Tim McGraw turned into a country superstar in the mid-’90s thanks to the big, swaggering « Indian Outlaw » and « I Like It, I Love It, » hits that underscored his connection to a new generation of arena rock-influenced country singers, but he sustained a career by playing to his sensitive side. McGraw unveiled his soft touch on « Don’t Take the Girl, » the 1994 single that became his first number one country hit, and as the years turned into decades, the singer wound up specializing in smoothly empathetic (and sometimes nostalgic) ballads and love songs. It was an aesthetic that served him well as he got older, as it offered him the opportunity to subtly shift with the times without losing sight of his core strengths as a singer and without sacrificing his maturity.
Tim McGraw est devenu une superstar de la country au milieu des années 90 grâce à ses tubes « Indian Outlaw » et « I Like It, I Love It », qui ont souligné son lien avec une nouvelle génération de chanteurs de country influencés par le rock, mais il a poursuivi sa carrière en jouant sur son côté sensible. McGraw a dévoilé son côté doux sur « Don’t Take the Girl », le single de 1994 qui est devenu son premier succès country numéro un, et au fur et à mesure que les années se sont transformées en décennies, le chanteur s’est spécialisé dans les ballades et les chansons d’amour douces et empathiques (et parfois nostalgiques). Cette esthétique l’a bien servi en vieillissant, car elle lui a permis de changer subtilement d’époque sans perdre de vue ses principales forces en tant que chanteur et sans sacrifier sa maturité.
Auteur-compositeur-interprète américain à la voix chaude et légère, Noah Kahan fait de la pop aux accents folk dans la lignée d’artistes comme Ben Howard et Vance Joy. Après que son premier single de 2017, « Young Blood », soit devenu viral, « Hurt Somebody », extrait de son premier EP de 2018 du même nom, s’est classé dans des pays tels que l’Australie et la Nouvelle-Zélande. Kahan a sorti son premier album, Busyhead, en 2019, suivi de I Was/I Am en 2021 et de Stick Season en 2022, ce dernier ayant atteint le 14e rang du Billboard 200 et reflétant son dévouement à l’affinement de son écriture.
An American singer/songwriter with a distinctively warm, light rasp to his voice, Noah Kahan makes folk-infused pop in the realm of artists like Ben Howard and Vance Joy. After his 2017 debut single « Young Blood » went viral, « Hurt Somebody, » from his 2018 debut EP of the same name, charted in countries including Australia and New Zealand. Kahan released his debut album, Busyhead, in 2019, followed by 2021’s I Was/I Am and 2022’s Stick Season, the latter of which reached 14 on the Billboard 200 and reflected his dedication to refining his songwriting.
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Ce contenu provient de AllMusic et est adapté par PAN M 360.
Burna Boy remplit presque deux Centres Bell : le Nigeria à nos portes !
par Alain Brunet
Au cours des soixante dernières années, l’Afrique a popularisé en Occident certaines de ses stars les plus remarquables : Miriam Makeba, Fela Kuti, Touré Kunda, King Sunny Adé, Alpha Blondy, Youssou N’Dour, Salif Keita, Angélique Kidjo, Oumou Sangaré, Tiken Jah Fakoly et autres Yemi Alade. Le dernier frontman noir et non occidental ayant rempli un grand aréna canadien en tant que tête d’affiche fut Bob Marley… qui n’était pas natif du continent de ses aïeux, c’est dire !
Hors de l’Afrique où ils remplissent des stades en un claquement de doigts, aucun des artistes cités n’a eu eu en Amérique du Nord un tel impact que celui observé cette semaine. Il existe désormais une exception africaine, la première d’une longue série.
Burna Boy entre dans l’Histoire cette semaine, 18 mois après avoir fait sensation à Osheaga (août 2022), ce qui fut un signe précurseur de l’invasion de l’Amérique du Nord par la mouvance afrobeats, issue du Nigeria. Premier artiste africain à jouer deux fois de suite dans les centres Bell, le frontman incarne une transformation globale de la culture pop. Wow.
Environ 30 000 fans se seront rendus au Centre Bell cette semaine, deux soirs de suite, pour applaudir la plus grande star du mouvement Afrobeats, un style non occidental qui s’est mondialisé. L’influence de ce style se compare favorablement à d’autres mouvements puissants nés en dehors des États-Unis et de l’Europe occidentale, à commencer par le reggae et le reggaeton.
