Depuis un bon moment déjà, je surveille l’ascension de l’artiste canado-nigérian TOBi. Il y a quelques années, le rappeur avait piqué ma curiosité avec son titre City Blues. Sa dégaine à la Kendrick Lamar, son énergie similaire à celle d’Anderson .Paak et sa tessiture à la Brent Faiyaz faisaient de lui un artiste prometteur, du moins à mes yeux. Depuis, TOBi a sorti deux albums – ELEMENTS Vol.1 et Still+ – et a collaboré avec des artistes américains tels que The Game, Maxo Kream et Flo Milli. Force est d’admettre que TOBi est en constante progression et possède tous les outils pour briller à l’international. À la sortie de la programmation du FIJM 2022, j’étais agréablement surpris d’y voir son nom. J’avais bien hâte de voir ce que TOBi réservait aux Montréalais, et il ne m’a pas déçu. TOBi a entamé son spectacle en douceur avec des titres plus R&B comme Too Hot.

Sur scène, le rappeur était accompagné d’un batteur, d’un bassiste, d’un claviériste et d’un saxophoniste. Mis à part quelques échantillons de discours, la musique était entièrement faite en temps réel. La voix de l’artiste et la musique jazz se mélangeaient à merveille. À chacune de ses punchlines, la musique s’intensifiait, conférant davantage de poids aux paroles de l’artiste. Plus les minutes passaient, plus TOBi plongeait dans son catalogue rap. À mi-chemin, il a offert un freestyle à la foule. Dans son élan d’improvisation, TOBi a fait référence Montréal et au FIJM. Après sa chanson Made Me Everything, TOBi a quitté la scène. Cependant, la foule du FIJM en a décidé autrement en scandant le nom de l’artiste. Face à cette vague d’amour, TOBi est revenu sur scène pour chanter son titre le plus populaire, City Blues. Mission réussie pour TOBi, lui qui a visiblement charmé la foule du FIJM.

Black Thought et sa bande ont offert près de deux heures de musiques sans arrêt, lors de la dernière soirée du FIJM 2022. Avec son flow rapide, découpé à la lettre et presque hypnotisant par moment, Tarique Trotter a emporté les milliers de gens présents dans un tourbillon de nostalgie. En passant par le rap, le jazz, le R&B et même la disco, The Roots a rendu hommage aux grands de la musique. Au total, l’orchestre de huit musiciens – comprenant l’incontournable Questlove – accompagnait le rappeur sur scène. Afin de reprendre son souffle, Black Thought laissait place aux prouesses musicales de chacun des membres du groupe. La formation philadelphienne a interprété à sa manière des titres intemporels tels que You’re The One For Me de D.Train, ainsi que Running Up That Hill (A Deal with God) de Kate Bush.

Bien évidemment, le collectif mythique a chanté leurs plus grands succès, notamment What They Do et You Got Me, aux grands plaisirs des gens entassés à la Place des Festivals. Initialement chanté par Erykah Badu, le refrain de cette dernière pièce a été interprété par le guitariste de la formation, Captain Kirk Douglas, aidé par la foule. Les gens présents dansaient, festoyaient et s’époumonaient sur les sons envoûtants des Roots. Du début à la fin, le collectif a conservé un rythme effréné. La dégaine des musiciens a visiblement plu à la foule, qui a accueilli à bras ouverts ce tsunami musical sans fin. Impossible de demander mieux pour clore les dix jours de la 42^e édition du Festival international de jazz de Montréal!

J’aime Josiah Wise, alias Serpentwithfeet, artiste de R’n’B contemporaine mâtinée de racines chorales gospel et d’études lyriques classiques. De ses deux albums principaux (il a aussi des EP ici et là), c’est le premier, Soil, qui m’habite encore. On y décelait ses racines étoffées soutenant une profusion d’idées intéressantes dans les rythmes et l’agencement de l’ensemble. Deacon, l’opus apparu en 2021, se rapprochait pas mal plus de l’appellation « adulte contemporain » utilisée dans les prix en musique tels les Grammys. Une appellation que je trouve abominable tellement elle ne correspond à rien. Et pire, une catégorie qui enfante une pléthore de déchets autotunés qui se ressemblent tous. Cela dit, même dans ce rapprochement, le porteur d’une culture afro-queer bienveillante et assumée réussissait à remplir son univers sonore avec ce continuel attrait pour la surprise.

