment “solistes” et certains moments “chambristes.”

PAN M 360: Quel est votre répertoire de prédilection ?
Bruce Gaulin: Il n’y a pas vraiment de constante outre le fait qu’une œuvre doit être foncièrement authentique pour me parler. Quel que soit le style, l’époque ou le genre, la nationalité même, il doit y avoir ce sens de la vérité du propos transmis, sans artifices ou détours.

PAN M 360: Avez-vous des préférences sur le solo vs le travail d’ensemble ?
Bruce Gaulin: J’aime les deux! Quand on joue en solo, on a que nous à gérer (ce qui n’est pas une mince tâche parfois!), mais à deux ou plus, on doit être sensible à l’autre et penser pour lui ou pour elle en plus de s’occuper de nous. Ça peut nous apprendre beaucoup sur certains autres aspects de la vie.

Questions à Bruce Gaulin et Cyrille Angers

PAN M 360 : Faites-nous la genèse de votre collaboration
Bruce Gaulin: J’ai accompagné Cyrille pour la première fois lorsque je jouais pour la classe de flûte au Conservatoire de Québec à l’automne 2021. J’ai eu l’occasion de renouveler l’expérience maintes fois par la suite, pour des concours et des enregistrements.

PAN M 360: Quelle est l’importance de ce duo dans vos carrières respectives ?
Bruce Gaulin: Jouer avec Cyrille est toujours un plaisir et une expérience des plus enrichissantes. C’est un concert qui me tient à cœur et qui sera des plus stimulants et surprenants.

PAN M 360 : Avez-vous circonscrit un répertoire à explorer ?
Bruce Gaulin: Nous explorerons une foule de compositeurs qui furent des prodiges à part entière dans chacune de leurs vies. La majorité des œuvres présentées ici sont des transcriptions de pièces écrites pour d’autres instruments et dont Cyrille est l’arrangeur.

PAN M 360 : Parlez-nous SVP des œuvres choisies et leurs compositeurs.trices pour ce programme :
Cyrille Angers: Les compositeurs que nous avons sélectionnés pour ce programme sont tous des prodiges de la musique. Fidèles à nos habitudes, Bruce et moi avons cherché à mettre en lumière des œuvres moins connues, écrite par des compositeurs dont la notoriété est moindre que celle de Mozart ou Beethoven par exemple.

Certains, comme Frank Martin avec sa Ballade ou Georges Enesco avec son Cantabile et Presto, ont signé des piliers du répertoire de la flûte. La Ballade a été écrite pour le Concours de Genève, tandis que le Cantabile et Presto servait de pièce d’évaluation pour le Concours du Conservatoire de musique de Paris. Cependant, les autres œuvres de ces compositeurs sont peu programmées dans les salles de concert.

D’autres compositeurs de notre programme sont davantage connus du public, mais pour d’autres de leurs œuvres. C’est le cas d’André Mathieu avec son Concerto de Québec ou de Samuel Barber avec son célébrissime Adagio pour cordes.

Lili Boulanger commence à faire sa place dans le répertoire de concert, autant auprès des orchestres professionnels que chez les flûtistes, avec des pièces comme le Nocturne ou D’un matin de printemps.

La Sinfonia Piccola de Heikki Suolahti était admirée pour Jean Sibelius, considéré comme le plus compositeur finlandais de l’histoire. Elle est très rarement représentée, mais témoigne du génie indéniable que possédait Suolahti, décédé à 16 ans d’une leucémie.

Quant à Camille Saint-Saëns, son succès le précède, et son Introduction & Rondo capriccioso, Op.28 fait partie des incontournables du répertoire pour violon. Ce sera de loin l’œuvre la plus célèbre que Bruce et moi interpréterons dans ce programme.

PAN M 360 : Parlez-nous des enjeux de leur exécution.
Cyrille Angers: Je dirais que chaque œuvre présente ses propres enjeux. Pour celles de Heikki Suolahti d’André Mathieu, l’enjeu principal a été de les adapter pour flûte et piano. Une fois transcrite, l’œuvre de Suolahti se place facilement avec piano. Quant aux deux œuvres de Mathieu, elles sont beaucoup moins intuitives sur le plan musical. L’écoute mutuelle entre Bruce et moi est alors primordiale pour s’assurer d’une bonne cohésion. L’œuvre de Boulanger poursuit dans cette lignée. Quoi que beaucoup plus intuitive que la Sonate de Mathieu, par exemple, elle requiert de plus un haut niveau de raffinement. Du côté des œuvres d’Enesco et de Martin, j’affirmerais que l’enjeu principal est l’authenticité. Ces œuvres sont très fréquemment performées chez les flûtistes. Ainsi, les aborder avec une approche nouvelle et différente en fait le principal enjeu. Chez Barber, l’enjeu réside dans les couleurs musicales, le lyrisme et la respiration, des enjeux fréquents dans les pièces à caractères plus lent. Quant à l’œuvre de Saint-Saëns, c’est sans aucun doute la difficulté technique, puisqu’elle se veut une pièce de virtuosité.

PROGRAMME

André Mathieu, Ballade-Fantasie pour violon et piano (arr. pour flûte et piano)
Sonate pour violon et piano (arr. pour flûte et piano)
Lili Boulanger, D’un matin de printemps pour flûte et piano, ILB 5
Samuel Barber, Canzone pour flûte et piano, IGE 2
George Enescu, Cantabile et Presto pour flûte et piano, IGE 2
Frank Martin, 2e Ballade pour flûte et piano
Heikki Theodor Suolahti, Sinfonia Piccola pour orchestre, IHS 1 (arr. pour flûte et piano)
Camille Saint-Saëns, Introduction et Rondo Capriccioso op. 28, pour violon et orchestre (arr. pour flûte et piano)

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Fort probablement, Manu Katché est le batteur le mieux connu de France. Ses accompagnements de stars nationales et internationales, de Michel Jonasz à Sting et Peter Gabriel, sans compter les dizaines et les dizaines de collaborations prestigieuses, en font un invité de marque à Montréal, cette fois en tant que leader d’ensemble et compositeur. Vu son escale imminente en toute intimité au Studio TD, soit ce mercredi 12 mars, prélude à une douzaine de concerts au Québec jusqu’à la fin du mois, PAN M 360 vous propose cet entretien d’Alain Brunet avec le batteur étoile.

PAN M 360 : Le dernier enregistrement de votre part, The Scope, remonte à 2019. C’est bien ça, n’est-ce pas ?

Manu Katché : Tout à fait

PAN M 360 : Si vous repartez en tournée, cela annonce-t-il un enregistrement à venir? Si oui, quel est le projet?

Manu Katché: Exactement, j’ai composé une dizaine de nouveaux morceaux , mais qui ne sont pas enregistrés pour l’instant. Cette tournée Québécoise, outre le fait de venir jouer dans ce pays pour lequel j’ai bcp de souvenirs et que j’apprécie beaucoup, cela va me permettre de tester et de faire évoluer ces nouveaux titres avec mon groupe en Live. Une fois en studio je pense que cela aura apporté un réel plus pour les enregistrer

PAN M 360 : Avec qui tournez-vous dans le cycle actuel?