Jeudi soir, donc, un aréna bondé de diversité. Majoritairement peuplée de la génération 18-30 ans, la foule a chanté les propositions de DJ Lambo, une artiste de Lagos, l’une des premières parties d’un vaste programme ayant débuté vers 19h40 et qui s’est achevé peu avant minuit. Également du Nigeria, la chanteuse Nissi Ogulu aura fait de son mieux (avec des hauts et des bas, pour parler poliment) et le premier DJ du programme, Spaceship Billy, reviendra chauffer la salle avant que Burna Boy ne triomphe pendant deux heures. Généreux !
L’aire de jeu est un décor urbain inspiré d’un quartier populaire de Lagos. Une cabine téléphonique est installée devant plusieurs commerces de proximité, dont un barbier et une épicerie. Les 4 anches et cuivres surplombent la scène sur la droite, tandis que les 3 choristes font de même sur la gauche. La batterie et les percussions sont disposées aux extrémités, et le noyau harmonique de 4 musiciens (claviers, guitares, basse) se trouve au centre. Un trio de cordes (violon, alto, violoncelle) apparaît à quelques reprises, tandis que 6 danseurs s’expriment tout au long de ce spectacle des plus ambitieux.
Burna Boy est à la fois frontman, leader d’orchestre, crooner, groover, sex symbole au physique d’athlète, taillé au couteau il va sans dire. L’ascendant sur la gent féminine est plus qu’évident, ces dames sont clairement majoritaires à chanter avec lui ses mégatubes, particulièrement ses ballades romantiques.
Côté PAN M 360, on a préféré les groove afrobeats, épidermiques pour la plupart, mélange contagieux de dancehall, reggaeton, afro-funk, juju, konpa, soul/R&B ou même jazz, assorti d’une importante couche de culture nigeriane. Parmi la trentaine de chansons au programme, on aura remarqué l’exécution des succès suivants: I Told Them (également le titre de la tournée), Gbona, Pull Up, On The Low, On Form, Giza et plus encore.
Nous savons tous que l’humanité traverse une période critique de sa présence sur Terre, mais il n’y a pas que des mauvaises nouvelles. Le rééquilibrage des forces culturelles planétaires en est une bonne ! Burna Boy est là pour nous rappeler qu’il y a toujours de l’espoir pour les humains de bonne volonté.
Avec sa fusion de dancehall, de reggae, d’afrobeat et de pop, Burna Boy est l’une des stars les plus connues du Nigeria. Le single « Like to Party », produit par LeriQ en 2012, s’est avéré être son titre phare et a ouvert la voie à son premier album, L.I.F.E, un an plus tard. Au cours des cinq années suivantes, Burna a sorti deux autres albums et collaboré avec divers artistes, de J Hus et Skales à Fall Out Boy et Lily Allen. Son exposition internationale s’est élargie avec Outside en 2018, qui a atteint la troisième place du classement Billboard Reggae et a remporté le Nigeria Entertainment Award de l’album de l’année. African Giant en 2019 et Twice as Tall en 2020 ont tous deux été largement acclamés et se sont classés dans plusieurs pays. Après être devenu le premier Nigérian à être la tête d’affiche d’un spectacle au Madison Square Garden, il a sorti son sixième album à succès, Love, Damini, en 2022, suivi un an plus tard par I Told Them…., nominé aux Grammy Awards.
With his fusion of dancehall, reggae, Afrobeat, and pop, Burna Boy is one of Nigeria’s best-known stars. The LeriQ-produced 2012 single « Like to Party » proved to be his breakout track and paved the way for his full-length debut, L.I.F.E, a year later. Over the next five years, Burna released two more albums and collaborated with a variety of artists, from J Hus and Skales to Fall Out Boy and Lily Allen. His international exposure widened with 2018’s Outside, which hit number three on the Billboard Reggae chart and won the Nigeria Entertainment Award for Album of the Year. 2019’s African Giant and 2020’s Twice as Tall were both widely acclaimed and charted in several countries. After becoming the first Nigerian to headline a show at Madison Square Garden, he released his hit sixth album, Love, Damini, in 2022, followed a year later by the Grammy-nominated I Told Them….