Je vous dis tout cela parce que je m’attendais à mieux de la première partie que M. le serpent-avec-des-pieds proposait au concert où la Montréalaise folk Basia Bulat allait séduire l’auditoire un peu clairsemé du Théâtre Maisonneuve. Dans la musique de l’Américain, il y a un potentiel scénique fort intéressant (choeurs, cordes, instruments rythmiques, claviers), mais ce à quoi on a eu droit, c’était un serpent dénudé de ses attributs les plus attrayants. Wise était seul avec un DJ qui coordonnait, grosso modo, le lancement des voix chorales préenregistrées, les boucles et les beats. Bref, un gars chantait sur une trame sonore. Bof. Principaux moments d’intérêt : quand ledit Serpent s’installe seul au clavier et nous charme de douces ballades ou encore de réflexions personnelles inspirées du moment. On voit qu’il sait créer une belle intimité avec le public. À ce moment, on comprend mieux pourquoi l’artiste est une étoile montante. À l’image de ses clips où la vie toute simple de couples gais (souvent le sien) est montrée sans ostentation militante, juste la nature touchante d’un quotidien banal fait de tendresse et de complicité. Mais on s’attendait quand même à du déploiement, à de la fantaisie et à beaucoup plus de chaleur (un éclairage banal et froid!) pour une musique qui doit envelopper son auditeur comme une doudou. Bref, j’aime l’artiste, mais voilà un show qui n’était pas à sa hauteur.

Le contraste était de taille avec l’arrivée de Basia Bulat, son quatuor à cordes, et son trio basse-guitare-batterie. La scène s’est éveillée, bien que tranquillement, et sans jamais déborder d’intensité, vu la nature de la musique de la Torontoise qui a fait de Montréal sa maison de cœur. Les mélodies, simples et belles, chaleureusement étoffées par les cordes et pudiquement soutenues par la section rythmique (on a à peine remarqué la batterie tellement elle restait en retenue), se sont épanouies dans le Théâtre au grand plaisir du public qui souriait, charmé. Bulat s’est exprimée en un français exquis et en anglais, en s’adressant aux spectateurs.

Un brin tranquille au final, mais ça, c’est parce que la première partie qui aurait dû soulever l’atmosphère est restée trop placide et bien trop retenue.

C’était une soirée retrouvailles hier soir sur la Place des Festivals. Un hommage à 25 ans de jeunesse pour l’album qui a marqué toute une génération : Glee de Bran Van 3000. James (Di Salvio) était là, Sara (Johnston) aussi, puis plusieurs autres. Presque tous. On a entendu les meilleures, mais pas toutes, puisque l’hommage a en fait été distillé à part presque égales avec Discosis, l’autre album culte du band montréalais. Sur scène. Ça dansait, ça groovait, ça chantait, ça souriait. Le groupe, à l’image de Montréal, mélangeant français (pas chanté) et anglais, styles musicaux allant du dancefloor au rock en passant par le reggae, le hip-hop, la soul vintage et l’électro dans une communion syncrétique qui rappelle le métissage de cette foule multi-inter-culturelle savoureuse à voir. Toutes les tonalités de couleur de peau, toutes les générations, peu importe la lettre de l’alphabet, probablement les confessions aussi, les langues et les orientations sentimentales, tout Montréal y était et célébrait le simple fait d’avoir une identité commune aussi rassembleuse. Ma blonde m’a dit « Des fois, c’est faux » en parlant des voix. Elle a l’oreille classique, voyez-vous. Moi aussi d’ailleurs. Et je ne peux nier qu’elle a raison. Astounded sans Curtis Mayfield comme sur Discosis, eh bien, c’est pas aussi pareil. Ben non. Pis la pop, en général, c’est comme ça. Faut pas s’attendre à l’impeccabilité d’autres styles plus savants comme le classique et le jazz (on est pourtant à la grand-messe mondiale de ce genre!). Mais il faut faire fi de certaines notions, tout à fait légitimes par ailleurs, et se laisser entraîner par le sentiment de plénitude collective que crée ce groupe, devenu culte par la force des choses, et par son énergie communicatrice.