Manu Katché: Le même bassiste qui est déjà présent sur mon dernier album ainsi que sur scène, Jérôme Regard, tout comme le guitariste Patrick Manouguian, j’ai une nouvelle personne qui vient de nous rejoindre et qui tient la place de claviers et de trompettiste. Sebastian Studnitzky

PAN M 360 : Pourriez-vous SVP décrire sommairement vos collègues de tournée, leur parcours, leurs qualités d’interprètes et d’improvisateurs ?

Manu Katché: Pour le bassiste Jérôme Regard, il est aussi contrebassiste et prof de contrebasse. Ce qui me permet par rapport aux morceaux à jouer de pouvoir choisir un son précis délivré soit par sa basse électrique ou bien sa contrebasse. Il est, comme je l’ai mentionné, prof de contrebasse, ce qui en clair veut dire qu’il lit parfaitement la musique et me permet une fois les morceaux écrits de gagner bcp de temps en répétitions, car il lit la musique à vue.Il est issu du milieu jazz, avec donc cette ouverture harmonique liée au jazz et la facilité d’improviser. Le guitariste, Patrick, est issu du monde de la musique ‘mainstream”, tout comme moi, nous avons des codes assez similaires concernant l’accompagnement et proposant une palette sonore assez diverse.

PAN M 360 : Quel répertoire comptez-vous jouer à MTL? Vos compositions? Des reprises jazzifiées? Des standards?

Manu Katché: Uniquement mes propres compositions, des nouvelles comme je vous le disais au début de cette Itv, et peut être, mais cela n’est pas encore acté, deux reprises…

PAN M 360 : En tant que leader d’ensemble, que cherchez-vous à exprimer avec vos collègues ?

Manu Katché: Le fait de jouer ensemble depuis pas mal de temps maintenant nous permet de prendre ensemble du plaisir et de pouvoir avec ce plaisir commun le faire passer au public présent. Ce qui compte à mon sens est l’interactivité avec le public, certainement la raison pour laquelle les musiciens ont besoin de se produire ‘Live”, source de ressenti énorme et unique.

PAN M 360: Les pièces récentes de votre répertoire puisent dans le groove, le jazz, la pop, les musiques afro-descendantes de Caraïbe ou d’Afrique, la musique traditionnelle d’Afrique de l’Ouest,ou même l’électro. Quelle serait votre propre description?

Manu Katché: Difficile de répondre à cette question, Proposant un répertoire instrumental pour l’ensemble de mon set, je dirais pop/jazzy-electro…

PAN M 360 : Vous avez été longtemps un accompagnateur 5 étoiles chez les plus réputés de la pop de création. Comment s’était fait la transition vers votre carrière solo, votre propre expression?

Manu Katché: J’ai été et reste sideman. J’apprécie beaucoup de pouvoir jouer et collaborer avec des artistes de styles différents. Il est vrai que depuis plus d’une dizaine d’années j’ai décidé, en parallèle, de monter un groupe et de faire de la scène avec. Le plaisir tout simplement de pouvoir jouer et interpréter ma propre musique, je pense que toutes ces collaborations dont j’ai fait partie, m’ont certainement donné l’envie d’être leader également. Je crois que ce n’est pas une transition dans ma carrière mais simplement une continuité. Mon style de jeu de batterie , issu en partie de mes études classiques au conservatoire, fait partie de cette envie d’exprimer des choses musicales et mélodiques tout en étant batteur.

PAN M 360 : Quelles sont les musiques ayant modifié un tant soit peu votre trajectoire de musicien au cours de la dernière décennie?

Manu Katché: Je suis quelqu’un qui écoute beaucoup de choses différentes. A part peut être le Metal, le reste me procure bcp de plaisir dès l’instant où la musique me touche. Cela peut aller du hip-hop au jazz tout en passant par la musique mainstream. J’évolue comme tout être humain, la musique que j’écoute me nourrit et me permet d’avancer culturellement. Les tendances sont présentes régulièrement et je trouve que cette nouvelle génération de musiciens proposent de très belles choses musicales à travers leurs projets.

PAN M 360 : Depuis la sortie de The Scope il y a six ans ce mois-ci, que s’est-il passé musicalement de votre côté?

Manu Katché: Rappelons nous malheureusement que nous avons dû subir deux années difficiles , vides à cause du covid. Dès que nous avons eu le “droit » de pouvoir circuler librement à nouveau, je suis parti en tournée mondiale avec Peter Gabriel, après avoir participé à l’album i/o. Juste avant cela, j’ai collaboré à l’album de Sting: The Bridge.

Aussi, jj’ai enregistré plusieurs albums de Jazz avec des artistes divers, Américains, Français , Belges… J’ai coréalisé trois albums pour Michel Jonasz – La Méouge, le Rhône, La Durance– Chanter le Blues et le tout dernier Soul en participant à chacune des tournées de ces albums et, plus récemment, le tout début de cette nouvelle tournée pour l’album Soul. J’ai composé un tout nouvel album personnel que j’enregistrerai bientôt. J’ai écrit et sorti mon deuxième livre #Beat aux éditions Grasset.

PAN M 360 : Vous êtes aussi communicateur, vous avez fait beaucoup de télé, parfois sur des sujets culturels mais aussi des enjeux de société sur le racisme et l’immigration (La Face Katché). Comment pouvez-vous résumer cette trajectoire de communicateur?

Manu Katché: La face katché est un programme qui se trouve sur le Web “Yahoo.fr”, j’en suis très fier, car j’ai interviewé et continue à le faire, un bon nombre de personnalités issus de la diversité. Il me paraît important d’en parler et avant tout sans agressivité, ce qui, à mon sens, est une possibilité positive pour la compréhension sur la différence. comprendre d’où viennent certaines personnes, quelle a été leur enfance, comment ils ont dû se positionner simplement pour arriver à vivre normalement, sans aigreur ni animosité et jalousie…. Nous avons, je pense, tous eu des enfances complexes ou difficiles pour certains, parfois dues à des familles violentes, incultes ou absentes. Le fait en plus d’avoir de manière visible ou pas un profil différent ne permet pas à certaines personnes de comprendre ou bien alors de juger…. J’essaye avec ce programme de mettre en lumière ces difficultés et différences pour que la compréhension et l’acceptation soient plus présentes.

PAN M 360 :Comment voyez-vous votre rôle récent en tant qu’animateur?

Manu Katché: Je ne vois rien de précis, je ne calcule rien, je fais simplement les choses qui me tiennent à coeur avec coeur!

PAN M 360 : Voyez-vous un lien entre votre carrière médiatique et votre carrière de musicien?

Manu Katché: Il me semble que nous agissons avec notre personnalité. Il ne m’est pas possible de me dissocier pour un projet ou pour un autre, je serais en dysharmonie et de fait pas moi même. Je suis en phase avec mes intuitions, mon instinct et mes connaissances pour délivrer quelque chose de sincère et d’honnête. Il y a des musiciens qui ne prennent pas la parole, d’autres qui le feront, certains qui vont militer pour une cause, d’autres pas, peu importe. Savoir se situer, être à sa place avec respect pour l’autre sans jugement.