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Le 9 janvier, Travis Scott a enflammé la foule montréalaise lors de son passage au Centre Bell pour sa tournée Circus Maximus. L’occasion était de célébrer la matière de son quatrième album studio UTOPIA sorti en juillet 2023. C’était la deuxième fois que le rappeur texan remplissait le Centre Bell, lui qui avait fait bonne impression auprès des montréalais lors de sa visite en 2019, pour sa tournée Astroworld – Wish You Were Here.”
Ainsi, environ 20 000 fans de rap ont bravé des conditions météorologiques extrêmes pour être en la présence d’un rappeur au sommet de son art, le temps d’une soirée. Et ils n’ont pas été déçus.
Au lieu de Teezo Touchdown en première partie comme c’est le cas dans la majorité des spectacles de sa tournée, c’est son DJ Chase B qui a pris la scène d’assaut. Ce dernier enchaînera certaines de ses chansons les plus populaires des dernières années, question de réchauffer la foule avant l’arrivée de son collègue de longue date.
Travis Scott est apparu devant un public affamé vers 21h20. La scène immense ressemblait aux ruines d’une montagne avec quelques têtes gravées dans la roche et où il se promenait tout au long du spectacle, interagissant avec différentes sections de l’aréna. Il ouvra le spectacle avec Hyena , suivi de Thank God et Modern Jam, respectant ainsi l’ordre d’Utopia en en jouant les trois premières chansons.
La mégastar alterna ensuite entre des titres plus populaires tirés d’ancien projets, tel que 3500 et Nightcrawler, avec des chansons où il est l’artiste invité comme Aye de Lil Uzi Vert ou encore la nouvellement sortie Backrooms de Playboi Carti, tout en continuant de présenter ses pièces sur Utopia. Que tu sois un nouveau ou un vieux fan, il y en avait pour tous les goûts.
Tout au long du spectacle, le son était dans le tapis, plus particulièrement la basse qui était prédominante, le tout mélangé avec la voix de Scott baignant dans l’autotune et les cris inépuisables des fans. En a résulté l’un des concerts les plus bruyants auxquels j’ai assisté.
“Le son était tellement fort que des verres se sont brisés dans les loges et des tuiles du plafond sont tombées”, a dit Bruno Corica, un employé du Centre Bell présent à l’événement.
Déjà gonflés à bloc, les fans sont passés de chauds à bouillants lorsque Scott a entonné avec eux ses plus gros morceaux d’Utopia tels I Know? et Meltdown.
Le spectacle a atteint son apogée lorsque le rappeur interpréta FE!N 11 fois de suite devant les olés! d’un public qui en redemandait toujours plus. Chaque répétition du morceau déclenchait une montée en intensité, ces 20 minutes de feu ont constitué le moment le plus marquant de la soirée.
En gardant ses fans debout pour l’entièreté du concert,Travis Scott a su démontrer encore une fois qu’il est l’un des meilleurs performers dans le milieu.
Madonna est une chanteuse et actrice de musique pop qui s’est lancée en solo en 1981 et est devenue une sensation sur la scène musicale des années 1980, alors dominée par les hommes. En 1991, elle avait obtenu 21 succès dans le Top 10 aux États-Unis et vendu plus de 70 millions d’albums à l’étranger. En janvier 2008, elle a été désignée par le magazine Forbes comme la musicienne la plus riche du monde.
Madonna is a pop music singer and actress who went solo in 1981 and became a sensation in the then male-dominated 1980s music scene. By 1991, she had achieved 21 Top 10 hits in the United States and sold more than 70 million albums internationally. In January 2008, she was named the world’s wealthiest female musician by Forbes magazine.
Connu pour son style d’interprétation endiablé et ses concerts endiablés, Travis Scott est un rappeur né à Houston qui mesure 1,80 m. Il est né le 30 avril 1991 et est âgé de 18 ans. Il est né le 30 avril 1991. Après avoir fait ses débuts dans la série G.O.O.D. Music de Kanye West, il a explosé au grand public en 2016 avec son deuxième album « Birds in the Trap Sing McKnight », qui s’est hissé à la première place du Billboard 200, suivi deux ans plus tard par « Astroworld ». Ce dernier projet est resté trois semaines à la première place et a donné naissance à l’une de ses chansons les plus connues à ce jour, « Sicko Mode », qui était pratiquement incontournable au second semestre 2018. Grâce notamment à des collaborations avec Drake, Young Thug, Kid Cudi, M.I.A., Kodak Black et Offset, Scott a enregistré une poignée de singles numéro 1 et encore plus de top 10.
