Jeudi soir dernier, un événement plutôt rare a eu lieu au Bar Le Ritz : Un concert darkwave presque 100 % francophone. Les deux têtes d’affiche, la reine locale du genre, Laura Krieg, et le nouveau groupe post-punk/industriel Renonce, qui lançait son premier album, Ombre, étant deux projets qui privilégient le langage surréaliste et sombre de Rimbaud et Baudelaire dans leur musique. J’étais donc très heureux de me rendre au Ritz (une salle que je n’aime pas particulièrement d’habitude) après un délicieux dîner avec de bons amis dans un excellent petit restaurant indien près de la salle à Parc-Extension. Je suis arrivé vers 20h30, heureux de me réchauffer les fesses après avoir marché un moment dans le vent froid de cette soirée de printemps encore froide, juste à temps pour saluer quelques uns de mes amis dans la foule grandissante, se déplaçant vers l’avant, quelques instants avant que le spectacle ne commence.

Visages maquillés, cheveux exagérément laqués, vêtements new-wave/glam androgynes rappelant le style de la marque emblématique du début des années 80 Parachute, Laura Krieg et son acolyte musical habituel, le vétéran de la scène post-punk Johny Couteau, sont arrivés sur scène sous une vague d’applaudissements enthousiastes de la part des spectateurs curieux qui se sont rapidement rassemblés devant le duo. La performance commence fort avec une boîte à rythmes et des synthés extrêmement accrocheurs sur lesquels Johny joue des lignes de basse minimales, mécaniques et très efficaces, ainsi que des percussions épiques sur un drum pad, tandis que Laura chante de manière décontractée, mais toujours enivrante, et joue de temps en temps de la guitare. Les fans du groupe, comme moi, auront reconnu plusieurs morceaux de leur répertoire tels que « Tout s’effondre, tout va bien », « Angst », et « Fin du travail, vie magique ».

Laura Krieg Shredding / Stephan Boissonneault, PAN M 360

« Fin du travail, vie magique » / Laura Krieg

Pendant près d’une demi-heure, le duo de Laura Krieg a réussi à faire bouger un public qui semblait un peu figé au début, grâce à de nouveaux morceaux que je n’avais jamais entendus auparavant et qui avaient une influence plus italo-disco, voire presque euro-pop, que j’espère entendre sur un nouvel album très prochainement.

Après un petit entracte d’une vingtaine de minutes, c’est au tour de Renonce de prendre d’assaut les oreilles du public avec ses sonorités darkwave à saveur industrielle. Fondé en 2021, le projet solo de Frédéric Nogarede, qui a notamment joué avec le groupe Adam Strangler il y a quelques années, célébrait la sortie de son premier album, Ombre. Comme c’était la première fois que je voyais Renonce en concert, je ne savais pas à quoi m’attendre. A ma grande surprise, le musicien est monté sur scène accompagné de deux autres musiciens, un guitariste et un batteur, ce qui m’a énormément plu car on voit de plus en plus de musiciens solos qui se contentent de chanter sur des backing tracks joués sur un laptop.

Renonce @ Bar Le Ritz

Le groupe a pu livrer une prestation très énergique, enchaînant des chansons industrielles lourdes de manière quasi-continue, entrecoupées d’impressionnants paysages sonores instrumentaux construits sur un ensemble de synthétiseurs analogiques étalés sur une table devant le chanteur. La batterie, très puissante et serrée, sonnait presque comme une machine et la guitare utilisait, entre autres, le feedback de manière très habile. Le chant, quant à lui, passait parfois de la douceur et de l’introspection à un cri aigu rappelant Nivek Ogre du groupe industriel classique Skinny Puppy. Un autre aspect sympathique était l’utilisation de projections sur le mur derrière le trio, ce qui a grandement contribué à l’ambiance de la performance.

Une belle soirée qui m’a conforté dans l’idée que la scène alternative francophone montréalaise est en plein essor et qu’elle s’est très bien remise de ses malheurs pandémiques des dernières années.

Photos by Stephan Boissonneault

Si vous faites ce métier depuis assez longtemps, il y a des moments dans la carrière de tout écrivain musical où vous vous sentez à la traîne des tendances, où la vocation musicale d’un artiste va au-delà de ce que vous êtes formé à comprendre ou même à appréhender. Comme l’a probablement dit un jour le grand poète de caniveau et dernier journaliste gonzo du rock n’ roll, Lester Bangs, « On s’adapte ou on meurt, je choisis de mourir ». Mais il parlait probablement des Beatles plongeant dans le psychédélisme de Vishnu sur Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, et non de la surcharge multisensorielle qu’est un spectacle à 100 gecs. Il n’aurait pas été préparé à ce monstre hyperpop viral qui a été catégorisé comme un groupe mème par les fans et les critiques musicaux.