MANU KATCHÉ DONNE 12 CONCERTS AU QUÉBEC, SOIT DU 12 AU 30 MARS. IL SERA À MONTRÉAL, TROIS-RIVIÈRES, LAVAL, TERREBONNE, SHERBROOKE, JOLIETTE, SAINT-HYACINTHE, REPENTIGNY, GATINEAU, DRUMMONDVILLE, QUÉBEC, SAGUENAY, RIMOUSKI

BILLETS ET INFOS POUR LE STUDIO TD MERCREDI 12 MARS

BILLETS POUR SALLE ANDRÉ-MATHIEU, SAMEDI 15 MARS

BILLETS POUR SALLE JEAN-GRIMALDI DU THÉÂTRE DESJARDINS, DIMANCHE 23 MARS

BILLETS ET INFOS POUR LE PALAIS MONTCALM, VENDREDI 28 MARS

Dans la foulée du concert présenté dimanche au Music Multimedia Room (MMR) de l’Université McGill, qui a plongé l’auditoire dans un écosystème sonore immersif de 3 heures avec des œuvres d’Annette Vande Gorne, Julien Guillamat, David Piazza, Ana Dall’Ara-Majek, Francis Dhomont et Robert Normandeau, PAN M 360 a posé ces quelques questions à Annette Vande Gorne, figure emblématique de la musique acousmatique. Un échange autour de son parcours, des liens artistiques qui unissent le Québec et la Belgique et de l’évolution de l’acousmatique.

PAN M 360 : Vous avez reçu l’enseignement de Guy Reibel et Pierre Schaeffer au Conservatoire national supérieur à Paris entre 1977 et 1980. Qu’est-ce qui vous avait attiré dans le médium de la musique concrète et acousmatique?

Annette Vande Gorne : La découverte par hasard de musique concrète et acousmatique (Le voyage de Pierre Henry et Les espaces inhabitables de François Bayle) a provoqué un bouleversement complet de ma perception musicale : sensation de flottement corporel, formes abstraites en mouvement spatial, des blanches sur fond noir, dans mon imaginaire mental. La communication immédiate au-delà de toute connaissance spécialisée et barrière culturelle (par le biais des archétypes, des images iconiques et de leurs traces) qui conduit librement nos imaginaires personnels, m’a immédiatement fait dévier un chemin lisse et prévisible de musicienne classique et compositrice de musique instrumentale vers des sentiers plus rocailleux, mais novateurs, de la musique acousmatique : rien à voir, tout à imaginer.

PAN M 360 : Les liens entre la Belgique et le Québec dans le développement de la musique acousmatique sont importants et marqués par des rencontres importantes. Comment ces liens sont-ils nés et quels ont été leurs impacts?

AVDG : Les mailles de ces liens ont été tissées grâce à Francis Dhomont, alors professeur à l’Université de Montréal et invité lors du premier festival « L’Espace du Son » en 1984 à Bruxelles. Il avait instauré un atelier électroacoustique d’été à Arles auquel certains de ses étudiants participaient, et m’avait suggéré que l’un d’entre eux fasse une résidence dans le studio analogique Musiques & Recherches. J’ai choisi Robert Normandeau en 1987. Depuis lors, les liens se sont resserrés, notamment entre le Conservatoire royal de Mons où j’ai créé une section électroacoustique – maîtrise en composition acousmatique – et l’Université de Montréal dont cinq étudiants sont actuellement en résidence à Mons. Mais aussi des liens éditoriaux entre le label Empreintes DIGITales de Jean-François Denis et 6 compositeurs résidant en Belgique. Enfin, et surtout, des liens d’échange et d’amitié se perpétuent grâce un constant va-et-vient de résidences, concerts, commandes et conférences entre Musiques & Recherches, quelques compositeurs belges et moi-même et des associations ou séries de concerts comme Réseaux, Akousma, Le Viver aujourd’hui, outre de nombreux compositeurs du Québec.

PAN M 360 : La voix, premier vecteur émotionnel et musical et support ancestral de toute communication, est à la base de votre cycle Vox Alia qui sera présenté en intégralité. Comment avez-vous décliné cet élément dans le traitement sonore de l’œuvre?

AVDG : Toutes les strates – du son au sens, du cri au langage, du parlé au musical – sont explorées dans l’usage de la voix. La voix comme entité purement sonore convient particulièrement aux traitements électroacoustiques en studio, tout comme à la polyphonie spatiale. Reformer des chœurs virtuels et spatialisés dans tout l’espace du lieu de concert à partir de voix autonomes en est un exemple. La salle du CIRMMT au sous-sol du Pavillon de musique Elizabeth Wirth de l’Université McGill est d’ailleurs une merveille de précision sonore grâce à ses 66 haut-parleurs de très haute qualité. D’autres concerts acousmatiques y seraient tout à fait adaptés.

PAN M 360 : Comment qualifieriez-vous votre démarche de création? Quels sont les éléments qui vous inspirent en tant que compositrice, mais aussi en tant que chercheuse? La recherche est-elle toujours présente quelque part dans vos compositions?

AVDG : La recherche est indispensable. Je ne peux imaginer la création novatrice sans un humus théorique qui la soutienne et la justifie. Merci en soi rendu à François Bayle, dont la recherche constante, elle-même basée sur ses lectures pertinentes, permet au genre particulier « acousmatique » d’exister sur des bases raisonnées. Je prolonge cela en intégrant ces réflexions dans un contexte musicalement plus large, sorte de pont vers la pratique appliquée au sensible. Et cela fonctionne! Actuellement, je rédige un traité de composition acousmatique.

PAN M 360 : La performance du 9 mars raconte un peu une histoire générationnelle également. La première partie présentera votre œuvre Vox Alia avec Vol d’arondes de votre ami, le défunt compositeur Francis Dhomont, alors que la deuxième partie présentera des œuvres de compositrices et compositeurs qui ont été marqués par vos enseignements respectifs. Qu’est-ce qui vous marque dans la manière dont les jeunes compositeurs et compositrices abordent la composition aujourd’hui? Quelle évolution notez-vous?

AVDG : La question est vaste et, me semble-t-il, ne peut être généralisée, car les environnements culturels sont différents par exemple entre Montréal, le Québec, et l’Europe, la France, la Belgique, etc. Évidemment, la technologie et ses évolutions (de l’analogique à l’intelligence artificielle) est générale et partagée par tous, mais son usage diffère, et dépend aussi de l’orientation des nouvelles générations d’enseignants. On quitte ici le monde de l’écoute pure vers celui des multimédias et des écrans, alors qu’en Belgique, grâce à la multiplicité des concerts spatialisés sur acousmoniums ou systèmes de haut-parleurs (il en existe 5 en Belgique) et des orchestres contemporains (6 en Flandre et Wallonie-Bruxelles), l’écoute seule est au centre de la pratique musicale.

PAN M 360 : Quels conseils donneriez-vous à des néophytes qui voudraient découvrir ou s’initier à la musique acousmatique?

AVDG : Écouter, les yeux fermés! Intérioriser, concentrer son attention, se laisser conduire par des images mentales, cultiver sa mémoire. S’intéresser au répertoire (le site « électrodoc » de Musiques & Recherches recense plus de 7000 compositeurs et 17500 œuvres : et electrocd.com compte une vaste électrothèque.

Commencer à enregistrer, casque sur la tête, tous sons qui l’attirent et l’intriguent, écouter les enregistrements, choisir et ne pas hésiter à effacer ce qui ne semble pas assez musical.

Vivre heureux, passionnément. S’engager.

Dans le cadre de la Semaine du Neuf et en en collaboration avec le Conservatoire de musique de Montréal et le Vivier InterUniversitaire, deux classes de maître ouverte au public avec Annette Vande Gorne et la compositrice Linda Catlin Smith sont proposées.