Known for his raucous performance style and free-for-all concerts, Travis Scott is a Houston-born rapper who stands at a height of 5’10”. His birthday is April 30, 1991. After getting his start via Kanye West’s G.O.O.D. Music series, exploded onto the mainstream in 2016 with his Billboard 200-topping sophomore record ‘Birds in the Trap Sing McKnight,’ which he followed up two years later with ‘Astroworld.’ The latter project spent three weeks at No. 1 and spawned one of his best-known songs to date, “Sicko Mode,” which was all but inescapable in the second half of 2018. Thanks in part to collaborations with Drake, Young Thug, Kid Cudi, M.I.A., Kodak Black and Offset, Scott would go on to score a handful of No. 1 singles and even more top 10s.
Passé de l’obscurité à la célébrité en 2012 en tant qu’artiste vedette de « Latch » de Disclosure, un succès mondial qui a mis en valeur son ténor aigu distinctif, Sam Smith est depuis devenu l’un des plus éminents balladeurs de la musique pop. S’inspirant de chanteuses soul comme Aretha Franklin et Chaka Khan, de disciples comme Amy Winehouse et Adele, et de sa propre éducation religieuse, Smith s’est effectivement imposé comme tête d’affiche avec In the Lonely Hour, paru en 2014. Multi-platine au Royaume-Uni et aux États-Unis, l’album a également été récompensé par le prix du meilleur nouvel artiste et trois autres Grammys. Smith a enchaîné avec The Thrill of It All en 2017, un album au cœur malade qui privilégie la soul et le gospel du Sud, et à la fin des années 2010, elle avait accumulé six singles numéro un au Royaume-Uni en tant que tête d’affiche : « Money on My Mind, Stay with Me et Lay Me Down, suivis de Writing’s on the Wall, thème de James Bond récompensé par un Academy Award, Too Good at Goodbyes et Promises, une collaboration avec Calvin Harris. La chanteuse est entrée dans la nouvelle décennie avec une poignée d’autres singles classés dans le Top 20 au Royaume-Uni, qui ont conduit à l’album Love Goes en 2020, suivi de l’album Unholy, récompensé aux Grammy Awards, et de son pendant, Gloria, en 2023.
Shooting from obscurity to fame as the featured artist on Disclosure’s « Latch » in 2012, a global smash hit that showcased their distinctively stirring high tenor, Sam Smith has since become one of pop’s most prominent balladeers. Taking cues from soul belters like Aretha Franklin and Chaka Khan, followers such as Amy Winehouse and Adele, and their own church upbringing, Smith effectively arrived as a headliner with 2014’s In the Lonely Hour. Multi-platinum in the singer’s native U.K. and the U.S., the album also garnered Best New Artist and three additional Grammys among a slew of accolades. Smith followed up with 2017’s The Thrill of It All, a heartsick album favoring Southern soul and gospel, and by the end of the 2010s had accumulated six number one U.K. singles as a headliner: « Money on My Mind, » « Stay with Me, » and « Lay Me Down, » followed by the Academy Award-winning James Bond theme « Writing’s on the Wall, » « Too Good at Goodbyes, » and the Calvin Harris collaboration « Promises. » The singer entered the next decade with a handful of additional Top 20 U.K. singles that led to 2020’s Love Goes, followed by the Grammy-winning « Unholy » and its parent album, 2023’s Gloria.
Bien qu’enraciné dans la soul et le R&B, Lionel Richie est devenu une superstar mondiale des charts pop, brouillant les frontières musicales dans les années 1980 avec des succès en solo comme « All Night Long (All Night) », « Hello » et « Stuck on You », ainsi qu’avec des collaborations en tête des charts comme le duo avec Diana Ross « Endless Love » et le single caritatif « We Are the World », qu’il a coécrit avec Michael Jackson. Chanteur, auteur-compositeur et producteur accompli, Richie a mené les Commodores vers leur période la plus fructueuse, en tant que leader du groupe sur des succès de la fin des années 70 tels que « Easy » et « Three Times a Lady », avant de se faire un nom en tant que l’un des artistes solo masculins les plus dominants de la décennie suivante. À son apogée commerciale, il s’est révélé un maître de la ballade romantique, propulsant des chansons comme « Truly » et « Say You, Say Me », récompensée par un Oscar, au sommet des palmarès pop, même s’il avait aussi un don pour les titres plus entraînants comme « Dancing on the Ceiling », en 1986. Richie a également établi un lien unique avec la musique country, en écrivant et en produisant pour Kenny Rogers et en collaborant avec Alabama. Bien que sa popularité ait faibli au cours des années 90 et au début des années 2000, Richie a remis son son au goût du jour avec Coming Home en 2006 et a été récompensé par son premier album classé dans le Top 10 en 20 ans. La renaissance du chanteur s’est poursuivie au cours de la décennie suivante, l’album Tuskegee de 2012, axé sur la country, le ramenant au sommet des palmarès pop. À partir de 2018, Richie a commencé à jouer un nouveau rôle de premier plan en tant que juge dans l’émission American Idol, ce qui lui a permis de se faire connaître auprès des jeunes générations.