Connue auparavant sous le nom de Soul Secret Agency, la formation montréalaise EDDY a transporté la foule du FIJM dans son univers musical atypique.

Formé d’Abigail Galwey au chant et de Danny Trudeau à la basse, EDDY était accompagné d’un batteur, d’un guitariste et d’un claviériste. Tout au long du concert, la formation a navigué entre le jazz, la soul, le punk et l’électro. À mi-chemin, il était même possible d’entendre certains arrangements musicaux influencés par le populaire groupe britannique Radiohead. À un certain moment, le claviériste a effectué un solo, aux grands plaisirs des amateurs présents.

Bien évidemment, le groupe a chanté Room in a Bubble et Can’t Shake This Feeling, leurs deux seules titres disponibles à ce jour. Aussi, la formation montréalaise a chanté de nombreux titres inédits issus de leur prochain album. Sous étiquette Ensoul Records, celui-ci paraîtra le 9 septembre prochain. La chanteuse a offert une performance vocale impeccable et rythmée; Abigail Galwey se laissait emporter par les mélodies et dansait aux rythmes de celles-ci.  Les nombreux refrains accrocheurs d’EDDY ont fait danser la foule, et ce, malgré l’averse. En anglais, « eddy »signifie « tourbillon », et la formation montréalaise en est un : un tourbillon de genres musicaux.

Âgée de seulement 21 ans, la Montréalaise Stacey Ryan a fait une bonne première impression mardi soir au FIJM.

La chanteuse et multi-instrumentiste a débuté avec son titre Fall in Love Alone. Malgré la pluie, une foule considérable était présente devant la scène TD. La jeune artiste démontrait une aisance déconcertante sur scène. À maintes reprises, Stacey Ryan interagissait avec le public, invitant les gens à chanter et danser. Tout au long de son concert, la jeune femme était accompagnée d’un batteur, un bassiste, un guitariste et un claviériste. Stacey, quant à elle, était entourée de son piano et de sa guitare.

Victime de son succès rapide et de sa discographie peu nantie, elle a chanté des titres inédits et quelques reprises de succès du passé. Elle a réalisé une interprétation douce et sans anicroche du succès American Boy d’Estelle. Stacey Ryan a conclu son spectacle avec une version inédite de son titre Don’t Text Me When You’re Drunk. L’introduction de la chanson était douce et nettement plus lente qu’à l’habitude. D’ailleurs, la chanteuse a gagné en popularité grâce à la publication de cette composition sur le réseau social Tik Tok. Il sera intéressant de suivre la progression de la jeune artiste lors des prochaines années. Prêt à parier que cette participation au FIJM ne sera pas sa dernière!

Takuya Kuroda est trompettiste et on l’a connu principalement pour son unique album chez Blue Note, Rising Son (il en a d’autres ailleurs), et aussi pour ses collaborations avec José James (un pote d’école de jazz). Arrivé à Brooklyn au début des années 2000, le Japonais a rapidement trouvé ses repères dans un jazz mâtiné de musiques black modernes. Rythmes hip-hop et drum & bass bien musclés, fulgurances des horns (sa trompette et le ténor de son complice Craig Hill) dans des phrasés souvent courts et incisifs, genre motifs afro-beat ou chorus de cuivres funk, basse bondissante, batterie puissante, on s’y retrouve en pleine urbanité contemporaine, épanouie et affirmative. Kuroda s’échappe parfois dans des monologues néo-bop très libérés mais bien ancrés dans ce soutien groove omniprésent. Surtout, son jeu vire à l’incandescence et éblouit la foule dans une lumière crue mais stimulante. L’ajout des claviers parfois cosmiques genre science-fiction années 50 du camarade Takahiro Izumikawa (excellent pianiste par ailleurs) apporte un élément de surprise et même de légèreté à cette trame sonore ultra-actuelle, mais pas déconnectée d’un bagage culturel pop plutôt sympathique. L’artiste nous a même donné un avant-goût de son prochain album, qui devrait sortir cet automne. Aucun doute, ça promet!