Annette Vande Gorne
L’espace au cœur de la recherche en musique acousmatique

Mercredi 12 mars – 13h à 16h
Conservatoire de musique de Montréal (Salle Multimédia)

–

Classe de maître avec la compositrice Linda Catlin Smith

Jeudi 13 mars – 16h à 18h
Conservatoire de musique de Montréal (Salle de récital)

Cette activité est en lien avec le concert Quatuor Bozzini: Effusione d’Amicizia

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Fruit d’une collaboration étroite entre le duo d’interprète Sawtooth et le compositeur Charles Quevillon, Le Baptême du Haut-Parleur est un techno-opéra qui mêle musique, théâtre, marionnettes et électronique afin d’interroger notre rôle de consommateur dans une société capitaliste et notre attachement aux objets technologiques, dont la fabrication exploite notre Terre.

Le public aura l’occasion de découvrir cet opéra audacieux à l’Espace Orange | Édifice Wilder le 13 mars prochain. Dans ce contexte, Judith Hamel a échangé avec la soprano Sarah Albu, membre de Sawtooth, et le compositeur et performeur Charles Quevillon. Une conversation qui a donné lieu à des réflexions très actuelles sur la place de l’artiste dans un monde capitaliste, ainsi que sur leur démarche artistique ancrée dans la collaboration et le soutien mutuel.

PANM360 : Pour commencer, l’élément central de Le Baptême du Haut-Parleur est cet humain-objet, le haut-parleur. Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir cet objet comme personnage central de l’opéra ? Et pourquoi avoir opté pour le modèle Genelec 8020D en particulier ?

Sarah: J’ai approché Charles avec le projet de créer une œuvre pour mon duo Sawtooth avec l’accordéoniste Matti Pulkki. Matti et moi aimons beaucoup le cinéma. Nous avons donc commencé par le thème de la logique des rêves, telle que nous la voyons dans nos rêves et inspirée par son utilisation dans les films. On partage tous les 3 une fascination pour la relation entre l’humain et la technologie. C’est Charles qui nous est revenu avec cette idée de faire un rituel de Baptême pour un objet de notre quotidien, le haut-parleur. Nos discussions au début du projet tournaient beaucoup autour de nos attachements à nos objets technologiques et de comment ces objets sont partie intégrante de nos pratiques artistiques.

Charles: L’idée de départ est née de mon intérêt pour les liens entre les objets technologiques que j’utilise en musique et la spiritualité, le sacré et les rituels. Le haut-parleur est pour moi un objet profane, présent quotidiennement dans mes oreilles, mes écouteurs, mon ordinateur. L’idée était donc d’imaginer ce que pourrait être un haut-parleur sacré et d’explorer les thématiques qui en découlent. Par exemple, l’acte I fait écho aux vidéos d’unboxing sur YouTube, une sorte de baptême technologique dans notre société moderne.
J’ai choisi de baptiser le Genelec 8020D, car Genelec est une marque de haut-parleurs finlandaise très reconnue en Finlande, où je vis. De plus, j’ai opté pour ce modèle en raison de son design en châssis d’aluminium arrondi, de son poids proche de celui d’un nouveau-né, mais surtout parce que ce sont les haut-parleurs que j’avais dans mon studio.

PANM360 : L’opéra a été créé en collaboration entre votre duo d’interprètes Sawtooth et le compositeur Charles Quevillon. Quelle place l’amitié et la collaboration ont-elles eue dans ce processus ? Quels ont été les principaux défis rencontrés au fil de son élaboration?

Charles: On forme une équipe d’enfer, je crois. Une véritable synergie s’est créée au cours des trois workshops où nous avons conçu la pièce ensemble. Ensuite, entre ces sessions, j’ai passé beaucoup de temps à écrire la partition et à travailler sur l’électronique, la vidéo et la mise en scène, tout en maintenant un échange régulier avec Sarah et Matti.

L’acte 3 a été pour moi le plus difficile ; c’était une pièce du puzzle qui a nécessité de nombreux questionnements avant de trouver sa place. Cet acte marque une rupture dans la relation entre la « mère » et son haut-parleur, et je voulais y trouver un équilibre entre une critique du cadre consumériste et l’expression de l’amour et de l’enchantement qu’une technologie comme le haut-parleur peut susciter.

Sarah: J’adore travailler avec Charles et avec Matti et j’étais très contente de nous réunir pour entreprendre ce projet! Le processus à été très collaboratif tout le long et ça continue de l’être; non seulement pendant les périodes de travail mais aussi entre. Je crois qu’on s’est parlés au moins une fois par mois depuis 2022, des fois beaucoup plus. Le défi principal était la distance: on vit dans 3 villes différentes. Donc la pièce a évolué à travers multiples périodes de travail intensives « en présentiel », avec entre-temps des discussions en cours, des petits messages et images envoyés, des messages vocaux et des partages de matière d’inspiration. La pièce est faite avec beaucoup d’amour et beaucoup d’humour aussi et je crois que le public peut le ressentir. Il y a plusieurs éléments clés qui ont commencé dans des moments de niaiserie en répétition qui ont fini par s’intégrer dans l’œuvre finale.

PANM360 : Le Baptême du Haut-Parleur a été créé à Helsinki à l’été 2024, et joué en décembre dernier à Montréal. Pour cette deuxième performance ici, y aura-t-il des éléments différents ?
Charles: Nous avons retiré certains éléments qui alourdissaient la pièce, tant sur le plan dramatique que technique. Nous avons également modifié la fin, qui est maintenant un peu plus percutante que dans la version d’Helsinki. Il y a aussi des différences culturelles, notamment en ce qui concerne la marque de haut-parleurs Genelec. En Finlande, ils sont omniprésents, tandis qu’ici, ils sont moins connus du grand public. Nous avons donc pris le temps de mieux contextualiser la marque.

Sarah: Il y avait aussi une version de 20 minutes que nous avons présentée au festival ONSOUND du Sound Symposium à St. John’s, Terre-Neuve en juillet 2023. La pièce a beaucoup changée et beaucoup évoluée depuis, à chaque fois on change des petites choses. Pour le 13 mars nous travaillons dans un espace très large qui nous donne plus de place pour le mouvement et la mise en scène. Il y aura aussi Charles qui manipule la marionnette géante, qui était immobile en décembre.

PANM360 : Dans une entrevue avec Le Vivier, vous parlez d’une réconciliation avec le monde capitaliste dans lequel nous vivons et travaillons. Cette réconciliation est-elle une forme d’acceptation de la société de consommation ou une manière de la questionner ?

Sarah: En fait, j’ai eu beaucoup de mal à utiliser le mot « réconciliation » dans ce contexte, car j’ai l’impression qu’il s’agit d’une déclaration très audacieuse. Il y a une partie de moi qui regrette d’avoir dit ça, car je ne veux pas donner l’idée que notre projet est une célébration de la société de la consommation. Mais c’est quelque chose que Charles avait dit dans une entrevue précédente et qui m’a vraiment fait réfléchir à ce que nous exprimions. La trame narrative de l’opéra est complexe ; pour moi, il y a un fil conducteur qui critique la surconsommation dans la société contemporaine, mais il y a aussi une histoire d’amour et d’enchantement, une phase d’engouement, puis une prise de conscience progressive du bagage complexe que porte cet objet, après que mon personnage ait développé un attachement à l’objet et lui ait déclaré son amour. Il ne s’agit donc pas d’une condamnation stricte ni d’une reddition au capitalisme, mais d’une réflexion sur l’attachement.