Although rooted in soul and R&B, Lionel Richie became a global superstar of the pop charts, blurring musical borders in the 1980s with solo hits like « All Night Long (All Night), » « Hello, » and « Stuck on You, » as well as chart-topping collaborations like the Diana Ross duet « Endless Love » and the star-studded charity single « We Are the World » which he co-wrote with Michael Jackson. A consummate singer, songwriter, and producer, Richie steered the Commodores into their most successful period, fronting the band on late-’70s hits like « Easy » and « Three Times a Lady » before making himself a household name as one of the most dominant male solo acts of the following decade. During his commercial peak, he proved himself a master of smooth romantic balladry, sending songs like « Truly » and the Oscar-winning « Say You, Say Me, » to the top of the pop charts, though he also had a knack for more uptempo fare like 1986’s « Dancing on the Ceiling. » Richie also forged a unique crossover connection to country music, writing and producing for Kenny Rogers and collaborating with Alabama. Although his popularity faded during the ’90s and early-2000s, Richie updated his sound with 2006’s Coming Home and was rewarded with his first Top Ten LP in 20 years. The singer’s renaissance continued over the next decade with 2012’s country-driven Tuskegee returning him to the top of the pop charts. Beginning in 2018, Richie began a new high-profile role as a judge on American Idol, introducing him to younger generations of fans.
Le rappeur et chanteur canadien Drake a maintenu une présence commerciale de haut niveau peu après son arrivée sur la scène en 2006, que ce soit avec ses propres albums qui se sont hissés au sommet des hit-parades ou avec une longue série d’apparitions sur des succès de Lil Wayne, Rihanna et A$AP Rocky. Grâce à son style de rap introspectif, à son crooner R&B sensible et à sa touche d’or en matière d’écriture, chacun de ses albums – de Take Care en 2011 à Scorpion en 2018, influencé par la trap – s’est hissé au sommet des classements mondiaux, tout comme des singles tels que « Hotline Bling », lauréat d’un Grammy, et bon nombre de ses mixtapes. Au fur et à mesure que son étoile montait, il aidait les autres, parrainant les premiers travaux du Weeknd, lançant le label OVO Sound et offrant des featuring sur ses disques à des artistes en devenir. Au cours de la deuxième décennie de sa carrière, la domination constante de Drake sur les palmarès, ses victoires et nominations aux Grammy Awards et sa présence culturelle digne d’un mème ont fait de lui l’un des musiciens les plus populaires au monde, et la sortie d’albums comme Honestly, Nevermind, de 2022, est devenue un événement culturel.
Canadian rapper and vocalist Drake sustained a high-level commercial presence shortly after he hit the scene in 2006, whether with his own chart-topping releases or a long string of guest appearances on hits by the likes of Lil Wayne, Rihanna, and A$AP Rocky. Thanks to his introspective rap style, his sensitive R&B crooning, and his golden touch with songwriting, each one of his albums — from 2011’s Take Care to 2018’s trap-influenced Scorpion — topped charts worldwide, and singles like the Grammy-winning « Hotline Bling » and many of his mixtapes did too. As his star rose, he helped others along, sponsoring the Weeknd’s early work, starting the OVO Sound label, and giving features on his records to up-and-coming acts. By the second decade of his career, Drake’s constant chart domination, his Grammy wins and nominations, and his meme-worthy cultural presence made him one of the world’s most popular musicians, and the release of albums like 2022’s Honestly, Nevermind became cultural events.