Je trouve amusant que le terme hyperpop soit aujourd’hui si intrinsèquement lié à 100 gecs, principalement un groupe Internet, alors que je crois qu’il a été utilisé pour la première fois dans les années 80 pour classer la musique de Cocteau Twins, avant l’arrivée d’Internet. Je pense que c’est l’exemple parfait de la façon dont le genre n’est qu’un simple espace de rangement qui peut changer en un clin d’œil.

J’ai tout de même eu l’occasion de voir 100 gecs en direct à Osheaga, après deux sets de hip-hop du britannique slowthai et du maître du emcee, Freddie Gibbs. D’après mes souvenirs, ce set de 100 gecs n’était pas à mon goût. Je me souviens très bien de la chanteuse Laura Les grognant dans son micro auto-tuné tandis que son partenaire musical, Dylan Brady, dansait dans un costume de sorcier portant un chapeau à étoile jaune vif, tandis qu’un rythme de basse changeant sautillait dans tous les sens. À l’époque, j’ai brièvement fait rôtir 100 gecs dans ma critique d’Osheaga, que vous pouvez lire ici si vous le souhaitez.

« Je ne comprends pas, nous sommes peut-être trop vieux », a déclaré mon compagnon de festival. À l’époque, j’étais d’accord pour dire qu’il s’agissait simplement d’un bruit déplacé et sursaturé pour une génération plus jeune (j’approche de la trentaine pour la petite histoire), et nous sommes passés à autre chose. Mais malgré cela, les 100 gecs semblaient apparaître de plus en plus dans mon lexique musical. Dans les sphères d’écriture musicale, des groupes ont été comparés à eux, comme le duo art-pop glitchy, Jockstrap, dont le premier album, I Love You Jennifer B, est un de ceux que je joue encore souvent. Le tube viral de 100 gecs, « money machine », m’a suivi comme une maladie pendant le week-end.

Je sais qu’une grande partie du journalisme musical, en particulier le monde de la critique – et je ne parle pas des petites publications DIY comme celle sur laquelle vous lisez ces lignes – peut être pleine de conneries vernaculaires de la part d’écrivains qui trouvent constamment le pire dans un album pour être avant-gardiste. Il est dommage qu’une note de Pitchfork ou une mauvaise note d’Anthony Fantano puisse complètement influencer l’opinion de quelqu’un sur un album ou un artiste, mais bon, c’est le monde des critiques de streaming dans lequel nous nous trouvons.

Cela dit, ce sont les pensées qui m’ont envahi lorsque j’ai franchi les portes de MTelus pour me rendre à la plus récente exposition montréalaise de 100 gecs, que j’appellerai dorénavant  » Gecigeddon « .

En tournant le coin, vers l’arrière de la salle, mes oreilles ont été agressées par un groupe appelé Machine Girl, qui sonnait brièvement comme le pire grindcore des années 2000. Je m’attendais à une vague de synthés plus industrielle d’après le nom et je n’étais pas préparée à un canal radiculaire cochléaire. C’est quelque chose que ni moi, ni les 10 personnes avec qui j’étais, n’avions prévu. Même si un projecteur était littéralement braqué sur la foule, suivant le chanteur, Matt Stephenson, qui se faufilait entre les gens, criait et se tenait en équilibre sur l’auvent de la mezzanine et le bar de la salle, habillé comme un bouffon maniaque, je n’arrivais pas à m’imprégner de l’ambiance hardcore numérique que Machine Girl créait.

Ma première expérience de l’ambiance du Gecigeddon a été très négative, amplifiée après avoir vu une fille aux cheveux bleus vêtue d’un pantalon zébré s’évanouir (probablement à cause de l’épuisement dû à la chaleur et à la drogue qui circulait dans son corps) derrière notre groupe, quelques instants après le set de Machine Girl. Est-ce que c’est un public qui n’a pas tenu le coup pendant la première partie ? Un public qui n’a pas appris les bases d’une fête respectueuse avec des drogues et qui ne prend pas soin de lui ? Buvez de l’eau, s’il vous plaît !