Charles: Quand je pense à certains objets naturels, comme une roche, je pense à leur naissance, à leurs origines ; il y a quelque chose de noble, d’enchanteur, presque magique, qui les relie naturellement à la spiritualité. En revanche, quand je pense à un haut-parleur, il m’est difficile de ne pas voir tout le processus d’industrialisation et de consommation qui l’entoure. Cela rend sans doute plus compliqué d’éprouver un amour inconditionnel pour la technologie. Pour moi, cette pièce est une manière de surmonter cette dissonance cognitive, de réfléchir à ma relation avec le haut-parleur au-delà de son statut d’objet de consommation.

PANM360 : Selon vous, l’artiste peut-il réellement s’en extraire, ou est-il inévitablement pris dans ce système ?

Charles: Je trouve personnellement difficile de faire de la musique en dehors du cadre de la consommation. Je crois qu’il est possible de s’en extraire, mais pour moi, ce n’est pas une nécessité. Mon objectif est plutôt de réfléchir, de poser la question et d’en prendre conscience.

Autrefois, disons avant la Renaissance, l’art était principalement lié aux institutions religieuses. Aujourd’hui, en tant que pratique institutionnalisée dans les musées, les concerts et les festivals, il est profondément ancré dans le capitalisme. C’est une tension que je ressens chaque jour lorsque je me lance dans un projet. Étant donné que c’est mon métier, une de mes principales motivation pour faire de la musique, en toute honnêteté, est de gagner ma vie. Je réussis la plupart du temps à mettre ces considérations de côté, mais elles reviennent toujours et façonnent mon travail. Il existe bien de meilleurs moyens de satisfaire ce besoin, et je serais profondément malheureux si c’était la seule chose qui comptait ! Mes plus grandes satisfactions n’ont rien à voir avec l’argent : elles viennent des collaborations avec les musiciens, des émotions partagées avec le public et des défis artistiques et logistiques liés à la création d’œuvres d’envergure, comme cet opéra.

La relation entre la consommation et ma pratique musicale va bien au-delà du haut-parleur et des objets qui m’entourent ; c’est d’ailleurs l’un des axes que j’explore dans ma thèse de doctorat en cours d’écriture.

Sarah: En tant qu’artiste vivant dans une ville, je trouve ça difficile d’imaginer comment je pourrais m’extraire complètement et continuer de créer. Est-ce qu’une personne seule peut s’en extraire ? Il y a beaucoup d’art excellent qui existe en dehors des structures capitalistes et plein de belles initiatives et groupes qui travaillent de manière anticapitaliste. Comme Charles, pour moi le but c’est de réfléchir, de rester critique dans mon travail et de faire l’effort d’être gentil avec les autres humains et les proches non-humains dans ma vie quotidienne. Et aussi de pouvoir continuer de faire des projets qui m’inspirent avec des collaborateur.ice.s qui résonnent avec moi, de pouvoir partager des moments de suspension en dehors de la vie quotidienne avec un public. J’ai l’impression qu’il existe un mythe selon lequel les artistes doivent exister séparément du reste de la société et vivre en quelque sorte d’air, de raisins secs et de morale. Notre travail fait partie de la société, même si nous le critiquons, et nous pouvons choisir de travailler pour des choses auxquelles nous croyons, mais pour continuer à créer de l’art, nous avons besoin de certains soutiens. Nous avons aussi tous besoin de communauté, de soutien mutuel.

PANM360 : En plus d’être chanteuse expérimentale, vous travaillez également sur des projets de musique folklorique et de tricot ! Comment vos différentes pratiques artistiques s’allient-elles ? Est-ce que ces projets sont séparés, ou y trouvez-vous des intersections, que ce soit dans l’esprit, la musicalité, ou l’approche de la technologie et de la tradition ?
Sarah: Parfois, les projets sont séparés sur le plan matériel, mais il y a toujours une sorte d’inspiration qui passe d’une forme à l’autre. Parfois, j’aborde le tricot ou le filage comme une performance ou une méditation plutôt qu’une action nécessaire à la fabrication d’un vêtement. Les arts textiles me relient au passé et à mes ancêtres et m’aident à honorer le travail des femmes d’autrefois et de toutes les personnes qui n’étaient pas ou ne sont toujours pas considérées comme des artistes parce que leur travail manuel n’est pas valorisé de la même manière que le « grand art ». J’aime l’intersection de l’artisanat et du « DIY » et le mélange des formes.
Mon intérêt pour la musique traditionnelle est né d’un besoin similaire : de me relier au passé et à une expérience communautaire de faire de la musique. J’ai commencé à me familiariser avec les différents styles de chant folklorique de la région d’où est originaire la famille de mon père (ex-Yougoslavie) et j’ai été tellement émue et inspirée que je n’ai pas pu empêcher ces textures vocales de s’infiltrer dans certains de mes autres projets. Ces textures me semblaient si familières, même si je n’ai pas grandi dans ces traditions. De plus, il existe des liens historiques très forts entre le travail textile et le chant communautaire et traditionnel. Dans mon parcours, j’ai réalisé des projets où le son, la performance et les arts textiles étaient mélangés et d’autres où ils étaient séparés. Parfois, j’aime simplement m’asseoir et tricoter une chaussette ou chanter une chanson que je connais sans avoir besoin d’innover de manière évidente. Dans l’ensemble, je trouve qu’il est très enrichissant de se connecter à des pratiques anciennes lorsque je fais un travail nouveau ou d’avant-garde. Cela m’aide à me rappeler que rien n’est vraiment nouveau et que ce n’est pas grave, c’est l’énergie, l’esprit, l’intention, la connexion qui comptent avant tout.

PANM360 : Après cette performance, qu’est-ce qui s’en vient pour vous? Où peut-on suivre votre travail?

Charles: Je termine mon doctorat sur la Représentation Sacrée des Technologies Musicales dans le Théâtre Musical Instrumental. Mon site web : charlesquevillon.com et mon Instagram : @charles_quevillon.

Sarah: Je travaille petit à petit un projet d’album solo et je vais pouvoir y donner plus de focus maintenant ! J’ai hâte ! Côté performance c’est un peu plus relaxe pour un bout, je me prépare pour des concerts avec le quatuor Balkanique Sava (dir. Dina Cindrić) en mai et un nouveau projet avec Sam Shalabi et un ensemble de feu pour le festival Suoni per il Popolo en juin. En juillet et août j’ai le grand privilège de chanter des reprises de la pièce Il Teatro Rosso de Steven Takasugi, créée en février avec No Hay Banda, dans des festivals en Allemagne et à New York. Entretemps, des enregistrements avec les ensembles No Hay Banda, AC/CC et Phth. http://www.sarahalbu.com instagram: @sopranoise

crédit photo: Maija Tammy

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Le 13 mars, le Big Band de l’Université de Montréal présentera un concert dédié à la voix féminine en collaboration avec le programme de chant jazz. Au programme : onze arrangements de pièces très diversifiées, allant de Billie Holiday à Tom Jobim, en passant par…John Coltrane !