De tous les groupes qui ont émergé dans le sillage immédiat du punk rock à la fin des années 70, peu ont été aussi durables et populaires que The Cure. Dirigé par le guitariste/chanteur Robert Smith, le groupe s’est d’abord fait connaître par ses chansons lentes et lugubres et par le look exagérément gothique de Smith, une image publique qui a souvent caché la diversité de la musique de The Cure. Au début, ils jouaient des chansons pop déchiquetées et nerveuses, avant d’évoluer lentement vers un groupe plus texturé. C’est l’un des groupes qui a jeté les bases du rock gothique, mais au moment où le gothique s’est imposé au milieu des années 80, les Cure avaient évolué vers un son plus soigné et plus réfléchi (même s’il était encore souvent déprimant). À la fin des années 80, le groupe est entré dans le courant dominant, non seulement dans son pays natal, l’Angleterre, mais aussi aux États-Unis et dans diverses parties de l’Europe. Après avoir embrassé la mélodie et la pop synthétisée sur The Head on the Door (1985), le groupe atteint un sommet artistique avec l’épopée Disintegration (1989), d’une beauté et d’une douleur stupéfiantes, et se classe pour la première fois dans les charts britanniques avec Wish (1992). La production de nouveaux albums s’est quelque peu ralentie, mais The Cure est resté une attraction populaire dans les années 2000 et au-delà, et son influence s’est clairement fait sentir sur de nombreux nouveaux groupes au cours du nouveau millénaire, dont beaucoup n’avaient pas grand-chose à voir avec le gothique.
Out of all the bands that emerged in the immediate aftermath of punk rock in the late ’70s, few were as enduring and popular as the Cure. Led through numerous incarnations by guitarist/vocalist Robert Smith, the band initially became well-known for its slow, gloomy dirges and Smith’s exaggeratedly gothic look, a public image that often hid the diversity of the Cure’s music. At the outset, they played jagged, edgy pop songs before slowly evolving into a more textured outfit. They were one of the bands that built the foundations for goth rock, but by the time goth caught on in the mid-’80s, the Cure had moved toward a more polished and thoughtful (if still often depressing) sound. By the end of the ’80s, the band had crossed over into the mainstream not only in their native England, but also in the United States and in various parts of Europe. After embracing melody and synth pop on 1985’s The Head on the Door, the band hit an artistic high-water mark with their stunningly pained and beautiful 1989 epic Disintegration, and scored their first number one album on the U.K. charts with 1992’s Wish. New studio output slowed somewhat as the band soldiered on, but the Cure remained a popular concert draw into the 2000s and beyond, and their influence could be heard clearly on scores of new bands in the new millennium, including many that had little to do with goth.
La charismatique chanteuse/rappeuse Lizzo, lauréate d’un Grammy, combine ses racines dans le rap de Houston, la soul gospel et la flûte classique avec autant d’assurance qu’elle aborde les questions de race, de sexualité et de positivité corporelle. Son premier album de 2013, Lizzobangers, reflète ses années passées sur les scènes hip-hop et indie de Minneapolis (Lazerbeak, de Doomtree, en était l’un des producteurs), et au fil du temps, son style s’est élargi et est devenu plus mélodique. Sur Big Grrrl Small World, sorti en 2015, elle a ajouté plus de R&B et de gospel à son son, une tendance qui s’est poursuivie sur son premier album en major, Cuz I Love You, vendu en 2019 et récompensé par un Grammy, avec des tubes comme « Good as Hell », « Truth Hurts » et « Juice ». Avec 2022’s Special, elle a redoublé d’efforts pour offrir des hymnes de bien-être instantanément accrocheurs.
Charismatic Grammy-winning singer/rapper Lizzo combines her roots in Houston rap, gospel soul, and classical flute as confidently as she addresses race, sexuality, and body positivity. Her 2013 debut, Lizzobangers, reflected her years in Minneapolis’ hip-hop and indie music scenes (Doomtree’s Lazerbeak was one of its producers), and as time went on, her style became more wide-ranging and melodic. On 2015’s self-released Big Grrrl Small World, she added more R&B and gospel to her sound, a trend that continued on her brash major-label debut album, 2019’s platinum-selling, Grammy-winning Cuz I Love You, home to hits like « Good as Hell, » « Truth Hurts, » and « Juice. » With 2022’s Special, she doubled down on her instantly catchy feel-good anthems.
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