J’ai essayé d’éteindre mon esprit critique et d’apprécier la scène dans son ensemble : des sorciers multicolores, un homme avec des cornes de diable et un T-shirt blanc portant l’inscription  » I GOT MY TOOTH REMOED « , des pantalons de parachute, pas mal de peinture de cadavre, des jeunes emo et scènes qui ont l’air de sortir du bus du Gathering of the Juggalos, la foule plus gothique et plus perverse (latex, porte-jarretelles, colliers, etc.) qui était surtout là pour se détendre au deuxième étage. Il y avait aussi une foule plus âgée, accompagnée de leurs enfants ou de véritables fans de cette musique pop ridicule. J’ai repéré la scène et l’installation informatique du DJ à 100 gecs, qui était logée dans ce qui ressemblait à une caisse de bombe nucléaire, en équilibre sur une poubelle en acier.

Les lumières se sont éteintes et le son profond des productions THX a rapidement envahi la salle tandis que l’écran de fond diffusait sporadiquement toutes sortes de lumières blanches. Il ne s’agissait pas de l’ouverture d’un film à gros budget, mais de « Dumbest Girl Alive » de 100 Gecs, extrait du nouvel album 10 000 Gecs. Le riff de guitare butt-rock à la Limp Bizkit a démarré et Laura et Dylan sont montés sur scène, vêtus des tenues jaunes et violettes emblématiques des sorciers.

Si 100 gecs est doué pour une chose, c’est pour créer des vers d’oreille qui s’enfoncent profondément dans votre psyché, même quand vous ne le voulez pas. La production visuelle était également démente : les écrans Windows 98 vibrants se transformaient rapidement en un brouillard vert et rose tandis que des lumières stroboscopiques nous manipulaient l’esprit. C’était comme regarder directement le soleil en boucle.

Je n’ai jamais été un fan de l’auto-tune, mais je dois admettre qu’elle fonctionne et qu’elle est nécessaire à la musique de 100 gecs. Sans cela, on obtient une chanson comme « Frog On The Floor », une chanson amusante, mais volontairement décalée, qui prend les pires morceaux de ska-pop enfantine et en fait une chanson. On peut dire que les gecs eux-mêmes riaient avant de la jouer en concert. Il n’y a pas eu beaucoup d’échanges sur scène de la part de 100 gecs, si ce n’est qu’ils ont présenté la chanson suivante et que Laura a dit « cool », avant de se lancer dans le morceau suivant. C’est Dylan qui s’est le plus illustré, faisant tenir sa guitare acoustique en équilibre sur son menton et mordant dans un oignon comme un fou après qu’un fan en ait jeté un sur scène.

« Personne ne lance plus d’oignons, ou je pourrais chier », a déclaré Laura en riant.

Même quelques jours après le concert, j’ai encore « Hollywood Baby » qui se fraye un chemin dans mon amygdale. Je ne peux pas non plus nier l’énergie pure qui régnait au Geccicon. Le public connaissait toutes les paroles, ne manquait pas une occasion de sauter et de se déhancher sur le répertoire des 100 gecs, qu’il soit nouveau ou plus ancien. À ce moment-là, j’aurais pu décider d’être comme Lester Bangs et de ne pas m’ouvrir à cette débauche de l’ère Myspace, ou j’aurais pu essayer de m’amuser. J’ai choisi cette dernière option. Sinon, à quoi bon ? J’ai couru dans la foule, le sac de l’appareil photo attaché à l’épaule, et j’ai fait du moshing à fond. Pendant « Billy Knows Jamie », je me tenais sur la pointe des pieds, haletant comme un guppy dans un aquarium surpeuplé. J’ai scandé le refrain de « Doritos & Fritos » et j’ai aidé un homme torse nu à pousser une fille pour surfer sur la foule pendant « Money Machine ». En fait, j’ai plongé dans mon gec intérieur comme un adolescent découvrant Nirvana pour la première fois, à la recherche d’un chaos angoissant et amusant.

En repensant à ma décision de rejoindre la folie avec des milliers de fans de gec, la motivation est venue du fait que j’ai vu le duo, oui, recréer en direct cette folie risible de l’ère des mèmes, mais aussi de l’aspect communautaire ressenti dans la foule. Tout le monde perdait la tête, transpirant ensemble comme des cochons à l’abattoir. La joie pure de certains de ces citoyens était palpable, et peu importe à quel point je méprisais le son de ce groupe, pendant ces quelque 20 chansons, j’ai eu l’impression d’en faire partie. J’ai été gecced.