Notre collaborateur Michel Labrecque a discuté de ce concert, qui sera présenté à la Salle Claude Champagne, en compagnie d’une des six interprètes vocales, Juliette Oudni, étudiante de première année en chant jazz et du Brésilien João Lenhari, directeur musical du Big Band de l’Université de Montréal depuis 2023.

PANM360 : Comment est arrivée cette idée de créer un concert de Big Band qui met en valeur la voix féminine ?
Juliette: C’est le résultat d’une collaboration entre le programme de chant interprétation jazz et le Big Band. Les six interprètes choisies, Marie-Ève Lambert, Marie-Ève Caron, Margaux Devez, Maude Brodeur, Gabrielle Nessel et moi-même, avons eu carte blanche pour le choix des morceaux. Et c’est João Lenhari qui a fait tous les arrangements originaux. Pour ma part, la pièce que j’ai choisie pour interpréter en solo est la chanson brésilienne Madalena. J’interprèterai une autre en duo et il y a aura une pièce a cappella à six voix.

João : D’abord, j’adore le Big Band et ses énormes possibilités. Cette année, nous avons décidé de privilégier la voix féminine et, pourquoi pas, faire ce concert en mars, le mois dédié aux droits des femmes ? Par la suite, j’ai écouté de multiples versions des chansons choisies par les filles en passant ça par le filtre du Big Band. Chacune des six interprètes a un timbre de voix différent, donc il faut en tenir compte, il faut des arrangements sur mesure. Ce sera aussi un concert féminin dans la mesure où cinq des vingt musiciens sont des filles. Imaginez, la moitié de notre section trompette est féminine, c’est vraiment cool.

PANM360 : Le choix des pièces est vraiment très large, on passe de Cole Porter à Tom Jobim, on se retrouve dans des époques différentes. Comment s’est effectué votre choix de morceaux à interpréter ?

Juliette: Il faut dire qu’on est de très bonnes amies, nous chantons souvent ensemble et donc on a pu en discuter aisément. On nous a proposé différents formats de concerts et on a privilégié celui qui permettait des duos davantage qu’uniquement des solos, en plus d’une interprétation à six voix. C’est davantage un défi pour la collaboration, le mélange des voix. Et vous verrez le résultat le jeudi 13 mars.

PANM360 : Ce qui m’intrigue le plus dans votre choix de musique, c’est la décision d’opter pour faire une pièce a capella avec un morceau de John Coltrane qui est purement instrumental.

Juliette : Notre choix s’est arrêté sur la balade Central Park West de John Coltrane, qui est effectivement une chanson sans paroles. C’est donc ma collègue Gabrielle Nesset qui a composé les paroles et nous avons envoyé ça à João.

João : J’ai cherché longtemps et j’ai fini par trouver une version chantée par une voix masculine en solo. Donc, faire un arrangement pour six voix était un vrai défi. Trouver des couleurs, des harmonies, sans instrumentation. Mais au total, je suis vraiment content et les filles ont travaillé fort.

PANM360 :Au total, on entendra dix morceaux chantés en plus d’une pièce instrumentale pour le Big Band. En plus de ce qu’on a déjà évoqué, à quoi s’attendre ?

João: Pour moi, la grande nouveauté, ce sont les arrangements inédits de toutes ces pièces pour un format Big Band. Du jamais entendu.

Juliette : Aussi, la diversité du répertoire : du gospel, du jazz, de la samba et j’en passe. Avec des timbres de voix tellement différents, du plutôt grave au très aigu. J’ai très hâte d’être sur scène et vraiment un grand merci à João pour ces formidables arrangements.

PANM360 : Je rappelle que le concert se déroulera le 13 mars à la Salle Claude Champagne de la faculté de Musique de l’Université de Montréal. En terminant, racontez-nous ce que vous faites, musicalement, en dehors de l’Université de Montréal.

Juliette: En plus des études, je suis membre d’un sextette qui s’appelle Junon et qui mélange chanson francophone, soul et jazz.

João: Je suis trompettiste, j’ai un quartette, mon propre big band et je joue au sein de nombreux groupes montréalais, notamment le Julian Gutierrez project, le groupe de mon compatriote Manoel Viera ainsi qu’une multitude d’autres.
PANM360 : Merci à vous deux, obrigado !

Programme attendu à la Semaine du Neuf, la formation montréalaise Paramirabo est aussi une rencontre internationale avec Musikfabrik, parmi les ensembles phares des musiques de création en Allemagne. Le programme commun met de l’avant le travail des compositeur-ices Gordon Williamson, Chris Paul Harman, Paul Frehner, Juliet Palmer, Dylan Lardelli, sans compter des œuvres de feue Pauline Oliveros et Rodney Sharman. Dans ce contexte, les membres de Musikfabrik ont cette fois été constitués en trio: hautbois/cor anglais, cor, contrebasse. Cette rencontre promet “ une palette sonore sombre et riche…une expérience avant-gardiste, fidèle à la mission des deux ensembles d’explorer les nouveaux langages de la musique contemporaine.” Sous la direction du flûtiste Jeffrey Stonehouse, Paramirabo est ici représenté par la pianiste Pamela Reimer, interviewée par Frédéric Cardin pour PAN M 360.

PAN M 360 : Musikfabrik est un ensemble légendaire en musique d’aujourd’hui. Comment anticipez-vous cette rencontre avec trois de ses membres?

Pamela Reimer: Nous anticipons une collaboration joyeuse ! Partage, apprentissage, expérimentation, ré-création.

PAN M 360: Comment avez-vous construit le programme? Pourquoi avoir choisi les compositeurs et compositrices présents ?

Pamela Reimer: C’est le compositeur Canadien Gordon Williamson, maintenant basé à Hanovre, qui a proposé cette collaboration entre Musikfabrik et Paramirabo. Essentiellement, c’est deux concerts pour le prix d’un ! Trois membres de l’ensemble Musikfabrik sont en tournée au Canada avec les œuvres de Dylan Lardelli, un compositeur néo-zélandais/maori, de la compositrice canadienne Juliet Palmer et de Gordon Williamson. Paramirabo va rejoindre aussi le trio pour l’œuvre de Pauline Oliveros, conçue pour une instrumentation ouverte, et le duo pour cor anglais et piano du Vancouvérois Rodney Sharman. Paramirabo va bientôt partir en Europe, et nous avons choisi quelques pièces de notre répertoire de tournée.

Peter Veale, cor anglais, Musikfabrik

PAN M 360 : Les styles représentés sont assez différents. Y a-t-il un fil conducteur qui traverse la programmation?

Pamela Reimer: Pas vraiment ! C’est un festin de musique de partout, pour tous les goûts.

PAN M 360: Il y aura 5 créations sur les 8 pièces interprétées le 11 mars. Quelques détails intéressants à propos de chacune d’elles avant de plonger dans leur écoute lors du concert?

Pamela Reimer:

JULIET PALMER: L’œuvre blur of lichens est dédiée à son grand-père, qui était amateur de lichen et presque aveugle. L’œuvre interroge les limites floues.

DYLAN LARDELLI : The Giving Sea est une évocation spirituelle de l’océan, toujours en évolution, toujours en transformation avec ses éléments de profondeur, densité, mouvement et séparation

GORDON WILLIAMSON : Odd Throuple – une référence au :

1. dicton anglais Odd Couple, mais au lieu de deux il y en a trois !

2. Le trio d’instruments rarement entendus ensembles : hautbois, contrebasse et cor

PAUL FREHNER: Un pont sanguin – une méditation sur le ‘pont’ entre nous – les êtres-humains sur la terre – et le monde ‘après l’horizon’. La pianiste joue du synthétiseur, et la percussionniste, les cencerros (les sonnailles) – à la recherche des sons qui évoquent les pluies de météores

CHRIS PAUL HARMAN: Francisez-moi – un hommage aux compositeurs anciens français, et aux grands écrivains et poètes français, avec quelques surprises !

Paramirabo reconnaît la générosité de Paul Frehner et de Chris Paul Harman pour leurs cadeaux musicaux !

PAN M 360 : Que dire à propos de la pièce de Pauline Oliveros, l’une des grandes figures de l’avant-garde de la 2e moitié du 20e siècle?

Pamela Reimer: Les musiciens de Musikfabrik ont proposé cette pièce, une œuvre sans notation traditionnelle, et plutôt des instructions, typique de Oliveros et sa célèbre philosophie deep listening. Chaque interprète choisit une seule hauteur, et devrait l’aborder d’autant de façons possibles. Approche et départ, toujours différent. Court ou long, fort ou doux, dramatique ou méditatif, question ou réponse. Chaque itération est unique.

BILLETS & PLUS D’INFOS

Programme

Pauline Oliveros: Approaches and Departures, Appearances and Disappearances for solo, duo or ensemble (1994)
Juliet Palmer: blur of lichens* (2025) – 10′
Dylan Lardelli: The Giving Sea* (2025) – 10′
Gordon Williamson: Odd Throuple* (2025) – 10′

*Entracte*

Rodney Sharman: Remembering John Cage (2019) – 4′
Paul Frehner: Un pont sanguin* (2025) – 10′
Chris Paul Harman: Francisez-moi* (2025) 20′
Frédéric Lebel: Si le Temps, l’Espace (2022)

*Création

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Dédiée à l’exploration du chant lyrique et de l’opéra dans le contexte actuel, la compagnie Chants libres pilote notamment un Laboratoire lyrik, les artistes y explorent ici les concepts de présence et d’absence. Présenté à La Chapelle Scènes Contemporaines ce mercredi 12 mars, dans le contexte de la Semaine du Neuf, ce projet de recherche-création réunit le scénographe Cédric Delorme-Bouchard, la comédienne Jennyfer Desbiens, la violoncelliste Audréanne Filion, la mezzo-soprano Marie-Annick Béliveau et le compositeur Frédéric Le Bel, dans un triptyque pour voix, violoncelle et électronique. La dramaturgie de cette œuvre puise ici dans la voix, le son, le mouvement des corps et la lumière. Des métamorphoses s’opèrent, l’immersion est imminente. Avant quoi la mezzo-soprano Marie-Annick Béliveau, de surcroît la directrice artistique de Chants Libres, nous en explique les tenants et aboutissants.

PAN M 360 : Parlez-nous svp du ***laboratoire lyrik*, expliquez-nous ses fondements et son lien avec cette production présentée à la Semaine du Neuf.**

Marie-Annick Béliveau: Lorsque j’ai pris la direction artistique de la compagnie à l’été 2022, il me semblait important d’assurer la mission de Chants Libres pour la recherche-création lyrique. Je la décline en trois volets : créer du nouveau répertoire, explorer de nouvelles formes, mais aussi chercher de nouveaux processus de création.

C’est justement dans le but de nous donner des occasions de chercher de nouveaux processus de création lyrique que j’ai décidé d’organiser des laboratoires lyriks: des événements de création qui mobilisent des moyens plus modestes, circonscrits dans le temps, qui s’échelonnent sur quelques jours seulement et qui nous permettent de tester des idées, des propositions, sans avoir pour objectif d’aboutir à la production d’un nouveau spectacle.

Produire un spectacle lyrique est une grande opération, qui s’échelonne souvent sur deux ou trois ans, qui mobilise d’importants moyens techniques, financiers, humains. Et donc, lorsque nous travaillons à ces nouvelles créations, nous sommes toujours plus ou moins en « mode solution », nous cherchons ce qui va marcher. Les laboratoires lyriks sont l’occasion d’essayer des formules, dans le contenu et dans la forme, sans chercher de solution. Le processus y est plus intéressant que le résultat final.

C’est ce que nous présentons le mercredi 12 mars, c’est le fruit du travail d’une petite équipe de 5 personnes, de plusieurs conversations, partages d’idées, brainstorming et une trentaine d’heures de travail en studio.

PAN M 360: : « Dans ce nouveau laboratoire lyrik de Chants Libres, les artistes explorent les concepts de présence et d’absence ». Mais encore ?

Marie-Annick Béliveau : Le laboratoire lyrik 03, celui qui sera présenté à la chapelle mercredi prochain, est en fait l’aboutissement d’une conversation. Frédéric LeBel m’a proposé un jour une idée de laboratoire, pour lequel il composerait de la musique pour voix, violoncelle et électro. Son idée était de faire entendre tour à tour la voix et le violoncelle live et/ou enregistré, et de jouer avec traitement et spatialisation pour créer l’ambiguïté, d’où viennent les sons qu’on entend?

J’ai alors pensé faire appel à Cédric Delorme-Bouchard, j’avais vu deux de ses créations justement dans lesquelles il réussissait à créer une dramaturgie en jouant avec les corps qu’on voit, ceux qu’on devine, ceux qui disparaissent. Nous sommes trois interprètes sur scène, qui est sonore? qui ne l’est pas? Pourquoi chante-elle? Pourquoi ne chante-elle pas alors qu’on l’entend?

PAN M 360: Quels sont les autres projets de Chants libres avec ce Laboratoire lyric ?

Marie-Annick Béliveau: Quelles seront les suites du Laboratoire lyrik 03? Je suis persuadée que nous allons tous sortir un peu transformés par l’expérience. Ce qui m’intéresse, c’est de proposer aux artistes et aux spectateurs d’imaginer créer un nouveau spectacle lyrique à partir de nouveaux paradigmes, par exemple sans histoire, ou sans partition, ou dans l’intergénéricité, dans le décloisonnement. Mettre dans la marmite des ingrédients inusités, inhabituels. Comment ces efforts de recherche-création influenceront-ils nos prochaines productions? Difficile à dire, il s’agit surtout de développer une posture.

PAN M 360 : Pouvez-vous élaborer davantage sur cette question de présence et d’absence?

Marie-Annick Béliveau: Frédéric a composé un duo pour voix et violoncelle que nous faisons trois fois, dans trois combinaisons différentes. Cédric a créé une dramaturgie à partir de nos trois corps, des éclairages qui les révèlent ou les dissimulent, et des regards que nous posons aussi les unes sur les autres. Selon qui on voit ou entend, mais aussi qui on ne voit pas qui regarde les autres et qui est regardé, il se crée des relations, des complicités, des rivalités, des jeux de domination et de soumission.

J’ai toujours trouvé fascinant comment, pour une chanteuse, son corps sur la scène, soit-il immobile devant le piano ou en train de jouer une scène des Noces de Figaro, le corps de la chanteuse, du chanteur est très présent, le spectateur regarde l’artiste autant qu’il l’écoute, son visage, son regard, comment elle se déplace. Il l’écoute même quand elle ne chante pas. Au départ j’aimais beaucoup cette idée qu’on me voit et qu’on entende ma voix mais que je ne chante pas, et qu’on m’entende mais qu’on voit Jennyfer, et qu’on puisse se demander si c’est elle ou moi qui chante, ou qu’on attende qu’elle chante à son tour.