100 gecs n’est pas une musique que je jouerai à mes heures perdues, mais encore une fois, je ne peux pas nier l’expérience live et j’ai passé un moment bizarre, mais agréable. Leur base de fans est plus dispersée que je ne l’imaginais et bien qu’ils soient connus comme un groupe de mèmes, sur scène, tout ce qu’ils font semble 100 % authentique – même une phrase vocale absurde comme « Queen of California / Hot like the heat is / Got Anthony Kiedis suckin’ on my penis ». J’ai même apprécié les grognements gutturaux de Laura cette fois-ci, parce qu’ils ont été construits et mérités.

Qui sait si je serai au prochain Gecigeddon/Geccicon/Gecivent, mais c’est un souvenir que je garderai en mémoire pour les années à venir.

Lors de son spectacle d’avril au Club Soda de Montréal, P’tit Belliveau, le nom d’artiste professionnel du troubadour indie folk/ pop rock acadien Jonah Guimond, a laissé entendre qu’il devenait indépendant à 100 % et qu’il serait de retour au Club Soda dans exactement un mois. Il est actuellement signé sur le géant de la musique francophone, Bonsound, mais il y avait aussi des spéculations parmi la foule sur le fait qu’il sortirait un nouvel album après le spectacle. Ce n’est toujours pas le cas.

Quoi qu’il en soit, le spectacle de P’tit Belliveau était une combinaison loufoque de banjo folk rock acadien, d’hyper pop synthétisée, de hip hop et même de nu metal après qu’il ait repris l’hymne de 2000 de Papa Roach, « Last Resort » – qu’il a tué, soit dit en passant.

Avant qu’il ne monte sur scène vers 21h30, nous avons pu voir blesse, une autre bizarrerie indie rock française, puis Peanut Butter Sunday, qui est arrivé vêtu de chemises à flammes Guy Fieri. La musique de chaque premier groupe donnait l’impression d’être dans les années fastes du rock alternatif de 2008 et la foule l’a dévorée.

Lorsque P’tit Belliveau s’est approché de la scène, il portait une cagoule noire, comme un bourreau gobelin satirique. Il affiche un grand sourire et se lance dans l’ouverture bluegrass trippante et vibrante « L’eau entre mes doigts ».

L’énergie de P’tit Belliveau est celle d’un homme ridiculement heureux de jouer sa musique en direct. Son humour, que l’on pourrait qualifier d’insolence de col bleu, a été mis à profit lorsqu’il s’est déchaîné sur le banjo avec son groupe : synthétiseurs, guitare, mandoline, basse funky et batteur à toute épreuve.

Les visuels semblaient avoir été réalisés sur MS Paint, en particulier lors de son tube « J’ai fait de la musique ».
J’aimerais d’avoir un John Deere », qui met en scène des tracteurs pixélisés circulant dans le champ vert classique de Windows. Autre moment fort : les caricatures grossières de P’tit Belliveau dansant autour de lui alors qu’il faisait chanter à la foule les paroles de « Demain ». En fait, ces caricatures ont fait plusieurs apparitions, parfois de manière plus psychédélique, un peu comme les bizarreries du film Being John Malkovich.

P’tit Belliveau connaît sa marque – une combinaison de mèmes Internet, la nostalgie d’une époque plus simple où des sites Web comme Newgrounds, Nexopia et même Neopets régnaient sur le Web à grande vitesse, le tout dirigé par un gars avec qui vous pourriez partager un pack de six tout en parlant de sport ou de la WWE. Combinez cela avec un penchant pour les accroches musicales contagieuses, et un tas de franglais acadien, et vous obtenez un morceau de P’tit Belliveau. Et en concert, c’est tout simplement trop amusant.

La foule s’est également mise en branle et a poussé des cris pendant l’hilarante  » Income Tax « , suivant P’tit alors qu’il chantait qu’il dépensait tout son argent en Taco Bell, WALMART, alcool et cartes d’essence. C’est tellement canadien, drôle et racontable pour tous ceux qui ont vécu de chèque en chèque.

Quelle que soit la raison pour laquelle P’tit Belliveau devient indépendant, il est facile de comprendre pourquoi il a connu un tel succès au cours des cinq dernières années, depuis ses débuts. Il est 100 % authentique et a une base de fans qui le suivra où qu’il aille. Qu’il soit indépendant ou soutenu par une grande maison de disques comme Bonsound.