Je vais vous faire sourire, mais j’adore le moment dans le Sempre Libera de la Traviata de Verdi, quand Violetta chante seule chez elle, et que tout-à-coup on entend Alfredo chanter dehors… absent mais tellement présent! Cette idée de Verdi est d’une efficacité redoutable. On attend qu’il revienne, et non! Rideau!

PAN M 360 : De quelle manière le public est-il impliqué dans ce processus?

Marie-Annick Béliveau: Le public fait partie de l’équation quand on fait du travail de création, du travail exploratoire. Je suis peut-être plus sensible à cela du fait que je suis une interprète. Souvent on travaille en studio, on essaie des trucs, on teste, on fait des choix, mais je sais que toutes les idées, si bonnes soient-elles dans le studio, demeurent des hypothèses tant qu’elles ne sont pas présentées devant un public. Et c’est d’ailleurs souvent seulement après avoir chanté devant un public qu’on peut dire ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce qui fonctionnera et ce qui devra être abandonné.

Je suis d’ailleurs certaine que c’est jeudi que je pourrai vraiment vous dire quel était l’intérêt de ce laboratoire lyrik, nous allons le saisir quand le public sera dans la salle.

Et je suis heureuse de pouvoir convier les spectateurs à venir partager ces moments d’exploration avec nous, d’avoir un public audacieux, qui vient voir et entendre l’art lyrique de création dans une phase de développement.

PAN M 360 : De quelle façon s’est développé ce projet avec le scénographe Cédric Delorme-Bouchard, la comédienne Jennyfer Desbiens, la violoncelliste Audréanne Filion, le compositeur Frédéric LeBel et vous-même ?

Marie-Annick Béliveau: Nous avons d’abord eu une rencontre, une conversation, pour faire connaissance, pour parler de ces idées d’absence, de présence, de ce qui construit la dramaturgie. Aussi de l’idée de faire un spectacle lyrique sans texte, sans trame narrative au départ. Ensuite nous avons lu les premières versions de la partition de Frédéric, Cédric et Jennyfer ont imaginé comment on pouvait la transposer en mouvement, en déplacement.

Ce qui est fascinant, c’est que dans le studio sous les néons sans électronique ni micro, on saisissait très bien que Frédéric « entendait » tout le traitement sonore dans sa tête, et Cédric « voyait » la scénographie et les éclairages aussi dans sa tête. Ils nous les décrivaient, mais ça demeurait très abstrait.

PAN M 360: Voix, violoncelle, électronique. Comment cette œuvre a-t-elle été construite?

Marie-Annick Béliveau: Je ne peux pas me prononcer sur la démarche compositionnelle de Frédéric, mais ce qui est certain, c’est qu’il y a au départ un dialogue entre la voix et le violoncelle. Mais le moment où Audréanne et moi relevons un vrai défi, c’est quand, pour répéter une deuxième fois la pièce, nous échangeons nos parties. Audréanne joue la partie vocale, je chante la partie de violoncelle, c’est assez périlleux. Nous devons « interpréter » la partition pour jouer ce qui est écrit mais surtout trouver comment nous imiter, et à tout le moins faire entendre l’échange. La partie électronique est un amalgame d’enregistrement et de traitement direct, et le tout est spatialisé.

PAN M 360 : Que justifie le choix d’un triptyque?

Marie-Annick Béliveau: Plusieurs éléments nous ont incité à faire trois versions de la même pièce, d’abord cette question d’échange des parties, puis assez simplement parce que nous sommes trois interprètes, donc chacune reçoit sa part d’attention.

PAN M 360 : Où situez-vous cette production dans votre saison de Chants libres?

Marie-Annick Béliveau: Par un concours de circonstances, nous avons 3 créations en moins de 11 mois c’est vraiment une année très intense pour nous. Ces projets de création sont ou ont été en chantier depuis 12, 24 mois et plus. Mais ce projet de laboratoire lyrik, ce projet de rencontre entre Frédéric et Cédric me tenait à cœur et la proposition du Vivier d’être à la chapelle dans la programmation de la Semaine du Neuf était une belle occasion.

PAN M 360: Ce concert s’inscrit dans un vent de renouveau de la compagnie Chants libres. Quelques mots sur votre mandat encore récent de votre direction artistique?

Marie-Annick Béliveau : Un vent de renouveau, certes, mais il est très important pour moi et pour Pauline Vaillancourt (que je remplace) de demeurer fidèles et loyales au mandat de la compagnie. Quand Pauline a fondé Chants Libres en 1990, il était presque impossible pour un compositeur de trouver le moyen de créer un opéra au Québec. La situation a changé, ici et ailleurs, les grandes maisons d’opéra se font un devoir de commander du nouveau répertoire, de présenter du répertoire contemporain, et j’en suis vraiment très heureuse.

Le mandat de Chants Libres est bien sûr de produire de nouvelles œuvres, mais surtout il est primordial pour moi d’axer nos activités sur la recherche-création.

La danse et le théâtre ont connu, au cours des dernières décennies, d’importantes avancées dans leur façon de se définir. Les arts de la scène voient les propositions inter-artistiques se multiplier, les frontières entre les disciplines deviennent poreuses. Cette scène multi génère un public nouveau, qui n’est pas un public de théâtre ou de danse, mais avant tout un public de création, qui carbure aux propositions singulières, dynamiques, inédites. Je pense que le théâtre lyrique de création a sa place dans cette mouvance. C’est dans cette direction que je veux faire évoluer Chants Libres.

PAN M 360: : Quelle est la réaction du public depuis votre arrivée en poste? De quelle manière la relation avec le public évolue-t-elle sous votre direction encore récente?

Marie-Annick Béliveau: La saison 24-25 est la première que je peux dire mienne, dans laquelle Chants Libres présente des projets que j’ai pilotés. Il est un peu tôt pour mesurer comment le public apprécie la direction que je donne à la compagnie. Toutefois, je pense que tant les spectateurs que le milieu en général ont remarqué que tous les projets présentés cette saison ou annoncés pour la prochaine sont des co-productions. L’opéra et le théâtre lyrique sont des formes multi ou interdisciplinaires, qui se prêtent facilement au jeu de la création collective, et c’est naturel pour moi, et même nécessaire, de développer des projets en collaboration avec des artistes du théâtre, de la danse, de la musique populaire, de la musique du monde, des arts numériques. Nous mettons nos compétences, nos ressources, nos publics et nos références en commun. Ça me rend très heureuse, et ça rend lumineux l’avenir de Chants Libres.

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PAN M 360: Pourquoi ces trois compositeurs.trice dans une telle commémoration?

Programme

Artistes

Annette Vande GorneL’espace au cœur de la recherche en musique acousmatique

PAN M 360 : Parlez-nous svp du laboratoire lyrik, expliquez-nous ses fondements et son lien avec cette production présentée à la Semaine du Neuf.

PAN M 360: : « Dans ce nouveau laboratoire lyrik de Chants Libres, les artistes explorent les concepts de présence et d’absence ». Mais encore ?

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